Normalmente en las artículos siempre vemos consejos sobre un tema específico o sobre técnicas aisladas, pero nunca vemos cómo se combina todo ello para crear de cero una fotografía. Así que en este artículo he querido mostrarte algo diferente.

En este artículo quiero mostrarte una fotografía finalizada y vamos a analizar cómo hacerla paso a paso, desde la planificación y el disparo, hasta el procesado.

¿Quieres saber cómo hice esta foto?

La Localización

Analizar la localización en la que te encuentras es muy importante para decidir qué tipo de fotografía quieres conseguir. En este caso, me encontraba ante Brúarfoss, una pequeña cascada situada al sureste de Islandia.

Uno de sus mayores atractivos es el tono turquesa de sus aguas y por eso quería hacer que su agua fuera lo que más destacara de la foto. Para ello decidí disparar una toma de larga exposición, para conseguir un efecto seda en el agua. El efecto seda me encanta porque el agua se queda con una textura muy suave y atractiva, que llama mucho la atención.

Brúarfoss (Islandia)

El Equipo

Como te comentaba, decidí hacer una toma de larga exposición por lo que necesitaba usar un trípode para poder disparar una fotografía de varios segundos sin trepidar la toma. Así pues, monté mi Nikon D500 sobre mi trípode Manfrotto 290 Dual. Es un trípode algo pesado, pero es robusto y resistente, cosa que me proporciona la estabilidad necesaria para poder disparar tomas de larga exposición sin miedo a que la fotografía se trepide por ligeros movimientos o a causa del viento.

Respecto al objetivo, elegí un gran angular, mi Tokina 11-16 mm, para poder abarcar todo el paisaje en una sola toma. Algo que me encanta del Tokina 11-16 es que pese a ser bastante angular no deforma en exceso por los bordes como otros objetivos similares.

Al objetivo le acoplé un portafiltros NiSi para poder ponerle dos filtros cuadrados diferentes:

• Un ND1000, que reduce 10 pasos la exposición de la foto; imprescindible para poder realizar tomas de larga exposición diurna.
• Y un GND8, es decir, un filtro degradado que reduce 3 pasos la exposición en su parte más oscura, para compensar un poco la claridad del cielo y evitar que se me quemaran las altas luces.

Cómo Hice Esta Foto - Equipo Necesario

La Composición

Hay un puente que pasa justo por encima de este bonito río y creí que era una buena opción disparar desde allí. Sin embargo, el puente no era del todo estable, así que para una toma de larga exposición no me servía.

Justo debajo del puente había un pequeño saliente que quedaba sobre el río, así que decidí situarme allí. Puse el trípode un poco alto, dado que la cascada es bastante bajita, para así intentar abarcarla con un poco más de perspectiva, para que no quedase tan plana.

Después encuadré jugando con la dirección del propio río, haciendo que saliera del encuadre por la esquina inferior izquierda. Aunque el saliente de debajo del puente no me daba margen para poder crear un punto de fuga potente, sí pude jugar un poco con las líneas del paisaje de esa manera.

Puente sobre Brúarfoss

Los Parámetros de la Cámara

Una vez montado todo el equipo tocaba configurar los parámetros de la cámara. Para no perder demasiado tiempo, en las tomas de larga exposición se suele usar la Ley de Reciprocidad. ¿Cómo? Muy fácil.

Primero disparamos una toma con una velocidad de obturación media, abrimos el diafragma al máximo y subimos la ISO lo que haga falta para exponer bien la fotografía. Una vez tengamos claros los parámetros que nos proporcionan una toma bien expuesta, nos vamos a cualquier app que nos ayude a calcular la exposición de la toma. Yo suelo usar Photopills.

Calculadora de exposición de Photopills

En la app pondremos los parámetros que nos han dado una toma bien expuesta y modificaremos los que queramos para que la aplicación recalcule los demás. En este caso, quería disparar a 30 segundos para crear un efecto seda bien marcado, y no quería cerrar más de f/16 para no causar difracción y perder nitidez en la toma. Así pues tuve que bajar la ISO al mínimo, a 50, para poder exponer bien la fotografía, pero sin quemar las altas luces del cielo, ya que estaba bastante blanquecino.

Finalmente, activé el disparo retardado de mi cámara, paro no hacer vibrar el trípode al pulsar el botón de disparo, y listo.

Disparo retardado

El Procesado

Una vez disparada la fotografía llega el momento de revelarla. Yo siempre disparo en formato RAW para conseguir la máxima información posible de luminancia y color, así después en el procesado tenemos un mayor margen de corrección. En este caso nos va a venir estupendamente para poder compensar el gran contraste que hay entre la oscuridad del suelo y la luminosidad del cielo.

Voy a abrir la fotografía en Photoshop. Al ser en formato RAW, se abre con Camera Raw directamente. Si tu fotografía está en JPG, para acceder a Camera RAW deberás ir al menú Filtro/Filtro de Camera RAW.

1. Perfil Plano

Lo primero que siempre hago es cambiar el perfil estándar a un perfil neutro o plano, desde el desplegable Perfil de la pestaña Básico (en versiones anteriores del programa puedes encontrarlo la pestaña Calibración de Cámara). Generalmente encontrarás el perfil más plano en el desplegable Coincidencia de cámara.

Dependiendo de la marca y modelo de cámara que tengas encontrarás perfiles diferentes, pero todas tienen uno que es más plano que los demás, en el que la fotografía aparecerá más descontrastada. Este perfil va a hacer que ni las sombras sean tan negras, ni las altas luces sean tan blancas, lo que nos vendrá genial para poder compensar el gran contraste de luminosidad entre cielo y suelo, y nos ayudará a recuperar las altas luces para conseguir algo de volumen en el cielo.

A continuación bajaremos bastante las Iluminaciones para recuperar el cielo y un poquito también la Exposición. Después subiremos las Sombras para compensar la diferencia de luminosidad del suelo. También voy a darle algo de Intensidad para que los colores se hagan más vibrantes, ya que especialmente nos interesa potenciar el agua turquesa de esta cascada.

Ahora vamos a aceptar el revelado. Sí, es cierto que así la fotografía llama poco la atención, tan descontrastada y lavada, pero esto no es la fotografía final, sino la base sobre la que empezaremos a retocar. Siempre me gusta revelar así las fotos que voy a retocar exhaustivamente, dejándolas bastante lavadas, para poder después sacar más matices en las sombras, las altas luces y los colores en el retoque posterior.

Así pues, en este paso la fotografía no tiene que quedar "bonita", tiene que quedar "útil".

2. Potenciar el Cielo

Ahora voy a intentar potenciar al máximo el cielo de la toma, ya que al ser un día tan gris ha quedado un poco soso. Ya te explicamos cómo hacerlo paso a paso en el artículo: "Consigue unos Cielos Espectaculares en tus Fotografías de Paisaje con Photoshop", así que si quieres ver exhaustivamente este paso, te recomiendo que le eches un vistazo.

Cielos Espectaculares con Photoshop

Primero duplicamos la capa y después, con la herramienta Selección rápida , seleccionamos el cielo simplemente pulsando y arrastrando. Para apurar la selección en las plantas que sobresalen, he ido al botón Seleccionar y Aplicar máscara que encontramos en el menú superior de la selección. Aquí, con el Pincel para perfeccionar bordes he pintado por todas esas zonas que no han quedado bien seleccionadas, para que Photoshop las recalcule. Cuando aceptemos, tendremos una selección mucho más apurada que antes.

Ahora, con la selección activa, vamos a irnos al botón de añadir máscara de capa que encontrarás debajo de la ventana de capas, para convertir esta selección en una máscara de capa.

Selecciona de nuevo la capa de la foto (tendrás seleccionada la propia máscara) y ve al menú Filtro/Filtro de camera raw. Aquí, aunque veas que todo afecta también al suelo, la máscara solo va a dejar que se vea el cielo, así que tan solo preocúpate de lo que le ocurra al cielo con estos ajustes.

Vamos a darle Contraste y Borrar neblina para que las nubes destaquen mucho más. También vamos a aumentar la Claridad y la Textura, y a subir las Sombras y la Exposición para poder bajar algo las Iluminaciones. Así conseguiremos que las nubes del cielo se marquen lo máximo posible.

Pero esto también ha aumentado mucho el ruido de la toma y ha creado unos colores bastante irreales en el cielo. Además, también se han marcado mucho algunas gotas que se quedaron en el filtro a causa del agua del ambiente. Vamos a solucionarlo.

Nos vamos a la pestaña de Detalle y en el panel de Reducción de ruido aumentamos al tope la Luminancia, y jugaremos con el deslizador de detalle para así eliminar el ruido de la toma pero conservando las formas de las nubes.

Como ves, la gran mayoría de las gotas se ha eliminado con este paso. Las demás las borraremos después. Vamos primero a mejorar el color del cielo.

Lo más sencillo será pasar la foto a blanco y negro.

Pero va a ser muy raro que el cielo tenga un blanco y negro puro, comparado con el suelo, así que siempre me gusta darle un poquito de tono azulado. Como al pasar la foto a blanco y negro no podemos agregar colores, lo más rápido será crear un Filtro graduado que abarque todo el cielo, y aquí ya podremos darle un toque de color desde la última opción "Color".

Pulsamos Enter dos veces para aceptar el filtro local y aceptamos el efecto para volver de nuevo a la interfaz básica de Photoshop. Como tenemos una máscara de capa, todos estos cambios tan solo se aplicarán al cielo.

Antes de continuar, vamos a eliminar las gotitas del cielo que aún se notan, para que no se nos olviden después. Usaré la herramienta Parche , que es muy sencilla. Tan solo selecciona con el ratón la mancha, y pincha y arrastra hacia la zona que quieras copiar sobre ella. Al soltar se sustituirá y fusionará automáticamente.

3. Igualar el Suelo

Ahora vamos a retocar un poco el suelo también, así que duplica la capa fondo de nuevo. Como antes hemos seleccionado el cielo, lo más sencillo va a ser usar esa selección. Para ello, pulsa Control + Click sobre la máscara de capa del cielo para crear una selección basada en esa máscara, y ve al menú Selección/Invertir, para seleccionar el suelo.

Ahora crea una máscara desde el botón rápido de debajo de la ventana de capas en la capa que has duplicado; selecciónala y ve de nuevo al menú Filtro/Filtro de camera RAW.

Aquí corregiremos ligeramente el suelo, dándole algo más de Exposición, Contraste y Claridad, subiendo las Sombras y bajando algo las Iluminaciones y los Negros. También aumentaremos bastante la Intensidad para potenciar los colores.

Recuerda que, al igual que antes, todos estos ajustes tan solo se van a aplicar a la parte de la máscara que estamos mostrando, en este caso el suelo. Así pues, cuando aplicamos estos ajustes no debemos hacer caso a cómo está quedando el cielo, porque no se va a ver. El cielo que se va a ver es el que hemos retocado antes.

Ahora tenemos separados el cielo y el suelo en dos capas distintas, así que vamos a unirlas en una capa nueva usando el atajo de teclado Control + Alt + Shift + E. Así acoplamos la imagen pero sin perder las capas anteriores, por si acaso necesitamos recuperar alguna de ellas o usar sus máscaras más adelante.

4. Corrección de Color

Para terminar de unificar cielo y suelo siempre me gusta usar los filtros de color de Consulta de colores. ¿No sabes lo que son? ¡Aquí te dejo un fragmento de nuestro Fototip sobre este ajuste!

Descubre el Ajuste Consulta de Colores de Photoshop

Aunque el color ya es algo muy personal, te voy a contar cuáles son los filtros que más me gustan a mi. Yo siempre agrego: Filmstock 50, Foggy night, Teal orange plus contrast y Fall colors. Pero eso sí, a una opacidad del 20 o 30%, porque son muy agresivos.

Después también me gusta agregar una capa de ajuste de Exposición para lavar un poco la toma y darle un toque cinematográfico, jugando con los deslizadores de Desplazamiento y Corrección de Gamma. Puedes bajarle la opacidad a la capa de ajuste también si crees que es un efecto demasiado agresivo.

Vuelve a acoplar ahora todas las capas en una nueva capa usando el atajo de teclado Control + Alt + Shift + E y vamos a ir de nuevo al Filtro de Camera RAW para darle el toque final a la fotografía. Aquí podemos ir al panel HSL para modificar el Tono, la Saturación y la Luminancia de cada color por separado. Así podremos darle una mayor presencia al turquesa del agua, y modificar al gusto el resto de los colores de la fotografía.

5. Incrementar la Nitidez

Finalmente, siempre me gusta darle un toque de nitidez a la fotografía. Personalmente me gusta hacerlo con la técnica de la separación de frecuencias, porque creo que es el enfoque que más sutil queda y no suele aumentar casi el ruido de la toma. Ya te explicamos cómo incrementar la nitidez con esta técnica en nuestro artículo "Consigue un Espectacular Nivel de Detalle en Tus Fotografías Utilizando la Separación de Frecuencias con Photoshop".

Para ello, vamos a duplicar la capa actual dos veces, para tener dos iguales. A la capa de arriba la llamaremos Textura y a la de abajo Color, para no liarnos. Vamos a seleccionar primero la capa Color y vamos a irnos al menú Filtro/Desenfocar/ Desenfoque gaussiano, y vamos a darle 2 puntos de desenfoque.

Después seleccionamos la capa Textura y nos vamos al menú Imagen/Aplicar imagen. En Capa vamos a seleccionar la capa Color, Canal lo dejaremos en RGB y marcaremos la casilla Invertir. En fusión pondremos Añadir, y Escala siempre deberá ser 2. Por eso el desenfoque era de 2 puntos, porque aquí siempre agregamos 2 puntos, así que los 2 que perdemos con el desenfoque, son los 2 que recuperamos ahora.

Al aceptar verás que la capa Textura se ha quedado totalmente gris, con las líneas de la textura ligeramente marcadas. Vamos a ponerla en modo de fusión Luz lineal para que se funda con la capa Color.

Ahora ya tenemos el color y la textura de la fotografía separados en dos capas diferentes, por lo que vamos a poder darle más enfoque tan solo a la textura de la foto, que es lo que nos interesa. Selecciona la capa Textura y ve al menú Imagen/Ajustes/ Brillo y contraste. Aquí sube el Contraste para marcar más las líneas de la textura.

Como ves, es un efecto que nos da una buena nitidez pero sin crear bordes dobles ni acentuar el ruido en exceso, como ocurre con otro tipo de filtros de enfoque.

Y ahora sí que sí, ¡ya tenemos nuestra fotografía lista!

Original

Retocada

¿Qué te ha Parecido?

Ya ves que a la hora de crear una fotografía juntamos muchas de las técnicas y consejos que siempre solemos ver por separado, por eso he querido mostrarte hoy un artículo diferente, para ver de manera práctica cómo se aplica en la realidad todo lo que vamos aprendiendo poco a poco.

¿Te animas a aplicarlo ahora en tus propias fotografías?

Si alguna vez has intentado fotografiar la vía láctea quizás el resultado te haya decepcionado un poco. Y es que esas fotos tan espectaculares de la vía que solemos ver por internet no salen así de serie. Necesitan un revelado digital para poder exprimir toda la información que tiene almacenada la fotografía.

En este artículo quiero enseñarte algunas técnicas diferentes que puedes usar para sacarle el máximo partido a tus fotografías de la vía láctea. Veremos cómo conseguirlo tanto en Lightroom como en Photoshop. ¡No te lo pierdas!

Antes de Disparar…

La edición digital nos va a ayudar a explotar al máximo toda la información que contiene nuestra fotografía para conseguir marca la vía láctea todo lo posible.

Sin embargo, antes de disparar deberás seguir algunos consejos para conseguir una buena base. Si nuestra foto no es buena de base, poco podremos hacer por mejorarla luego.

Deberás seguir los consejos que te dábamos en otros artículos como:

• Cómo Fotografiar la Vía Láctea: una Guía Práctica
• La Guía Definitiva para Fotografiar Estrellas

Sobre todo será importante que:

• Evites de la contaminación lumínica de las ciudades y de la luna
• Dispares en formato RAW para captar la máxima información posible
• Abras el diafragma al máximo
• Subas la ISO a 3200 o más
• Uses largas exposiciones pero sin llegar a captar las estrellas como trazas (normalmente entre 20 y 30 segundos)
• Actives la reducción de ruido en exposiciones prolongadas

Siguiendo estos consejos y todos los demás que encontrarás en los artículos que te comentaba antes podrás tener una muy buena base para empezar el revelado digital de tu fotografía.

La clave de cualquiera de las técnicas que veremos a continuación va a ser contrastar mucho el cielo para que se marquen claramente los contornos de la vía láctea, destacando así tanto sus partes más oscuras como sus zonas más brillantes.

Eso sí, deberás tener en cuenta que esto también aumentará considerablemente el ruido de tu toma, por lo que deberás ser moderado si no quieres acabar arruinando por completo tu fotografía.

Revelado Digital en Lightroom

Aunque las técnicas más potentes para marcar al máximo la vía láctea se usan en Photoshop, en Lightroom también vamos a poder potenciarla mucho.

Aprende a Editar la Vía Láctea en Lightroom y Photoshop

Lo primero que deberás tener en cuenta es que necesitarás usar alguno de los ajustes por zonas de Lightroom, para afectar tan solo al cielo. Si contrastas de la misma manera el suelo, probablemente se quedará tan oscuro que no se reconozca nada de lo que hay en él. Si tu fotografía tiene un horizonte claramente definido te vendrá bien el Filtro Graduado. Sino, tendrás que usar el Pincel de Ajuste para seleccionar exactamente la zona sobre la que quieres actuar, en este caso el cielo.

Para aplicar un filtro graduado pincha antes de que acabe el cielo y arrastra hasta donde empiece la parte del suelo, para definir el desvanecimiento del ajuste. Si, en cambio, usas el pincel de ajuste, simplemente configura el pincel con un tamaño que se adecue a las formas de tu suelo y pinta el cielo lo más apuradamente posible.

Una vez hayas aplicado el ajuste, podrás configurar en él los parámetros a tu gusto. Cada fotografía será diferente, pero normalmente deberás jugar con los siguientes parámetros:

• Temperatura/Matiz: El balance de blancos puedes ponerlo a tu gusto, aunque procura que no se pierdan los tonos naturales de la vía láctea si lo pones demasiado frío o demasiado cálido.
• Contraste: Cuanto más lo aumentes más se marcará la vía. Pero sé moderado, también aumentará el ruido de la toma.
• Altas luces/Blancos: Si hay alguna luz que contamine la escena puedes bajarlas un poco para paliarla, pero no te pases o apagarás las estrellas también. Por el contrario, si notas que las zonas más brillantes de la vía están algo apagadas, puedes subirlas para marcarlas más.
• Sombras/Negros: Puedes bajarlas un poco para marcar más las zonas oscuras de la vía láctea.
• Claridad: Funciona de manera similar al contraste. Al aumentarla marcará más la vía láctea pero incrementará el ruido también.
• Saturación: Normalmente el RAW siempre deja los colores algo apagados, por lo que podrás recuperarlos subiendo un poco este parámetro.
• Borrar Neblina: Este efecto sirve para eliminar la neblina del ambiente, pero lo hace contrastando mucho la fotografía, por lo que usarlo es un buen truco para marcar fácilmente la vía láctea. Como en las demás herramientas que contrastan la foto, ten en cuenta que aumentarlo en exceso también aumentará el ruido de tu toma.

Finalmente, puedes hacer un nuevo ajuste local para ajustar a tu gusto la zona del suelo.

Revelado Digital en Photoshop

1. Adobe Camera RAW

Como ya te hemos contado alguna vez, Adobe Camera Raw es una especie de Lightroom integrado dentro de Photoshop, por lo que son muy parecidos. Encontrarás los mismos ajustes por zonas que te recomendé antes en el menú superior, y se usan también de la misma manera. Encontrarás la configuración de dichos ajustes en el panel lateral derecho.

2. Pincel de Historia

Un método muy efectivo para marcar la vía lactea es el Pincel de historia. Te ayudará a oscurecer las sombras de la vía para que se note mucho más su forma surcando el cielo.

Lo primero que deberás hacer es duplicar la capa con Control+J (o Comando+J en Mac), para tener siempre el archivo original abajo del todo. Después ve al menú Imagen/Ajustes/Brillo y Contraste. Aumenta bastante el contraste y si quieres dale un pelín de brillo para que se marquen más las estrellas. Ahora mismo olvídate del suelo y céntrate tan solo en el cielo. Aunque el suelo se quede excesivamente oscuro no te preocupes, luego lo arreglaremos.

Después, desde el menú Imagen/Ajustes/Equilibrio de color puedes corregir el color del cielo y darle más potencia al color desde Imagen/Ajustes/Intensidad. Todos estos ajustes también puedes hacerlos desde el propio Adobe Camera RAW o Lightroom cuando reveles la fotografía si lo prefieres.

Ahora es cuando viene el paso decisivo. Duplica la capa con Control+J (o Comando+J en Mac) y selecciona la herramienta Pincel de Historia  en modo Subexponer color, a un 4% de opacidad, 0 de dureza y a un tamaño más o menos del ancho de la vía. Ve pintando con este pincel a lo largo de toda la vía para ir marcándola más, poco a poco. Para hacer un pequeño degradado hacia el resto del cielo, bájale la opacidad al pincel a un 2% y pinta alrededor de la vía. Así se fundirá mejor con el resto del cielo y no quedará como un pegote.

Finalmente, nos toca arreglar el suelo. Lo podemos hacer de muchas maneras, pero la manera más sencilla es crear una máscara  en nuestra capa superior, y ocultar el resto de capas dejando tan solo visible debajo del todo la capa original. Usando la herramienta Degradado  en la máscara de capa que acabas de crear, crea un degradado de blanco a negro, haciendo coincidir el blanco en la parte del cielo y el negro en la parte del suelo. Con esto lo que vas a conseguir es que se muestre de manera muy gradual el suelo original. Si el suelo no tiene un horizonte definido sino que sube y baja (como por ejemplo una montaña) puedes terminar de ajustar esta máscara pintando con un pincel grande y difuso en color negro la zona que no haya quedado bien cubierta por el degradado.

Por último, si quieres también corregir el color del suelo, simplemente aplica a la capa original cualquiera de los ajustes de corrección de color que encontrarás en el menú Imagen/Ajustes, o directamente puedes editarla desde el menú Filtro/Filtro de Camera Raw.

3. Dodge & Burn

Ya te explicamos en otro artículo las ventajas de la técnica del Dodge & Burn para retocar retratos. Pero no solo sirve para esto, en realidad esta técnica puede aplicarse a cualquier tipo de fotografía para realzar y crear volúmenes. Y en las fotos de la vía láctea, nos va a venir genial para realzar tanto sus sombras como sus luces.

Esta técnica se puede aplicar con diversas herramientas, pero en este caso creo que la forma más sencilla es usar sus herramientas originales, las herramientas que le dan su nombre: Subexponer (Dodge)  y Sobreexponer (Burn) .

En primer lugar duplica la capa y nos centraremos primero en subexponer las sombras del cielo para marcar más la forma de la vía. Deberás configurar la herramienta en el menú superior:

• Rango: Trabajaremos con Sombras, pero si ves que quieres marcarla un poco más, puedes cambiar a Medios Tonos. Eso sí, si haces esto procura ser muy sutil, porque la subexposición será mucho más agresiva.
• Exposición: Define cuánto actuará la herramienta por cada pasada que demos con el pincel. Es recomendable usar una exposición baja, del 10% o menos, para hacer un retoque más sutil y controlarlo mejor.
• Pincel: Usa un pincel difuso, con dureza al 0% y un tamaño aproximadamente del grueso de la vía láctea.

Una vez configurada  la herramienta Subexponer, ve dando pinceladas a lo largo de toda la vía para ir marcándola cada vez más. También es recomendable pintar un poco alrededor de la vía para fundir este retoque con el cielo, y que no se note un pegote.

Ahora haremos lo mismo con la herramienta Sobreexponer. La tendremos que configurar de la misma manera que la herramienta subexponer, exceptuando el rango. En este caso, en Rango deberemos poner Iluminaciones. De la misma manera que antes, podremos cambiar el Rango a Medios Tonos si queremos que el retoque quede un poco más agresivo.

Finalmente también puedes usar esta técnica para darle más volumen y luminosidad a la zona del suelo, si lo prefieres.

4. Máscaras de Luminosidad

Sin duda mi método favorito para sacarle el máximo partido a la vía láctea son las máscaras de luminosidad. Con estas máscaras podremos editar por separado las sombras, los medios tonos y las altas luces, para dejar la fotografía completamente a nuestro gusto.

En este artículo te enseñábamos a crear paso a paso una máscara de luminosidad, pero es mucho más rápido y sencillo usar el plugin de los paneles de Tony Kuyper. Pese a ser un plugin de pago, las máscaras de luminosidad sí las ofrece de manera gratuita.

Una vez instalado siguiendo las instrucciones que se indican en el propio plugin, deberás abrirlo desde Ventana/Extensiones/Basic, para que te aparezca en la columna de herramientas de la derecha, al lado de la ventana de capas.

En cada uno de los menús encontramos:

• L (Lights), que seleccionará las altas luces
• MT (Mid Tones), que seleccionará los medios tonos
• D (Darks), que seleccionará las sombras

Cada una de ellas tiene botones del 1 al 5 (o del 1 al 3 en el caso de los medios tonos), siendo el 5 la máscara más restrictiva y el 1 la que alcanzará un mayor rango de altas luces, medios tonos o sombras. Finalmente también encontramos un botón de All, para seleccionar todas las altas luces, medios tonos o sombras de la fotografía.

Ahora que ya sabes qué significa cada botón del panel de máscaras de luminosidad de Tony Kuyper, simplemente deberás crear capas de ajuste de curvas pulsando en cada botón de altas luces, medios tonos y sombras que mejor se ajuste a tu fotografía. Puedes crear tantas como quieras, hasta dejar tu fotografía tal y como tenías pensado. Yo he creado las siguientes en la fotografía de ejemplo, aunque como siempre, cada foto será diferente:

• Curvas L2: Para aclarar más las estrellas y las partes más brillantes de la vía láctea
• Curvas MT2: Para oscurecer en general todo el cielo y que destaquen así más las altas luces
• Curvas D3: Para oscurecer las partes más oscuras de la vía. En esta máscara he pintado en negro el suelo (como te explicaré más adelante) para afectar solamente a la zona del cielo
• Curvas MT3: Para contrastar un poquito toda la fotografía en general

Sobre cada una de ellas, he movido ligeramente la curva hacia arriba por la parte superior derecha, y ligeramente hacia abajo por la parte inferior izquierda, formando una pequeña "S", para contrastar más el efecto. Si no sabes exactamente cómo funcionan las capas de ajuste de Curvas, te recomiendo que te pases por este artículo.

Finalmente, también puedes pintar sobre la propia máscara de la capa de ajuste para que no afecte a cierta zona de la fotografía. Por ejemplo, en una capa de ajuste de sombras te interesaría oscurecerla para marcar más la vía láctea , pero seguramente no querrás que tu suelo se oscurezca también. Puedes pintar esa zona en negro con un pincel grande y muy difuso o pintar un degradado de negro a transparente para que la transición sea lo más suave posible.

De igual manera, podrás aplicar máscaras de luminosidad de sombras para el suelo y pintar de negro en la máscara la zona del cielo para ajustar solamente la parte del suelo.

Ya te hablamos sobre las selecciones más básicas de Photoshop en nuestro artículo "Descubre Qué Son las Selecciones en Photoshop y Cómo Usar las más Básicas". Pero sin duda una de las que más vas a usar es la Selección Rápida. Por eso en este artículo te quiero hablar exclusivamente sobre ella, para conocerla a fondo.

Gracias a la Selección Rápida podrás, de manera sencilla, realizar la mayoría de selecciones que necesites. ¿Quieres saber cómo utilizarla?

¿Cómo se Configura?

Encontramos la herramienta de Selección Rápida en la barra de herramientas de la izquierda, con este icono: . Si no la encuentras, pulsa sin soltar el botón del ratón sobre la herramienta Varita Mágica y se desplegarán otras herramientas, donde podrás encontrar la de Selección Rápida. Cuando selecciones esta herramienta, arriba aparecerá una pequeña barra de configuración.

1. Selección nueva: Si activas este botón, borrarás la selección actual cuando crees una nueva selección.
2. Añadir a selección: Si activas este botón, la selección que crees se agregará a la selección activa. Por defecto se activa cuando empiezas a crear la selección, por lo que siempre irás sumando las selecciones que hagas a no ser que desactives el botón.
3. Restar de la selección: Si activas este botón, la selección que crees se restará de la selección activa. También puedes restar selección si mantienes pulsada la tecla Alt mientras creas la nueva selección.
4. Configuración del pincel: La selección rápida es como un pincel, "pintamos" la selección con ella, así que como tal, tiene su propia configuración de pincel.
   • Tamaño: El tamaño de la circunferencia del pincel.
   • Dureza: Si queremos que el borde de la selección sea más difuso o si, por el contrario, queremos que sea más duro.
   • Espaciado: Regula la distancia entre las marcas del trazo del pincel. Si lo bajas, con un leve movimiento la selección se extenderá rápidamente, mientras que si lo subes, deberás mover más el cursor para que la selección avance.
   • Ángulo y Redondez: Sirven para darle al pincel una forma ovalada en vez de circular. Se pueden alterar también interaccionando con el dibujo del pincel.
   • Tamaño (desplegable): Sirve para configurar el tamaño del pincel según diversas interacciones con la tableta gráfica, como la presión del lápiz o los diales de la tableta.
5. Muestrear todas las capas: Crea la selección fijándose no solo en la capa actual sino en todas las demás capas también. Es ideal para cuando estamos trabajando en una composición formada por diversas capas y no queremos acoplarlas para crear la selección.
6. Mejorar automáticamente: Suaviza y mejora la selección perfeccionando el borde y reduciendo rugosidades y aristas para crear una selección más precisa y natural. Siempre es conveniente tener esta casilla activada.

¿Cómo se Usa?

El uso de la selección rápida es muy simple. Como si de un pincel se tratara, pulsa y arrastra por la zona que quieras que se seleccione. La selección irá avanzando, abarcando lo que el programa considere que tiene una tonalidad y textura similares.

Por supuesto, no siempre acertará, así que deberás ir sumando y restando selección para apurarla lo máximo posible. Recuerda que para sumar selección simplemente deberás ir pulsando y arrastrando en las diferentes zonas que falten por seleccionar, y para restar selección deberás hacer lo mismo pero con la tecla Alt pulsada (o con el botón del menú superior activado).

Vamos a ver de manera práctica cómo funciona esta selección, para saber cómo lidiar con los problemas que nos puedan surgir.

1. Selecciones Sencillas

En primer lugar vamos a ver el caso más sencillo: una zona con un color uniforme y que se diferencia bastante bien del resto de la fotografía.

Simplemente hemos hecho click y arrastrado un poco por el cielo con esta herramienta y ya nos ha seleccionado todo el cielo de golpe. Sin embargo, si nos fijamos bien podemos advertir que hay ciertas zonas de la montaña que no han quedado bien seleccionadas.

Esto seguramente haya ocurrido por dos razones: porque esta zona está bastante iluminada y puede confundirse un poco con la claridad del cielo, y porque son picos muy finos, por lo que a la herramienta le cuesta un poco encontrar sus límites. Esto suele pasar a menudo cuando tratamos de seleccionar zonas con siluetas muy irregulares o escarpadas, así que haz zoom y fíjate muy bien en los bordes de la selección para asegurarte de que es 100% correcta.

Pero no te preocupes, solucionar esto va a ser muy fácil. Simplemente deberemos configurar el tamaño del pincel para que sea más pequeño e iremos restando selección en todas las zonas de la montaña que estén dentro de nuestra selección, recuerda, pulsando Alt mientras clickas y arrastras.

Si en algún momento ves que la selección retrocede más de lo debido y pierde un trozo de cielo, súmalo a la selección de nuevo. La herramienta de Selección Rápida recalculará de nuevo la zona, sabiendo que ya le has dicho antes que reste esa parte de la montaña, así que a medida que sumas y restas selección en una misma zona, se irá haciendo más precisa.

2. Selecciones Complejas

Sin embargo, no siempre vamos a encontrarnos con selecciones tan sencillas. Podemos encontrarnos situaciones algo más complicadas, donde no vamos a poder seleccionar la zona de golpe y porrazo, solo con un click y arrastrar.

Por ejemplo, si quisiéramos seleccionar este cielo mucho más complejo que el anterior, deberíamos ir clickando y arrastrando por todas las zonas de tonos diferentes para que la Selección Rápida lo seleccionara por completo.

Pero bueno, tan solo es echarle algo de paciencia e ir sumando y restando selección hasta conseguir una selección lo más apurada posible. Después te enseñaré cómo podemos combinar otro tipo de selecciones con la Selección Rápida para apurar las selecciones al máximo.

3. Selecciones Imposibles

Como todo, la Selección Rápida también tiene sus limitaciones. Aunque es una herramienta muy versátil y nos va a servir en la mayoría de situaciones, no va a poder sernos útil en el 100% de los casos.

Con esta herramienta nos será imposible, por ejemplo, seleccionar algo detrás de un entramado complejo, como por ejemplo un cielo tras unas ramas de árbol. Para este tipo de situaciones será mejor usar la Varita Mágica (sin marcar la casilla de "Contiguo"), o ya optar por la Selección por Canal, que sería el método más preciso.

Tampoco nos va a ser útil la Selección Rápida (ni ninguna otra selección semiautomática, en realidad) para seleccionar zonas muy complejas.

Por ejemplo, esta fotografía es extremadamente compleja y seleccionar a las dos personas retratadas va a ser algo prácticamente imposible de conseguir, porque tanto el fondo como ellas tienen muchas tonalidades, texturas y recovecos. En este tipo de situaciones tan complicadas, la única salida posible es realizar una selección totalmente manual usando la Herramienta Pluma.

Cuando la Selección Rápida no es Suficiente

Algunas veces te encontrarás en la situación de que la Selección Rápida te puede solventar la mayoría de la selección que necesitas, pero hay alguna zona que se le resiste. En estos casos no necesitarás cambiar de herramienta, sino simplemente combinarla con otras.

Lo bueno de las selecciones en Photoshop es que todas se pueden combinar entre ellas sin problema, así que podrás sumar o restar selecciones con cualquier herramienta de selección.

Herramienta Lazo

Sin duda una de las mejores compañeras que puede tener la Selección Rápida es la Herramienta Lazo . Con el lazo puedes ayudarle a la Selección Rápida a sumar o restar alguna zona que no se haya seleccionado correctamente, a mano alzada. Obviamente solo nos va a servir para zonas muy sencillas, pero será la manera más rápida de agregarlas o restarlas de nuestra selección. Por supuesto, si cuentas con una tableta gráfica podrás ser mucho más preciso usando la herramienta Lazo, que si tan solo cuentas con el ratón.

Por ejemplo, en esta fotografía al seleccionar el cielo se ha medio seleccionado un trozo de montaña. Al ser un trozo pequeño y sin demasiada complicación, podemos restarlo fácilmente de la selección usando la herramienta Lazo. Simplemente deberemos clickar y dibujar el contorno de la montaña sin soltar el botón del ratón (o sin levantar el lápiz de la tableta, en el caso de que estemos usando una tableta gráfica). Recuerda que como queremos restar ese trozo a la selección, deberemos mantener pulsada la tecla Alt mientras dibujamos este contorno con el Lazo.

Varita Mágica

La Varita Mágica  nos va a venir bien sobre todo para seleccionar pequeños huecos, ya que a veces la Selección Rápida se vuelve loca al intentar seleccionar huecos muy pequeños, y acaba seleccionando más trozo del que debe. Simplemente tendrás que configurar su Tolerancia en el menú superior para que abarque más o menos tonos, y pinchar sobre una zona mientras mantienes pulsada la tecla Shift para sumarla a la selección, o Alt para restarla de la selección.

También es interesante conocer la casilla "Contiguo". Si la marcas, tan solo se seleccionarán los tonos similares que estén pegados unos a otros. Si la desmarcas, se seleccionarán todos los tonos similares de toda la fotografía.

Por ejemplo, en esta fotografía los huecos entre las columnas de la izquierda no se seleccionaban correctamente a la primera con la Selección Rápida al ser tan pequeños. Con la Varita Mágica los hemos añadido a la selección rápidamente.

Seleccionar y Aplicar Máscara

Ésta, técnicamente, no es una herramienta de selección como tal, sino más bien una herramienta para mejorar las selecciones. Nos va a venir genial cuando haya algún borde muy irregular o con muchas ramificaciones que no hayamos podido seleccionar bien, ni siquiera combinando la Selección Rápida con las otras herramientas de selección.

Por ejemplo, un problema muy típico con el que seguro que te vas a encontrar: seleccionar pelo. Por mucho que intentes apurar tu selección con diversas herramientas, es imposible seleccionar pelo de manera natural. Para eso tenemos esta opción: Seleccionar y Aplicar Máscara. La encontrarás dentro del menú Selección o en forma de botón en la barra de herramientas superior que aparece al usar cualquier herramienta de selección. Al usar esta herramienta, se nos abrirá una ventana secundaria con todas sus opciones.

A mano izquierda podrás encontrar diversas herramientas de selección, como la propia Selección Rápida, el Lazo, o un Pincel para pintar la zona a seleccionar a mano alzada. Pueden venirte bien para mejorar a mano la selección, pero la herramienta que más nos interesa aquí es el Pincel para perfeccionar bordes . Si pintamos los bordes que han quedado mal seleccionados con esta herramienta, Photoshop los recalculará automáticamente para seleccionar cualquier pequeño hueco que haya entre ellos y que pertenezca a lo que hemos seleccionado anteriormente.

Si quieres aprender a utilizar a la perfección la interfaz de Seleccionar y Aplicar Máscara, te recomiendo que te pases por nuestro artículo "Aprende a Seleccionar Pelo a la Perfección con Photoshop".

Un Ejemplo Práctico

Vamos a aplicar todo lo aprendido a un ejemplo práctico. Vamos a seleccionar el cielo de esta fotografía para cambiarlo por un cielo mucho más atractivo.

Lo primero que vamos a hacer es seleccionar el cielo con la herramienta Selección Rápida. Pulsaremos y arrastraremos en ambas partes del viaducto para sumar a la selección las dos partes del cielo. Sin embargo, se nos presentan dos problemas que tendremos que solucionar.

Por una parte, advertimos que en uno de los arcos del viaducto hay un pequeño trocito de cielo que asoma, por lo que vamos a seleccionarlo de manera más sencilla con la Varita Mágica. Ésta no ha terminado de seleccionar bien el trozo, porque el color del cielo es muy similar al del viaducto, así que hemos terminado de arreglar la selección restando ese trozo de viaducto que se había seleccionado usando la herramienta Lazo.

Y, por otra parte, también vemos que en la zona donde las nubes alcanzan la cima de la montaña, la selección no consigue quedar bien, ya que esa zona no tiene un borde definido, sino muy difuso.

Esto lo solucionaremos fácilmente desde la interfaz de Seleccionar y Aplicar Máscara, con el Pincel para perfeccionar bordes. Hemos pintado con este pincel tanto la zona de las nubes que tocan la montaña como esa pequeña rama que sobresale a mano izquierda, la cuál tampoco había quedado bien seleccionada al ser tan finita. Photoshop ha recalculado sin problema la selección en estas partes, y la ha mejorado mucho.

Ahora ya tenemos nuestra selección lista. Tan solo queda dar el paso final. Pulsar el botón de Añadir máscara (debajo de la ventana de Capas) para que esta selección se transforme en una máscara de capa, asegurarnos de invertir la máscara (con la tecla I) para que sea el cielo la zona que se quede oculta, y arrastrar una imagen de un cielo más atractivo detrás de esta capa, para que asome por detrás del viaducto.

¡Y voilà! Ya tenemos nuestro cielo cambiado, gracias a la Selección Rápida. Ya vimos paso a paso cómo cambiar los fondos de nuestras fotos en el artículo "La Guía Definitiva para Cambiar el Fondo de tus Fotografías con Photoshop". Así que si este tema te interesa y tienes alguna duda en el proceso, te recomiendo que te pases a echarle un vistazo.

De igual modo que los estilos y ajustes de usuario en Capture One nos ayudan a aplicar ciertas configuraciones de forma rápida a una imagen en su totalidad, también encontramos la herramienta Estilos de Pincel que nos permitirá hacer lo mismo pero con ajustes locales.

Si eres de los que prefiere acelerar al máximo su flujo de trabajo te interesa conocer para qué sirve esta herramienta. En este artículo la pondremos a prueba procesando un retrato y un paisaje, para ver lo útil que puede llegar a ser.

¿Qué son los Estilos de Pincel?

Si editas tus fotos en Capture One 21 con el espacio de trabajo Valor Predeterminado, encontrarás los Estilos de Pincel en la pestaña Exposición, debajo de la herramienta Capas.

Si no te aparecen, puede que sea porque no cuentes con la última versión del programa, o que aún no lo hayas actualizado. En ese caso, tendrás que agregarla haciendo clic derecho sobra la pestaña donde desees agregarla y hacer clic en Añadir Herramienta/Estilos de Pincel.

Dentro de la propia herramienta encontrarás una gran variedad de Estilos de Pincel Incorporados que el propio programa te proporcionará. Aunque todavía no estarán traducidos al español verás que hay un total de 22 estilos de pincel que se dividen en tres grupos diferenciados: Color, Enhancements (Mejoras) y Light & Contrast (Luz y Contraste).

Hasta ahora para realizar ajustes locales, teníamos que crear una capa vacía y con la herramienta Dibujar Máscara (B) pintar una máscara en la zona donde queríamos aplicar un cambio. Una vez pintada y refinada la máscara era cuando aplicábamos los ajustes como: Exposición, Brillo, Contraste, Saturación etc.

Pues bien, con los estilos de Pincel se trabajará de otra manera. Si seleccionamos un Pincel de Estilo de la lista, automáticamente se activa el cursor de Dibujar Máscara (B). Y ahora ya no hará falta que creemos una capa nueva nosotros para hacer ajustes locales.

Al realizar el primer trazo sobre la imagen con un Estilo de Pincel activado se crea automáticamente una nueva capa con el nombre del pincel utilizado y a medida que pintes sobre la imagen se va a ir creando una máscara (que podrás visualizar, como siempre, si pulsas la tecla M).

Para cambiar los ajustes de este tipo pincel, hacemos clic derecho y nos aparece la ventana de siempre, la de Ajuste de Configuración de Pincel con la que podemos modificar el Tamaño, la Dureza, la Opacidad o el Flujo.

Aunque ahora podrás activar también dos nuevas opciones: Vincular Pincel con Capa (para asociar la configuración de un pincel con esa capa concreta y si vuelves más tarde a editarla se quede guardada) y Vincular Borrador con Pincel (para que al borrar se mantengan también los mismos ajustes de pincel que para dibujar).

Si te das cuenta, trabajar con Estilos de pincel supone una nueva facilidad para el usuario que desea agilizar su flujo de trabajo a la hora de realizar ajustes locales a sus imágenes. Ahora no solo puedes crear una máscara y aplicar unos ajustes localmente, sino que puedes aplicar un ajuste y crear una capa a la vez ahorrando la mitad de tiempo.

Revelando un Retrato con Estilos de Pincel

La mejor forma de comprobar la utilidad de los pinceles es probándolos, así que vamos a revelar una foto de retrato usando únicamente estilos de pincel para que veas lo útiles que pueden llegar a ser. Lo primero que haremos es realizar algunas de correcciones de lente básicas y luego ya empezaremos con los estilos.

Recuerda que cuando usamos el pincel también podemos utilizar accesos rápidos para cambiar sus ajustes:

• Tamaño: mantén pulsada la tecla Alt + clic derecho + arrastre horizontal.
• Dureza: mantén pulsada la tecla Alt + clic derecho + arrastre vertical.
• Opacidad: mantén pulsada la tecla Mayús + clic derecho + arrastre horizontal.
• Flujo: mantén pulsada la tecla Mayús + clic derecho + arrastre vertical.

#1. Enhancements/Red Skin Reduction

Utilizaremos este pincel para suavizar las rojuras en la piel de la modelo. Te darás cuenta de que simplemente pasando el pincel por encima van a ir desapareciendo y si comparas el antes y el después se notará bastante la diferencia.

#2. Enhancements/Iris Enhance

Este estilo es ideal para mejorar la mirada de la modelo. Al tener unos ojos azules muy bonitos, vale la pena potenciarlos con este pincel, que por defecto verás que tiene un tamaño bastante pequeño. Tras aplicarlo, si el efecto es demasiado intenso, podemos bajar la opacidad y ajustarlo a nuestro gusto.

También nos puede servir para potenciar el brillo del color de labios de la modelo y lo podemos aplicar en una nueva capa. Solo tendremos que colocarnos encima de un Estilo de Pincel y haciendo clic derecho podremos seleccionar 'Usar en Capa Nueva' para que se cree una capa independiente (aunque tendrá el mismo nombre) y puedas realizar los ajustes que desees.

#3. Color/Saturación (+)

Si lo que deseas es añadir Saturación en general tienes un estilo de pincel dedicado especialmente a ello, el de Saturación (+). Lo puedes usar tanto en la mirada, como en los labios o en el resto de zonas donde desees aumentar la intensidad del color.

#4. Enhancements/Add Detail

Si hay alguna zona de la imagen que no aparece del todo nítida, puedes usar el pincel de añadir Detalle para mejorar el enfoque. En esta toma, vemos que uno de los dos ojos no está tan enfocado como el otro, así que lo igualaremos para lograr mayor sensación de nitidez en la mirada.

#5. Light & Contrast/Dodge & Burn

Fragmento Fototip Herramienta Estilos de Pincel de Capture One

Aplicar esta técnica es lo mismo que realizar un couturing en maquillaje para agregar volumen en el rostro, pero en este caso lo haremos de forma digital. Para ello tendremos que utilizar dos estilos de pincel diferentes: Dodge & Burn.

Primero seleccionaremos el pincel Burn (darken) para pintar las zonas oscuras. Reduciremos el tamaño del pincel y pintaremos bajo los pómulos, alrededor de la nariz, las sienes, debajo de la nariz y encima de la barbilla. También puedes enfatizar las sombras de la clavícula para marcarla todavía más.

Seguidamente, le toca el turno al pincel de Dodge (brighten) que utilizaremos para iluminar la punta de la nariz, los labios, la barbilla, la frente (también llamada zona T), los pómulos y el hueso de la clavícula.

#6. Light & Contrast/Shadows (recover)

Con este estilo de pincel podremos recuperar sombras a medida que pintamos una zona de la imagen que se ha podido quedar más oscura. En esta toma trataremos de recuperar el detalle en la zona izquierda del pelo. Una vez pintada la máscara, activaremos el Intervalo de luma para indicar que nos interesa seleccionar el rango de sombras más oscuras.

#7. Enhancements/Whiten Teeth

Por último, puedes tratar de blanquear la dentadura. En esta toma no nos servirá demasiado porque apenas se ven bien los resultados, pero si elegimos una foto con un modelo que sonría, verás que se trata de un pincel que aplica un cambio muy sutil pero notable.

Solo utilizando los estilos de pincel casi podríamos decir que tenemos el retrato prácticamente revelado ¿verdad?  Recuerda que si el efecto de alguno de los pinceles es muy exagerado, al trabajar en capas independientes, siempre puedes bajar la Opacidad para reducir su intensidad, desactivarla o incluso borrarla.

Revelando un Paisaje con Estilos de Pincel

¿Te has quedado con ganas de conocer algunos pinceles más? Vamos a ver otros estilos de pincel interesantes que utilizaremos más a menudo en fotografías de paisaje.

De nuevo aplicaremos los ajustes básicos en la pestaña Lentes y pasaremos después a probar otros estilos de pincel. Nuestro objetivo será conseguir que esta imagen tenga más contraste y se disimule bastante la niebla y la lluvia que han convertido la toma en una imagen plana y aburrida.

#1. Light & Contrast/Hightlights (recover)

Utilizaremos primero la herramienta de recuperar altas luces para lograr traer de vuelta los detalles del cielo y mejorar la exposición. Activa el Aviso de Exposición para ver qué zonas son las más sobreexpuestas e ir eliminándolas a medida que usamos el pincel.

#2. Light & Contrast/Haze (remove)

Otro estilo de pincel que nos vendrá genial es el de eliminar niebla, porque en esta foto encontramos mucha neblina en la zona de los árboles colindantes a la cabaña y en la propia cabaña, que es el verdadero elemento protagonista de la toma.

#3. Light & Contrast/Shadows (darken)

El estilo de pincel de oscurecer sombras lo usaremos para pintar la cabaña y algunas zonas del suelo más cercanas a nosotros. Así lograremos crear sombras más profundas y generar contraste y volumen. De nuevo podremos activar el Intervalo de luma para recuperar solo el rango de sombras más oscuras y que ese contraste se aplique de forma natural.

#4. Light & Contrast/Contraste (+)

Si nos quedamos cortos de contraste, tenemos un pincel diseñado especialmente para este cometido. Lo usaremos para pintar toda la cabaña y algunas zonas que se aprecien todavía planas y blanquecinas, como el tejado o las ramas superiores de los árboles.

#5. Color/Balance (Warm)

Ahora aplicaremos algunos pinceles de color, como el de Balance de blancos cálido. Si te fijas, la cabaña se ha quedado un poco fría así que la haremos 'entrar en calor' con este pincel. También podemos pintar algunas zonas marrones del césped y aplicar algo de calidez a la toma.

#6. Color/Saturación (+)

Igual que antes, en esta toma nos interesa que algunos colores destaquen. Por tanto, usaremos el pincel de añadir saturación para lograr colores más vibrantes en los verdes y en los marrones del tejado, en el musgo que tenemos en las piedras o en las copas de los árboles y así darle un toque de 'punch' a la imagen.

#7. Enhancements/Deep Sky

El estilo de pincel de cielo profundo, se encarga de añadir volumen y profundidad a los cielos que hayan podido quedarse un poco planos y sosos. Podemos aplicarlo en esta toma para tratar de mejorar nuestro cielo, pero al haber tanta neblina será complicado notar el efecto. Funcionará mejor con cielos más despejados o nubosos donde sí podremos añadir más profundidad.

#8. Enhancements/Add Detail

Por último, añadiremos detalle en la cabaña para que llame más la atención. Aunque está bien enfocada, hay elementos como la niebla o la lluvia que afectan a su nitidez de forma indirecta, así que le vendrá bien para hacer destacar todavía más al elemento principal.

¿Qué opinas? Solo utilizando los estilos de pincel hemos podido revelar esta foto y de forma bastante rápida. Obviamente podríamos aplicar muchos más cambios y revelarlo de mil formas más, pero creo que como ejemplo para mostrarte que es posible revelar una foto solo con estilos de pincel incorporados, hemos pasado la prueba ¿no?

Cómo Crear Estilos de Pincel Personalizados

Por último, vamos a enseñarte a crear tus propios Estilos de Pincel Personalizados para que personalices al máximo tu flujo de trabajo en Capture One 21. Para establecer uno solo tienes que crear una Nueva Capa Vacía desde la herramienta Capas y realizar dos acciones más.

Lo primero que debes hacer es establecer la configuración predeterminada del pincel (Tamaño, Dureza, Opacidad y Flujo). Este último, el flujo, siempre es mejor que lo dejes entre 5 y 8, para que el ajuste se aplique poco a poco.

La segunda acción que debes realizar es aplicar los ajustes que desees que se asocien al pincel (Textura, Saturación, Brillo, etc.). Seguidamente, ve al icono de los tres puntitos de la herramienta Estilos de Pincel y selecciona 'Guardar Estilo de Pincel'.

Aparecerá una ventana con todos los ajustes que hemos aplicado, incluida la configuración del pincel. Si no deseamos deseleccionar nada finalmente haremos clic en Guardar.

El último paso será asignarle un nombre a tu nuevo Estilo de Pincel, para que se guarde con la extensión .costylebrush. Desde ahora podrás ver que aparecerá dentro de una nueva pestaña llamada Estilos de Pincel Personalizados y podrás usarlo siempre que quieras.

¿Te Convence esta Nueva Herramienta de Capture One?

Los estilos de Pincel llegaron para quedarse en una de las últimas actualizaciones de Capture One 21 y la verdad que a nosotros nos han encantado. Seguiremos probándolos y estando muy atentos a las próximas actualizaciones y mejoras que hagan de esta funcionalidad tan interesante.

Recuerda que si aún no conoces Capture One y quieres aprender a utilizarlo, puedes acceder a nuestro Curso Completo de Iniciación a Capture One, totalmente actualizado y con ejercicios y material profesional que podrás utilizar para practicar.

El ruido es uno de los peores enemigos de la fotografía. Una cantidad excesiva de ruido podría arruinar una fotografía excelente. Sobre todo en fotografía nocturna, el exceso de ruido en nuestras tomas va a ser un problema recurrente.

¿Cómo podemos evitar el ruido? ¿Se puede eliminar en el procesado? ¡En este artículo te damos la respuesta!

¿Qué es el Ruido?

El ruido de una toma es esa especie de grano que se genera, sobre todo, en las zonas más oscuras de la fotografía. Pese a que un poco de ruido puede quedar estético, normalmente va a afear nuestras tomas, e incluso puede llegar a arruinarlas si es excesivo. Pero, ¿qué es exactamente el ruido?

Sensibilidad ISO: Cómo Funciona y Cuándo Subirla

La luz que recibe nuestra cámara a través del objetivo, al alcanzar el sensor estimula sus celdas fotosensibles, produciendo una corriente eléctrica que posteriormente se transforma en una imagen digital gracias al procesador. Sin embargo, estas celdas fotosensibles generan a la vez una corriente eléctrica propia y, por tanto, generan datos aleatorios carentes de contenido. Esos datos también son interpretados por el procesador, dando lugar al ruido.

Cuando aumentamos la ISO lo que estamos haciendo es amplificar esa corriente eléctrica de manera digital. A su vez, también se amplifican esos datos aleatorios. Es por eso que cuanto más subimos la ISO más ruido se genera en nuestra fotografía.

Por otra parte, si el sensor se calienta en exceso sus celdas fotosensibles generarán una mayor corriente eléctrica propia. Por eso cuando hace mucho calor o si forzamos demasiado el sensor de nuestra cámara, obtendremos fotografías con más ruido.

¿Cómo se puede Evitar el Ruido?

Puedes conseguir minimizar el ruido de tus fotografías de diferentes maneras:

1. No subas excesivamente la ISO: Subir la ISO es lo que más va a incrementar el ruido de tus tomas. Por eso, la manera más eficaz de evitarlo es usar, siempre que sea posible, una ISO baja. Usa la ley de reciprocidad para ir variando los parámetros del triángulo de la exposición, para conseguir usar la mínima ISO posible.
2. Expón correctamente tu fotografía: Si una fotografía está subexpuesta, ajustarla en edición siempre generará más ruido que si la hubiéramos expuesto bien en el momento del disparo, aunque ello suponga aumentar más la ISO. Piensa que cuanto más subexpuesta quede una zona, más pérdida de información habrá y, por tanto, más ruido generamos al intentar recuperarla en edición. Así que siempre será preferible aumentar la ISO para exponer correctamente la toma, que subexponerla.
3. Evita disparar tomas demasiado largas: Cuando el sensor se calienta tiende a generar un mayor número de datos aleatorios, que son los que finalmente producen el ruido de nuestra fotografía. En las largas exposiciones es cuando el sensor va a sufrir y calentarse más, sobre todo si duran varios minutos o si realizamos muchas seguidas. Por eso, las tomas de larga exposición siempre generan un mayor ruido.
4. Conoce las limitaciones de tu cámara: Siempre decimos que el equipo fotográfico no importa, sino que importa quién está detrás de él. Y es cierto, pero desgraciadamente en el tema del ruido sí tiene que ver, y mucho, el equipo con el que contemos. Cada cámara tiene una sensibilidad diferente, dependiendo del tamaño y de la calidad de su sensor. Por eso será importante que conozcas cuál es el límite de tu cámara, es decir, hasta qué ISO te puedes permitir subir sin que el ruido arruine tu fotografía.
5. Evita otros factores: Ya te contamos en nuestro artículo "6 Factores que Incrementan el Ruido en tus Fotografías" que factores como el calor o la calidad de los objetivos pueden influir negativamente en la aparición de ruido en nuestras tomas.

Como ya habrás pensado seguramente mientras leías estos puntos, en muchas ocasiones no vamos a poder cumplir estos requisitos. Un claro ejemplo es la fotografía nocturna. Para conseguir una buena fotografía de un cielo estrellado deberemos aumentar considerablemente la ISO y el tiempo de exposición, y aun así es probable que algunas zonas nos queden inevitablemente oscuras. Para este tipo de casos podremos contar con algunos métodos de reducción de ruido, que veremos a continuación.

Opciones de Reducción de Ruido de nuestra Cámara

Normalmente encontraremos en nuestra cámara dos tipos de reducción de ruido integradas: la reducción de ruido en ISOs altas y la Reducción de ruido en exposiciones prolongadas.

1. Reducción de Ruido en ISOs Altas

Esta opción nos aplicará una reducción de ruido de manera digital, que ayudará a limpiar el ruido de la toma. Sin embargo, eso también afectará negativamente a su nitidez.

Por esta razón siempre se suele aconsejar desactivarlo, y usar un proceso manual en algún programa de edición, el cuál será mucho más controlable, para conseguir el mejor resultado y no perder demasiada nitidez.

Además, si disparas en RAW este proceso no se aplicará al archivo, así que tampoco tendrá sentido tenerlo activado en este caso.

2. Reducción de Ruido en Exposiciones Prolongadas

Este proceso no tiene nada que ver con el anterior. Esta reducción de ruido no afectará a la nitidez de nuestra fotografía y sí se aplicará al archivo RAW. Pero, ¿cómo funciona?

Nuestra cámara disparará automáticamente una fotografía en negro justo después de terminar la fotografía normal, con el mismo tiempo de exposición. Entonces analizará el patrón de ruido que se ha generado en ella, encontrará las similitudes con la fotografía disparada y eliminará automáticamente ese ruido.

Esta opción siempre es recomendable llevarla activada salvo situaciones excepcionales en las que no podamos permitirnos perder ese tiempo de disparo de la segunda foto en negro y procesado del ruido. Por ejemplo, cuando estemos realizando un time-lapse o si hemos programado la cámara con un intervalómetro para tratar de cazar rayos o estrellas fugaces.

Herramientas de Reducción de Ruido

En la mayoría de programas de edición encontrarás herramientas para reducir el ruido de la toma. Eso sí, ten cuidado porque cuanto más ruido reduzcas de esta manera, más nitidez perderás. Así que deberás encontrar un término medio entre ruido y nitidez que te satisfaga.

Vamos a ver a continuación dónde encontrar esta herramienta tanto en Photoshop como en Lightroom, ya que son los programas de edición más extendidos. Aun así, si usas otro software no te preocupes; esta herramienta es muy similar en todos.

Reducción de Ruido en Lightroom

Reducir el ruido de nuestra fotografía con Lightroom es muy sencillo. Simplemente deberás ir al desplegable Detalle dentro del menú Revelar. Ahí encontrarás diversos deslizadores para limpiar el ruido de tu fotografía:

• Luminancia: Este será el deslizador principal, con el que decidiremos cuánta reducción de ruido vamos a aplicar a nuestra fotografía. Deberás ser moderado, ya que como te comentaba antes, afectarás a la nitidez de la fotografía.
• Detalle: Con este deslizador conseguiremos ganar algo más de nitidez en las zonas donde se haya perdido en exceso a causa de la reducción de ruido.
• Contraste: Este deslizador te ayudará a suavizar el ruido de la toma, pero afectará también a los detalles y texturas de la misma.
• Color: Este deslizador eliminará el ruido cromático de la fotografía. Lo bueno, es que la eliminación de este tipo de ruido no afectará a la nitidez de la toma.
• Detalle: Con este deslizador ajustarás mejor la detección y eliminación del ruido cromático.
• Suavizado: Este deslizador te ayudará a suavizar el ruido cromático de la toma.

Reducción de Ruido en Photoshop

En Photoshop también contaremos con herramientas que nos ayudarán a reducir el ruido de nuestra fotografía. Podemos encontrar dos herramientas diferentes de reducción de ruido:

1. La herramienta de reducción de ruido integrada dentro del Adobe Camera RAW (menú Filtro/Filtro de Camera RAW): Esta herramienta está situada en la 3a pestaña del panel derecho, llamada "Detalle". Aquí encontraremos los mismos deslizadores que ya hemos visto antes en la herramienta de reducción de ruido de Lightroom. Esto es porque al fin y al cabo Adobe Camera RAW es una especie de Lightroom integrado en Photoshop y, por tanto, tiene prácticamente las mismas opciones y herramientas.
2. La herramienta del menú Filtro/Ruido/Reducir ruido: Esta herramienta tiene unos deslizadores muy similares a los que ya hemos visto en la reducción de ruido de Lightroom y de Adobe Camera RAW. Sin embargo, tiene una diferencia que puede resultar muy útil en algunas ocasiones. Si activamos el modo Avanzado, podremos reducir el ruido independientemente en cada uno de los 3 canales RGB (rojo, verde y azul), para apurar la limpieza y perder así la mínima nitidez posible.

Plugins de Reducción de Ruido

Existen para Photoshop varios plugins, tanto de pago como gratuitos, para limpiar el ruido en edición. La mayoría funcionan de una manera muy similar a las herramientas que ya lleva integradas el propio programa, pero en muchas ocasiones pueden proporcionarnos mejores resultados.

En el artículo "20+ Plugins Gratis (o muy Económicos) para Photoshop de lo Más Interesantes" encontrarás varios de estos plugins, y enlaces para poder descargarlos. Además te explicamos fácilmente cómo instalarlos paso a paso.

Técnicas de Reducción de Ruido

1. Derecheo del Histograma

Una técnica que te ayudará a conseguir más información en las sombras y, por tanto, minimizar el ruido que suele aparecer en ellas es derechear el histograma. Esta técnica consiste básicamente en exponer correctamente las sombras aunque ello implique sobreexponer las altas luces. Después, en edición, reduce las altas luces para exponer correctamente toda tu fotografía y conseguir unas sombras más limpias (de ruido).

Eso sí, aunque sobreexpongas la luces procura no quemarlas, o no podrás recuperarlas correctamente después.

Cabe destacar que esta técnica, al igual que cualquier otra que requiera de un procesado de la imagen, ofrecerá un resultado muy superior si disparamos en RAW. Este formato guarda la mayor cantidad de información posible, permitiendo así una edición mucho mayor y de mejor calidad.

Si quieres conocer en profundidad esta técnica puedes consultar nuestro artículo “Derechear el Histograma: Qué, Cómo y Por Qué”.

En la fotografía no derecheada se ha perdido mucha información en las sombras

2. Bracketing de Exposición

Como te comentaba antes, el ruido aparece de manera más acusada en las zonas en sombra y, además, se incrementará todavía más si intentamos aclararlas en edición.

Realizando un bracketing de exposición seguiremos el mismo principio que con la técnica del derecheo del histograma: si tenemos las sombras bien expuestas, generamos menos ruido.

El bracketing de exposición va un paso más allá, ya que nos permitirá exponer correctamente las sombras sin preocuparnos de quemar las altas luces. ¿En qué consiste?

Dispararemos varias tomas (por lo general 3) variando la exposición, pero no el encuadre. En una expondremos correctamente las sombras, en otra los tonos medios y en la otra las altas luces. Después, las combinaremos en edición para quedarnos con las partes mejor expuestas de cada una, ganando así rango dinámico y evitando el ruido que generaría intentar recuperar las sombras de una sola toma.

Si quieres saber cómo combinar las tomas y profundizar más acerca de esta técnica te recomiendo que leas nuestro artículo "Qué es el Bracketing y Cómo usarlo para Hacer Fotos Espectaculares".

La imagen grande se ha compuesto con las partes mejor expuestas de las tres fotografías de la izquierda

3. Apilamiento de Diversas Tomas Iguales

El ruido siempre es aleatorio, por lo que nunca va a ser igual en ninguna toma, por muy seguidas que las dispares. Existe un truco para reducir el ruido que consiste precisamente en aprovechar la aleatoriedad del ruido. Deberemos disparar varias tomas muy seguidas (con 2-5 tomas será suficiente) sin variar absolutamente nada: ni parámetros, ni encuadre, y por supuesto tampoco debe variar nuestro paisaje. De la misma manera, si has disparado en RAW procura que el revelado de todas las tomas sea idéntico.

Después, le diremos a Photoshop que analice estas fotos y se quede solo con lo que sea igual, eliminando lo que no coincida en todas ellas. Es decir, eliminará el ruido. ¿Cómo lo hacemos?

1. Abrimos todas las fotografías en un mismo documento, como capas. Puedes hacerlo fácilmente abriendo una de ellas y arrastrando las demás desde la carpeta donde las tengas almacenadas.
2. Iremos al menú Edición/Alinear capas automáticamente. Con esto conseguiremos que si ha variado ligeramente el encuadre o algún elemento de la fotografía, se alinee en todas para poder obtener un buen resultado.
3. Selecciona todas las capas y ve al menú Capa/Objetos inteligentes/Convertir en objeto inteligente. Se agruparán todas en un mismo objeto inteligente.
4. Ahora iremos al menú Capa/Objetos inteligentes/Modo de apilamiento/Mediana. Con esto conseguiremos que Photoshop nos muestre solamente las partes que coinciden de estas fotografías, eliminando las partes que no coinciden en todas; es decir, eliminando el ruido, ya que es aleatorio y no coincidirá en todas las fotografías por igual.

Y listo, ya tenemos nuestra fotografía limpia y sin pérdida de nitidez.

Recorte de una vía láctea. A la izquierda una de las fotografías originales. A la derecha, el resultado de apilar las 3

4. Máscaras de Luminosidad para Aplicar la Reducción de Ruido solo en las Sombras

Como te comentaba al principio de este artículo, el ruido aparece sobre todo en las zonas más oscuras de la fotografía. Por eso, tiene sentido que la reducción de ruido que hagamos en edición solo la apliquemos a las sombras. Así reduciremos el ruido de las partes más afectadas sin perder nitidez en las partes que no necesitan una limpieza de ruido.

¿Cómo conseguimos esto? Con máscaras de luminosidad. Con una máscara de luminosidad podremos seleccionar las partes más oscuras de la imagen, para aplicar la reducción de ruido solo ahí.

Antes de aplicar esta máscara, deberás duplicar la capa de tu fotografía y aplicarle una reducción de ruido con alguna de las herramientas o plugins que hemos visto antes. Ahora sí que aplicaremos una máscara a esta capa para que solamente nos muestre las zonas oscuras con la reducción de ruido aplicada, escondiendo las partes más claras y dejando ver así esas partes claras de la fotografía original, sin la reducción de ruido aplicada. Para conseguir una máscara de luminosidad podemos hacerla a mano o usar un plugin.

Si decides hacer la máscara de luminosidad a mano, deberás seguir estos pasos:

1. Ve a la ventana de Canales y selecciona el canal Azul. Normalmente será el que mayor contraste entre luces y sombras nos ofrezca.
2. Duplica este canal haciendo click derecho sobre él y eligiendo la opción Duplicar canal.
3. Deja visible solamente la copia del canal azul, pulsando sobre el icono en forma de ojo que encontrarás delante de cada uno de los demás canales. Debería quedarte solamente el icono del ojo en el nuevo canal azul que has duplicado.
4. Aplica una corrección de color de Niveles desde el menú Imagen/Ajustes/Niveles. Usa los deslizadores para conseguir que las sombras queden completamente negras, y las luces completamente blancas.
5. Pulsa el icono "Cargar canal como selección"  que encontrarás debajo de la ventana de Canales.
6. Con esta selección activa, iremos a la ventana de Capas y seleccionaremos la capa a la que hemos aplicado la reducción de ruido. Pulsaremos el icono  que encontraremos en la parte de abajo, para crear una máscara basada en la selección activa.
7. Ahora seleccionaremos esa máscara de capa y pulsaremos Control + I (o Cmd + I en Mac) para invertirla, ya que nos interesa que las partes claras sean las que queden en color negro, y las partes oscuras las que se queden en blanco. Recuerda que en una máscara se muestra todo lo que esté en color blanco, y se oculta todo lo que esté en color negro. Por eso, en este caso, queremos que lo que se muestre sean las partes oscuras de la fotografía.

Si no quieres complicarte tanto la vida, existe un plugin gratuito muy interesante para crear máscaras de luminosidad de manera automática. Es el mini panel de Tony Kuyper. Con este plugin podremos crear automáticamente una selección de las sombras de la imagen, por lo que directamente nos iríamos al paso 6 del proceso que acabamos de ver, evitándonos así muchos de los pasos más tediosos.

Así, como puedes ver en la imagen de abajo, hemos conseguido reducir el ruido de la fotografía, pero conservando mucha más textura que con una reducción de ruido común.

A la izquierda, la foto original. En el centro, la foto con reducción de ruido. A la derecha, la foto con reducción de ruido y máscara de luminosidad

¡Que el Ruido no Arruine tus Fotografías!

Ya has visto la gran cantidad de consejos que puedes seguir para reducir el ruido de tus fotografías. Desde el momento del disparo hasta el momento de la edición, puedes tener en cuenta todos estos factores para que tus fotografías tengan la máxima calidad posible.

¿Conoces algún consejo, truco o técnica más para reducir el ruido en tus fotografías? ¡Déjanos un comentario!

Hace algún tiempo te contamos cuáles eran los argumentos técnicos de peso que te harían decantarte por disparar tus fotografías en formato RAW y no en JPG. En el artículo de hoy vamos a ir otro paso más allá. Voy a tratar de convencerte a través de algunos ejemplos de por qué disparar en RAW puede ser tu mejor opción. ¿Te quedas para comprobarlo?

Hay Vida Más Allá del JPG

Cuando aterrizamos en el mundo de la fotografía y empezamos a configurar nuestra cámara, una de las opciones que nos hará decidir la máquina es el formato con el que vamos a disparar nuestras fotografías. Seguro que una de esas opciones ya te suena bastante, el famoso archivo JPG. Pero se te va a plantear otra opción a la hora de elegir: el archivo RAW.

¿Qué Puede Ofrecerte un RAW que No te Dará un JPG?

El RAW es otro formato con el que podemos disparar nuestras fotografías, y que va a tener una serie de ventajas e inconvenientes a la hora de trabajar. Veamos con detenimiento todo lo que puede ofrecernos este tipo de archivo.

1. El formato RAW nos va a proporcionar un archivo sin compresión que va a contener toda la información que capta el sensor de nuestra cámara. Este archivo por tanto no está procesado, como sí que ocurre con los archivos JPEG, en los que la cámara ajustará automáticamente parámetros de la imagen como el balance de blancos, el contraste, la saturación o el grado de nitidez, entre otros, para después comprimirlos y ofrecernos el archivo final. Dicho archivo final es un formato de compresión con pérdidas, y es por eso que la edición que podamos realizar posteriormente de un archivo JPG en cualquier programa será destructiva, algo que no ocurrirá en el caso del archivo RAW que es un archivo sin pérdida de calidad y que tiene un margen mayor de edición.
2. Si disparas en RAW, no hace falta que te obsesiones con el balance blancos. En edición podrás ajustarlo tal y como quieres sin notar ninguna pérdida de calidad en la temperatura de color de la imagen, algo que sí ocurría con los archivos JPEG. 
3. En cuanto al ajuste de la exposición final de la toma, en edición tenemos bastante más margen para corregirlo en un archivo RAW que en un JPEG. Si te acuerdas de lo que era el rango dinámico (la diferencia entre las zonas más claras y más oscuras de la escena), esto se traduce en que un RAW será capaz de ofrecerte un mayor rango dinámico que un JPEG. Así pues, con un RAW podremos corregir y nivelar esa diferencia entre zonas claras y oscuras (sobreexpuestas y subexpuestas) de una manera mucho más resolutiva que en el caso del JPEG, en el que conforme vayamos ajustando ese desequilibrio notaremos que empiezan a visualizarse fallos en la imagen, porque como decíamos antes se trata de un formato de compresión con pérdidas.
4. Mientras que el JPEG es un tipo de archivo universal, en el caso de los RAW no ocurre lo mismo. Cada fabricante tiene su propia extensión del archivo RAW, así pues encontrarás que:
   • El RAW de Canon es un CR2
   • El RAW de Nikon es un NEF
   • El RAW de Sony es un SR2
   • El RAW de Panasonic es un RAW2
   • El RAW de Olympus es un ORF
   • El RAW de Pentax es un PTX
5. El RAW además es un archivo de lectura. Esto quiere decir que por muchos cambios que le apliquemos al archivo en edición, nunca modificaremos el archivo original. Lo que se hace es generar otro archivo ligado al original que es en el que se almacenarán los cambios realizados. 

¿Cuando No Debes Usar el Formato RAW?

¡Ah! ¿Que no debo disparar en RAW siempre? Pues lo cierto es que no… y te explico. Imagina que realizas una sesión de fotos y tienes una tarjeta de poca capacidad. No llevas más, así que tienes que controlar muy bien el número de disparos. Una de las cosas que tiene el RAW es que su peso es bastante mayor al de un JPEG, no en vano es un archivo sin compresión. Así que deberás valorar si quieres menos fotos en RAW, o más cantidad de fotos en JPEG. También puedes plantearte el disparar en RAW aquellas imágenes a las que sabes que luego darás una edición más trabajada.

Otra situación que puede hacer que el formato RAW no sea para ti es si eres un fotógrafo de gatillo fácil. Si cuando vas a realizar una sesión de fotos acompañado de otros fotógrafos, al volver tienes el doble de imágenes que ellos, entonces también deberás plantearte si luego vas a tener tiempo de procesar todos esos archivos. Y no solo el tiempo, sino el espacio extra que vas a necesitar para almacenar todas esas fotos. Ante ello tienes varias alternativas:

• Controlar el número de disparos.
• Hacer una criba al llegar a casa de aquellas tomas que no sean destacables.
• O disparar solo en JPEG.

Para sacarle provecho a un archivo RAW necesitarás procesarlo, de lo contrario un JPEG resultará más atractivo.

Por último, el RAW no está hecho para ti si no te gusta procesar tus imágenes. Como te comentaba antes, el JPEG es un archivo final, ya está procesado por la propia cámara, por lo que podemos enseñar y compartir ese archivo que estará listo. En cambio el RAW no es un archivo final. Apuntábamos antes como una de sus principales ventajas que con él tenemos mucho más margen de edición para mejorar la fotografía, pero si no la vamos a pasar por un programa de edición, no tiene mucho sentido disparar en RAW, ya que el JPEG que puedas obtener de la toma incluso resultará más atractivo.

Analizando Algunos Ejemplos Prácticos

A continuación vamos a ver con ejemplos lo que realmente nos interesa, lo que vamos a poder lograr ajustando y revelando un archivo RAW y que nunca lograríamos con un JPEG.

1. Recuperar las Luces

Gracias a la cantidad de información que contiene un archivo RAW, si sobreexpones un poco tu toma (un poco, tampoco la vayamos a quemar), siempre tendrás margen para recuperar la información en la zona de las luces o zona clara.

En el primer ejemplo observamos como en la foto en JPEG se ha sobreexpuesto la toma llegando incluso a quemar algunas zonas. Nos falta información y detalle. Pero si tenemos la copia en RAW, esto se puede solventar ajustando la exposición y bajando las altas luces. Las casas del fondo aun siguen sobreexpuestas, pero en el resto de la imagen ya apreciamos muchos más detalles.

En el segundo ejemplo ocurre un poco lo mismo, tenemos la toma sobreexpuesta, y el faro se pierde entre un fondo blanquecino. Gracias al archivo RAW no solo podemos recuperar información en la zona del faro, sino que podremos conseguir dotar de mayor fuerza a las nubes y el mar.

2. Subir las Sombras

También ocurre muchas veces lo contrario, que nos encontramos ante una escena ante la que si queremos conservar cierta información en las zonas claras nos va a tocar subexponer las zonas más oscuras tal y como ocurre en la foto que te muestro a continuación.

En este caso la imagen fue realizada durante un viaje por el sur de Francia el año pasado. El día estaba nublado y uno ya sabía que esos cielos podían dar mucho juego a la hora de hacer la toma. En el momento de configurar la cámara la primera decisión que tomé fue la de querer conservar ese cielo. Lo ideal hubiera sido disponer de un filtro neutro degradado para conseguir un mejor rango dinámico y tener todas las zonas bien expuestas, pero en ese momento no disponía de él. Ante la situación, elegí exponer la toma en un punto medio en el que quedaron subexpuestas las sombras, pero en el cielo conservaba el detalle. Gracias al RAW, en la edición pude levantar las sombras y así mostrar lo que se escondía en ellas (aunque no sea con una calidad máxima), algo que hubiera sido impensable de hacer con un JPEG.

Y en este segundo ejemplo ocurre lo mismo. Tenemos bien expuesto el cielo, pero la parte de abajo está totalmente negra. No sabemos qué hay en ella hasta que levantamos en edición esas sombras.

Y no, si me preguntáis si disparar las tomas mal expuestas es una buena forma de trabajar por supuesto os diré que no. Pero a veces tenemos prisas, no nos da tiempo a configurar bien la cámara o simplemente no tenemos los accesorios necesarios para poder exponer adecuadamente las diferentes zonas de la imagen (como un un trípode, un filtro degradado ND o un flash externo), y en esos casos, un archivo RAW puede marcar la diferencia entre salvar una foto o tirarla a la basura.

3. Ajustar la Temperatura de Color

Seguro que alguna vez has disparado una toma sin comprobar antes el balance de blancos con el que estabas trabajando. Ya te contamos cómo ajustar la temperatura de color paso a paso con Photoshop, pero si dispones de un archivo RAW, el trabajo será mucho más sencillo y no importará que lo hagas en edición, puesto que una corrección fiel estará asegurada.

En este ejemplo se disparó la toma rápidamente y cómo veis, el ajuste de blancos que tenía la cámara en ese momento nos hizo obtener una imagen totalmente azulada. Al ser un RAW, tan solo modificando el balance de blancos ya obtenemos el color que queremos. Y si además hacemos unos cuantos ajustes básicos de exposición, la foto gana bastante más.

En este segundo ejemplo el balance de blancos era correcto, la cámara no se equivocó. Pero dándole unos toques en edición y haciéndolo un poco más cálido, como comprobarás, la foto ganaba bastante. Además aquí también levantamos un poco las sombras para poder ver los edificios que rodeaban la playa.

¿Cómo Configuro Mi Cámara para Disparar en RAW?

¿Te has decidido a disparar en RAW? ¡Es una estupenda idea! Ahora tienes que coger la cámara y meterte en el menú para indicar el tipo de formato con el que quieres realizar las fotos.

Si todavía tienes algo de miedo o respeto por disparar solo en RAW, no te preocupes porque tu cámara ha previsto esa opción y te va a ofrecer la posibilidad de disparar la fotografía en los dos formatos a la vez. ¿Por qué? Bueno, puede que hayas hecho la foto y necesites compartirla rápidamente por las razones que sean. El archivo JPEG en este caso hará que esa transferencia pueda ser más rápida que estar cogiendo el RAW, editarlo y pasarlo. O también puede que quieras echar un vistazo o hacer un pase rápido con los amigos y tu ordenador no logre reproducir el archivo RAW porque le falte algún códec. Para esos casos puede serte muy útil disparar en ambos formatos. (Aunque también puedes buscar un paquete de códecs para que tu ordenador pueda visualizar los archivos RAW como este).

Aun así, hoy en día incluso muchos de los móviles que utilizamos permiten editar un archivo RAW, por lo que ya no nos hará falta un ordenador para poder hacer los ajustes básicos y mandar la foto a continuación.

Para procesar tus archivos RAW en el ordenador, tienes a tu disposición programas como Adobe Camera Raw, Lightroom o Capture One. En el caso de los móviles que permiten editar RAW, aplicaciones como Snapseed o RawDroid te permitirán realizar los ajustes desde el dispositivo.

¿Te Pasas Al RAW?

¿Qué te ha parecido? ¿Te convence la idea de pasar a disparar en RAW? Tal y como muestran los ejemplos, el margen de corrección que nos ofrece este tipo de archivo es muchísimo más amplio que el de un sencillo JPEG. Aun así, está claro que debemos intentar siempre sacar el mejor resultado posible ya desde la cámara, y no confiarnos con la típica frase de “Esto lo arreglo yo luego en edición”.

Personalmente, desde que descubrí todas sus bondades se me hace muy complicado no utilizarlo. Y a ti ¿te pasa lo mismo? ¡Cuéntanoslo!

La Herramienta Pluma  es una de las herramientas más útiles de Photoshop. Gracias a ella podemos conseguir selecciones muy precisas, líneas curvas muy naturales e incluso dibujos y logotipos vectoriales.

Sin embargo, también es una de las herramientas más "temidas". Y es que la pluma a priori puede parecer un poco complicada. Pero nada más lejos de la realidad; en cuanto le coges el truco es una herramienta muy sencilla. ¿Te animas a aprender a usarla?

¿Para Qué Sirve la Herramienta Pluma?

Como te comentaba, la herramienta pluma nos va a servir principalmente para 3 cosas diferentes:

• Para crear selecciones y máscaras muy precisas
• Para crear líneas y formas con curvas muy suaves y naturales
• Para crear dibujos y logotipos vectoriales

Como puedes imaginar, en fotografía sobre todo vamos a usarla para crear selecciones y máscaras. Aunque en este artículo te enseñaré cómo conseguir las tres cosas. Ya verás que todas se basan en el mismo proceso; tan solo difieren al final.

Dibujar un Trazado con la Herramienta Pluma

La uses para lo que la uses, la herramienta pluma va a consistir en un mismo proceso: ir dibujando líneas uniendo puntos hasta completar un trazado que puede, o no, estar cerrado. Para crear selecciones y dibujos con relleno deberá estar cerrado, pero si tan solo quieres crear líneas y trazos no será necesario que lo cierres.

Descubre la Herramienta Pluma de Photoshop

Si te fijas, cuando haces click con la herramienta pluma crearás un punto, y cuando vuelves a hacer click en otra zona, estos dos puntos se unen con una línea recta. Sin embargo ahora prueba a hacer click y, sin soltar el botón del ratón, arrastrar el ratón. Verás que esa línea recta ahora se ha transformado en una curva. Puedes moverla a tu antojo mientras mantengas pulsado el botón del ratón y, cuando esté a tu gusto, simplemente deberás soltarlo. Este es el mayor potencial de la pluma y es lo que vamos a explotar para conseguir curvas muy naturales.

Si te fijas en la curva que acabamos de crear pinchando y arrastrando el ratón, al lado del punto han aparecido dos tiradores. Para mover ambos a la vez necesitarás usar la Herramienta de Selección Directa, y para moverlas individualmente deberás usar la Herramienta Convertir Punto de Ancla. La herramienta de selección directa, a su vez, también te permitirá mover libremente los puntos del trazado que ya hayas creado.

Como es un rollo ir cambiando de herramienta, lo mejor será usar los atajos de teclado. Con la herramienta Pluma seleccionada puedes ir alternando las demás herramientas:

• Manteniendo pulsado Control (o Comando en Mac) podremos usar la herramienta de Selección directa.
• Manteniendo pulsado Alt podremos usar la herramienta Convertir punto de ancla.

Así el proceso será mucho más sencillo, aunque ten en cuenta que cuanto más complejo sea el trazado que quieras crear, más tedioso resultará. Simplemente deberás ir haciendo click y arrastrando formando las curvas que necesites para crear el trazado con la forma que desees. Si alguna curva no se ajusta bien simplemente arrastrando con el ratón, modifícala hasta ajustarla correctamente pulsando Control o Alt para usar las otras herramientas complementarias de la pluma.

Si en algún momento necesitas una línea recta, simplemente haz click sin arrastrar. Y si en algún momento quieres que una línea recta se transforme en curva, podrás sacar los tiradores de ese punto haciendo click sobre él y arrastrando con la herramienta Convertir punto de ancla (Alt).

Si quieres que tu trazado tenga una forma curva y natural, procura hacer cuantos menos puntos mejor, e ir jugando con los tiradores para crear curvas. Cuantos menos puntos tenga tu trazado, más curvo y dinámico será.

También te ayudará a ir creando las curvas más fácilmente ir moviendo los tiradores a cada paso que des, es decir, a cada punto que crees. Primero modifica el tirador que afecta a la línea que acabas de crear, para ajustarla como desees, y después mueve el tirador que afecta a la línea que crearás a continuación. Aunque esta línea todavía no exista, colocar el tirador en una posición aproximada a lo que debería ser te ayudará a ser más rápido a la hora de crear trazados complejos. Recuerda que luego siempre puedes modificar cualquiera de los tiradores anteriores sin problema.

Por otra parte, es interesante saber que puedes agregar o eliminar un punto en el trazado en cualquier momento con las herramientas Añadir punto de ancla y Eliminar punto de ancla. Además no hará falta que cambies de herramienta. Si pasas con la herramienta pluma por encima de un punto ya creado su icono aparecerá con un símbolo menos al lado, indicándote que puedes eliminarlo con un simple click. De la misma manera, si pasas con la herramienta pluma por encima de la línea del trazado entre puntos, aparecerá un símbolo más al lado que te permitirá crear un punto de ancla nuevo justo donde hagas click.

Para cerrar el trazado solamente deberás volver a pinchar el primer punto que creaste. Verás que cuando acercas la pluma a él aparece un pequeño circulito al lado, esto significa que si pulsas aquí cerrarás tu trazado.

Finalmente, si al modificar los tiradores anteriores se pierde la selección del último punto que habías creado en el trazado, probablemente la pluma no te deje seguir construyendo tu trazado, sino que al hacer el próximo click con el ratón se creará un trazado nuevo. No te preocupes; tan solo pulsa el último punto que habías hecho con la herramienta de Selección directa (Ctrl). Así seleccionarás el último punto y ya podrás seguir creando tu trazado de la manera habitual, sin problema.

Cuando completes tu trazado, podrás verlo en la pestaña de Trazados, al lado de las pestañas de Capas y Canales. Si no te aparece esta pestaña, ábrela desde el menú Ventana/Trazados. Aquí podrás guardar el trazado, crear un trazado nuevo, o actuar sobre él para convertirlo en una selección, una máscara, una línea, rellenarlo... Todo esto lo vamos a ver a continuación.

Crear un Agujero en el Trazado

Puede que hayas creado un trazado cerrado, pero que quieras hacerle un "agujero". Por ejemplo, puede que hayas querido seleccionar a una persona con la pluma, pero tiene su brazo en jarra, y no quieres que se seleccione el fondo que hay dentro del hueco que hace su brazo.

Si simplemente creas el nuevo trazado del agujero sin más, el programa no lo reconocerá como tal, sino que combinará ambos trazados. Para que esto sea interpretado como un hueco en el trazado, deberás desplegar el menú superior Operaciones de Trazado y elegir la opción Excluir formas superpuestas.

Ahora sí que cuando crees este subtrazado dentro del trazado principal Photoshop lo interpretará como un agujero. Así, a la hora de crear una selección a partir de este trazado, o a la hora de rellenarlo, este hueco quedará vacío.

A continuación vamos a ver cómo transformar este trazado en una selección, una línea o un dibujo vectorial.

Hacer una Selección con la Herramienta Pluma

La herramienta pluma es imprescindible para crear selecciones perfectas. Las herramientas de selección más básicas son capaces de seleccionar cosas, siempre y cuando se diferencien claramente del fondo. Sin embargo, si la parte que quieres seleccionar tiene un tono muy similar al fondo, o si el fondo es excesivamente complejo, te será casi imposible seleccionarlo con una selección básica. En cambio, con un trazado podrás conseguir una selección de lo más apurada.

Para hacer una selección apurada deberás crear un trazado que se ajuste lo máximo posible a la forma de lo que quieras seleccionar. Juega con los tiradores para ajustar cada línea y cada curva perfectamente, sobre la zona que quieras seleccionar. Recuerda que siempre quedará mejor si haces menos puntos y juegas más con las curvas.

Será un proceso lento y tedioso, pero no complicado; será simplemente cuestión de echarle un poco de paciencia hasta completar todo el trazado de la manera más apurada posible. Una vez hayas cerrado el trazado, deberás pulsar con el botón derecho del ratón para desplegar el menú de la herramienta Pluma. En este menú pulsa Hacer selección. También podrás desplegar este menú pulsando el botón derecho sobre el trazado que te aparecerá en la pestaña de Trazados.

En esta ventana, podrás elegir algunos ajustes de configuración:

• Radio de desvanecimiento: Aquí podrás hacer que el borde de tu selección se desvanezca. Si vas a recortar algo de una fotografía para ponerlo en otra, será recomendable que le des 1 o 2 px para que el recorte no quede demasiado duro e irreal.
• Suavizar: Si marcas esta casilla la selección se suavizará automáticamente, evitando así aristas o ángulos demasiado pronunciados, para que queden unas curvas más dinámicas y naturales.
• Operación: Si no tienes una selección activa tan solo te dejará elegir la opción Selección nueva. En cambio, si tienes alguna selección activa, te dejará combinar esta selección nueva con la otra, eligiendo cualquiera de las demás opciones.

Esta selección, por ejemplo, la podemos convertir en una máscara de capa . Y listo, ya tenemos nuestro recorte perfectamente apurado. Recuerda, eso sí, que para seleccionar el cabello correctamente deberás usar la herramienta Seleccionar y aplicar máscara, que ya te enseñamos a usar en nuestro artículo "Aprende a Seleccionar Pelo a la Perfección con Photoshop".

Contornear con la Herramienta Pluma

La opción contornear nos va a servir para crear trazos y líneas. Por eso, en este caso, no será necesario que nuestro trazado esté cerrado. Simplemente crea el trazado con la forma que te gustaría que tenga la línea que vamos a crear y pulsa el botón derecho del ratón para desplegar el menú de la herramienta pluma. Aquí deberás elegir la opción Contornear trazado. También encontrarás esta misma opción en la pestaña de Trazados, si pulsas con el botón derecho sobre el trazado que aparecerá en la ventana.

Deberás tener en cuenta dos cosas antes de contornear el trazado:

1. Siempre es recomendable crear una capa nueva vacía , para que la línea que dibujemos esté en una capa aparte para poder modificarla y borrarla sin problemas.
2. El contorneo del trazado se va a basar en la configuración de la herramienta que elijamos, normalmente Lápiz o Pincel. Por eso será necesario que configures la herramienta que vayas a elegir con el tamaño, opacidad, dureza y color que quieras que tenga tu línea.

Una vez hayas tenido en cuenta estos dos aspectos, sí que puedes pulsar libremente la opción Contornear trazado. Aquí nos aparecerá la siguiente ventana:

• Herramienta: Aquí podremos elegir una herramienta con la que queramos dibujar nuestra línea. A no ser que busques algún efecto más especial, normalmente para dibujar líneas usarás la herramienta Pincel o Lápiz.
• Simular presión: Si marcas esta casilla la línea no tendrá un grosor uniforme, sino que será más gruesa por una parte y más fina por otra, creando un trazo más parecido al que haríamos por ejemplo con una tableta gráfica. Eso sí, al ser un proceso automático es posible que no sitúe las partes gruesas y finas justo donde te gustaría.

Rellenar con la Herramienta Pluma

Finalmente, otra de las opciones que puedes elegir al crear un trazado es rellenarlo de algún color. Esto es especialmente útil a la hora de crear logotipos o iconos. Para poder rellenarlo vas a necesitar que el trazado esté cerrado. Una vez completado el trazado, pulsa el botón derecho del ratón para desplegar las opciones de la Pluma, o pulsa el botón derecho sobre el trazado que te aparecerá dentro de la ventana de Trazados. Aquí, elige la opción Rellenar trazado.

Dentro de este menú encontrarás diversas opciones de configuración:

• Contenido: Podrás elegir algunos colores predefinidos, un color personalizado, un motivo concreto, que vuelva atrás en el historial de cambios, o que se rellene según el contenido que la imagen tenga alrededor de él.
• Fusión: Podrás elegir que este relleno se fusione con el resto de la fotografía mediante algún modo de fusión, y también podrás variar su opacidad.
• Radio de desvanecimiento: Al igual que en las selecciones, aquí también podrás definir el desvanecimiento del borde del relleno, si no quieres que su borde sea tan duro.
• Suavizar: De la misma manera que en las selecciones, si marcas esta casilla conseguirás que se suavicen los bordes y aristas de esta figura.

Otras Opciones de la Herramienta Pluma

Como habrás podido ver, al pulsar con el botón derecho para desplegar las opciones de la herramienta pluma nos aparecen algunas opciones más que las que hemos visto. Pese a que las anteriores son las opciones más comunes, hay algunas más que también pueden resultarte interesantes:

• Crear máscara vectorial: Con esta opción podrás convertir tu trazado en una máscara de capa. Y no solo eso, al ser un trazado podrás modificarlo y la máscara variará su forma también.
• Transformación libre de puntos: Con esta opción podrás modificar el trazado con todas las herramientas que nos ofrece la Transformación libre que encontramos en el menú Editar. Esta herramienta es ideal para conseguir exactamente la forma que desees en el trazado (una vez creado) sin tener que tocar cada punto por separado.

Ahora llega el verano y, con él, las fotos en la piscina, en la playa... El calor aprieta y la ropa deja ver más piel. Y por supuesto siempre habrá algún amigo gracioso que te recuerde lo blanco que estás aún. Pero no todos tenemos la suerte de poder ponernos morenos en verano. Unos porque trabajan, otros porque directamente pasan del blanco nuclear al rojo gamba... El caso es que ponerse moreno no siempre es fácil. ¡Hasta ahora!

Con Photoshop podemos cambiar fácilmente el tono de nuestra piel para simular un bonito bronceado veraniego. ¿Quieres saber cómo conseguirlo? Vamos a verlo paso a paso.

Voy a utilizar como ejemplo para ilustrar este proceso la siguiente fotografía de una bonita pareja paseando en la playa. Como puedes ver, ninguno de los dos está demasiado moreno, así que nos va a venir genial para practicar esta técnica.

1. Selecciona la Piel

Lo primero que deberemos hacer es seleccionar la piel. No hace falta que hagas una selección apuradísima, ya que después desvaneceremos un poco su borde. Además siempre podrás mejorar las zonas que no hayan quedado bien editando la máscara que se creará junto con la capa de ajuste; después veremos cómo.

Para seleccionar fácilmente la piel puedes usar la Selección rápida o la Varita mágica . Yo en este caso he usado la Selección rápida. Recuerda que si pulsas Alt mientras seleccionas podrás restar partes de esa selección, para conseguir dejarla lo mejor posible. Si no sabes bien cómo usar las selecciones, te recomiendo que te pases por nuestro artículo "Descubre Qué Son las Selecciones en Photoshop y Cómo Usar las más Básicas".

2. Cambia al Modo Color Lab

Para oscurecer la piel y simular un bonito moreno veraniego vamos a usar una capa de ajuste de Niveles. Como sabes, puedes aplicarla desde el menú Capa/Nueva capa de ajuste o desde el botón rápido que encontrarás debajo de la ventana de capas. En cuanto agregues capa de ajuste con la selección activa, la máscara de capa que lleva asociada adoptará esta selección, dejando en blanco la parte seleccionada y en negro todo lo demás, para que la capa de ajuste tan solo afecte a esta zona seleccionada (en este caso, a la piel).

Sin embargo, en cuanto empieces a tocar el ajuste de niveles te darás cuenta de un problema: no solo va a afectar a la luminosidad sino que los colores van a empezar a saturarse y a quedar muy irreales. ¿Cómo solucionamos esto?

Lo más sencillo para evitar este problema va a ser cambiar el modo de color en el que estamos trabajando. Por defecto editamos todas nuestras fotos en modo de color RGB. Pero si queremos olvidarnos de retocar el color y queremos centrarnos únicamente en la luminosidad (como es el caso), será mucho mejor trabajar en modo Color Lab. Puedes cambiarlo desde el menú Imagen/Modo/Color Lab.

Si entras dentro de la pestaña de Canales (al lado de la ventana de Capas) verás la diferencia entre los dos modos. Así como en el modo RGB encontramos los 3 canales de color por separado, en el modo Color Lab lo que encontramos es un canal de Luminosidad (que es sobre el que vamos a trabajar) y dos canales más (a y b) que son los que contienen la información del color de la imagen.

3. Oscurece la Piel con una Capa de Ajuste de Niveles

Si ahora, en modo Color Lab, volvemos a agregar la capa de ajuste de niveles, verás que todos los cambios que vayas agregando ya no alteran el color de la imagen. Esto es porque, si te fijas, en el desplegable que antes ponía RGB, ahora lo que pone es Luminosidad. Así pues, no estamos trabajando sobre un canal que contenga información de color y, por lo tanto, tan solo alteramos la luminosidad de la imagen.

Lo que hemos hecho para oscurecer la piel de nuestra pareja playera es mover el triángulo de los negros (el izquierdo) y el de los medios tonos (el central) hacia la derecha para oscurecer estos tonos, y mover el triángulo de las altas luces (el derecho) un pelín hacia la izquierda para ganar algo de contraste.

Después, por otra parte, hemos movido hacia la izquierda el triángulo del nivel de salida de los blancos para oscurecer un poco también las altas luces de la piel. Como ves, ambos han adquirido un tono algo más moreno que en la fotografía original, y lo más importante, los colores de su piel no se han saturado ni distorsionado.

Si le das doble click a la máscara asociada a la capa de ajuste se desplegarán las Propiedades de la máscara. Vamos a darle unos 3 píxeles de desvanecimiento para que el corte de la selección no sea tan duro y quede más natural.

4. Apura la Máscara de la Capa de Ajuste

Ahora vamos a aprovechar para mejorar la máscara. Aparte de suavizarla, también será interesante corregir algunas zonas que no hayan quedado bien. En este caso en concreto habíamos tenido dos problemas significativos:

1. Se habían oscurecido pequeños trozos del fondo que habían quedado seleccionados por error.
2. Al no tener el cabello seleccionado, el cambio entre la cara y el pelo de los dos retratados era demasiado brusco, y se notaba poco natural aun con el pequeño desvanecimiento de la máscara.

Corregirlos fue bastante sencillo.

Por una parte, con un pincel negro al 80% de dureza pinté sobre la máscara de capa las zonas del fondo que no debían ser afectadas por la capa de ajuste. Así conseguí apurar la selección sin complicarme demasiado la vida. Muchas veces es más fácil arreglar la selección así que pelearte con las herramientas de selección al principio.

Y por otra parte, pinté con un pincel blanco y muy difuso el cabello de ambos para que la capa de ajuste de Niveles también afectara al pelo. Sin embargo, ahora quedaba demasiado oscuro y contrastado. ¿Cómo solucionarlo? Fácil.

En vez de usar el pincel blanco y difuso al 100% de opacidad, le bajé la opacidad al 20% y fui dando varias pinceladas, de manera que la máscara quedó más blanca alrededor de la cara y más gris en el cabello, haciendo que este corte brusco que se generaba ahora quedara mucho más natural. Usé esta misma técnica para suavizar el corte entre el brazo de la chica y el pelo largo que le cae sobre él.

5. Usa una Capa de Ajuste de Brillo/Contraste

Si quieres conseguir un moreno todavía más pronunciado, puedes agregar otras capas de ajuste. Eso sí, ten en cuenta que cuanto más oscurezcas la piel, más te costará que quede realista. Un retoque sutil te dará siempre mejores resultados. Recuerda, el mejor retoque es el que no se nota.

Pero bueno, vamos a darle un poco más de bronceado a esta feliz pareja, para ilustrar el ejemplo completamente. Para agregar una nueva capa de ajuste necesitamos tener de nuevo activa la selección de la piel. Pero no te preocupes, no vamos a tener que hacerla de nuevo. Simplemente pulsa Control + Click sobre la máscara de la capa de ajuste de Niveles de antes y se convertirá en una selección nueva. Además, no será la selección original, sino que se aplicarán las mejoras que le hemos hecho antes pintando sobre la máscara con el pincel.

Ahora, con esta selección activa, agrega una capa de ajuste de Brillo/Contraste, desde el menú Capa/Nueva capa de ajuste o desde el botón rápido que encontrarás debajo de la ventana de capas. Baja el brillo para oscurecer más la piel y aumenta el contraste para que las zonas más claras no queden demasiado apagadas.

Si te fijas, la chica ha quedado un poco más blanca que el chico. Ya desde el principio ella estaba bastante más blanquita, por lo que al aplicarles exactamente los mismos ajustes, ella no ha quedado tan morena. Así pues, vamos ahora a oscurecerla un poquito más solo a ella.

Para ello, vuelve a hacer Control + Click en cualquiera de las dos máscaras para activar de nuevo la selección de la piel, y usa el Lazo para deseleccionar al chico. Recuerda que para deseleccionar deberás dibujar la selección manteniendo pulsada la tecla Alt. Simplemente he dibujado un círculo manteniendo la tecla Alt pulsada, y he cortado la selección a la altura de las manos de la pareja.

Ahora que ya tenemos seleccionada tan solo a la chica, podemos agregar otra capa de ajuste de Niveles o de Brillo/Contraste, para darle un mayor bronceado tan solo a ella. Yo, en este caso, he optado por usar una nueva capa de ajuste de Brillo/Contraste.

¡Y voilà! Ya tenemos a nuestra pareja playera con un bonito bronceado.

6. Mejora el Color

Ahora podemos terminar de darle los ajustes finales a la fotografía en general. Sin embargo, como estamos en Color Lab no vamos a poder usar prácticamente ningún ajuste que afecte al color de la toma, ni el Filtro de Camera Raw.

Así que lo más sencillo va a ser acoplar la imagen desde el menú Capa/Acoplar imagen y volver a cambiar el modo a Color RGB desde el menú Imagen/Modo.

Ahora sí vamos a poder mejorar el color de la fotografía de la manera habitual. Personalmente, me gusta mucho usar el filtro de Camera Raw para mejorar el color de la toma, en concreto desde el Panel HSL. Para llegar a este panel ve al menú Filtro/Filtro de Camera Raw y ve a la cuarta pestaña llamada Ajustes de HSL.

Aquí podrás cambiar el tono, la saturación y la luminancia de cada color por separado, lo que te da una gran libertad para ajustar todos los tonos de la toma al gusto. En este caso he modificado los tonos y la saturación de los colores rojo, naranja y amarillo para darle a la piel un tono más natural. Además, también he saturado un poco los azules y aguamarinas para darles al mar y al cielo un poco más de presencia.

También he tocado un poco los deslizadores de la primera pestaña llamada Básico, para mejorar el balance de blancos, el contraste, los niveles de sombras y altas luces y la intensidad de los colores la foto.

Después le di al botón Aceptar para aplicar todos estos ajustes y volver a la interfaz de Photoshop.

Para finalizar, también me gustaría mostrarte otra capa de ajuste que puede venirte bien para mejorar los tonos de tu fotografía, sobre todo si los colores del bronceado no te han quedado tan naturales como te gustaría. Se trata de la capa de ajuste de Corrección selectiva. Ya sabes, puedes agregarla desde el menú Capa/Nueva capa de ajuste o desde el botón rápido que encontrarás debajo de la ventana de capas.

Aquí puedes elegir cada uno de los colores básicos y modificar la cantidad de cian, magenta y amarillo que contienen, para variar su tono ligeramente. También puedes variar la cantidad de negro que contienen para aclararlos u oscurecerlos. Se trata de un ajuste sutil pero que te ayudará a conseguir exactamente el tono de piel que más te guste, modificando los tonos rojos, amarillos y, en ocasiones, también magentas.

¡Y listo! Ya tenemos a nuestra pareja playera mucho más morenita. Aquí te dejo las fotos del "antes" y el "después" para que puedas apreciar bien la diferencia.

¿Te animas a broncearte digitalmente con Photoshop? ¡Ahora ya sabes cómo se hace!

¿Conoces alguna otra técnica o consejo para conseguir un buen moreno veraniego en Photoshop o en otro programa de edición? ¡Déjanos un comentario!

La separación de frecuencias es una técnica usada frecuentemente en los retoques de Beauty, principalmente para limpiar la piel de tu modelo de las pequeñas imperfecciones del rostro, aunque también puede ser utilizada para eliminar cabellos rebeldes, manchas, pequeñas cicatrices, etc.

Su principal atractivo es que permite dejar una piel "perfecta" pero conservando su textura, lo que le da a nuestra fotografía un acabado totalmente natural y realista.

Siguiendo unos simples pasos en Photoshop serás capaz de obtener unos resultados sorprendentes, dignos de un retoque profesional. ¿Te gustaría saber cómo conseguirlo?

¿Qué es la Separación de Frecuencias?

La separación de frecuencias es una técnica profesional de retoque de piel. De hecho es la técnica más utilizada por los profesionales de las revistas de moda. ¿Por qué? Por sus magníficos resultados.

Seguro que habrás visto más de una vez retoques de piel tan agresivos que han suavizado la cara de una modelo hasta dejarla tan lisa como la piel de un melocotón. Quedan tan irreales porque la piel tiene textura, y si ésta desaparece la fotografía queda poco natural.

Como se suele decir, un buen retoque es el que no se nota, y por eso la separación de frecuencias es tan popular entre los profesionales.

Esta técnica separa en dos capas la textura y el color de nuestra fotografía. Así, podremos retocar la piel sin destrozar su textura, para dejarla perfecta pero con un aspecto totalmente natural y realista.

A continuación vamos a ver paso a paso cómo conseguirlo. Para el ejemplo vamos a retocar esta fotografía. Como puedes ver en el recorte, el maquillaje ha quedado muy cuarteado, dando lugar a una piel con un aspecto bastante feo. Con la separación de frecuencias vamos a conseguir dejarla mucho mejor, pero sin perder su textura natural.

La Separación de Frecuencias Paso a Paso

1. Crear las Capas

En primer lugar deberemos duplicar la capa dos veces, desde el menú Capa/Duplicar capa o pulsando el atajo de teclado Control+J. Aunque no es algo necesario, yo suelo meter estas dos capas en un grupo para poder activarlas y desactivarlas, y comprobar así cómo va quedando el retoque, apagando y encendiendo el icono del ojito que encontraremos delante de la carpeta del grupo.

Para aclararnos, simplemente, llamaremos a la capa de arriba Textura y a la de abajo Color. Esto siempre va a ser así, la capa de arriba contendrá la textura de nuestra foto y la de abajo el color.

2. Separar las Frecuencias

Ahora es cuando realmente vamos a separar las frecuencias de nuestra foto. Lo primero que deberemos hacer es ir a la capa Color y aplicarle un desenfoque desde el menú Filtro/Desenfocar/Desenfoque gaussiano.

Aunque hay gente que suele darle entre 4 y 8 píxeles de desenfoque, es recomendable poner 2 px, ya que en el siguiente paso vamos a ganar 2 puntos de enfoque con lo que vamos a hacer. Por eso, si añades más desenfoque ahora, no lo recuperarás todo, y estaríamos perdiendo definición. Es cierto que no es demasiada, pero bueno siempre es interesante conservar la máxima nitidez posible.

Ahora seleccionaremos la capa Textura e iremos al menú Imagen/Aplicar Imagen. Cambiaremos los siguientes parámetros:

• Capa: Seleccionaremos nuestra capa Color.
• Canal: Lo dejamos en RGB, pero marcaremos la casilla Invertir.
• Fusión: La cambiaremos al modo Añadir.
• Nos aparecerán debajo unos parámetros nuevos. Normalmente, por defecto suele salir ya bien. Asegúrate de que la Escala está en 2 (los 2 puntos de enfoque que te dije antes que ganaríamos) y que el Desplazamiento está en 0.

Si lo has hecho todo bien, la imagen te quedará en gris con los contornos ligeramente marcados. No te preocupes, ahora vamos a hacer que esto quede bien cambiando el Modo de Fusión de la capa. Asegúrate de tener la capa Textura seleccionada, y encima de ella en la ventana de capas verás que hay un desplegable que pone "Normal". Ábrelo y cambia el modo de fusión a Luz Lineal.

Ahora ya volverás a tener tu fotografía con un aspecto normal. Si lo has hecho bien, al apagar y encender el ojo del grupo no deberías notar ningún cambio; a lo sumo un ligerísimo cambio en el contraste de la fotografía.

3. Retocar la Piel

Ahora que ya tenemos separadas las frecuencias, es hora de empezar a retocar la piel. Este es un proceso sencillo pero muy laborioso. Con esto me refiero a que no va a ser complicado hacerlo, pero sí nos va a requerir bastante tiempo si queremos hacerlo bien.

Este retoque constará de dos partes. Por una parte retocaremos la textura y por otra el color de nuestra fotografía. Pese a que serán dos procesos que realizaremos por separado, sí que es verdad que hay algunas imperfecciones que contendrán información tanto en la capa de textura como en la de color, por lo que deberemos retocarlas en ambas capas. Es el caso por ejemplo de los pelos, los granos bastante grandes, las arrugas muy pronunciadas, las cicatrices muy claras o muy oscuras, los lunares o las venitas de los ojos.

• Retocar textura

Para retocar la textura podemos usar cualquiera de las herramientas de clonación, aunque personalmente suelo usar el pincel corrector . Será importante ir tomando muestras constantemente, para clonar la textura de la piel más cercana a la zona que estemos retocando, ya que la textura puede cambiar mucho de unas zonas a otras.

Usaremos un tamaño muy pequeño, cuanto más pequeño más preciso será el retoque y más natural va a quedar. Lo ideal es que tenga el mismo tamaño que los poros de la piel que vamos a ir clonando. Es por eso por lo que esta técnica es tan laboriosa, porque literalmente vamos a ir clonando los poros más bonitos y cerrados, sobre los poros más abiertos, o sobre otras imperfecciones.

Así pues, el proceso consiste en acercar mucho nuestra fotografía con la herramienta lupa, e ir tomando muestras y clonando la textura que nos gusta sobre la textura que no nos gusta.

Alguna gente prefiere añadir una capa de ajuste de blanco y negro e incluso alguna de niveles o curvas para destacar más la textura y ayudarse así a retocarla mejor. Si decides usar este método, luego simplemente deberás eliminarlas cuando termines.

• Igualar color

Para retocar la capa de color podemos usar diferentes herramientas. Puedes utilizar, al igual que antes, el pincel corrector para la mayor parte de las zonas. Sin embargo, si quieres aclarar u oscurecer alguna zona concreta o, por ejemplo, eliminar una rojez, te será más útil el tampón de clonar . Si ves que es demasiado agresivo, prueba a usarlo con dureza 0 y con baja opacidad.

De la misma manera que antes, deberás ir poco a poco tomando muestras del color que te guste para clonarlo sobre el color que no te guste.

Otra cosa que podemos hacer en esta capa es mejorar el maquillaje, e incluso crearlo. Directamente con la herramienta pincel  podemos mejorar el delineado de los ojos o los labios con un pincel fino y un poco duro, e incluso dibujar sombras o colorete con un pincel muy difuso. Prueba a bajarle la opacidad si es demasiado agresivo.

Finalmente también puedes usar en esta capa la técnica dodge & burn para crear volúmenes y brillos.

4. Ajustes Finales

Este proceso puede ser muy laborioso e incluso puede que no sepas cuando terminar. Todo dependerá del tamaño final al que la gente vaya a ver tu fotografía, no será lo mismo colgarla en Facebook que subirla a tamaño grande en una plataforma como Flickr o 500px.

Así pues, aleja tu fotografía hasta el tamaño en el que va a ser observada, y apaga y enciende el ojo del grupo que hemos creado para la separación de frecuencias. Así podrás observar todos los cambios, para detectar si hay alguna cosa que hayas olvidado o alguna zona retocada que no te guste.

Finalmente, también puedes probar a bajar un poco la opacidad del grupo de separación de frecuencias si quieres darle un aspecto más natural a tu fotografía, para no dejar la piel "demasiado perfecta".

¡Atrévete a Probar la Separación de Frecuencias!

Sí, es un proceso largo y laborioso, pero de verdad que merece la pena. Nunca una piel te quedará tan perfecta como con la separación de frecuencias. En retratos más alejados quizás no sea necesaria, si vamos a ver la fotografía a "tamaño web", pero sin duda para retratos muy cercanos tipo beauty es la técnica que mejores resultados te va a ofrecer.

Así que piérdele el miedo al retoque, ¡y atrévete a probar la separación de frecuencias!

Fotografiar estrellas fugaces es una tarea que requiere de mucha paciencia. Pero sin duda cazar una estrella fugaz es uno de los logros más satisfactorios que nos brinda la fotografía nocturna. Al estar trabajando con largas exposiciones, las estrellas fugaces, al pasar por delante de nuestro encuadre, dejarán toda su estela marcada en nuestra foto.

Pese a que en gran parte conseguir cazar una estrella fugaz va a depender de la suerte, sí podemos seguir algunos consejos para maximizar las probabilidades de captar una. ¿Quieres saber cómo? En este artículo te desvelamos todos los secretos para lograrlo.

¿Qué Equipo Necesito para Fotografiar Estrellas Fugaces?

Antes de empezar a contarte algunos de los consejos más útiles para fotografiar estrellas fugaces, deberás saber qué equipo vas a necesitar. Básicamente necesitarás el mismo equipo que te aconsejábamos en nuestra "Guía Definitiva para Fotografiar Estrellas":

1. Cámara con modo Manual: Lo primero que vamos a necesitar es una cámara que nos deje disparar en modo Manual, ya que en modo automático no vamos a poder configurarla para que dispare fotos de varios segundos, que es lo que requeriremos para captar las estrellas. Por supuesto, siempre será más recomendable una cámara que se comporte bien en situaciones de poca luz, pero con un equipo básico también podrás conseguirlo.
2. Trípode: Como te comentaba, vamos a disparar fotos de varios segundos. Por eso, para que no salgan trepidadas, vamos a necesitar un trípode. Recuerda que cuando estés usando un trípode será recomendable desactivar el estabilizador para evitar que esa compensación, innecesaria si estás usando un trípode, pueda trepidar tu fotografía.
3. Intervalómetro: En nuestra guía para fotografiar estrellas te recomendábamos usar un disparador remoto para no tener que tocar el botón de disparo y evitar así trepidar tus fotografías. Sin embargo, para fotografiar estrellas fugaces vas a necesitar un disparador remoto especial: un intervalómetro. Un intervalómetro te va a permitir programar tu cámara para que dispare cientos de fotografías seguidas, algo imprescindible para cazar estrellas fugaces, ya que dispararlas a mano sería extremadamente tedioso y requeriría estar atento a cada disparo durante horas. Hay algunas cámaras que ya disponen de intervalómetro integrado. En ese caso, te bastará un disparador remoto normal.
4. Objetivo gran angular: Un objetivo gran angular no será 100% necesario, pero sí extremadamente útil. Es cuestión de probabilidad: cuanto más amplio sea tu encuadre, más probable será que entre en él una estrella fugaz. Además, normalmente un paisaje estrellado quedará más bonito cuanto más amplio sea.
5. Luz frontal: Piensa que vamos a estar trabajando en total oscuridad, por eso va a ser necesario alumbrarnos con alguna linterna. Una luz frontal será lo más útil, ya que podrás alumbrarte sin necesidad de ocupar tus manos. Así podrás montar y configurar tu equipo sin complicaciones.
6. Teléfono móvil: De noche siempre es interesante llevar un smartphone cargado por si acaso. Pero además, existen multitud de app's muy útiles por ejemplo para situar las estrellas y las constelaciones, para calcular la hiperfocal o para saber cuánto tiempo de exposición debemos usar para que las estrellas no empiecen a dejar traza. En nuestra "Guía Definitiva para Fotografiar Estrellas" te mostrábamos algunas de las más recomendadas.

¿Qué Parámetros debo Usar para Fotografiar Estrellas Fugaces?

Pese a que los parámetros pueden variar ligeramente dependiendo de las condiciones lumínicas que haya en el lugar, deberás tener en cuenta algunos consejos:

1. Diafragma: El diafragma siempre deberemos abrirlo lo máximo posible, para captar la mayor cantidad de estrellas. Así, también, cuando caiga una estrella fugaz maximizaremos la luz que captamos de ella y, por tanto, quedará más marcada en nuestra fotografía.
2. ISO: Si queremos captar la luz que emiten tanto las estrellas como las estrellas fugaces, deberemos perderle el miedo a subir la ISO. Lo ideal será subirla, al menos, entre 1600 y 3200. Aunque si tu cámara y la luz ambiental te lo permiten, puedes atreverte a subirla más.
3. Tiempo de exposición: El tiempo de exposición va a depender de los otros dos parámetros del triángulo de la exposición (diafragma e ISO) que hayas usado. También variará en función de la contaminación lumínica que haya en el ambiente y de la distancia focal a la que estés disparando. Con un gran angular normalmente el límite estará entre 20-30 seg., ya que entonces las estrellas no nos quedarán como un punto fijo, sino que empezarán a dejar traza, a causa de la rotación de la tierra. Con distancias focales mayores, las estrellas empezarán a dejar traza mucho antes. Si captamos una estrella fugaz así no tendrá tanto protagonismo, ya que todas las estrellas serán "rayas", por eso es importante, en este caso, evitar que dibujen traza. El tiempo exacto en el que las estrellas empiezan a dejar traza variará dependiendo de la distancia focal, el diafragma y el tipo de sensor que estés usando. Por eso lo mejor será calcularla mediante una app, como por ejemplo Photopills.
   

   foto por Sergiu Bacioiu (licencia CC)

4. Balance de blancos: El balance de blancos puedes situarlo como mejor te parezca, ninguno será mejor ni peor. Puede gustarte darle un toque más frío a tu fotografía para potenciar el azul del cielo, o puedes intentar buscar un balance un poco más cálido para no perder detalle, por ejemplo, en la vía láctea, o para potenciar el brillo de algún foco de población cercano. Como lo ideal es que dispares en formato RAW para poder captar la máxima información posible, no deberás preocuparte de él ya que después a la hora de revelarlo podrás variar el balance a tu gusto sin problema.
5. Reducción de ruido: La reducción de ruido en exposiciones largas, que siempre se suele recomendar activar para la fotografía nocturna, en este caso deberá estar apagada. ¿Por qué? Porque para cazar estrellas fugaces necesitaremos que el intervalo entre tomas sea el menor posible. ¡Imagina que justo cae una estrella fugaz cuando tu cámara está procesando la reducción del ruido!
6. Enfoque: Al igual que para cualquier fotografía nocturna, lo ideal será calcular la distancia hiperfocal para enfocar correctamente el cielo en la oscuridad. Otra opción también es enfocar a infinito, si tu objetivo cuenta con una escala de medidas. Sin embargo, el enfoque a infinito no siempre es preciso al 100%, y si tienes algún elemento en primer término probablemente no aparecerá nítido del todo.
7. Disparo: Como te comentaba antes, vamos a necesitar un intervalómetro. Configura los máximos disparos posibles, ya que siempre estarás a tiempo de cortar antes de que terminen y, sin embargo, si la cámara se detiene y no te das cuenta te podrías perder alguna estrella fugaz. También será importante configurar el intervalo más corto que puedas entre foto y foto, para que no se escape ningún meteoro. Normalmente suele ser de medio segundo o un segundo, dependiendo del equipo.

Aprende a Fotografiar la Vía Láctea

7 Consejos para Fotografiar Estrellas Fugaces

1. Huye de la contaminación lumínica: Para poder fotografiar las estrellas, sean fugaces o no, deberemos huir de la contaminación lumínica. Si vives en un pueblo pequeño bastará con alejarte unos kilómetros. Pero si vives en una gran ciudad, es probable que tengas que alejarte al menos 50 km. para que su contaminación lumínica no te afecte. Puedes consultar la contaminación lumínica de cualquier lugar desde Light Pollution Map, o desde su app gratuita.
2. Sal en noches sin luna: De la misma manera que la contaminación lumínica nos va a eclipsar las estrellas, la luna va a hacer lo mismo. Cuanto más llena esté menos estrellas vamos a poder captar en el cielo. Por eso será recomendable salir en noches de luna nueva (o casi), o en noches en las que la luna salga muy tarde o se esconda muy pronto.
3. Vigila el tiempo atmosférico: Es obvio que para poder fotografiar el cielo necesitarás salir en noches sin nubes. Sin embargo, otros factores como la neblina o la humedad pueden no detectarse tan fácilmente, y también serán un inconveniente a la hora de conseguir un cielo perfecto en tu fotografía.
4. Aprovecha las lluvias de estrellas: Cazar una estrella fugaz, en gran parte, es cuestión de suerte. Caen a veces, pero no sabemos cuándo ni dónde. Sin embargo hay ciertas épocas del año en las que caen muchas estrellas fugaces. Exacto, me refiero a las lluvias de estrellas. Si realmente queremos cazar una estrella fugaz lo mejor va a ser aprovecharlas. Hay varias lluvias de estrellas importantes a lo largo del año. En el próximo punto te hablo sobre ellas.
5. Ten paciencia: Como te decía, la suerte va a influir mucho a la hora de cazar una estrella fugaz o no. Aunque salgamos a hacer fotos un día de lluvia de estrellas, no van a estar constantemente cayendo y, más importante aún, no siempre van a caer dentro de nuestro encuadre. Si no tenemos paciencia, nuestra salida fotográfica puede resultar bastante frustrante.
6. No detengas la cámara: Puede que después de que hayan caído varias estrellas fugaces fuera de tu encuadre te plantees mover la cámara. Pero te aconsejo que no lo hagas. No detengas la cámara a no ser que sea estrictamente necesario. La Ley de Murphy dicta que en cuanto la muevas o la detengas caerá la estrella fugaz más enorme y bonita de toda la noche.
7. No las confundas con aviones: Después de varias horas disparando llega la hora de la verdad: revisar todas las fotos para ver si realmente hemos cazado alguna estrella fugaz. Sin embargo los aviones a veces pueden ser confundidos con estrellas fugaces. Para diferenciar un avión de una estrella fugaz, simplemente mira su estela. Si tiene más de una línea paralela o si a los lados hay pequeños puntitos, es un avión, lo siento.

Lo que de lejos parecía ser una estrella fugaz, resulta ser un avión

¿Qué Lluvias de Estrellas hay a lo largo del Año?

Pese a que la lluvia de las Perseidas suele ser la más conocida, lo cierto es que a lo largo del año hay varias lluvias de estrellas interesantes para poder captar estrellas fugaces. Saber aprovecharlas será la clave para que tu caza de estrellas fugaces sea fructífera.

A continuación vamos a ver las lluvias de estrellas que podremos encontrar durante todo el año 2022. En cada una de ellas podrás encontrar la siguiente información:

• Fecha: En qué fechas es visible esta lluvia de estrellas.
• Noche de mayor actividad: Qué noche será la que más estrellas fugaces vamos a poder ver.
• Pico: A qué hora (UTC) tendrá el pico de mayor actividad, es decir, el momento en el que se prevé que caerán más estrellas fugaces.
• Actividad: Cuál es su frecuencia media de meteoros por hora.
• Radiante: Desde qué radiante nacen. Los meteoros de cada lluvia de estrellas suelen "nacer" desde un punto concreto del cielo. Cada una tiene su radiante y será ahí hacia donde deberemos encuadrar. Cada radiante está situado cerca de la constelación que lleva su nombre. Si no sabes situarlas no te preocupes, existen muchas app's muy útiles para ello, como por ejemplo Sky Map, Stellarium o Sky Safari.
• Visibilidad: Cuánta visibilidad tendrán, en base a la fase lunar en la que se encuentran los días de mayor actividad.
• Zona: Desde qué hemisferio se puede ver la lluvia de estrellas, o desde cuál se percibe con mayor intensidad.

1. Cuadrántidas

• Fecha: Entre el 28 de diciembre y el 12 de enero
• Noche de mayor actividad: 3 de enero
• Pico: 20:36h UTC
• Actividad: Alta (110 meteoros/hora aprox.)
• Radiante: Constelación de Bootes
• Visibilidad: Muy buena (Luna al 1,9%)
• Zona: Hemisferio norte

2. Líridas

• Fecha: Entre el 14 y el 30 de abril
• Noche de mayor actividad: 22 de abril
• Pico: 18:59h UTC
• Actividad: Baja (18 meteoros/hora aprox.)
• Radiante: Constelación de Lira
• Visibilidad: Media (Luna al 58,2%)
• Zona: Hemisferios norte y sur, aunque es más débil en el sur

3. Eta Acuáridas

• Fecha: Entre el 19 de abril y el 28 de mayo
• Noche de mayor actividad: 6 de mayo
• Pico: 08:29h UTC
• Actividad: Media (50 meteoros/hora aprox.)
• Radiante: Constelación de Acuario
• Visibilidad: Buena (Luna al 25,7%)
• Zona: Hemisferios norte y sur, aunque tiene menor intensidad en el norte

4. Delta Acuáridas

• Fecha: Entre el 12 de julio y el 23 de agosto
• Noche de mayor actividad: 30 de julio
• Pico: 11:48h UTC
• Actividad: Baja (25 meteoros/hora aprox.)
• Radiante: Constelación de Acuario
• Visibilidad: Muy Buena (Luna a 3%)
• Zona: Hemisferios norte y sur, aunque tiene menor intensidad en el norte

5. Perseidas

• Fecha: Entre el 17 de julio y el 24 de agosto
• Noche de mayor actividad: 13 de agosto
• Pico: 01:32h UTC
• Actividad: Alta (100 meteoros/hora aprox.)
• Radiante: Constelación de Perseo
• Visibilidad: Muy mala (Luna al 98,4%)
• Zona: Hemisferios norte y sur, aunque tiene menor intensidad en el sur

6. Oriónidas

• Fecha: Entre el 2 de octubre y el 7 de noviembre
• Noche de mayor actividad: 21 de octubre
• Pico: 17:53h UTC
• Actividad: Baja (20 meteoros/hora aprox.)
• Radiante: Constelación de Orión
• Visibilidad: Buena (Luna al 14,9%)
• Zona: Hemisferios norte y sur

7. Leónidas

• Fecha: Entre el 6 y el 30 de noviembre
• Noche de mayor actividad: 17 de noviembre
• Pico: 23:13h UTC
• Actividad: Baja (10 meteoros/hora aprox.)
• Radiante: Constelación de Leo
• Visibilidad: Buena (Luna al 36,6%)
• Zona: Hemisferios norte y sur

8. Gemínidas

• Fecha: Entre el 4 y el 17 de diciembre
• Noche de mayor actividad: 14 de diciembre
• Pico: 13:06h UTC
• Actividad: Alta (150 meteoros/hora aprox.)
• Radiante: Constelación de Géminis
• Visibilidad: Media (Luna al 67,4%)
• Zona: Hemisferios norte y sur, aunque es más débil en el sur

9. Úrsidas

• Fecha: Entre el 17 y el 26 de diciembre
• Noche de mayor actividad: 22 de diciembre
• Pico: 23:31 UTC
• Actividad: Baja (10 meteoros/hora aprox.)
• Radiante: Constelación de la Osa Menor
• Visibilidad: Muy buena (Luna al 0,5%)
• Zona: Hemisferio norte

* Fuente: Photopills

Un Ejemplo Práctico

Ahora que ya sabes todo lo que debes tener en cuenta a la hora de fotografiar estrellas fugaces, quiero mostrarte un ejemplo práctico con una de mis fotografías nocturnas favoritas.

11 mm. - 30 seg. - f/2.8 - ISO 6400

Ese año planificamos salir a capturar estrellas fugaces la noche de mayor actividad de la lluvia de estrellas de las líridas. Las líridas son una de mis lluvias de estrellas favoritas, no por su actividad, ya que es una lluvia con una actividad bastante baja, pero sí por dónde se sitúa su radiante, ya que coincide con la zona donde se sitúa el centro galáctico de la vía láctea. Así que la composición ya es atractiva de por sí, con la increíble vía láctea surcando el cielo, por lo que solo hay que esperar y rezar para que justo caiga una estrella fugaz dentro del encuadre. Es poco probable, ya que como te comentaba es una lluvia con poca actividad, pero si ocurre te llevas a casa un fotón seguro.

Así que decidimos ir a probar suerte. Usando Photopills miramos por dónde se situaría la vía láctea esa noche, y con Light Pollution Map decidimos ir a una zona alejada de la contaminación lumínica, para poder captar mejor el cielo nocturno.

Una vez allí, localizamos la vía láctea y el radiante de las líridas usando la app Sky Safari, y encuadramos hacia ella. Situé la cámara sobre el trípode y usé un objetivo gran angular para tener un encuadre bastante amplio y tener más posibilidades de captar alguna estrella fugaz.

A continuación, configuré la cámara con los siguientes parámetros:

• Tiempo de exposición de 30 segundos, lo suficiente para captar la máxima luz posible pero sin llegar a que las estrellas dejaran traza.
• Apertura de diafragma de f/2.8, la máxima que me permite ese objetivo.
• ISO 6400, lo suficientemente alta como para captar bastante luz de las estrellas, pero no demasiado como para que el ruido arruine la toma.

Y después de eso vino el paso más importante: configurar el intervalómetro. Si no quieres que se te escape ninguna estrella fugaz, lo ideal es programar un intervalómetro para que tu cámara esté disparando constantemente fotografías. Configuré el intervalo entre fotos menor que se podía programar: medio segundo. Así que gracias a ello, la cámara disparaba la fotografía de 30 segundos, perdía medio segundito y volvía a disparar otros 30 segundos más. Con esa configuración es prácticamente imposible que te pierdas cualquier estrella fugaz que caiga dentro de tu encuadre.

Una vez hecho esto, tan solo quedaba esperar. Cayeron varias estrellas fuera del encuadre, por supuesto, es algo inevitable. Pero por mucho que te tiente, no cambies el encuadre. La Ley de Murphy hará que precisamente cuando lo estés cambiando de repente caiga una estrella fugaz justo donde estabas encuadrando... ¡me ha pasado! Así que después de eso, jamás toco el encuadre, por si acaso.

Y de repente ocurrió la magia. La vimos caer, fue enorme y cayó lenta, dibujando su estela en el cielo por un segundo o dos. Con el corazón en un puño, escuché el click de la cámara que indicaba que la fotografía había terminado y escuché dispararse la siguiente. ¡Vale! ¡Nada había fallado! La había visto caer justo encima de la vía láctea, ¡tenía que haberla capturado seguro!

Pero por muy convencido que estés, tu corazón late a mil por hora hasta que le das a la previsualización y efectivamente, compruebas que la has capturado. Y en ese momento, respiras, gritas, saltas... Es una emoción increíble. Sin duda, es de las mejores experiencias que he vivido como fotógrafa. Os animo a que lo intentéis. La espera puede ser larga y a veces hasta frustrante si ves que no cae ninguna estrella o que todas están cayendo fuera del encuadre. Pero cuando consigues LA FOTO, todo habrá valido la pena.