Cuando alguien empieza en el mundo de la fotografía es normal que escuche o lea una serie de palabras cuyo significado desconoce, que hace más difícil el aprendizaje. Esto sucede en cualquier especialidad, por lo que es recomendable familiarizarse lo antes posible.

Hay términos que están relacionados con las partes de una cámara, otras que hacen referencia a técnicas fotográficas, algunas que tienen que ver con el procesado digital, y así hasta completar un abanico bastante extenso que se suelen escuchar en cualquier corrillo en la que se encuentren, tanto aficionados como profesionales de la fotografía.

A continuación comentaré algunos de estos términos que son imprescindibles para no perderse.

Valor de exposición o EV

La cámara nos muestra el EV de la escena a través del exposímetro, una gráfica que suele ir desde el -3 hasta el +3. En este caso nos muestra un valor EV 0 en función de los parámetros seleccionados. Si pusiéramos una velocidad de 1/125 tendríamos el doble de luz, y el exposímetro marcaría +1.

Es el término que se refiere a la cantidad de luz que tiene una escena concreta. Si la luz de una escena cambia, por ejemplo, una habitación a oscuras en la que encendemos la luz, el EV de dicha escena cambiará.

En función del EV que tenga la escena que queramos fotografiar, tendremos que establecer unos valores para el diafragma, el tiempo de exposición y el ISO.

Fotografía subexpuesta y sobreexpuesta

Fotografía sobreexpuesta. Tiene demasiada luz, y el cielo está quemado, los blancos no tienen detalle, se ha perdido la información.

Fotografía subexpuesta ya que el histograma está pegado a la izquierda. Los tonos oscuros se han quedado en negro puro.

Se dice que una fotografía está subexpuesta cuando tiene menos luz de la que debería, es decir, está oscura. Y por el contrario, cuando tiene más luz de la que debería se dice que está sobreexpuesta. En ocasiones, cuando una foto está demasiado sobreexpuesta se dice que hay zonas quemadas, es decir, hay zonas blancas en las que no tenemos nada de información, hemos perdido el detalle. Las cámaras tienen la opción de configurar el aviso de altas luces para saber qué zonas se nos ha quemado de la foto (partes blancas de la foto que parpadean). Para comprobar si una foto está subexpuesta o sobreexpuesta se utiliza el histograma, que muestra la información tonal de cada píxel de nuestra fotografía.

Diafragma

foto por Nayuki (licencia CC)

Es la apertura del objetivo, que podemos abrir o cerrar controlando la cantidad de luz que llega al sensor. Se establece a través del número f, y puede tener los siguientes valores: 1, 1.4, 2, 2.8, 4, 5.6, 8, 11, 16, 22, etc...

A priori puede parecer complicado y no tener ningún sentido dichos números, pero con la práctica nos acabarán sonando. De todos modos, existe un truco para acordarse de todos estos números. Simplemente tenemos que recordar el número 1 y el 1.4. De manera que el siguiente número será el doble del anterior. Por ejemplo, el siguiente número f de 1.4 es el doble del anterior, que era 1, por lo que nos da f2. El siguiente de f2 será el doble de 1.4, es decir, f2.8, y así sucesivamente.

Estos números corresponden a los valores de diafragma de pasos completos. Las cámaras nos permiten configurar el diafragma en pasos completos, en mitades o en tercios (que es lo más habitual). De manera que partiendo de f2.8, pasaríamos a f3.2, después a f3.5 y por último a f4. De f2.8 a f4 hay un paso completo, sin embargo, de f2.8 a f3.2 hay un tercio, al igual que de f3.2 a f3.5, y de f3.5 a f4. Si sumamos tres tercios nos da un paso completo. De esta manera podemos ajustar mejor la cantidad de luz que dejamos pasar por el objetivo.

Paso completo

Dado un valor de exposición (EV) cualquiera para una escena concreta, aumentar un paso la exposición significa doblar la cantidad de luz de dicha escena. Si restamos un paso, estamos reduciendo la cantidad de luz a la mitad.

Podemos aumentar o disminuir la exposición un paso completo a través del diafragma, de la velocidad de obturación o del ISO.

Por ejemplo, de f2.8 a f4 cerramos un paso, por lo que obtenemos la mitad de luz. Si pasamos de tener una velocidad de 1/500 a 1/250 estamos aumentado la cantidad de luz el doble, por lo tanto, tenemos un paso más de luz. Y por último, si modificamos el ISO de 400 a 200 reducimos el EV un paso completo, obteniendo la mitad de luz que al principio.

Como hemos visto en el caso del diafragma, es posible ajustar la exposición en mitades o en tercios. También se puede hacer esto con la velocidad y con el ISO.

Exposímetro

Es el gráfico o numeración que muestra el valor de la exposición que ha captado el fotómetro de nuestra cámara para la escena que vemos a través del visor. Suele ir desde el -2 o -3 hasta el +2 o +3. Del 0 al +1 hay un paso más de luz (el doble), del +1 al +2 hay otro paso. Lo contrario sucede del 0 al -1, y así sucesivamente.

Obturador

Es el mecanismo de la cámara que se abre y cierra cuando pulsamos el botón de disparo, permitiendo que la luz alcance al sensor. Está compuesto por dos cortinillas.

La velocidad a la que se abren determina la cantidad de luz que entrará al sensor. Viene especificada por la velocidad de obturación o tiempo de exposición.

Distancia focal

Dos fotografías tomadas en el mismo lugar pero con objetivos diferentes. La primera se utilizó una distancia focal de 16mm, por lo que el ángulo de visión es muy grande, ideal en espacios pequeños. La segunda se hizo a una de las columnas de la izquierda con un 200mm. Acerca los objetos, y por lo tanto el ángulo de visión es menor.

Determina tanto el ángulo de visión como el alcance o grado de aumento. Cuanto mayor sea la distancia focal, más zoom tenemos, por decirlo de alguna manera. Es el típico objetivo con el que podemos fotografiar algo que está muy lejos, ya que nos lo acerca. Esto implica que el ángulo de visión sea muy pequeño.

Por el contrario, si tenemos un ángulo de visión grande podremos abarcar una mayor escena, por ejemplo un paisaje, una habitación, etc...Con estos objetivos los objetos parecen más pequeños de lo que son realmente, y si nos acercamos mucho a un objeto (o persona) consigue deformarlo considerablemente.

Profundidad de campo

22mm a f4.

22mm a f5.6.

22mm a f16. Todas las fotos enfocan al fondo, y como se puede observar, cuando más cierro el diafragma más profundidad de campo hay, por lo que cada vez hay más elementos nítidos.

Es la distancia entre el punto más cercano y el más lejano que aparecen nítidos (o aparentemente nítidos) en nuestro encuadre.

Cuanto mayor es la apertura del diafragma, menor es la profundidad de campo. Cuanto mayor es la distancia focal, menor será la profundidad de campo. Cuanto más cerca estamos del objeto que hemos enfocado, menor profundidad de campo.

Conocer, y sobre todo, entender estos conceptos hará que nuestro aprendizaje sea más sencillo.

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La peor foto es aquella que mata la realidad cuando realmente se busca lo contrario. Esto ocurre especialmente en la fotografía gastronómica, la de comida de toda la vida. Nada tienen que ver el encuadre, la calidad de la luz, el ángulo de esta, la perspectiva…; todos ellos son valores añadidos que resultarán, en caso de sumar, en una fotografía que triunfará. Lo que aquí importa es la textura y la reproducción fiel del color. ¡Ah, y el enfoque! Mejor dicho, la zona enfocada. Estos no restan, si no están presentes no hay foto buena. Excluyo las expresiones fotográficas en nombre del arte.

¿Cómo se Atreven a Comer lo que Fotografían?

Me espanto cuando veo gente dispuesta a ingerir lo que parecen –a juzgar por las fotos que publican- productos, ya no de dudosa calidad, sino directamente en mal estado. Todos parecen salivar ostensiblemente dedicando, no pocos elogios, al fotógrafo, a la comida y a los locales. Sinceramente, viendo las fotos, ni me planteo pisarlos.

Siendo honestos, cabe matizar dos cuestiones innegables: que la gente sigue viva tras comerse lo que fotografía y que los restaurantes, bares, taperías…, de los cuales se muestran los platos que la gente dice comerse, todavía no han sido cerrados por Sanidad. Así pues, hemos de concluir que muchas de las fotografías compartidas en las redes sociales no son un fiel reflejo del plato. En fin, todo resulta un tanto extraño.

La Lista de la Compra

La fotografía de alimentos es un mundo aparte dentro del mundo de la fotografía, un arte en sí misma, que va ganando adeptos. Sea cual sea el interés que os mueva, compartir el momento, obtener un recuerdo, conseguir una imagen para la publicación de un blog…, considero importante esforzarse para conseguir la imagen más fiel posible.

Las fotografías que se muestran en publicaciones culinarias y en muchos restaurantes, han sido realizadas por fotógrafos profesionales, además en ocasiones, de primer nivel. Fotógrafos que comparten protagonismo con estilistas de comida, sí, cuyo cometido es conseguir que los platos luzcan de la mejor forma posible. Tanto es así que muchos cocineros famosos tienen un fotógrafo trabajando a tiempo completo para ellos, dedicados en exclusiva a fotografiar sus platos para, posteriormente, utilizar esas fotos para su promoción.

Por tanto, ya tenemos alguna pista de lo que podremos, o no podremos, obtener. Quien piense que con su móvil será capaz de acercarse a la calidad de las mencionadas fotos, casi con certeza, puedo afirmar que verá sus expectativas defraudadas.

Por consiguiente, las claves principales para obtener fotografías de comida apetecibles, pasan por imitar lo que hacen los profesionales.

1. En la fotografía profesional de alimentos se utilizan productos que no son comestibles, los cuales están orientados a mejorar el aspecto de los alimentos fotografiados y a evitar aquellos que se deterioran rápidamente. No ocurre así en los restaurantes, donde la buena presencia depende únicamente de las habilidades del personal y de la calidad de los alimentos. La foto debe de realizarse inmediatamente, una vez que nos han servido.
2. La iluminación profesional está muy estudiada y controlada, tanto si es natural como artificial. En los restaurantes encontraréis tantas posibilidades de iluminación como locales. La iluminación que generan los focos de los locales, raras veces tiene la consideración de idónea.
3. Los equipos que utilizan son profesionales, no hacen fotos con la cámara de un móvil, ni siquiera con la del último modelo comercializado.
4. Se usan reflectores, espejos y otros complementos, para conseguir llevar la luz allí dónde se necesita. Tened en cuenta que en muchas ocasiones se utilizan contraluces o luz lateral.
5. Usan un trípode, lo que permite trabajar son ISO's bajas y profundidades de campo adecuadas, evitando además, la trepidación. Hay locales oscuros como cuevas, donde la exposición requiere el uso de ISO elevada, grandes aperturas y velocidades lentas.
6. Fotógrafo y cocinero trabajan sincronizados. Los platos se sacan cuando ambos están preparados. Las salsas, aliños, etc, se añaden en el último momento para dar una apariencia de recién preparado.
7. Algunos alimentos pierden sus cualidades fotogénicas a los pocos minutos de ser emplatados, por ejemplo la pasta. Haz las fotos lo antes posible.
8. Y por supuesto, las fotos son procesadas antes de ser expuestas.

Si al llegar hasta aquí, todavía no has desistido de hacer fotos en restaurantes, te voy a explicar lo que hago yo cuando decido hacer fotos de lo que como, fuera de mi casa.

Las Principales Consideraciones

Convirtiendo los puntos anteriores en requerimientos, ya estarían enunciadas. ¿Cuántos de ellos podéis cumplir cuando vais a cenar a un restaurante? Si digo uno o dos no me equivoco mucho.

1. Si tienes una réflex, úsala. Su sensor de mayor tamaño ofrecerá mejor resultado en el tratamiento del ruido y en el manejo de las ISO's elevadas.
2. Es fundamental respetar al máximo texturas y colores. Así, el ajuste preciso del balance de blancos es importante, evitando –por ejemplo- que el pulpo adquiera una tonalidad amarilla o verdosa, sinónimo de que no está bien.
3. Si las luces del restaurante no rinden todo el espectro cromático se producirán dominantes de color que afectarán a los colores de los alimentos. En muchos casos, tienen difícil, incluso imposible, corrección.
4. Si vas a usar tu móvil o una cámara compacta, debes de saber que en condiciones de baja iluminación la calidad que ofrecen es escasa y que generarán mucho ruido. Hoy existen smartphones con cámaras con aperturas de f/1,8 (el mío, je,je) lo que está francamente bien, pero no es suficiente en muchas ocasiones porque la ISO necesaria es elevada. Por tanto, intenta que la luz no le llegue totalmente a contraluz, mejor lateral.
5. Continuando con los Smartphones, sujétalo bien, porque bajará tanto la velocidad que tendrás riesgo de trepidación. Es fácil encontrar velocidades por debajo de 1/30.
6. Siempre que puedas, mientras tengas luz natural, elige sentarte al lado de una ventana. Tendrás más luz. La única precaución es situar el plato fuera del alcance de los rayos solares.
7. Con la luz natural también se pueden introducir algunas dominantes de color indeseadas si, por ejemplo, la luz llega tamizada a través de un toldo o de unas cortinas de color.
8. Puedes girar el plato para buscar el mejor ángulo, no te quedes con la posición en la que el camarero te ha dejado el plato.
9. Apaga el flash de la cámara, de cualquier cámara, incluido el móvil. Si no hay luz suficiente no hagas la foto, disfruta de la comida, y no incordies al resto de comensales.
10. Procesa la foto: un poquito de luz aquí, algo de saturación, un ajuste preciso del balance de blancos, un poquito de relleno a las sombras, quizá un poco menos de contraste, un pelín de nitidez y un marco delicado, harán que la foto luzca mejor. Hay muchos programas de edición, pero si hablamos de móvil, a mí me gusta Snapseed. ¡Nada de filtros!
11. Sobre la perspectiva, encuadre, formato… hay mucha literatura en internet. Quizá en otro artículo me decida a hablaros sobre ello.

Resumiéndolos todos en uno: recuerda que el interior del pulpo es blanco, ni verde ni amarillo. Si presenta alguno de ellos, no lo comas y si no puedes conseguir una foto de él con su interior blanco, haz fotos alternativas, del local, de los cubiertos, de los muchos detalles que cualquier local ofrece.

Para Finalizar

Muchos locales venden una imagen cuidada, de presencia exquisita, con productos de primera calidad y preparaciones de alta cocina, con meticulosos emplatados y, muchos de ellos, con chefs de primer nivel. Si has quedado satisfecho, ayuda al restaurante.

Sé honesto si no has sido capaz de hacerle justicia al plato y avisa a tus lectores indicando que el plato real presenta un aspecto mejor del que muestra la foto. Diles que había poca luz, o que una dominante de color arruinó la toma.

Haz buenas fotos: tus lectores lo agradecerán, pensarán que su aspecto es saludable y se plantearán seriamente ir al restaurante.

Me sorprende que los restaurantes todavía no se hayan planteado prohibir las fotos que se realizan de sus platos. Sé que es un tema controvertido, ya que existen derechos por ambas partes, local y comensal, difíciles de dirimir. Pero hay un aspecto claro, un restaurante vende comida y la imagen de lo que vende debe de ser adecuada a su nivel y pretensiones. Y en muchas ocasiones, las fotos que se suben a las redes sociales no lo son. Hasta qué punto favorecen o perjudican al restaurante, lo desconozco. Si yo tuviese un restaurante, ofrecería la posibilidad de que la gente se descargase las fotos de los platos que se está comiendo. Sería una promoción increíble, adaptada a mis intereses.

Por último, suelo realizar fotos en los restaurantes, pero siempre pido permiso antes, no uso flash y no me levanto para, girando alrededor de la mesa, buscar el mejor ángulo para cada plato; todo ello con el fin de no perjudicar la experiencia del resto de comensales que, al igual que yo, también van a pagar su cubierto y tienen derecho a disfrutar sin que nadie les de la comida/cena.

Salvo que estemos fotografiando bebés o niños pequeños, durante la fase de edición y procesado de nuestras fotografías de retrato, siempre surge la posibilidad de realizar un pequeño "facelifting" sobre el rostro de los sujetos para hacer desaparecer arrugas o manchas en la piel, ¿a que sí?

En función de lo bien que realicemos esta técnica, podremos mejorar nuestra fotografía, o bien arruinarla, si ofrecemos un resultado artificial y poco favorecedor. Por eso hoy te voy a dar un par de trucos para conseguir un resultado natural en Photoshop. Utilizaremos, por supuesto, el pincel corrector puntual, aunque, como veremos, lo configuraremos de una forma muy concreta.

Usando El Pincel Corrector Puntual En Modo Normal

Incluso aquellos usuarios que no están muy duchos en el manejo de Photoshop conocen que hay una herramienta denominada "pincel corrector puntual" que permite sustituir el contenido de la región sobre la que se aplica por el de una región cercana.

Hay diversas variantes de esta herramienta: una que permite seleccionar la región que se tomará como motivo (pincel corrector), otra que elige automáticamente la porción a tomar como referencia (pincel corrector puntual), la herramienta parche (que permite seleccionar una región más irregular), etc.

Todas estas herramientas son accesibles, además de mediante su selección en la barra de herramientas, a través del atajo de teclado "J ". Y, su aplicación en modo normal nos permite llegar a un resultado como el que puedes ver en la imagen que se muestra a continuación.

Aplicación de corrección de arrugas: Imagen original a la izquierda y resultado de aplicar el pincel corrector puntual en modo Normal a la derecha.

Como ves, comparando el antes y el después, se ha aplicado esta herramienta sobre la zona inferior de los ojos y también en la frente. Sin embargo, el resultado es muy artificial. Observa el ojo izquierdo, donde la sombra se corta de forma completamente abrupta, o la frente, que se ve anormalmente lisa. ¿Cómo lo mejoramos?

Mejora #1: Cambiando El Modo De Fusión Al Valor Aclarar

Cuando tratamos de corregir una arruga o una mancha en la piel, normalmente lo que pretendemos es eliminar o reducir la intensidad de las sombras que sobre esas regiones originan las arrugas y hacen que éstas sean más visibles.

Por ese motivo, si en lugar de sustituir todo el contenido, sólo sustituimos aquellos píxeles que son más oscuros que los que están presentes en la región que tomamos como motivo, conseguiremos mantener la textura pero reduciendo la visibilidad de manchas y arrugas.

Para conseguir esto, basta con modificar el modo de fusión de la herramienta y, en lugar de usar el modo Normal que viene por defecto, sustituirlo por el modo "Aclarar".

Aplicación de corrección de arrugas: Imagen original a la izquierda y resultado de aplicar el pincel corrector puntual en modo Aclarar a la derecha.

El resultado en esta ocasión, si comparamos la imagen original (a la izquierda), con el resultado de aplicar el pincel de corrección puntual en modo Aclarar (a la derecha), resulta mucho más natural. No hay cortes abruptos y además se ha mantenido cierta textura, con la consiguiente mejora en naturalidad. ¿No crees?

Mejora #2: Reduciendo La Opacidad De La Capa De Ajuste

Aunque el cambio de modo aporta mucha mayor naturalidad a la imagen, es cierto que puede resultar aún un resultado algo irreal. ¿Qué podemos hacer para mejorarlo? Pues muy sencillo, trabajaremos con el valor de opacidad para regular la intensidad del ajuste.

Para ello, dejamos la imagen original en una capa debajo, duplicamos esta capa (Ctrl + J) y aplicamos el ajuste sobre la nueva capa ("Modo Aclarar"). Hecho esto, reducimos la opacidad de la capa con el ajuste hasta lograr el resultado deseado. En este caso, me he quedado con un valor de opacidad del 59%, porque era el valor cuyo resultado me gustaba más.

Aplicación de corrección de arrugas: Imagen original a la izquierda y resultado de aplicar el pincel corrector puntual en modo Aclarar y seleccionar un valor de Opacidad del 59% a la derecha.

¿Qué te parece el resultado? Es cierto que se siguen apreciando arrugas en frente y bolsas de los ojos, pero el resultado es muchísimo más natural, ¿no crees?

Esta recomendación de variar la opacidad, como sabes, no es exclusiva de este ajuste, sino que es un "truco" que en general suele venir bien para casi cualquier tipo de ajuste o retoque, porque te ayuda a variar a tu gusto la cantidad o intensidad de ajuste que realizas. Ya la conocías, ¿verdad?

Comparando Todas Las Opciones

Por si no he conseguido transmitirte la clara ganancia que aportan estos ajustes, a continuación te muestro una comparativa de todos ellos sobre la región del ojo derecho del sujeto retratado.

Comparativa de las diferentes opciones de corrección de arrugas. A la izquierda del todo: original. La segunda imagen empezando por la izquierda muestra el resultado de aplicar el pincel corrector en modo Normal. La segunda imagen empezando por la derecha ofrece el resultado de aplicar el pincel corrector en modo Aclarar. Por último, la imagen de la derecha ofrece el resultado de aplicar el pincel en modo Aclarar, pero con un valor de opacidad de 59%.

Como puedes ver, el resultado más natural es el ofrecido por la aplicación del pincel corrector en modo Aclarar pero reduciendo la opacidad. De este modo conseguimos que se mantenga una textura más cercana a la imagen original.

¿Y Tú Cómo Haces Para Corregir Las Arrugas?

Espero haberte descubierto el que es, en mi opinión, uno de los métodos más adecuados para realizar este tipo de ajustes. Ya sabes que, tras tomar una fotografía, sólo se ha realizado la primera parte de todo el trabajo. Y trucos como éste son tremendamente útiles.

¿Conocías esta técnica?, ¿utilizabas alguna variante de la misma?, ¿o quizás otra herramienta para hacerlo?, ¿eres más amigo de usar el filtro paso alto para estos menesteres?, ¿o quizás el método de separación de frecuencias? Sea cual sea la técnica que utilizas, cuéntanosla. Nunca está demás conocer otras técnicas, por si en alguna ocasión no acaban de funcionar las que ya conocemos.

Conseguir llamar la atención y que la gente se pase el mayor tiempo posible mirando una fotografía es la finalidad cada vez que mostramos una de nuestras obras. Pero para que eso suceda tenemos que conseguir fotografías originales, diferentes, que no se hayan visto antes o que muestren las cosas de una manera distinta.

En el artículo de hoy te voy a dar una serie de consejos para que puedas ponerlos en práctica la próxima vez que salgas a fotografiar.

Puntos de vista diferentes

A veces es mirar hacia abajo, otras hacia arriba. Estaba atardeciendo en Roma y la luz era muy lateral, por lo que las sombras se alargan. En este caso, un edificio más alto que la iglesia sirve de lienzo para conseguir la sombra de la iglesia y la torre.

Suele suceder que damos por hecho que las cosas sólo se pueden fotografiar desde un sitio y con un punto de vista determinado. Muchas veces no nos planteamos que pueden existir otras opciones y ni siquiera exploramos el lugar.

Si estamos en una ciudad podemos movernos, cambiar de posición, intentar encontrar puntos desde donde podamos fotografiar las cosas con otra perspectiva. Si vamos a un lugar muy fotografiado y repetimos la foto no conseguiremos ninguna sorpresa.

Explorando el lugar, moviéndose, probando encuadres acabas prácticamente en el suelo, pegado a la barandilla buscando líneas, como me pasó a mí en esta fotografía. No llegué directamente a esta posición, sino a través de varias ideas.

Es cierto que en ocasiones, un lugar tiene un punto desde el cual parece que todo encaja, y no debemos evitar hacer esa foto, pero no deberíamos conformarnos. Yo trato de obtener múltiples fotografías de un lugar y luego elegiré la que más me gusta.

A veces es el momento el que crea una situación diferente, una luz, un color. En ocasiones aparecen, en otras las buscamos.

El encontrar un punto de vista distinto es algo que trato de conseguir siempre y algo que me llena de satisfacción cuando lo consigo.

Prueba velocidades lentas

Probando un efecto de movimiento de la cámara sin mover el eje central, para conseguir un efecto como el de las circumpolares en fotografía nocturna.

Ahora nos vamos a centrar en utilizar velocidades lentas de disparo. Esto nos va a permitir obtener resultados muy variados. Lo importante ahora no es la nitidez precisamente, sino conseguir otro efecto, aunque es interesante que, a pesar del movimiento, se intuya lo que estamos fotografiando.

Por ejemplo, podemos utilizar la técnica del zooming, que consiste en hacer zoom a la vez que disparamos. Esto crea un efecto como si entráramos en un túnel y nos llevara hasta el fondo.

Podemos realizar movimientos con la cámara adrede, aprovechando que la velocidad es lenta, para que el sensor capte formas. Dependiendo de cómo sean esos movimientos el resultado variará. Es más, a veces, ni siquiera nosotros somos capaces de repetir una misma foto.

Una velocidad lenta y un pequeño gesto crea un efecto pictórico, que junto al movimiento de las olas crea esta fotografía que parece más bien un cuadro.

Este efecto se puede utilizar en cualquier ámbito, pero es muy frecuente ver fotografías de paisaje o naturaleza utilizando esta técnica. El resultado, en muchas ocasiones es pictórico, dando la sensación de tener una pintura más que una fotografía.

Dependiendo de la velocidad y de lo rápido que hagamos los movimientos podemos obtener fotografías que al verlas somos capaces de identificar los objetos o crear abstracciones.

También podemos incluir la técnica del barrido, que a muchos les gusta, sobre todo cuando empiezan a fotografiar. Con esta técnica podemos desenfocar el fondo y tener un sujeto nítido.

Largas exposiciones

Fotografía de más de 2 horas de exposición, en la que se ha capturado el movimiento de la Luna y Venus, aprovechando el reflejo sobre los campos de arroz de la Albufera. Esta fotografía no se puede ver a menos de que te la imagines en la cabeza, y para ello hay que planificarla previamente. A veces lo consigues, otras veces no, pero si no lo intentas seguro que no.

Las largas exposiciones estaban asociadas a la fotografía nocturna, pero desde que se pusieron de moda los filtros ND (Densidad Neutra), es muy habitual ver diariamente fotografías de larga exposición diurna (LED).

Estos filtros permiten alargar la exposición durante el día y conseguir, por ejemplo, que no aparezca gente en un lugar concurrido. Siempre que la gente no se detenga, la poca luz que llega al sensor evita que los capte. Fotografiar un lugar que todos sabemos que siempre está lleno de gente y mostrarlo vacío suele sorprender. Tenemos esa opción o madrugar mucho.

Pero las largas exposiciones nos permiten mostrar movimiento. Un movimiento que aparentemente no podemos ver con nuestros ojos, y que estamos intuyendo. Este es el primer paso para tomar fotografías que hemos imaginado previamente.

Tanto las fotografías donde capturamos las nubes en movimiento, el agua con ese efecto seda, o incluso las trazas de estrellas por la noche, son fotografías que una persona no puede ver, pero que sucede con el paso del tiempo, y la cámara lo captura.

Explorar este tipo de fotografía y pensar en posibles composiciones es otra manera de ir evolucionando y de conseguir que nuestras fotografías, no sólo llamen la atención, sino que sean únicas.

Múltiple exposición

Aquí podemos ver una múltiple exposición tomada directamente en cámara con la Canon 5D Mark III. Me hice un autorretrato como fotografía base y después busqué algo que pudiera fusionarse bien con mi rostro. La idea aquí era que se me viera el perfil de la cara y hacer otra fotografía, donde la luz quemada perfilara mi cabeza por detrás. La textura de los árboles destacan sobre mi cara.

Cada vez hay más cámaras que disponen de la funcionalidad de la múltiple exposición. Algo, que antes se podía hacer con el carrete sin ningún problema, solamente teníamos que no pasar el negativo y disparar dos o más veces sobre el mismo negativo.

Hoy en día algunas cámaras te permiten disparar y fusionar hasta 9 fotos en un sólo archivo. El potencial es enorme y aquí realmente se ve la imaginación a la hora de fotografiar.

Si una fotografía puede ser única, imagínate si combinas dos o más. La idea es conseguir un fondo y con una segunda toma crear un sujeto. Combinarlas pensando que las luces se van sumando para crear siluetas, o utilizar desenfoques imposibles, incluso cambiando de objetivo entre fotografías.

No siempre tenemos la suerte de fotografiar a una modelo experimentada, especialmente si no somos profesionales. En estos casos, se traslada al fotógrafo no sólo la responsabilidad sobre los aspectos más técnicos de la fotografía, sino también sobre temas estéticos y de posado. Resulta, por tanto, necesario guiar a la modelo para que ésta salga lo más atractiva posible.

Para que la próxima vez que te encuentres en esta situación puedas ayudar a tu modelo y que los resultados sean naturales y encantadores, aquí te dejo 12 consejos que creo que te pueden ayudar. Prepara lápiz y papel que comenzamos...

#1 Pídele Que Elija Su Lado Bueno

Todos tenemos un lado bueno. Sí, tú también. Afortunadamente, las mujeres parecen tener más claro cuál es su lado bueno. Así que pregunta a tu modelo cuál es el suyo y trata de situarla para favorecer que ese lado predomine en las fotografías.

De este modo, la ayudarás a estar más tranquila y confiar en que, desde ese perfil, los resultados serán más positivos. Como verás, el que los resultados sean buenos depende, en mucho, de la confianza de la modelo.

#2 De Lado, Nada de Tomas Frontales. Y Que Se Apoye Sobre La Pierna Más Retrasada

Es uno de los principales defectos de aquellas chicas que no tienen experiencia al situarse frente a una cámara: situarse completamente de frente. Es mucho más adecuado situarse de lado y así disimular, quizás, unas caderas o unas espaldas demasiado prominentes.

Si, además, al situarnos de lado, llevamos el peso sobre la pierna más retrasada, lograremos que la cadera más cercana a la cámara se vea con menor volumen y se realce el pecho, aspecto que en tomas frontales también es más fácil que pase desapercibido.

Es cierto que hay modelos que también soportan perfectamente tomas frontales y aparecen preciosas. Pero, para el resto de mujeres, siempre se obtendrá un resultado más favorecedor situándose de perfil, que de frente.

#3 La Espalda Recta, Nada De Encorvarse

Si ha seguido tu consejo anterior y se sitúa de lado, es fundamental que su espalda esté recta y no se encorve. No hay nada más antiestético que el que la columna de la modelo aparezca "enchepada".

Así que, en cuanto tu modelo se haya situado de lado, pídele que, por favor, sitúe la espalda recta y procure sacar pecho y culete para realzar la curvatura natural de su columna.

#4 Piernas Cruzadas. Sobre Todo Si Se trata de Un Plano Americano

Las piernas son otro aspecto que no conviene pasar por alto al fotografiar a una modelo. ¿Mi recomendación general? Cruzar las piernas y, como comentaba en el segundo consejo, situar la delantera ligeramente flexionada, de modo que el peso recaiga en la posterior.

Este consejo resulta especialmente importante cuando no se trata de un plano general, sino de un plano americano en que se corta a la modelo por encima de las rodillas. En esos casos, es mucho más favorecedor que las piernas de la modelo converjan.

#5 Espacio Entre Brazos Y Tronco Para Estilizar La Figura

Otro consejo más para ayudar a estilizar la figura y que se aprecie una cintura fina es la creación de espacio entre los brazos y el tronco. Si la modelo sitúa muy cerca los brazos de su cuerpo, produce en quien observa la fotografía una sensación de incremento del tamaño del tronco, pues se percibe como un todo.

¿Cómo resolver esto? Muy sencillo, separando los brazos y, de este modo, mostrando el tamaño real de tronco y cintura. Por eso es tan habitual ver a modelos profesionales con los brazos en jarra o sobre el cabello.

#6 Evitar Una Mirada Inexpresiva Y Alinear Nariz Y Mirada

Como sabes, los ojos son la parte fundamental de un altísimo porcentaje de los retratos, así que no puedes permitirte una mirada equivocada de tu modelo, ¿verdad?

Te daré dos consejos a este respecto:

1. Pídele que utilice una mirada expresiva y fresca. ¿Cómo lo conseguimos? En primer lugar, pidiendo a nuestra modelo que no sólo mire, sino que "inspeccione". Y, en segundo lugar, logrando que sea una mirada fresca. Esto segundo es posible lograrlo si avisamos a nuestra modelo con una cuenta atrás y le pedimos que abra los ojos muy poco antes de tomar la fotografía.
2. A veces tratamos de lograr retratos diferentes pidiendo a nuestra modelo que nos mire de lado, o que sitúe su cabeza e una dirección distinta a la de la mirada. ¡No lo hagas más!, ¡no funciona! Sea cual sea la idea que tengas en la cabeza, es fundamental que la nariz de tu modelo siga la misma dirección (o una muy similar) de la mirada. De lo contrario, se apreciará demasiado blanco en los globos oculares y el resultado resultará, incluso, diabólico.

Como ves, son dos sencillos consejos sobre la mirada, pero que te ayudarán mucho en este aspecto tan importante de la fotografía a modelos.

#7 La Barbilla Y La Mandíbula: Muy Importante Perfilarlas Y Destacarlas En La Foto

Algunos lo llaman "pose tortuga". Quizás resulte un poco exagerado, pero es apropiado para resaltar la importancia de la barbilla. En realidad, más que de la barbilla, de la línea que se forma desde la barbilla a la mandíbula.

Pide a tu modelo que baje ligeramente la barbilla, saque un poco el cuello y se sitúe ligeramente ladeada. De este modo, dejará aflorar esa atractiva línea de su cara.

Si por casualidad también aparecen sus manos cerca de la cara, nada de tapar la barbilla y la mandíbula. Como mucho, que sitúe los dedos delicadamente en esta zona, pero sin ocultarla.

#8 La Boca: Cuidado Con Las Sonrisas Desproporcionadas, Los Morritos, o La Seriedad Excesiva

La posición de la boca también suele generar dudas en modelos no profesionales, llevándolas a aparecer completamente serias, o bien con una sonrisa excesivamente artificial. Además, con las corrientes creadas en redes sociales como Facebook, o sobre Instagram, muchas chicas tienden sacar excesivo morritos, lo que origina también una pose nada natural.

¿Una recomendación? Una sonrisa natural, siempre que haya sido practicada antes frente al espejo, o bien, una boca ligeramente abierta y relajada. Para lograr cierta naturalidad en la sonrisa, o incluso en una pose en la que no aparezcan los dientes, las profesionales recomiendan situar la lengua tras los incisivos como si estuviesen empujando ligeramente estos dientes.

#9 Las Manos: En Busca De Una Posición Natural

Si quieres que las manos aparezcan en la fotografía pide a tu modelo que acaricie, no agarre, de lo contrario, la mano o manos aparecerán en una posición extraña y poco natural.

¿Cómo lograr esto? Muy sencillo, indícale dónde quieres que sitúe su mano, pero, en lugar de que vaya directamente a esa posición, pídele que parta de una posición alejada y, a través de un lento desplazamiento, la sitúe en la posición final.

Por ejemplo, imagina que quieres que sitúe su mano acariciando su pelo tras la oreja derecha, pues pídele que parta de la parte izquierda y vaya acariciando su pelo hasta la posición final. De este modo evitarás que tienda a agarrar y utilizar un gesto mucho más forzado.

#10 Ve Guiando Paso Por Paso

Si estás en plena faena, no puedes pretender lanzar 4 rápidas instrucciones de golpe, sobre posición corporal, ojos, manos y piernas y que una modelo no experimentada los interprete y realice sin dudar.

¿Cómo debes hacerlo? Pues, lógicamente, por partes. Trata de ir poco a poco, con instrucciones muy concretas y en las que te refieras a aspectos independientes. Primero la posición corporal. Una vez que esté superado esto, pídele que adelante una pierna, luego las manos, la posición de la barbilla..., y así hasta el final.

#11 Devuelve Siempre Un Feedback Positivo

Tras cada pose, o incluso tras cada instrucción sobre la posición de una determinada parte del cuerpo en una pose, procura ofrecer un feedback positivo. Esto ayudará a generar confianza y a que la modelo se vaya sintiendo cada vez más cómoda y puedas lograr resultados naturales.

Aprovecha que estás en la época de la era digital y apoya tus comentarios en las fotografías que vas tomando y que podrás mostrar sobre la pantalla de tu cámara. Así será más fácil garantizar una mejor comprensión y que las poses se aproximen cada vez más a lo que quieres.

#12 Si Se Trata De Una Foto Grupal: Nada De Actuar Como Clones

Los 11 anteriores consejos iban dirigidos a fotografías individuales, pero déjame en este último ofrecerte un consejo para cuando vayas a fotografiar fotos de grupos. Pide que cada una de las integrantes sea libre de posar (siguiendo los consejos anteriores, por supuesto) como lo desee.

Una foto grupal en la que parece que se esté representando una coreografía resulta demasiado sosa y artificial, así que mejor que cada una de las chicas sea libre y pose de forma independiente. El resultado será mucho más atractivo, créeme.

¿Algún Consejo Adicional?, ¿Y Si El Modelo Es Masculino?

Y hasta aquí estos 12 consejos para ayudar a tus modelos no profesionales a salir más favorecidas y naturales, ¿crees que me dejo alguno? Por favor, compártelo con nosotros.

Aunque me he centrado en modelos femeninas, algunos de estos consejos también son aplicables a sujetos masculinos. Otros, por supuesto, no. ¿Te animas a ofrecernos consejos para modelos masculinos y así poder tener contempladas ambas posibilidades en el artículo? :)

Hace unos días, un amigo que lleva tiempo muy interesado en esto de la fotografía y tratando de aprender y aprender, me preguntaba qué sentido tenía comprar objetivos con diámetros de lentes grandes si a la hora de comprar accesorios como, por ejemplo, filtros, el gasto se disparaba, al necesitar mayor superficie de material para construirlos.

Yo le dije que este mayor tamaño estaba relacionado con la mayor apertura máxima de estos objetivos y con el denominado número f. Y que para ofrecer aperturas máximas superiores, los objetivos tenían que contar con diámetros de lentes mucho mayores. Pero él me rebatía por qué no era posible contar con objetivos que ofreciesen grandes aperturas máximas, pero con diámetros de lente reducidos. Como le prometí, he creído oportuno escribir un artículo al respecto para todos aquellos que os pueda generar dudas y, también, para entender el origen del número f.

¿Qué Es Eso del Número F?

En el artículo El Misterioso Significado del Número F ya te contamos hace mucho tiempo algunas características de este famoso número fotográfico. ¿Lo recuerdas?

Como vimos en ese artículo, que te recomiendo revisar, el número f nos ofrece una referencia sobre el tamaño de la abertura o apertura del diafragma. Caracterizándose estos números por que un mayor número f representa una menor abertura y al contrario.

foto por Adrià Ariste Santacreu (licencia CC)

Estos números se caracterizan también por no ir de uno en uno, sino de 1.4 en 1.4 (la raíz cuadrada de 2). Así, solemos hablar de f/1, f/1.4, f/2, f/2.8, f/4, f/5.6, f/8, f/11, f/16, etc. Aunque también existen medios y tercios de paso que permiten manejar valores intermedios entre éstos.

También, por supuesto, al estar relacionado con la apertura, como sabes, origina cambios en:

• La cantidad de luz que incide sobre el sensor y, por tanto, la exposición de la toma
• La profundidad de campo de la escena (la distancia entre el objeto más cercano y lejano a la cámara que se muestran nítidos)

Hasta aquí, más o menos, todo lo que muchos sabemos sobre el número f. Veamos ahora qué significa exactamente una apertura de f/4 y de dónde sale ese número, para a continuación, poder relacionarlo con el diámetro de nuestro objetivo.

El Número F Mide La Relación Entre la Distancia Focal y El Diámetro de la Abertura Del Diafragma

Con todo lo anterior claro es más que suficiente para manejarte sin problemas y saber cómo variar este parámetro en tus fotografías, pero iremos un paso más adelante y veremos de dónde sale. De este modo, además encontraremos justificación a todo lo anterior.

El número f representa la relación entre la distancial focal y el diámetro de la abertura del diafragma (Ø). Hablamos así de f/1 cuando el diámetro del diafragma es igual a la distancia focal. Si tenemos una apertura de f/2, entonces el diámetro es la mitad de la distancia focal, o bien la distancia focal es el doble que el diámetro de la abertura.

Como sabes, la superficie de un círculo está relacionada con el cuadrado del radio de éste y, por tanto, con el cuadrado de su diámetro: Πr² = Π(Ø/2)². Teniendo esto en cuenta, es fácil entender que para subir o bajar un paso la exposición de nuestra fotografías nos movamos de 1.4 en 1.4 y no de 2 en 2, ya que esto último supondría multiplicar por 4 la superficie del diafragma.

Un círculo con un diámetro 1.4 veces mayor que otro dado presenta una superficie con el doble de tamaño que éste, por eso hablamos de f, f/1.4, f/2, etc.

Un Ejemplo Para Clarificar La Relación Y Sus Implicaciones

foto por Miki Yoshihito (licencia CC)

Para evitar cualquier tipo de duda, presentaremos las características que ofrece un objetivo clásico: el 50mm. Se muestran a continuación las dimensiones del diámetro del diafragma asociados a cada apertura:

• f/1 ofrece un diafragma con un diámetro de 50mm 
• f/2 ofrece un diafragma con un diámetro de 25mm
• f/4 ofrece un diafragma con un diámetro de 12.5mm
• f/8 ofree un diafragma con un diámetro de 6.25mm

Si calculamos la superficie del diafragma asociado a cada apertura obtenemos lo siguiente:

• f/1 presenta una superficie de diafragma de 1962.5 mm²
• f/2 presenta una superficie de diafragma de 490.6 mm²
• f/4 presenta una superficie de diafragma de 122.7 mm²
• f/8 presenta una superficie de diafragma de 30.9 mm²

Como decíamos antes, si vemos la relación que existe en la superficie del diafragma en f/2 (490.6 mm²) y en f/4 (122.7 mm²) podemos observar como no es del doble, sino de cuatro veces más: 490.6 = 4 x 122.7.

Esto reafirma, como ya avanzábamos en el apartado anterior, y como sabrás si tienes cierto manejo de los valores de apertura, que para subir o bajar un paso a nivel de apertura de diafragma debemos movernos en incrementos de 1.4 y no del doble del número f.

El Diámetro Del Diafragma Supone Un Mínimo Para El Diámetro de la Lente

Teniendo esto en cuenta, imagina que en lugar de manejar un 50mm, estamos manejando un teleobjetivo 70-200mm. Y que tenemos la suerte de contar con un 70-200mm cuya apertura máxima es constante a f/2.8.

Si hacemos cuentas, para lograr f/2.8 con 200mm de focal, obtenemos que el diámetro del diafragma debe ser: Ø = 200mm/2.8 = 71.43mm.

El diafragma, como sabes, está dentro de la lente y marca un mínimo para el diámetro de la lente. Por este motivo, si buscas las dimensiones del diámetro del Canon 70-200mm f/2.8, o bien del Nikon 70-200mm f/2.8, observarás que presentan un diámetro de lente de 77mm, para poder llegar al diafragma necesario en 200mm.

De este modo se explica por qué los objetivos muy luminosos y con una distancia focal elevada se ven obligados a utilizar lentes de grandes superficies, aunque ello suponga un incremento de coste, pues los cristales que forman el objetivo son más caros al ser más grandes, y también los accesorios como filtros.

Ya Lo Sabes Todo Sobre El Número F, ¿O No?

Tras este artículo sobre el número f, creo que sabes todo lo necesario y conoces la relación que existe entre focal, apertura de diafragma, número f, e incluso diámetro de la lente. Aunque, como hemos visto, este último valor no está directamente relacionado, pero sí tiene un mínimo que a efectos de construcción no puede franquearse.

¿Crees que me dejo algo para redondear este artículo que, como te decía al principio, surgió para dar respuesta a la duda de mi amigo Rubén? Pues no lo dudes y ¡coméntalo! El objeto es dejar meridianamente claro el concepto para seguir afianzando buenos pilares sobre los que seguir creciendo en este mundo de la fotografía. ¡Hasta la próxima!

Enlaces Relacionados

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¿Cuántas veces has entrado en las galerías de tus fotógrafos favoritos y te has sentido seducido por la homogeneidad de los tonos y contraste de todas las imágenes que la componen? ¿Verdad que de algún modo te han llevado a pensar que cada una de esas capturas forma parte de un todo? Eso, en parte, se debe a que se utiliza una misma paleta de colores para revelar las fotografías, lo cual ayuda a crear esa línea de uniformidad entre ellas. Tú también puedes hacerlo, así que no te pierdas este artículo para descubrir cómo crear y usar tu propia paleta de colores para darle un estilo más personal a tus imágenes.

El Estilo Fotográfico Propio y el Color

En esta colección de imágenes se ha trabajado con la misma paleta de color.

Todos queremos tener el nuestro. Que alguien observe cualquiera de nuestras fotografías y sepa reconocer al autor, o al menos sepa que esa captura pertenece a una misma colección de imágenes. Definir nuestro propio estilo fotográfico no es una tarea sencilla, y no depende de una sola variable, por supuesto. La composición, el tema que abordamos, la luz que buscamos para nuestras capturas, la lente con la que trabajamos, la técnica que empleamos... todo ello son como pequeñas piezas del puzzle que conforma el estilo de un fotógrafo.

En el artículo de hoy hemos querido abordar otra de esas piezas esenciales del puzzle: el color. Si te fijas, cuando observamos las galerías de fotógrafos con cierta experiencia, nos damos cuenta de que en la mayoría de los casos todas sus imágenes (o colecciones de imágenes) tienen unos tonos comunes, que ayudan a dar sensación de armonía y cohesión entre ellas. Es como si estuvieran unidas por un fino hilo que de algún modo le dan a entender a nuestro cerebro que esas instantáneas conforman diferentes partes de una misma historia.

La Importancia del Color y la Paleta de Colores

El color puede aportarle mucho significado a una fotografía. Es uno de los elementos básicos del lenguaje visual y el que tiene un impacto emocional más fuerte. Saber elegir y combinar los colores que funcionan mejor en nuestra captura es una tarea que requiere de tiempo y práctica, pero sin duda merece la pena.

No sé si alguna vez has escuchado el término que tanto fotógrafos, como diseñadores y otros artistas visuales describen como paleta de color. Una paleta de color es el conjunto de colores que una imagen, o conjunto de imágenes, tienen. O dicho de otro modo, el o los colores dominantes que componen esa imagen. Cuando son muchos y muy variados los colores que conforman una paleta, la imagen puede parecer algo caótica. Sin embargo, si le aplicamos una paleta de color limitada nuestras imágenes guardarán una mayor armonía y cohesión.

Relación de Colores en una Paleta de Color

¿En qué hay que fijarse cuando creamos una paleta de colores? Pues aunque no te lo creas, una de las primeras cosas que tenemos que analizar son los colores que NO salen en ella. Por ejemplo, en la foto de portada observamos que no aparecen tonos ni rojos, ni magentas ni púrpuras. Si observas la rueda cromática que tenemos arriba, estamos suprimiendo casi la mitad de colores que aparecen en ella, limitando así nuestra paleta de colores y dandole la cohesión a la imagen de la que hablábamos antes.

En cuanto a los tonos que SÍ que aparecen en la imagen, podemos encontrar varias formas de combinar y relacionar los colores entre sí en una paleta de color, entre otras:

• Paleta de Colores Monocromáticos. Cuando trabajamos con las variaciones de un mismo color. 
• Paleta de Colores Análogos. Cuando trabajamos con colores que se encuentran próximos entre sí dentro del círculo cromático. Esta combinación resulta muy agradable a la vista y funciona bien en la mayoría de ocasiones. Lo ideal es que uno de esos colores sea el dominante, y el resto lo complemente. 
• Paleta de Colores Complementarios. Ya te hemos hablado anteriormente de lo que son los colores complementarios. Se trata de combinar colores que se encuentran en los extremos opuestos del círculo cromático, lo cual añadirá interés y contraste a tus fotografías. No funcionan igual de bien en todos los casos, pero pueden acentuar mucho el centro de interés de una fotografía. 

Uses la paleta de colores que uses trata de ser lo más simple posible, y evita trabajar con más de 3 colores diferentes, ya que estarás añadiendo mayor complejidad a la imagen y destacar algo de ella será mas complicado.

Inspiración en la Naturaleza y el Cine

¿Cómo encontramos los colores ideales para crear nuestra propia paleta de colores? Como ya sabes, las posibilidades son infinitas, pero no te abrumes. Dos de las mejores fuentes de inspiración que encontrarás para crear tus propias paletas son la naturaleza y el cine.

Piénsalo, la naturaleza está llena de combinaciones de colores maravillosos de los que puedes tomar referencias para aplicar en la edición de tus tomas. Y la otra magnífica fuente de inspiración es el cine, de la cual te hablamos en este otro artículo en el que analizábamos algunos buenos ejemplos del uso de las paletas de colores en las imágenes de diferentes películas.

Paletas de colores de fotogramas de las películas "La La Land" y "Mad Max"

Paleta de Colores: Captura y Edición

Antes de seguir debemos tener claro que para conseguir una fotografía con una determinada paleta de colores tenemos dos pasos, o dos maneras de hacerlo.

• La primera de ellas es buscando ya esos colores a la hora de hacer la toma. Imagina que vas a hacer un retrato y tu modelo va vestido con una camisa naranja. Tienes a tu lado dos fondos posibles, uno negro y otro azul. ¿No crees que si lo sitúas delante del fondo azul podrás jugar con el contraste de esos dos colores complementarios y destacar más así a tu sujeto? Aquí será importante explotar tus dotes de observación y estar atento al entorno.
• La segunda intentar aplicarlos en el revelado de la imagen. Puede que tengas una serie de imágenes que hiciste durante un viaje y quieres darles una tonalidad similar para que entre todas ellas conformen una especie de historia gráfica. Esto puedes hacerlo aplicando una paleta de color en edición. En este paso deberás desarrollar tus dotes de análisis y entrenar tu ojo para saber distinguir los colores tanto en las sombras, en los tonos medios y en las altas luces.

Si sumas ambos pasos, por supuesto, el resultado estará mucho más pulido.

Pasos para Darle un Estilo Propio a tus Fotografías con una Paleta de Colores en Lightroom

Fotografía original, con ajustes de balance de blancos, perfil de cámara e intensidad aplicados

Ahora que ya tenemos una visión general de la importancia del color en una fotografía y de lo que es una paleta de colores y para qué sirve, vamos a ver cómo aplicarla a una de nuestras fotografías.

En este caso hemos seleccionado una captura de paisaje y una paleta extraída de una imagen que hemos cogido como referencia. No hay ningún botón mágico al que darle y que directamente se nos aplique la paleta (aunque una vez hecha podemos crear presets para acelerar la faena de cara a aplicarla al resto de nuestra colección). Ahora veremos que para aplicar una paleta de color que tengamos de referencia primero deberemos analizar muy bien el color de nuestra imagen y pensar cómo podemos acercarla a los tonos que realmente queremos. Y para ello,  trabajaremos nuestra toma con Lightrrom.

Como detalle, diré que partimos de que hemos dejado la imagen lo más neutra posible, con un balance de blancos tomado a partir del blanco de la ola, bajando la intensidad de los colores y habiendo seleccionado el perfil de Camera Neutral. Veamos cuáles son los siguientes pasos a seguir.

1. Crea Una Paleta de Color

El primer paso para darle a nuestras fotos un toque personal en cuanto a tonalidad y color es crear nuestra propia paleta de colores para tenerla de referencia. Como te comentaba antes, puedes inspirarte en los colores de la naturaleza o en películas que te gusten, incluso también en tus fotografías favoritas.

Para ello existen recursos muy interesantes como Adobe Color CC. Desde esta página podremos subir directamente una captura o fotografía que tenga los tonos que nos gusten y extraer su paleta de colores para tenerla como referencia. Con el tiempo y la práctica, seguro que obtendremos las paletas de colores que necesitamos para darle a nuestras colecciones el estilo personal que buscamos.

Para el ejemplo del artículo hemos seleccionado la siguiente imagen de las Islas Feroe de la que nos ha salido la siguiente paleta de colores. Esta paleta será la que tendremos de referencia para la edición de nuestra imagen, aunque debemos ser conscientes de que se trata de dos entornos diferentes en los que la luz incidía de forma distinta, por lo que obtener exactamente los mismos tonos será algo complicado.

2. Utiliza el Panel HSL de Lightroom

Cuando empezamos a editar una fotografía tendemos a pensar en que debemos añadir cosas a la toma. Añadir contraste, añadir enfoque, añadir exposición... Pero cuando se trata del color y de aplicar una paleta concreta, más bien lo que debemos pensar primero es en restar aquellos colores que no pertenecen a la paleta que hemos seleccionado. Porque en cuanto a color, aportarán un sentido a la imagen tanto los que se ven, como los que no se ven. Y una vez nos aproximemos a los colores de la paleta de referencia, ya podremos seguir avanzando y mejorando los colores de nuestra captura.

Para restar y alinear los colores de nuestra imagen emplearemos el panel de Lightroom HSL, que consta de tres partes.

• Tono. Esta sección nos permite modificar y reemplazar los colores de una imagen por sus colores vecinos en la rueda cromática. Por ejemplo, un tono verde puede derivar a un verde cantoso o a un verde ocre como comprobamos en la siguiente imagen. En este sentido, es interesante que nos tomemos un momento para estudiar nuestra imagen y analizar los colores de nuestra paleta, ya que de ese modo entenderemos qué tonos deberemos restar y alinear para conseguir aplicar la paleta de colores a nuestra imagen. Si la observamos, veremos que aunque partimos de una buena base, la paleta de referencia nos indica que las zonas verdes son algo más ocre de lo que tenemos nosotros por ejemplo, así que como acabamos de ver, vamos a deslizar el tono verde hacia la izquierda hasta acercarnos un poco más al tono que buscamos.
• Saturación. La sección de saturación nos ayudará a controlar la intensidad de cada uno de los colores. Cuanto más saturados estén tus colores más fuertes y vibrantes parecerán, mientras que si les quitamos saturación se volverán más apagados. En este punto podréis pensar ¿y qué diferencia hay con el ajuste de saturación que tenemos en el panel de básicos? Pues que esa "Saturación" se aplica a todos los colores en general, mientras que en este panel podemos ir color por color haciendo un ajuste mucho más preciso y local en nuestra imagen. Para empezar, lo que debemos observar son qué colores son los que no aparecen en nuestra paleta de colores y bajarles la saturación. En nuestro caso, ni el rojo, ni el púrpura ni el magenta están presentes, así que les hemos bajados la saturación. Si que aparecen el naranja, el amarillo, el verde, el aguamarina y el azul, los cuales hemos ido ajustando poco a poco, dándoles más o menos intensidad según la paleta de referencia. Un ejemplo claro es el del azul, que hemos desaturado para que el cielo se quedara más gris y menos azul.
• Luminancia. Esta última sección del panel HSL nos permite controlar cómo de oscuro o claro aparece un determinado color. Cuando agregamos luminancia lo aclaramos, y cuando le quitamos lo oscurecemos. En nuestra paleta de colores observamos que los tonos del cielo están bastante claros, y es por ello que hemos ajustado el azul y el aguamarina para acercarlos más a la fotografía con la paleta de referencia.

Ahora que hemos llegado a este punto, debes saber que es aconsejable que no dejes de comparar la paleta de color con tu fotografía constantemente, y que vayas rectificando cada uno de las secciones de este panel hasta que logres los tonos deseados.

Fotografía con los ajustes del panel HSL de Lightroom aplicados.

3. Juega con las Curvas

Una vez hemos acabado con el panel HSL de Lightroom vamos a avanzar un poco más y mejorar nuestra imagen. Para ello acudiremos al panel de Curva de Tonos. Este panel consta de un gráfico cuadrado con un histograma y una línea lineal que lo cruza diagonalmente desde la esquina inferior izquierda a la esquina superior derecha. Al igual que ocurre en un histograma, la parte de la izquierda representa las sombras, el medio los tonos medios y la derecha las zonas claras.

Si en el panel seleccionamos el modo de curva de puntos (en la esquina inferior derecha), comprobaremos que tenemos 4 canales a los que podremos modificar su curva: RGB (tonos rojo, verde y azul simultáneos), Roja, Verde y Azul.

• Canal RGB

Si comparamos la imagen de referencia y la nuestra comprobamos que la de referencia está como más lavada y sus contrastes no son tan evidentes. Para trasladar eso a nuestra imagen primero crearemos un punto en medio de la curva para que los tonos medios se mantengan exactamente igual, y en la zona de las sombras levantaremos un poco los negros hasta conseguir el punto adecuado en el que las sombras se quedan más planas pero sin exagerar. En cuanto a las altas luces, las bajaremos un poco para que la zona de las nubes sea más uniforme.

• Canal Rojo, Canal Verde y Canal Azul  

Como bien sabes, cada píxel de una fotografía esta formado por una combinación de rojos, verdes y azules. Con esta herramienta seremos capaces de aislar cada uno de esos colores y actuar individualmente sobre la cantidad de ellos que encontraremos en las sombras, los tonos medios y las altas luces.

Antes de empezar a ajustar estas curvas, recuerda que cuando restamos un color primario mediante la curva de tono estaremos introduciendo su opuesto. Así pues:

• Si restamos rojo estaremos añadiendo cian.
• Si restamos azul estaremos añadiendo amarillo.
• Si restamos verde estaremos añadiendo magenta.

Con estas curvas lo mejor que puedes hacer es practicar. Hay que entrenar a nuestro ojo para saber distinguir los diferentes colores que tiene una fotografía tanto en las sombras, como en los medios tonos y las zonas más claras. Te recomiendo que para empezar, cuando modifiques una curva lo exageres para ver exactamente a qué parte de tu captura afectará el ajuste, y luego vayas graduándolo hasta encontrar un punto equilibrado. En nuestro caso, así es como han quedado estas curvas.

4. Divide Tonos y Vencerás

Si has llegado hasta aquí puede que ya tengas tu imagen con la paleta que deseabas. Si notas que aún le falta un pequeño toquecito, este panel es el que te ayudará a dárselo. Se trata del panel de Dividir tonos.

Con esta herramienta acabaremos de pulir nuestra imagen mediante la aplicación de un tono concreto a las luces y a las sombras de la fotografía. Esos colores los tomaremos de nuestra paleta de referencia, y a continuación podremos darles mayor o menor intensidad, e incluso equilibrarlos entre sí hasta encontrar un resultado satisfactorio.

Comprueba cómo ha cambiado la foto que teníamos al principio y la que hemos obtenido con los ajustes de color aplicados.

¡Define Tu Propio Estilo!

El color en fotografía, como hemos podido comprobar, importa... y mucho. Todo el proceso que te hemos contado hoy puede que nos asuste un poco al principio, y que no sepamos muy bien cómo abordarlo. Es por ello que en este artículo hemos querido intentar marcar una especie de orden para empezar a perderle el miedo, aunque recuerda que todos los parámetros están íntimamente ligados y que los reajustes serán continuos.

Con la práctica, tu ojo sabrá distinguir mejor los colores en cada una de las zonas del histograma, y podrás crear tus propias paletas de colores para tener un estilo más personal en tus colecciones. ¿Te animas a jugar con el color?

La luz es una parte muy importante de la fotografía y puede ser determinante para conseguir una buena fotografía. Si no tienes en cuenta la luz que hay a la hora de tomar una fotografía es posible que no obtengas la fotografía que buscas. En más de una ocasión, habrás hecho una fotografía que te gusta mucho, que has intentado repetir en otro momento y no te ha salido igual. Lo más probable es porque la luz era distinta.

Como buen fotógrafo que quieres llegar a ser, entender cómo funciona la materia prima de la fotografía, es decir, la luz, es fundamental. Para ello es necesario saber cuáles son sus cualidades y principales características.

Lo primero que debes aprender es que la luz es mejor o peor en función de lo que quieras conseguir. Dependiendo del tipo de luz que te encuentres podrás hacer un tipo de foto u otro.

Tipo de luz. Calidad

Un ejemplo típico ocurre cuando tenemos nubes que van tapando el Sol. Normalmente la gente no tiene paciencia y realiza la fotografía en el instante en el que ve la situación. Si coincide con la foto de la izquierda, en la que el Sol ilumina por completo el Castillo de Rosenborg tendrá una fotografía mucho más luminosa, con colores más vibrantes y mayor contraste. Se puede ver que los colores cambian. Aquí la única diferencia es que en la primera foto la luz es dura y en la segunda es suave, las nubes dispersan la luz.

Uno de los primeros conceptos que se explican cuando vas a aprender a realizar fotografía de estudio con iluminación artificial es el tipo de luz. El tipo de luz va a determinar el contraste de nuestra fotografía.

Tenemos dos tipos de luz en función del contraste, que son la luz dura y la luz suave.

La luz dura crea sombras muy oscuras y contrastadas. Tenemos una zona muy iluminada y otra muy oscura. Las zonas que están en sombra están muy bien definidas, se ve claramente dónde incide la luz y dónde no.

Por el contrario, la luz suave elimina las sombras o apenas se aprecia la diferencia entre la zona de luz y de sombra.

Por lo tanto, cuando buscas grandes contrastes, la luz dura es ideal para ello. Si estamos haciendo fotos en la calle, el día perfecto es un día soleado.

Si te gusta hacer fotografía de retrato, entonces la situación ideal es un día nublado, puesto que elimina las zonas oscuras y la cara sale mejor iluminada, favoreciendo a la persona fotografiada.

Este tipo de luz también favorece las fotografías donde el contraluz es el protagonista. No sólo consigues sombras fuertes sino claroscuros, donde las formas y las siluetas son la clave para mostrar algo que en realidad no vemos con detalle.

¿De qué depende el tipo de luz? Del tamaño de la fuente de luz con respecto al objeto que está iluminando. Parece más complicado de lo que es. Cuando iluminamos una persona con un flash de mano creamos sombras fuertes. Si le ponemos una ventana de luz desaparecen porque hemos aumentado la fuente de luz. Por lo tanto, el tipo de luz está relacionado con el tamaño y no con la potencia.

Dirección

La luz lateral es ideal para enfatizar la textura de cualquier elemento. La rugosidad de las rocas se aprecia porque la luz crea volumen gracias a las sombras.

Como es obvio, la luz tiene una dirección. Dependiendo de la dirección que tenga, tendremos unas zonas iluminadas. Si controlamos nosotros la luz podremos alterar la dirección, sino, tendremos que esperar al momento adecuado.

El contraluz se consigue cuando la luz viene por detrás de nuestro sujeto, luz trasera o cuando el fondo tiene más luz que nuestro primer plano, como es el caso de esta fotografía en estudio.

En función de la dirección la luz tiene un nombre. Tenemos la luz frontal, lateral, trasera, cenital y nádir (desde abajo).

En fotografía de retrato, la dirección de la luz es fundamental conocerla bien. El resultado cambia radicalmente.

La dirección de la luz también es importante cuando la idea es fotografiar un sujeto cuya textura sea importante destacar. Una luz frontal acaba con el volumen de un objeto, sin embargo, la luz lateral lo enfatiza. Además, las sombras se alargan creando formas curiosas.

El Color

Primera luz del día, primeros rayos de Sol, y como se puede ver, los tonos son naranjas muy intensos. Tenemos zonas iluminadas y zonas en sombra. Poco a poco irá subiendo el Sol e irá iluminándolo todo. El color irá cambiando de naranja a amarillo. Esta fotografía muestra un momento determinado y la combinación con el azul, su color complementario, crea una sensación agradable, armonía, paz y quietud.

El color es una manera de transmitir sensaciones y sentimientos. En ciertas fotografías, el color lo es todo. Hay ocasiones en los que un color es el protagonista, y otras en las que lo es la combinación de estos.

Una vez más, si eres tú quién controla la luz, debes tener en cuenta que los colores son importantes en tu foto. No sólo los colores que aparecen en tu fotografía, sino la luz con la que los iluminas.

Si dejas que sea el entorno el que ilumine tus fotografías debes conocer en qué momentos del día y qué condiciones se deben dar para obtener una luz u otra.

Por ejemplo, la luz más suave y cálida se obtiene tanto al atardecer como al amanecer. Si haces un retrato con la luz del Sol iluminando la cara del sujeto te quedará una luz cálida que a todos nos suele gustar el resultado. Si la haces a medio día, las fuertes sombras que se crean sobre el rostro no será tan favorecedor. Aunque la intensidad que tiene la luz en ese intervalo potencia los colores y los intensifica.

Vemos que la luz es frontal, más amarilla y que ilumina todo el paisaje. La fotografía es sencilla, no tiene grandes contrastes. La podemos comparar con la fotografía anterior. Mismo encuadre pero distintos colores. El ambiente es frío, totalmente contrario a esta.

Antes del amanecer y después del atardecer tenemos la hora azul, cuando el ambiente es frío y todo tiene un color azul. Para paisaje y fotografía de naturaleza es un momento ideal. Incluso si fotografías en ciudades, es uno de esos momentos en los que los colores se combinan muy bien, puesto que tenemos azul del cielo y naranja de la luz artificial del alumbrado.

Ahora ya tienes más información al respecto y seguro que entiendes por qué algunas de tus fotos te salieron mejor que otras. Planificar tu fotografía es algo normal, más de lo que uno pueda pensar. Por lo tanto, cuando tengas una fotografía en la cabeza debes esperar al momento de luz adecuado. A veces lo conseguirás y otras no, pero la probabilidad será mayor que si simplemente vas a ver qué sale.

Seguro que si has trabajado alguna vez con una cámara compacta, las fotos las has hecho mirando y componiendo a través de la pantalla LCD. En el caso de las cámaras réflex, no es necesario hacerlo a través de la pantalla, sino que por norma general lo haremos mirando a través del visor óptico.

Pero la pantalla de la cámara réflex no solo sirve para revisar nuestras fotografías una vez las hemos hecho, o para grabar vídeo. En este artículo vamos a profundizar en el modo Live View de las cámaras réflex, y repasaremos cuáles son sus principales ventajas y desventajas en el momento de la captura. ¿Te quedas a descubrirlo?

Fragmento Fototip Consejos para Comprar Cámara Nueva

Descubriendo el Modo Live View de la Cámara

Cuando trabajamos con nuestra cámara de fotos réflex, tenemos la opción de trabajar de dos maneras: o bien observamos y componemos a través del visor óptico de nuestra cámara, o lo hacemos a través de la pantalla LCD con el modo live view.

¿Cómo Funciona el Visor Óptico?

Habitualmente trabajaremos con el visor óptico de nuestra cámara, a través del cual el ojo recibe luz directamente desde el objetivo. Esto ocurre así porque dicha luz ha sido redirigida por un espejo hacia el visor óptico.

Cuando disparamos la toma, el espejo se levanta y el obturador se abre para dejar pasar la luz hasta el sensor de la cámara. Te habrás dado cuenta de que cuando estás disparando la foto ya no puedes observar a través del visor óptico, y esto es precisamente porque el espejo está levantado.

¿Cómo Funciona el Live View?

Cuando trabajamos con el modo live view de la cámara, es decir, mirando a través de la pantalla LCD, lo que ocurre es que el espejo se levanta impidiendo que podamos ver a través del visor óptico. La imagen que recoge el sensor de la cámara se crea electrónicamente y aparece en la pantalla de la cámara.

Una mención especial merecen las cámaras evil o sin espejo, ya que estas trabajan de este modo tanto para mostrar las imágenes por la pantalla como por el visor, al que en este caso llamaremos visor electrónico y no visor óptico.

6 Ventajas de Trabajar con el Live View de Tu Cámara

Como te decía, en la mayoría de casos trabajarás con el visor óptico de la cámara si esta es réflex. ¿Y por qué deberíamos plantearnos trabajar en determinadas situaciones con el modo live view de la cámara? Veamos sus ventajas.

1. Mejora el Enfoque de Tus Fotografías (con Trípode)

Una de las principales ventajas de trabajar con el live view, sobre todo si tenemos la cámara sobre el trípode, es la de mejorar el enfoque y conseguir que éste sea más preciso.

Hoy en día las cámaras cada vez cuentan con más puntos de enfoque para poder seleccionar el que queremos, pero si quieres comprobar y asegurarte de verdad de que la zona que deseas es la que está enfocada, lo mejor que puedes hacer es colocar la cámara sobre el trípode, activar el modo live view, y hacer zoom digital con la lupa sobre la zona que te interesa. Pon el foco en manual y ve girando el anillo hasta que efectivamente, la zona salga nítida.

De esta forma te asegurarás al 100% de que el foco está en el lugar que precisas, y dará igual si tienes más o menos puntos de enfoque. Te resultará mucho más sencillo enfocar porque verás la imagen ampliada. Aunque realmente no es que sea más fácil enfocar, es que si nos acercamos mucho al punto de interés resultará más evidente cuándo está enfocado y cuándo no.

2. Comprueba en Tiempo Real Cómo Afectará la Exposición, la Profundidad de Campo y el Balance de Blancos a Tu Captura

Cuando miramos a través del visor óptico de nuestras cámaras réflex la imagen que contemplamos es bastante fiel a lo que captamos con la mirada. Imagina que estás utilizando una profundidad de campo muy reducida. A través del visor óptico no verás ni cómo quedará la exposición final de la toma, ni cómo queda el bokeh en determinadas áreas. Sin embargo, a través del live view sí que podrás apreciarlo.

Y otra de las opciones de configuración que podremos observar en la pantalla de la cámara, pero no en el visor óptico, es el ajuste de balance de blancos que hagamos.

3. Previsualiza los Efectos de la Cámara en Tiempo Real

Cada vez más, y sobre todo en el caso de las réflex de iniciación, se incorporan efectos para añadir a nuestras fotografías y hacerlas más atractivas, como el efecto miniatura o el de coloración selectiva. Si hacemos la captura mirando a través del visor óptico no veremos el resultado hasta que hayamos hecho la fotografía y salga en la pantalla. Sin embargo, si hacemos la captura con el modo live view podrás ver antes de disparar cómo quedará el resultado.

4. Consigue Disparos Imposibles

Mirando por el visor óptico, para conseguir perspectivas inusuales nuestras posturas pueden ser de lo más retorcidas

Seguro que más de una vez has acabado tirado por los suelos buscando ese ángulo imposible que te de la mejor de las perspectivas. Pegar nuestra cara a la cámara y al suelo no suele ser una opción muy cómoda para este tipo de capturas. Lo mejor que puedes hacer es emplear el modo live view de tu cámara, ya que con este trabajarás mucho más a gusto, y si encima la pantalla de tu cámara es abatible, aún será mejor.

5. Asegúrate de que tus Horizontes Están Rectos

Otra de las ventajas que nos brinda este modo live view es que, así como en el visor óptico de una réflex no podemos ver sobreimpresionada cierto tipo de información en la imagen (solo los puntos de enfoque y alguna retícula), en la pantalla LCD sí que podremos visualizar información de ayuda. En el caso de las cámaras evil sí que podremos verla porque como hemos dicho éstas tienen un visor electrónico. ¿Y qué información extra podemos ver?

• Guías. Esto resulta bastante útil por ejemplo si eres de los que tiende a torcer el horizonte. La mayoría de las réflex cuentan con la opción de sacar guías que nos ayudarán no solo a mantener nuestros horizontes rectos, sino también a mejorar la composición de nuestras fotografías siguiendo reglas como por ejemplo la regla de los tercios.
• Comprobar el histograma en vivo. Una buena forma de exponer adecuadamente la imagen es fijándonos en su histograma. ¿Pero podemos verlo antes de hacer la foto? Con el modo live view, sí. Basta con activarlo para que salga en la pantalla y podremos ver antes de disparar la captura el histograma de nuestra fotografía.

6. Cobertura Total del Encuadre

Aunque con las nuevas cámaras se logra una cobertura del visor cada vez más amplia, en la mayoría de ellas no llegamos a ver la totalidad del encuadre. Normalmente las cámaras de gama media/baja alcanzan entre el 92% y el 98% de la cobertura. Sin embargo, a través del live view de la cámara sí que podremos ver en pantalla la imagen en su totalidad, tal y como la capturaremos.

Algunas Desventajas de Trabajar con el Live View de Tu Cámara

Como ocurre con casi todo, siempre hay una cara B con características que no son tan ventajosas. A continuación vamos a repasar en qué puntos trabajar con el modo live view puede ser un inconveniente.

1. Menor Calidad de Imagen que el Visor Óptico

Hay visores ópticos mejores y peores, pero a través de ellos veremos una imagen fiel a lo que ven nuestros ojos, con mayor claridad y rango dinámico, no una interpretación de la cámara.

La calidad que nos ofrece un visor óptico, por tanto, es mayor que la que pueda ofrecernos una pantalla o visor electrónico. Aunque ojo, porque gracias al auge de las cámara sin espejo cada vez se afina más la calidad de las pantallas y los visores electrónicos.

2. Menos Estabilización

Uno de los principales problemas de trabajar con la pantalla LCD de la cámara es que perdemos estabilización. Piensa que cuando disparas una foto mirando a través del visor óptico la cámara la apoyas en tu frente, los brazos los mantienes recogidos y apoyados sobre tu cuerpo, y antes de disparar mantienes la respiración para evitar trepidaciones.

Al trabajar con el live view, nuestros brazos tienen que estar extendidos para poder observar la imagen a través de la pantalla, y teniendo también en cuenta el peso de la cámara, la sujeción será más inestable y propensa a sufrir trepidaciones.

3. Las Condiciones del Entorno pueden Afectar al Visionado

Otro punto en el que el visor óptico gana a modo live view es en el visionado. Imagínate un día de pleno sol. Al igual que cuando miras la pantalla de tu móvil difícilmente verás algo, con la pantalla de la cámara ocurre lo mismo.

Con tanta luz resulta difícil contemplar bien la imagen y evitar los reflejos. Sin embargo, el visor óptico está encerrado dentro del cuerpo de la cámara, por lo que los destellos, los brillos o los reflejos no serán ningún problema para ver tu imagen en buenas condiciones.

4. ¡Adiós Batería!

Una de las razones por las que usar siempre el live view para trabajar no es bueno es porque la batería se consume muchísimo más rápido que si trabajamos con el visor óptico. Así que si vas a usar el live view, procura llevar una batería extra de repuesto para no quedarte colgado en la sesión.

El Caso Especial de las Cámaras Sin Espejo

Comparativa entre Tipos de Visor

Aunque ya lo hemos ido comentando a lo largo del artículo, las cámaras sin espejo ocupan un lugar especial en lo que se refiere a este tema. Como te decía, estas cuentan con un visor electrónico y no óptico, por lo que a través de dicho visor veremos una imagen que ha pasado por el sensor y que ha sido tratada por la cámara. Esto implica que a través de él podemos ver exactamente la misma información que podemos ver a través de la pantalla, lo cual incluye herramientas sobre impresionadas como pueden ser el histograma o las guías. Además, su ventaja principal es que podemos ver el resultado final de la toma antes de dispararla.

Por supuesto no todo iban a ser ventajas, y es que al igual que decíamos que en las cámaras réflex hacer uso del live view requería un consumo más elevado de la batería, en el caso de las cámaras sin espejo, incluso empleando el visor electrónico y no la pantalla, este consumo será también más elevado.

¡Sácale Partido al Live View!

Hemos visto que el modo live view es una herramienta más que tenemos a nuestra disposición para conseguir las fotografías que deseamos. Como todo, tiene sus ventajas y sus desventajas, la clave reside en conocerlas todas y así poder usar este modo en nuestro beneficio.

¿Y tú? ¿Usas mucho el modo live view?

Cuando llevas mucho tiempo haciendo fotos con una cámara, o si has tenido varios modelos de la misma marca, llega un momento en el que el control sobre sus funcionalidades es muy alto. Es una de las maneras de sacar el máximo rendimiento a tu cámara, pero para ello siempre recomiendo leerse bien el manual.

Cuando realizo determinados tipos de fotografías suelo configurar mi cámara de una manera concreta para facilitarme el trabajo y poder ser más rápido. ¿Quieres conocer mi método?

1. Trabajando con los Menús de Favoritos

Menú de favoritos con acceso directo a las funciones que más uso.

Que las cámaras cada vez tienen más funcionalidades no es un secreto. Que los menús son cada vez más grandes y complicados tampoco. Como bien decía antes, es importante saber lo que puede hacer tu cámara, pero también es cierto que en cada foto no tocas todos los menús, de ahí que muchas cámaras tienen una especie de menú con tus funcionalidades favoritas o las que más sueles usar.

En mi caso tengo una serie de funciones en un menú, con lo que las tengo todas juntas y a mano. Esto me ahorra tiempo al no tener que ir sumergiéndome entre la cantidad de submenús que tiene mi cámara.

2. Conseguir un Histograma lo más Neutro Posible

En Canon existe el Estilo de imagen. En Nikon se llama Picture Control.

Si no sabes lo que es el histograma te recomiendo que te leas primero este artículo. Si sueles ser de los que mira el histograma después de cada disparo tratando de derechearlo lo máximo posible, entonces te interesa saber que dependiendo de los parámetros que tenga tu cámara configurada verás un resultado diferente. Al final, el histograma que vemos no corresponde al archivo RAW, sino al de la interpretación en JPEG de dicha foto aplicando los parámetros internos de la cámara. Estos parámetros están relacionados con la nitidez, contraste, saturación o tono de color. Si disparamos en JPEG tenemos que seleccionar el que más nos guste, por ejemplo, el vívido, o paisaje, hay muchos.

Vemos dos imágenes tomadas en el mismo momento, sin embargo, se han tomado con diferentes estilos de imagen. La primera en color, con el estilo neutro, que no aplica ningún valor por defecto a la imagen. La segunda, se ha puesto el estilo Monocromo que aplica un valor de nitidez de 4, y 2 de contraste. Esto influye en el histograma, incluso a pesar de haber cambiado la velocidad de obturación un tercio, aparece una zona quemada muy grande, cosa que en la primera foto no pasa. Si ambas se hubieran disparado a la misma velocidad tendríamos la misma información en ambos archivos RAW, aunque en la cámara nos mostrara un histograma distinto.

Sin embargo, si lo que queremos es tener un histograma lo más neutro posible debemos de seleccionar unos parámetros neutros. Podéis hacer la prueba de disparar sobre un trípode la misma foto cambiando de estilo de imagen y veréis como cambia el histograma.

3. Previsualización en Blanco y Negro

Valores que se aplica a la fotografía, en JPG, cuando disparamos con el modo Monocromo de Canon. Estos valores se pueden modificar.

Si te gusta disparar en blanco y negro, este consejo te va a gustar. La mayoría de las cámaras disponen de estilos de imagen para blanco y negro, aplicando una serie de parámetros a la imagen. Justo los parámetros de los que hablábamos en el consejo anterior. De hecho, la prueba anterior la podéis hacer configurando un modo en color y otro en blanco y negro para ver las diferencias en el histograma, como muestro en el ejemplo.

Cuando sé que la fotografía que voy a hacer la voy a revelar en blanco y negro configuro mi cámara en el modo monocromo. De esta manera puedo previsualizar el resultado en la cámara y ver si funciona o no. Obviamente, antes de disparar ya he previsualizado en mi mente la fotografía en blanco y negro.

Este consejo es muy útil para aquellas personas que están empezando o que les cuesta imaginar cómo sería esa fotografía en blanco y negro.

Si estamos disparando en JPEG, la fotografía será en blanco y negro. Pero si lo estamos haciendo en RAW, la fotografía sigue teniendo todos los colores, solo que en la cámara le aplica los parámetros de blanco y negro para que la podamos ver.

4. Y un Truco Más que te Puede Permitir Ahorrar Mucho Tiempo

En Canon solamente tenemos tres bancos o modos para almacenar la configuración. En cámaras como Fuji tenemos un menú en la pantalla con muchos más. Al cambiar de un modo a otro los parámetros se actualizan automáticamente.

En ocasiones quiero tener diferentes versiones de una misma fotografía por lo que me toca cambiar los parámetros cada vez. Este proceso puede hacerse muy pesado y repetitivo, haciéndome perder mucho tiempo. Pero para eso existen una serie de configuraciones en las que podemos programar nuestros parámetros según el tipo de fotografía.

Por ejemplo, si quiero tener la misma fotografía disparada a una velocidad normal, y otra con una larga exposición tengo que hacer cambios. Para ello, mi cámara tiene una serie de modos en la rueda de control. Otras cámaras simplemente tienen diferentes bancos de memoria donde almacenar nuestras preferencias. Basta con seleccionar el que queramos en cada momento.

f/5, 1/125s, ISO 800.

f/2.8, 30s, ISO 100.

De manera que, siguiendo con el ejemplo, para una larga exposición puedo configurar el modo Bulb, activar el levantamiento del espejo, o incluso establecer una temperatura de color determinada para contrarrestar la dominante del filtro que vaya a usar. Estos valores son genéricos. Sin embargo, en otras ocasiones he aprovechado estos modos para establecer unos parámetros de exposición, como por ejemplo el diafragma o el ISO. Si la luz no ha cambiado en esos minutos puedo ir haciendo fotos en los distintos modos. Un caso podría ser en una sesión nocturna. Si queremos obtener las estrellas como puntos podemos configurar un modo a ISO 6400, tiempo de exposición de 30" y f/4. Si además queremos hacer largas exposiciones configuraremos el modo Bulb con un ISO más bajo. De esta manera, con cada encuadre solo tendremos que seleccionar un modo u otro y disparar. Por supuesto, si utilizamos un intervalómetro lo programaremos para cada situación.

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