Seguro que más de una vez no has subido esa foto que tanto te gusta porque en ella apareces con unas ojeras que asustarían hasta al mismísimo oso panda ¿verdad? Bueno, puede que decirlo así sea algo exagerado, pero si te digo que hoy te traigo 4 magníficos métodos para hacer desaparecer tus ojeras con Photoshop, creo que este artículo puede despertar tu interés. ¿Te quedas y te lo cuento?

¿Cómo Quitar Las Ojeras?

No, este no es un artículo con remedios caseros para eliminar tus ojeras. Este texto te ayudará a eliminarlas, sí, pero será solo en ese instante en que la cámara recogió tu expresión en una foto. Sin duda, la aparición de las ojeras es algo natural, y difícilmente encontrarás a alguien que no muestre aunque sea un mínimo signo de ellas. Pero claro, todos queremos lucir con el mejor de nuestros aspectos en la foto de perfil que vamos a subir a Facebook ¿verdad?

Pues no te preocupes porque a continuación vamos a ver 4 métodos diferentes para que tus ojeras desaparezcan como por arte de magia (en la foto, claro). Aunque recuerda, lo ideal no va a ser eliminar la ojera por completo, ya que eso quedará completamente irreal, sino disimularlas para que nos quede un efecto natural y realista.

Cada uno de los métodos está basado, por decirlo de alguna manera, en una de las herramientas que tiene el programa de edición y retoque fotográfico más famoso: Photoshop.  ¡Veámoslos uno a uno!

Método 1: Utilizando el Pincel Corrector

Con este primer método que voy a explicarte lograremos eliminar las ojeras gracias a la herramienta de pincel corrector.

Para empezar lo que haremos será duplicar la capa original (bien con el botón derecho del ratón sobre la capa y la opción Duplicar capa, o con el atajo de teclado Control+J/Comando+J). También ampliaremos la imagen lo suficiente para trabajar cómodamente y ser más precisos (con la herramienta de Lupa).

Seleccionaremos la herramienta, y ahora se trata de que, situándonos en la capa duplicada y manteniendo pulsada la tecla “Alt”, hagas click sobre una zona más clara que te sirva de referencia para corregir la zona de la ojera. A continuación, deberás pintar dicha zona. Recuerda ir escogiendo diferentes puntos de referencia para que quede más realista.

La ojera del ojo que aparece en la parte izquierda ha sido corregida con el pincel corrector, mientras que la de la parte derecha no

No importa si ves que el efecto ha quedado muy exagerado. Cuando acabes de tapar las dos ojeras, vete a la opción de Opacidad de la capa y ajústala hasta que compruebes que la ojera ha quedado tapada, pero no como un pegote sino que queda realista.

Si comparamos ambas imágenes nos podemos comprobar que la ojera ha disminuido considerablemente.

Método 2: El Tampón de Clonar

El segundo método tiene un proceder muy parecido al anterior, y para llevarlo a cabo utilizaremos la herramienta de tampón de clonar. Recuerda duplicar la capa original de nuevo para poder ajustar la opacidad de los cambios que realicemos.

En este caso lo que haremos es clonar una parte de la cara en la zona de la ojera para de esa forma taparla y que se quede perfecta. Como con todos los métodos, es mejor no pasarse para que el efecto no quede demasiado irreal, por lo que te recomiendo que si escoges este, antes de empezar a clonar la zona, ajustes el pincel con una dureza casi nula, y ajustes la opacidad del tampón de clonar.

Una vez hecho se trata de que como antes, tomes de referencia la zona que quieres clonar dándole al click del ratón y a la tecla "Alt", y poco a poco vayas pintando la zona de la ojera hasta cubrirla. Una vez termines, ajusta de nuevo la Opacidad de la capa hasta conseguir que el retoque parezca real.

Método 3: El Parche

Este método es uno de mis favoritos y el que más suelo utilizar, sobre todo por su rapidez y efectividad. La herramienta que utilizamos en este caso es el parche, y al igual que en los casos anteriores, recuerda duplicar la capa original para realizar los cambios y ajustarlos a posteriori.

Se trata de que, una vez seleccionada la herramienta Parche, rodees la zona de la ojera. A continuación, pincha con el ratón la zona y sin soltar desplaza esa selección hacia una zona más clara de la piel.

Con un click notarás enseguida los cambios. Luego es cuestión de ajustar la opacidad de la capa en la que hemos hecho los ajustes para que no se note nada irreal.

Método 4: Capa de Ajustes de Curvas

Después del repaso de los anteriores métodos llegamos a este. Lo he dejado el último porque es el más "fiel" a la realidad. Tanto con el pincel corrector, como con el tampón de clonar y el parche, además de sustituir el tono de la piel de la zona de la ojera, también nos estamos cargando la textura original de la misma, haciendo que en algunas ocasiones el retrato quede muy poco natural e irreal.  Con este método que vamos a ver ahora, lo que haremos es reemplazar los tonos que generan esa ojera, pero manteniendo la textura original de la piel, y eso hará que el retrato sea totalmente creíble.

En esta ocasión no hará falta duplicar la capa original del retrato, porque vamos a crear una capa de ajuste de curvas (Capa/Nueva capa de ajustes/Curvas). Una vez creada, nos iremos a dicha capa y seleccionaremos no la máscara de la capa que es lo que vendrá seleccionado por defecto, sino las propiedades de las curvas, como aparece en la imagen que añado a continuación.

Una vez seleccionada, se nos abrirá un nuevo panel en el que tendremos que elegir el primero de los cuentagotas que aparece. Le daremos doble click y con él escogeremos el tono que queremos que remplace al tono de la ojera.

Tomamos la muestra y seguidamente, sin deseleccionar el cuentagotas, le indicamos con éste cuál es el tono que tiene que reemplazar (es decir, el tono de la ojera).

Verás que tu imagen se ha quedado tintada por ese tono que hemos cogido. Ahora es el momento de que vuelvas a seleccionar la máscara de esa capa, y la invirtamos, o bien a través de la opción de Invertir que vemos en el panel de las propiedades de la capa, o con el atajo de teclado Control+I/Comando+I.

Nos vamos ahora a por un pincel, que ajustaremos con una opacidad de entre el 10% y 20%, y empezaremos a pintar de blanco la zona de la máscara en la que queramos reemplazar el tono de la ojera. Si te pasas con el efecto no te preocupes porque siempre puedes reajustar la opacidad de la capa como en los casos anteriores.

Sí que te recomiendo que realices esta proceso dos veces, uno para cada una de las ojeras, ya que la luz y por la tanto el tono, puede variar de una a otra.

Como ves puede que sea un método algo más lento que los casos anteriores, pero muy efectivo y más realista. Además no solo te valdrá para corregir ojeras, sino que también puede servirte para igualar el tono del maquillaje de un rostro con el de su cuello y hombros por ejemplo.

Un Método Extra: La Unión Hace la Fuerza

Este método es uno extra que he querido añadir al artículo porque no siempre nos quedaremeos satisfechos con uno de los explicados anteriormente. Imagina que quieres utilizar el método 4, el de las capa de ajuste de las curvas, pero notas que aún queda demasiado marcada la ojera. ¿Quién ha dicho que no podamos utilizar más de un método a la vez? En la unión está la fuerza, así que de forma sutil (tampoco nos vengamos muy arriba), podemos mezclar por ejemplo un par de métodos.

Si lo haces si que te recomiendo que reajustes la opacidad de las capas de los diferentes métodos que hayas usado hasta lograr tapar la ojera pero que quede creíble.

¿Te Animas a Quitar Ojeras?

Como has visto quitar ojeras en fotografía no es demasiado complicado. Cuando hayas practicado estos métodos unas cuantas veces enseguida pasarán a ser uno de tus trucos favoritos, y además seguro que a base de usarlos y con el tiempo, serás capaz de identificar qué método es el más idóneo para usar en una fotografía u otra.

Recuerda siempre jugar con la intensidad de la corrección gracias a la opacidad de las capas en las que realizaremos los ajustes, y piensa que si te pasas demasiado, además de irreal, tu retrato puede gustar menos que con la ojera original.

¿Qué me dices? ¿Te ha resultado interesante el artículo? ¿Añadirías algún método más? ¡Cuéntanoslo!

Aunque hace mucho tiempo que llegó la fotografía en color, la fotografía en blanco y negro sigue manteniendo un atractivo especial que hace que muchos de nosotros, en gran parte de nuestras capturas optemos por prescindir del color.

Si eres de los que le interesan las fotos en blanco y negro, este es tu artículo. En las siguientes líneas repasaremos toda la teoría necesaria para que domines este tipo de fotografía, te mostraremos a convertir tus fotos a blanco y negro con programas como Photoshop o Lightroom mediante distintos métodos, la manera de aplicar ajustes finales de las imágenes en blanco y negro, y hasta te dejaremos algunas acciones de Photoshop para que puedas realizar estas conversiones de forma automática. Vamos... que estás ante la gran guía fotográfica del blanco y negro. Así que si ésta te apasiona, sin duda este artículo te servirá de referencia a partir de ahora. ¡Vamos allá!

La Esencia del Blanco y Negro

Ansel Adams o Heri Cartier-Bresson, eran dos grandes maestros de la fotografía cuyas imágenes eran en blanco y negro. El blanco y negro no pasa de moda, y aunque podamos pensar que se atribuye a una época pasada, esto no es cierto.

El blanco y negro es una forma de arte, y emplearlo en nuestras fotografías nos ayudará a crecer como fotógrafos. ¿Por qué? Pues porque cuando trabajamos en monocromo lo que estamos haciendo es eliminar posibles distracciones de la toma, y nos centraremos en la esencia de la imagen. Trabajando en blanco y negro podremos prestarle más atención a la composición de la toma, a analizar la luz de la misma, su contraste, su textura...

Evidentemente conforme vamos creciendo como fotógrafos estos detalles podremos apreciarlos trabajando también en color, porque tendremos nuestro ojo más entrenado. Pero si eres de los que está empezando a disfrutar del maravilloso mundo de la fotografía, puede ser interesante que para algunas de tus sesiones te decantes por trabajar en blanco y negro y así le puedas prestar más atención a otros detalles que harán que tu fotografía mejore considerablemente.

Visto esto, veamos por puntos algunas pinceladas que nos ayudarán a mejorar nuestras tomas en monocromo y cuáles son los mejores artículos para profundizar en el tema.

1. Empezando con la Fotografía en Blanco y Negro

Punto uno. Hemos decidido que esto de la fotografía en blanco y negro tiene su encanto, y vamos a darle una oportunidad. Pero... ¿qué cuestiones se nos van a plantear cuando vayamos a hacer nuestras capturas? ¿Es mejor disparar la toma en blanco y negro o mejor capturarla en color y convertirla después en edición? ¿Cuándo sé si mi foto será mejor en blanco y negro o en color? ¿Cuáles son las razones por las que debería disparar en blanco y negro? Todas esas cuestiones, las encontrarás respondidas y argumentadas en los siguientes artículos:

• Fotos B/N: ¿En la Cámara o Después?
• ¿Cómo Saber Si Deberías Procesar Una Fotografía En Blanco y Negro o En Color?
• 10 Razones para Fotografiar en Blanco y Negro
• 6 Tipos de Fotos que Funcionan Mejor en Blanco y Negro
• Descubre Qué es el Contraste Tonal, su Fuerza como Elemento Compositivo y sus Posibilidades en la Conversión a ByN

2. Consejos para Fotografiar en Blanco y Negro

Punto dos. Ya has decidido que vas a practicar la fotografía en blanco y negro. ¿Y ahora qué? ¿Por dónde empezar? ¿Cuáles son los mejores motivos para capturar en blanco y negro? ¿Qué configuración de cámara es la mejor?

Evidentemente, dependerá mucho del motivo que escojamos fotografiar, aunque hay muchas recomendaciones que se comparten en todos ellos. Aquí tienes una lista de los más destacados.

• 11 Consejos Clave en Fotografía en Blanco y Negro
• 6 Consejos para Realizar Buenos Retratos en Blanco y Negro
• 6 Elementos para Añadir Interés a tus Fotos en Blanco y Negro
• 5 Consejos Definitivos para hacer Mejores Fotos en Blanco y Negro

3. Convierte Tus Fotos a Blanco y Negro: Técnicas

Punto 3: técnicas de conversión. Ha llegado el momento de coger nuestra foto en color y convertirla a blanco y negro. ¿Cómo? Pues te diré que hay mil y una formas de hacerlo. Este apartado hemos querido dividirlo en dos secciones.

Revelado Básico

Esta primera sección incluye artículos que te enseñarán a convertir tus fotos a blanco y negro desde programas como Photoshop o Lightroom, a través de diferentes opciones y de manera sencilla.

• Blanco y Negro con la Herramienta Desaturar
• Blanco y Negro con el Modo Escala de Grises
• Blanco y Negro en Photoshop: el Mezclador de Canales
• Conversión a Blanco y Negro Color Lab
• Ajuste de Blanco y Negro en Photoshop
• Crea Espectaculares Fotografías En Blanco y Negro Mediante La Técnica del HDR
• Emulando la Fotografía Blanco y Negro Clásica
• Los Secretos del Blanco y Negro en Lightroom

Métodos Conocidos

En esta segunda sección encontrarás unos cuantos métodos de conversión a blanco y negro que algunos fotógrafos han descubierto y han ido compartiendo con el tiempo, y que tienen su toque especial. Te dejamos los más destacados para que seas tú mismo quien encuentre el camino que más te guste hacia tu fotografía en blanco y negro.

• Conversión a Blanco y Negro en Photoshop: Método Michael Freeman
• Método Rob Carr para la Conversión a Blanco y Negro
• Blanco y Negro en Photoshop: Método Russell Brown
• Conversión a Blanco y Negro en Photoshop: Metodo Greg Gorman

4. Ajustes Finales para Fotografías en Blanco y Negro

Siempre hay alguien quien quiere ir un paso más allá, y quiere llevar su nivel de edición a un nivel más profesional. Para todos aquellos fotógrafos que se sientan identificados en este grupo, aquí les hemos recopilado los artículos más especializados en cuanto a técnicas de revelado, con los que conseguirán darle un toque totalmente profesional a sus fotos en blanco y negro.

• Tus Fotografías en Blanco y Negro como los Profesionales
• Ajustes Finales en tus Fotografías en Blanco y Negro
• En Blanco y Negro pero con un Toque de Color (Cutout con Photoshop)
• Conversión a Blanco y Negro de Alto Contraste con Lightroom
• Ejercicio Práctico: Presentando una Foto en Blanco y Negro
• Un Método Efectivo para Revelar en Blanco y Negro con Lightroom
• Cómo Conseguir Paisajes en Blanco y Negro Espectaculares en Lightroom
• Silver Efex Pro 2: Resultados Profesionales En Blanco y Negro con La Google Nik Collection
• Edición y Ojo Fotográfico: Reflexiones y Cómo Procesé este Blanco y Negro

5. Más Consejos, Ideas y una pizca de Inspiración

A veces podemos querer practicar un determinado tipo de fotografía, pero nos falta inspiración. No sabemos qué tema escoger, o qué luz utilizar para destacar un determinado motivo. Con la fotografía en blanco y negro también ocurre, por eso hemos querido ofrecerte una serie de estupendas ideas para que la inspiración no sea un problema.

• 16 Cutouts (fotos en blanco y negro con color) para Inspirarte
• Fotos en Clave Alta y en Clave Baja, ¿Son realmente tan distintas entre ellas?
• Retomando la Fotografía en Blanco y Negro y 50 Fotos para Coger Ideas
• Crea Espectaculares Fotografías En Blanco y Negro Mediante La Técnica del HDR
• Devuelve el Color a tus Fotos en Blanco y Negro con Photoshop

6. Haciéndote la Vida Más Fácil: Acciones Photoshop

¿Recuerdas lo que eran las acciones, verdad? Por si no es el caso, las acciones nos ayudan a automatizar la ejecución de ciertos pasos en nuestro trabajo de procesado, de forma que podemos aplicar las mismas correcciones que hemos realizado para una fotografía en otra, de una manera muy rápida y cómoda, y además siempre contando con la ventaja de que esas correcciones se pueden modificar y reajustar en cualquier momento.

Pues bien, no podíamos no recomendarte acciones para convertir a blanco y negro tus fotos de manera ágil y sencilla, así que en los artículos que te presentamos a continuación te dejamos con unas cuantas para que las apliques a tus tomas.

• Acciones Photoshop. Qué Son y Cómo se Usan
• Descarga Acciones Photoshop para B/N

¿Y Tu? ¿Eres más de Blanco y Negro o de Color?

Después de haberte leído esta guía de fotografía en blanco y negro, ¿podrías decir que te gustan las tomas en blanco y negro? ¿Qué es lo que más te atrae de este tipo de fotografía?

Por otro lado, si echas en falta algún consejo, o conoces alguna otra técnica o método para convertir tus imágenes a blanco y negro, no dudes en contárnoslo en los comentarios.  ¡Estaremos encantados de conocerlos!

Si ya conoces Affinity Photo, sabes que se trata de una de las mejores alternativas a Photoshop que existen en el mercado. Su punto fuerte es que podemos adquirirlo una vez sin necesidad de tener que pagar una suscripción mensual y contando con las futuras actualizaciones incluidas.

En el artículo anterior en el que os lo presentamos, muchos nos pedisteis que siguiésemos conociendo el programa con vosotros, así que os hemos hecho caso. Hoy vamos a revelar y retocar un retrato con Affinity desde la importación hasta la exportación, aplicando diferentes técnicas de retoque avanzadas y poniendo a prueba su rendimiento. ¡Vamos allá!

Si Aún no Conoces Affinity Photo...

Para aquellos que todavía no sabéis nada sobre Affinity os aconsejo que le echéis un vistazo a este artículo, donde os presentamos el programa desde cero. Os explicamos también dónde descargarlo y cómo instalarlo, ayudándoos a dar esos primeros pasos dentro de una interfaz que os resultará muy familiar (si ya conocéis Photoshop).

Repasando un poco, Affinity Photo contaba con seis áreas de diseño principales:

• Visor de la Imagen (1): Área más extensa donde se muestran todos los píxeles de las capas visibles de una imagen o documento.
• Panel de Herramientas (2). Contiene todas las herramientas disponibles para poder trabajar con un documento.
• Barra de Herramientas (3). Alberga las herramientas y opciones que utilizaremos con frecuencia.
• Barra de Herramientas Contextual (4). Se actualiza para mostrar las opciones disponibles cuando tenemos una herramienta concreta seleccionada.
• Estudio (5). Encontramos varios paneles organizados mediante pestañas: Ajuste, Capas, Estilos, Efectos e Inventario.
• Barra de Herramientas Persona (6). Contiene las cinco personas para editar una imagen: Foto, Licuado, Revelado, Asignación Tonal y Exportación.

Si ya conoces el programa, sabrás que en Affinity iremos editando nuestras imágenes en módulos independientes llamados Personas, que funcionarán como espacios de trabajo. Pasaremos de una persona a otra en función de los ajustes que queramos realizar (aunque no necesariamente tenemos que pasar por todas).

Edición de un Retrato con Affinity Photo

Pero dejémonos de teoría (que ya la vimos en el primer artículo) y vamos a lo que vamos, ¡a la práctica! Empezaremos editando una fotografía de retrato con idea de conseguir un resultado profesional y para ellos aplicaremos técnicas avanzadas como la Separación de Frecuencias o el Dodge & Burn, por ejemplo.

Como ya te habrás imaginado, la idea será la de realizar un revelado y retoque estilo beauty, donde busquemos embellecer a la modelo y eliminar imperfecciones. Si buscas un revelado completamente natural o al estilo Dragan tendrá que ser en otro artículo (si queréis que lo hagamos nos lo dejáis en comentarios, como siempre).

#1. Persona Revelado

Cuando importamos un archivo en formato RAW el propio programa nos abre la imagen directamente en la Persona Revelado, de igual modo que Photoshop nos la abre con Camera Raw. Así que, lo que haremos en primer lugar será realizar los ajustes básicos de revelado en esta persona o espacio de trabajo.

En la pestaña Básico, aplicaremos ajustes tonales de exposición (brillo, contraste, saturación, intensidad), así como los ajustes de color, sombras e iluminaciones. Mientras que, en la pestaña Lente, realizaremos los ajustes del objetivo para eliminar la distorsión, las aberraciones cromáticas y los halos.

En la pestaña Detalle también podremos reducir el ruido o mejorar el enfoque de la toma, si fuese necesario. Por último, haremos clic en el botón Revelado para avisar al programa de que hemos terminado de trabajar con el RAW para pasar a retocar nuestra toma.

#2. Persona Licuado

Una vez apliquemos el revelado aparecerá automáticamente la interfaz de la Persona Foto. Para realizar ajustes de Licuado podemos hacerlo desde ahí, utilizando un Filtro en tiempo real, pero también podremos duplicar la capa Fondo con Ctrl+J y pasar a la Persona Licuado, para trabajar más cómodamente.

Vamos a optar por esta segunda opción, seleccionando y renombrando la capa con el título Licuado y cambiando de persona. Estos ajustes nos servirán para retocar algunas facciones del rostro, eliminar imperfecciones en el pelo, corregir algunas arrugas de la ropa o aumentar y reducir el tamaño de algunos elementos.

Dentro de las herramientas que podemos encontrar en esta persona vamos a destacar tres:

• Licuar hacia delante (P): la usaremos para mover literalmente la imagen y darle forma (Deformar hacia delante en PS)
• Licuar pellizcando (U): sirve para agrandar el tamaño de algunos elementos como los ojos o los labios (Inflar en PS)
• Licuar perforando (N): con ella empequeñecemos elementos como la nariz o la mandíbula (Desinflar en PS)

Sean cuales sean los ajustes que apliques en este paso, no olvides que no debes realizar cambios muy agresivos. Es fácil que se nos pueda ir la mano utilizando estas herramientas, así que a no ser que busques un efecto creativo, realiza pequeños retoques con la idea de que la modelo conserve su identidad.

Cuando hayas terminado de Licuar la imagen recuerda hacer clic en el botón Aplicar para que los ajustes se apliquen antes de volver a la persona Foto y seguir editando el retrato.

#3. Persona Foto

Ahora es cuando vamos a empezar a aplicar técnicas de retoque más avanzadas en la persona Foto. De hecho, en esta interfaz dedicada más exclusivamente al retoque, será donde invirtamos la mayor parte del tiempo de nuestra edición.

Como ya te hemos comentado al principio, estamos realizando un revelado estilo beauty donde buscaremos disimular las imperfecciones y resaltar la belleza del sujeto fotografiado. Por lo tanto, utilizaremos recursos que nos ayuden a conseguir este propósito. Empecemos, pues, por la primera.

Separación de Frecuencias

Fragmento del Fototip Affinity Photo: Revelado y Retoque de Retratos

La técnica de la separación de frecuencias es una práctica de retoque de piel que sirve para eliminar pequeñas imperfecciones en el rostro de las personas. La finalidad es lograr pieles perfectas conservando la textura real de la piel, lo que dará a nuestra fotografía un acabado realista.

El resultado de aplicar esta técnica será natural, a diferencia de los típicos filtros de belleza de los móviles que dejan la piel tan sumamente lisa que resulta del todo artificial y falsa.

Lo primero que haremos será duplicar la capa Licuado con Ctrl + J e ir a Archivo/Filtros/Separación de Frecuencias... Ahora veremos la imagen divida en dos, en un lado veremos la Frecuencia Alta y en otro la Frecuencia Baja. La primera nos mostrará el detalle de la textura, mientras que la segunda nos mostrará el color. La fusión de ambas da como resultado la imagen.

Elegiremos un Radio de 2 px y el Método Gaussiano y haremos clic en Aplicar. Ahora la capa que habíamos creado se habrá dividido en dos, una para cada frecuencia. Seleccionaremos la Frecuencia Baja, ya que será con la que trabajaremos para no afectar a la textura y con la herramienta Zoom (Z) nos acercaremos al rostro.

Ahora seleccionaremos el Pincel Corrector (J) con el tamaño que deseemos y seleccionando zonas de la piel que consideremos buenas, iremos corrigiendo las imperfecciones. Con esto me refiero a manchas, rojuras, granitos, arrugas, cicatrices o marcas de acné que pueda tener la modelo en el rostro.

Si hay algún pelo o marca de expresión rebelde que no conseguimos borrar, podemos alternar de vez en cuando con la Frecuencia Alta para que desaparezca, pero solo en momentos puntuales, ya que sino el resultado no quedará realista.

Recuerda que buscamos un resultado natural, por lo que no nos interesa eliminar lunares, pecas, hoyuelos o marcas distintivas de una persona, puesto que formarán parte de estilo e identidad.

Para acabar, si quieres aumentar la nitidez de la toma, como truquillo, puedes duplicar la Frecuencia Alta y ajustar la Opacidad para agregar más enfoque. Por último, selecciona las capas y presiona Ctrl + G (o botón derecho Agrupar) para crear un grupo al que renombrar como 'Separación de Frecuencias'.

Los grupos te vendrán bien para aglutinar las capas que hayas utilizado para una técnica dentro de una sola carpeta y así poder activarla o desactivarla, bajar la opacidad de todas las capas a la vez, o directamente eliminar el efecto completo.

Dodge & Burn

Seguidamente, vamos a aplicar la técnica del Dodge & Burn jugando con las luces y las sombras. Gracias a este método conseguiremos realzar el volumen existente en la imagen e incluso crear más volumen para estilizar el rostro y cuerpo de nuestra modelo.

Este recurso toma como referencia el 'contouring', una técnica de maquillaje que consiste en agregar volumen aplicando maquillaje claro y oscuro en zonas concretas del rostro. De esta forma se logra disimular los defectos, remodelando la forma de la cara y mejorando las facciones del rostro.

Existen diferentes modos de aplicar el Dodge & Burn en Affinity, pero vamos a explicarte el método que más nos gusta a nosotros y que nos ha ofrecido mejores resultados.

Primero vamos a crear un nuevo ajuste en Ajustes/Curvas, cuya nueva capa renombraremos como Sombras. Ahora en la gráfica bajaremos las sombras exageradamente (recuerda no llegar a cortar la línea tocando el suelo de la gráfica) y presionaremos Ctrl +I para invertir la imagen.

Ahora repetiremos el proceso creando otro Ajuste de Curvas, pero a esta nueva capa la llamaremos Luces. En la gráfica subiremos las luces notablemente y, de nuevo, invertiremos la imagen presionando simultáneamente Ctrl+I.

Ahora ya podemos seleccionar las dos capas (Sombras y Luces) y crear el grupo Dodge & Burn presionando Ctrl+G. Empezaremos trabajando con la capa Sombras, así que tenla activa y selecciona el Pincel de Pintura (B) en la barra de herramientas y el color Blanco.

En cuanto a las características del pincel que podemos seleccionar en la barra de herramientas contextual, selecciona una Opacidad del 10% (o menos, pero nunca superior), Flujo 10%, Dureza 1% y Anchura del pincel a gusto de cada uno.

Ahora iremos pintando las zonas que de por sí ya son oscuras y tienen sombras en la cara, para oscurecerlas aún más. Si seguimos las directrices del contouring original nos interesará delinear el óvalo de la cara, los bordes del tabique nasal, debajo de los pómulos, las sienes... De forma que estilicemos el rostro lo máximo posible.

A la izquierda el Retrato sin técnica y a la derecha con el Dodge & Burn aplicado con Opacidad al máximo

Una vez tengamos las sombras pintadas, pasaremos a la capa Luces y repetiremos el proceso. Escogeremos el pincel con el color blanco y pintaremos las zonas contrarias a las anteriores. Nos centraremos sobre todo en la zona T de la cara, es decir, la frente y la nariz, aunque también añadiremos luces a los pómulos, la zona de las ojeras y la barbilla.

El objetivo es conseguir una iluminación coherente y realista, sin inventarnos tampoco una iluminación imposible o surrealista. De hecho, podemos extender la técnica por el cuello, las clavículas y el escote para remarcar las zonas más oscuras e iluminar aquellas más claras y conseguir un busto más turgente.

No pasa nada si el efecto que has aplicado se nota mucho, recuerda que puedes seleccionar cada capa por separado y bajar la opacidad del efecto e incluso puedes seleccionar el grupo completo y bajar la opacidad de toda la técnica a la vez.

Ajustes Adicionales

Podríamos decir que ya tenemos listo nuestro retrato, pero aún podemos seguir aplicando ajustes que agreguen un estilo más personal a nuestra imagen y le den ese toque más profesional todavía. Veamos algunos Ajustes que nos ayudarán a lograrlo.

• HSL: nos servirá para potenciar el color de zonas concretas como por ejemplo los ojos o los labios. Seleccionaremos un color de la ruleta, como el verde de los ojos y la daremos Saturación, Luminosidad e incluso podremos modificar el Tono. Recuerda hacer un ajuste exagerado para luego invertir la imagen con Ctrl+I y luego, con el Pincel (B), pinta los ojos para ir dándoles más color.
• División de Tonos: lo usaremos para añadir una tonalidad concreta a las luces y/o las sombras de la imagen. Podemos hacer las luces más cálidas y las sombras más frías o viceversa. Ve probando hasta encontrar la combinación que mejor encaje en tu retrato.
• Niveles: con este ajuste podremos añadir más contraste a la imagen jugando con el Nivel de negro y el Nivel de blanco, así como con el deslizador de Gamma. Si tus imágenes han quedado algo desaturadas, esta herramienta será crucial para lograr ese equilibrio perfecto.
• Curvas: aquí podremos añadir un efecto brillo o mate como toque final a nuestras tomas, según el estilo de foto que deseemos obtener. Selecciona el punto de la esquina inferior izquierda y súbelo un poco hacia arriba (por la línea vertical) para obtener el efecto mate o deslízalo hacia la derecha (por la línea horizontal) para un efecto brillo.

Una vez tengas todos los ajustes aplicados, recuerda seleccionar todas las capas y presionar Ctrl+G para crear un nuevo grupo de 'Ajustes' y tenerlos todos ordenados dentro de su propia carpeta. Esta forma de organizar las capas te resultará muy cómoda a la hora de trabajar e incluso para realizar futuras correcciones.

#4. Exportación

Finalmente, exportaremos nuestra imagen de forma rápida. Para ello, iremos a Archivo/Exportar o presionaremos simultáneamente las teclas Ctrl + Alt + Mayús + S.

Aparecerá una ventana emergente donde podremos seleccionar (de forma muy visual) el formato con el que queremos exportar nuestra toma. Podremos modificar también el tamaño (manteniendo la relación de aspecto), ajustes preestablecidos, tipo de muestreo y el nivel de calidad.

Por otro lado, podremos decidir si exportar todo el documento o un área concreta seleccionada. Incluso podremos indicar que no se exporten algunas capas ocultas que no queremos que formen parte de la imagen. Aunque para esto último, antes debemos especificarlo en la Persona Exportación, donde podremos exportar las imágenes de forma más precisa.

Resultado Final

En definitiva, viendo el resultado obtenido y comparándolo con el archivo RAW original, podríamos decir que la edición ha sido muy satisfactoria. Hemos conseguido un revelado y retoque bastante profesional aplicando las técnicas habituales en este tipo de tomas.

Reconozco que en una ocasión el programa se bloqueó y tuve que forzar el cierre, pero al volver a abrirlo los cambios se habían guardado, por lo que no ha sido para tanto. Así que, en general, el rendimiento es bueno y el programa es muy cómodo y fácil de trabajar, al nivel de Photoshop o de Capture One.

¿Qué opinas tú? ¿Te parece Affinity Photo un buen programa para revelar y retocar retratos? ¿Te gustaría que revelásemos algunos paisajes u otro tipo de tomas con él? Si queréis que sigamos profundizando en este programa y probando más técnicas, ¡dejadnos un comentario con vuestras propuestas!

El retrato es, probablemente, una de las variedades fotográficas preferidas o, al menos, una de las más practicadas por todos los integrantes de la comunidad fotográfica.

En dZoom le hemos dedicado ya un amplio número de artículos, pero aún quedan cosas por decir al respecto. Sin duda, algo sobre lo que aún no hemos hablado es sobre los tipos de poses que puede adoptar el sujeto retratado.

Puede hablarse de 5 tipos de poses, ¿quieres conocerlas y saber cuándo recomendar a quien fotografías que pose de una determinada manera? Entonces, presta atención a este artículo.

Puntos a Considerar En Un Retrato

Antes de centrarme en las distintas poses, me gustaría hacer hincapié en otros puntos que deberás valorar a la hora de realizar un retrato. Éstos son:

• La correcta iluminación de la sala y, sobre todo, del sujeto retratado.
• El encuadre y la composición. ¡Ah!, y no olvides cuidar el fondo.
• La perspectiva y el ángulo de la toma.
• El objetivo a emplear, en función del resultado que esperas obtener.
• El tipo de plano, para transmitir distintos mensajes con tus retratos.

No es poco, ¿verdad? Bueno, pues a esas consideraciones, deberás añadir, a partir de ahora, la elección de una determinada pose por parte de quien decidas retratar.

Aconsejar Una Determinada Pose También Es Cosa del Fotógrafo

No, no pienses que por el hecho de llevar la cámara, ya debes despreocuparte de preparar al sujeto de la mejor manera posible y que los buenos resultados obedecen al azar.

De hecho es una parte inherente de esta suerte fotográfica: el recomendar o alentar a la persona que fotografías para que sea natural, para que se ponga de una determinada forma, de otra, para que ponga un gesto u otro, etc.

Por eso, como es labor tuya, voy a presentarte las variantes de pose que podrás solicitar a tu modelo con el objeto de lograr distintos resultados en tus fotografías. ¡Allá vamos!

1. Perfil Delantero

En este tipo de pose el sujeto ha de situarse enfrente del fotógrafo y con los hombros alineados perpendicularmente a la línea que le une con éste.

Y, a continuación, girar la cabeza de modo que muestre uno de los perfiles de su rostro.

Estas tomas darán una sensación de evasión, de tranquilidad y de paz en el modelo. Aunque habrá que procurar que el sujeto relaje su rostro y mire hacia un punto en el infinito para conseguir el mejor resultado.

Un gesto forzado y antinatural o una posición incómoda en su cuello evitarán lograr el resultado buscado. Por lo que se deberá aconsejar al sujeto retratado que se relaje y pose naturalmente. Como en cualquier tipo de retrato, por otra parte.

En función de si su perfil es más o menos bonito (hay narices que pueden querer disimularse), se le pedirá que gire más o menos la cabeza. Pero siempre buscando la naturalidad en la pose.

En cualquier caso, la mirada no deberá ir dirigida al fotógrafo, sino hacia uno de los lados. Ya que, de lo contrario, estaríamos hablando más de una pose tipo tres cuartos.

2. Tres Cuartos Delantero

Esta pose es una variante de la anterior en la que, como puedes ver en la imagen de la derecha, se aprecian algunas variantes:

• Los hombros ya no están alineados, sino que uno de los hombros se adelanta en dirección al fotógrafo.
• La cabeza se encuentra ligeramente girada, pero no tanto como en el perfil delantero.
• La mirada no se pierde en un lateral, sino que se dirige hacia el fotógrafo. Como "comprometiéndolo".

De nuevo debe buscarse naturalidad en la toma y gestos suaves. Haz que tu modelo se sienta cómodo en todo momento para que adopte poses que no sean forzadas, tensas o antinaturales.

En este tipo de poses suele jugar un papel importante el pelo, el uso de un sombrero, etc. Pues se suele buscar que únicamente se vea un ojo y este vaya dirigido directamente al fotógrafo.

Es una variante más "agresiva", directa, sensual, pícara. Aunque, por supuesto, estos adjetivos también dependerán de la expresión que ponga el sujeto retratado.

3. Frontal

No hay mucho que decir sobre esta pose. Si revisas tu archivo fotográfico, seguro que es el tipo de toma que más se repite en tus retratos.

Se trata de tomas en las que el sujeto se coloca de frente a la cámara, con los hombros alineados y la cabeza también de frente a la cámara. Nada de especial.

Es una variante que siempre funciona, pero a la que si no se añaden elementos singulares o algo diferente, no aportará nada nuevo al que ve la foto.

En la fotografía de ejemplo, es indiscutible que la modelo es muy guapa, pero lo peculiar es la posición de sus brazos y también su expresión de seguridad.

Si te decantas por estas tomas, deberás tratar de incluir algo distinto, algo que llame la atención o cautive, pues, de lo contrario, obtendrás un retrato, posiblemente correcto e incluso bien ejecutado, pero sin ningún atractivo.

Así que, si te decantas por esta variante, prepárate para exprimir a tu modelo y exigir el máximo de su lenguaje facial y corporal.

4. Tres Cuartos Trasero

Esta pose es la "opuesta" al tres cuartos delantero. No hay que ser muy listo para imaginárselo, ¿no crees?

En este caso, el punto de partida del sujeto es situarse de espaldas a la cámara, desplazar uno de sus hombros hacia ésta y girar su cabeza mirando al fotógrafo.

Es una pose muy sugerente y en la que suele querer transmitirse algo diferente, al tratarse de una posición nada común.

Este tipo de tomas suelen buscarse para modelos con bonitas espaldas, cuando llevan vestidos que dejan al descubierto esa parte de su cuerpo.

De nuevo hay que buscar la naturalidad, ya que se trata de una postura bastante artificial.

Piénsalo, salvo alguien que esté posando, uno no va por la calle y se encuentras a gente así colocada, ¿no? Por lo que, si optas por esta variante, deberás lograr que la modelo se sienta cómoda y se coloque de forma natural.

5. Perfil Trasero

El último tipo de pose del que quiero hablarte es el perfil trasero. De nuevo puedes imaginar fácilmente cómo se ejecuta este tipo de toma y cuál es la pose opuesta.

Como ves en la fotografía de la derecha, el sujeto se sitúa de espaldas a la cámara, con los hombros alineados en la perpendicular a la línea que le une con la cámara.

Sitúa su cabeza de perfil y mira hacia el infinito. En función de lo que quiera transmitir podrá alzar más o menos la mirada.

Si la línea de la mirada se dirige al cielo o al suelo, la modelo transmitirá una cosa u otra: pesimismo, optimismo, introversión... ¿te lo imaginas?

Resaltar, de nuevo, que se trata de una pose "arriesgada", poco común. Que se buscará para dirigir la atención del que observa la fotografía en la espalda del modelo y que, al situar la cabeza de perfil, buscará separar al sujeto de la fotografía, no comprometerle haciéndole que mire a la cámara y apreciando con cierta distancia su expresión.

Cientos de Variantes Y de Mensajes Que Podrás Transmitir

Éstos son los 5 tipos que he querido presentarte, pero hay muchos más: combinaciones de ellos, combinaciones de estos tipos con distintas expresiones, que podrían considerarse como nuevos tipos, etc.

Y además, para cada variante, en función de la posición corporal y facial del sujeto, de sus ojos, de su boca, de sus gestos, etc. encontrarás nuevos tipos que transmitirán un sinfín de mensajes y resultados mucho más ricos de los que yo he podido expresar.

¿Qué quiero decir? Pues que lo que he pretendido ha sido acercarte al mundo del retrato y proponerte algunas de las poses más habituales. Ahora te queda a ti ponerlas en práctica, buscar variantes, "trabajarte" a tus modelos para conseguir lo que buscas. Incluso "inventar" tus propias variantes.

Sólo un consejo: ¡Busca la naturalidad en todo momento! De lo contrario, ese mensaje de artificialidad se transmitirá a través de la cara y el cuerpo del sujeto retratado y habrás arruinado la toma.

¡Adelante!, ¡a retratar! ;)

¿Te gusta la fotografía creativa? Entonces te va a gustar este artículo, en el que te vamos a enseñar a disparar fotografías simulando que estás dentro de un objeto, en el que normalmente no cabría la cámara dentro, o sería demasiado difícil de controlar desde su interior. Con eso juegan este tipo de fotografías y por eso consiguen sorprender al primer vistazo.

Para ello haremos un poco de "bricofotografía" y jugaremos con el encuadre y el primer término. ¿Te apuntas? ¡Vamos a ver paso a paso todo el proceso!

Fotografías desde Dentro de Objetos

Simular que disparamos desde dentro de un objeto puede brindarnos fotografías muy originales y vistosas. Este tipo de fotografías se han puesto muy de moda en las redes sociales últimamente, sobre todo en Instagram, de la mano de grandes fotógrafos creativos como Jordi Koalitic, Calop, Younes Zarou, Zach King, Kyle Nutt, Miranda Morey o Zono Sann.

 

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Así que tomándolos como inspiración hemos decidido crear nosotros mismos un efecto creativo muy especial. Vamos a simular que fotografiamos desde dentro de una maceta.

¿Cómo lo vamos a hacer? Pues vamos a comprar una maceta donde quepa bien nuestro objetivo a través de ella, vamos a cortarle el fondo y vamos a pegarle tierra en las paredes interiores, para que nuestro objetivo la abarque bien y en la fotografía parezca que estamos realmente dentro de ella.

A continuación te explicaré paso a paso cómo hice esta foto, para que puedas conseguir una igual o incluso para que la tomes como referencia y crees tu propio efecto creativo, simulando que fotografías desde dentro de otro objeto distinto. ¡El límite lo pone tu imaginación!

Fotografiando "Desde Dentro de una Maceta": ¿Qué Materiales Necesitamos?

Lo primero que vamos a necesitar es comprar algunos materiales para nuestra sesión de "bricofotografía".

Fotografías Desde Dentro de Objetos: Materiales Necesarios

Como en mi caso lo que quiero simular es que estoy haciendo fotos desde dentro de una maceta, compraré una maceta lo suficientemente grande como para que quepa mi objetivo a través de ella. Ten en cuenta que deberemos cortarle el fondo, así que deberemos comprar una que pueda ser fácilmente recortable.

Yo he optado por esta maceta, que está hecha de un plástico bastante blando y además tiene agujeros en el fondo, lo que nos ayudará a recortarlo mejor.

Como te acabo de comentar, vamos a cortarle el fondo, así que nuestro siguiente material necesario van a ser unas tijeras o un cúter. Cortaremos con cuidado todo el fondo de la maceta, tratando de no dejar zonas con aristas peligrosas que puedan dañarnos después durante la sesión.

De esta manera podremos meter nuestro objetivo a través de la maceta sin problema, y simular que estamos "dentro de ella".

Como puedes ver en la siguiente imagen, mi cámara cabe perfectamente a través del culo de la maceta, e incluso le sobra espacio. Con esto no solo conseguiremos no rozar las paredes de la maceta con nuestro objetivo, sino que además permitiremos que entre algo de luz por detrás e ilumine bien las paredes, que a continuación vamos a llenar de tierra.

Vamos a necesitar cola blanca y tierra, para darle un toque más realista a esta maceta en la fotografía. Lo que haremos será embadurnar el interior de la maceta de cola blanca e ir pegando tierra hasta cubrir todo el plástico.

Así lo que se verá a través de nuestro objetivo no será simplemente el plástico de la maceta, que queda demasiado plano y simple, sino que se verá un círculo de tierra. De esta manera la fotografía quedará más atractiva y realmente parecerá que estamos dentro de la maceta.

Finalmente, también hemos comprado unas flores para que nuestra modelo interactúe con la maceta con ellas.

Siempre es interesante que el sujeto interactúe de forma lógica con el objeto a través del cual estamos disparando, para que toda la fotografía tenga un sentido. En este caso, queríamos simular que nuestra modelo iba a plantar las flores dentro de la maceta, o las acababa de coger de su interior.

Equipo Empleado y Parámetros de la Cámara

Ahora que ya tenemos todo lo que necesitamos para nuestra fotografía, toca preparar el equipo.

Primero pensé en usar objetivo fijo de 35 mm. porque al ser más luminoso me permitiría desenfocar el fondo más fácilmente. Sin embargo lo descarté enseguida porque al ponerlo por dentro de la maceta no llegaba a abarcar sus paredes y no aparecían en la fotografía, así que la toma perdía todo el sentido.

Lo que necesitaba era que, al meter mi objetivo por dentro de la maceta, el ángulo abarcara las paredes de la maceta y las mostrara en la fotografía. Así que definitivamente necesitaba usar un gran angular, que nos proporciona un ángulo de disparo mucho más amplio que un 35 mm. Así pues, monté mi Tokina 11-16 mm.

Ahora tocaba configurar los parámetros de la cámara. Puse la cámara en modo Manual para configurarla totalmente a mi gusto.

Necesitaba una velocidad de obturación algo rápida porque me iba a tirar en el suelo e iba a sujetar la cámara solamente con una mano, ya que con la otra mano debía sujetar la maceta, así que tendría poca estabilidad. Por eso disparé a una velocidad de obturación de 1/400 seg., para no arriesgarme a trepidar las fotografías.

El diafragma lo abrí al máximo, a f/2.8, para tratar de desenfocar el fondo todo lo posible. La intención de esto era que el fondo quedara más atractivo y no le robara protagonismo a nuestro sujeto.

Y, finalmente, la ISO la dejé lo más baja posible, en 100, ya que con un diafragma tan abierto no necesitaba ganar más luz en este caso. Con una ISO baja, además, conseguiremos que nuestra toma esté limpia de ruido, con lo cual siempre tendrá una mejor calidad y nitidez. Así que por norma general, siempre que sea posible será mejor usar una ISO baja.

Luces, Cámara... ¡Acción!

Con todo el material listo y la cámara configurada, ahora sí llegaba el momento de la verdad. ¡El disparo!

Me tumbé en el suelo para conseguir un ángulo bastante contrapicado y simular así la "perspectiva de la maceta" en el suelo, y metí mi objetivo a través de ella, procurando no rozar la tierra para no manchar el equipo.

Al haber elegido una maceta bastante amplia, no hubo problema con esto. Ante la duda, es mejor siempre comprar una maceta algo más amplia que arriesgarse a llenar tu equipo de tierra con cola.

Hice varias pruebas hasta encontrar exactamente la fotografía que tenía en mente. Muchas veces, hasta que no te pones a hacer la fotografía no llegas a visualizar realmente lo que va a salir, así que improvisar sobre la marcha durante la sesión puede ser lo mejor en estos casos. No te ciñas a esa idea preconcebida que llevabas en la cabeza, intenta innovar si ves que la fotografía no termina de convencerte.

En mi caso, primero le dije a nuestra compañera Silvia que cogiera las flores y me las acercara a la lente para simular que las estaba arrancando desde la maceta, pero realmente no me gustaba mucho cómo quedaban los tallos, así que cambié de idea y le dije que me acercara las flores para conseguir una toma más bonita.

Después de varias tomas manteniendo el enfoque en la cara de Silvia, opté por enfocar las flores porque no estaba consiguiendo desenfocar el fondo tanto como quería y la foto no me terminaba de convencer.

Era bonita, pero yo tenía en la mente que los árboles del fondo crearan un bonito bokeh, tanto para que quedaran más atractivos como para que no eclipsaran a Silvia y las flores.

Con las flores como protagonistas sí conseguí una profundidad de campo menor que me gustó mucho más, ya que al estar más cerca de la cámara conseguimos reducirla más fácilmente.

Recuerda que los 3 factores clave que afectan a la profundidad de campo son:

• La apertura de diafragma: cuanto más abierto, menor profundidad de campo.
• La distancia focal que estemos usando: cuanto más larga, menor profundidad de campo.
• La distancia del sujeto enfocado a la lente: cuanto más cerca, menor profundidad de campo.

Como ves, contábamos con una gran apertura de diafragma para desenfocar el fondo pero nos fallaba el segundo punto, la distancia focal, al tener que usar un gran angular para poder abarcar las paredes de la maceta. Por eso tuvimos que jugar con ese tercer punto, la distancia del sujeto enfocado a la lente, y optar por hacer protagonistas a las flores en vez de a nuestra compañera Silvia.

Como te comentaba, a veces toca tirar de imaginación y cambiar la idea que teníamos en nuestra cabeza para conseguir una toma mejor. No te limites a lo que querías y adáptate a lo que tienes.

¿Qué te parece el resultado?

¿Te Animas a Intentarlo?

Siempre nos encanta la fotografía creativa porque nos permite conseguir tomas muy originales. ¡Además es muy divertido prepararlas y hacerlas! Ya has visto que esta sesión ha tenido de todo: técnica fotográfica, bricolaje, composición, imaginación e improvisación.

¿Te animas a probar tú ahora? Seguro que consigues fotografías muy creativas... ¡y queremos verlas! ¿Nos las compartes a través de Instagram? Ya sabes, súbelas a tu cuenta y etiquétalas con nuestro hashtag #miradzoom ;) .

El gran angular es el objetivo más deseado por todos aquellos amantes de la fotografía de paisajes. Sin embargo, muchos fotógrafos que lo compran con ilusión y lo utilizan en su primera salida fotográfica se pueden sentir decepcionados e incluso frustrados al ver sus fotos.

No te preocupes, no es que tu objetivo sea de mala calidad o que tú no sepas hacer buenas fotos. Te falta aprender a dominar tu nueva lente y para ello necesitas conocer los consejos clave para sacar el máximo partido a un gran angular. 

El Objetivo Gran Angular

Como sabes, una parte fundamental del proceso de aprendizaje en fotografía es ver más y más fotos. Seguro que más de una vez te has sentido fascinado al ver fotografías hechas con un objetivo gran angular y has pensado en comprar uno.

Cuando adquieres un objetivo de este tipo es porque quieres capturar un amplio rango de visión. Te servirá sobre todo para fotografiar paisajes e interiores, pero también puedes probar con otro tipo de fotografía como la nocturna o el retrato creativo.

Si estás pensando en adquirir un gran angular, en este artículo: Cómo Elegir un Gran Angular y 5 Objetivos muy Recomendables te contamos qué características debes tener en cuenta a la hora de comprar tu nueva lente.

Se tratará de aspectos como la apertura máxima, si es un objetivo zoom o una focal fija o el sellado de la lente, en los que deberás fijarte para decidirte por uno.

Pero si ya lo tienes y el problema es que no sabes bien cómo utilizarlo sigue leyendo. Estás acostumbrado a usar lentes que no distorsionan ni cambian la perspectiva de las cosas que ven tus ojos.

Por ejemplo, aquí disparamos una foto con un objetivo 35 mm a una distancia de un metro aproximadamente. El resultado que obtenemos es muy similar al que ven nuestros ojos.

Pero en cuanto uses un gran angular te darás cuenta de que los objetos más cercanos a la cámara parecen más grandes que los que están más lejos, aunque tengan el mismo tamaño.

Aquí estamos disparando con un objetivo gran angular 11mm. Estamos mucho más cerca del primer muñeco y aun así en la fotografía parece que está muy lejos de nosotros. El segundo muñeco también parece estar más alejado con respecto al primero.

Por otro lado, las líneas parecerán converger mucho más que lo que nuestro ojo humano ve. Las vías del tren desaparecerán en la distancia más rápido y los edificios altos aún parecerá que se estirarán más hacia arriba si haces una toma en contrapicado. Esa adición de profundidad y de descompresión de la perspectiva es característica de este tipo de lentes y podrás usarla a tu favor.

Hemos realizado la misma foto con un objetivo angular y con nuestro smartphone. ¿Notas como la escalera parece más larga, como si la hubieran estirado hacia atrás?

En definitiva, con este tipo de objetivos, por sus características tan especiales frente a los de focales más "estándar", hay que hacer las fotos teniendo en cuenta una serie de cuestiones. Una vez las entiendas y las domines es cuando le podrás sacar todo el jugo a estas auténticas joyas.

1. Ponte Más Cerca, Mucho Más

La principal ventaja y, a la vez, inconveniente de los grandes angulares es que cuando miras a través de ellos todo se ve muy lejos. De hecho cualquier cosa que se encuentre a unos pocos metros de distancia será mucho más pequeña en tus capturas.

Mira estas dos fotos. La primera la hemos realizado con una lente 35 mm y la segunda con un gran angular 11 mm. Parece que el puente está mucho más lejos en la segunda toma ¿verdad? Pues nos hemos mantenido a la misma distancia.

Nikon D7100 · 35 mm · f/6.3 · 1/100s · ISO 100

Nikon D7100 · 11 mm · f/6.3 · 1/100s · ISO 100

Esta particularidad de las lentes angulares es una ventaja porque nos permite captar un ángulo de visión muy amplio, pero tendremos que acercarnos. Si hacemos las fotos como estamos acostumbrados, simplemente mirando al infinito, haremos una foto en la que todo está muy lejos.

Por eso habrá que 'cambiar el chip'. Vamos a repetir la misma foto pero acercándonos más al puente que nos interesa fotografiar.

Nikon D7100 · 11 mm · f/6.3 · 1/400s · ISO 100

¿A que ahora ya cambia mucho nuestra fotografía con angular? Vas a tener que acercarte mucho, pero mucho mucho, para conseguir que los elementos que te interesa fotografiar no salgan demasiado alejados. Aunque cuidado, si te acercas demasiado pueden distorsionarse más de la cuenta.

2. Coloca Elementos en Primer Término

Nikon D7100 · 13 mm · f/9.0 · 1/100s · ISO 100

Otro truco muy efectivo que puedes usar para conseguir buenas fotos con tu gran angular es el de colocar algo en primer término. Buscaremos un elemento que aporte valor a la escena y compondremos nuestra fotografía con él en primer plano.

Como ves, colocando la moto en primer término con el paisaje y la carretera de fondo conseguimos dar mucha más fuerza a nuestra foto y contar la historia de un viaje. Fíjate bien en todas las fotos que hayan llamado tu atención hechas con grandes angulares. ¿Te das cuenta? No falla. La mayoría utilizan este recurso, y es una garantía de éxito en la mayoría de los casos.

Ahora se trata de que esa información aporte realmente a la foto. No solo necesitamos incluir algo en primer plano. Lo que incluyamos tiene que aportar valor y ser de interés. Si metes un elemento que no tiene sentido en primer término no estarás contando nada y eso tampoco nos interesa.

Mucho cuidado también cuando incluyas sujetos humanos dentro de tu composición. Trata de no colocarlos en los límites del encuadre porque la lente tiende a deformar los bordes y la forma de su cuerpo se distorsionará bastante.

3. Incluye Líneas Convergentes en tu Composición

Canon EOS 500D · 22.0 mm f/6.3 ISO 100

Como ya te hemos comentado, el gran angular exagera las líneas, por lo que siempre serán un elemento compositivo muy potente para fotografiar. Uno de los tipos de líneas que mejor ayudan a dirigir la atención de la vista son las líneas convergentes.

Cuando hacemos fotos con un gran angular el efecto de las líneas convergentes se potencia por el ángulo cubierto. Así que si tienes oportunidad, realiza composiciones (cuando tenga sentido hacerlas) donde las líneas dirijan la mirada del espectador a un punto concreto.

Realiza un fotografía donde las líneas arranquen desde las esquinas inferiores de tu foto y que converjan en un punto concreto del encuadre. Inevitablemente nuestra mirada las recorrerá inconscientemente para tratar de encontrar esa convergencia.

4. Busca el Punto Dulce de tu Lente

Canon PowerShot G7 X Mark II · 8.8 mm f/5.6 ISO 125

Una de las ventajas del uso de focales tan reducidas es la facilidad para que salga bien enfocado lo que queremos. A poco que cerremos el diafragma (usando números f altos), combinado con la distancia hiperfocal con la que contemos, lograremos que la zona nítida de nuestra foto sea muy grande. Por eso este objetivo es tan ideal para la fotografía de paisajes.

Pero aun así, un objetivo gran angular también tiene su punto dulce. Como sabes, se trata de un zona de máxima precisión que se ubica, generalmente, en la zona central del abanico de distancias focales que ofrece y en la zona central de la gama de aperturas con que cuenta el objetivo.

El hecho de disparar dentro del punto dulce de tu objetivo te permitirá conseguir los mejores resultados en lo que se refiere a definición y reducción de aberraciones de todo tipo. Por lo que, disparando dentro de esta zona de confort, obtendrás imágenes nítidas, bien definidas y más fieles a la realidad.

5. Haz Fotos También en Vertical

Nikon D7100 · 11 mm · f/8.0 · 1/60s · ISO 100

Existe un poco de rechazo generalizado a las fotografías en vertical en el ámbito del paisaje. Gracias a las nuevas tecnologías y a las influencias de la fotografía con smartphone parece que nuestro ojo se va acostumbrando más a leer en vertical. Aun así, echa un vistazo a tus fotos ¿eres de los que las hace prácticamente todas en horizontal?

Atrévete a cambiar el encuadre. Supondrá todo un reto para tu mente y para tu creatividad empezar a mirar los paisajes en busca de composiciones en vertical. Pero encontrarlas será mucho más fácil de lo que crees. Piensa que montañas, árboles o incluso edificaciones pueden ganar fuerza dentro de tu encuadre si las capturas en vertical.

Un buen truco cuando disparas verticalmente con un gran angular es que aprovechas más el ángulo de visión si tu objeto en primer plano está en el suelo. Puedes casi sacar tus pies en la foto y mantener el horizonte. Ese es el motivo por el que verás la mayoría de las fotos de este tipo con una orientación vertical.

6. Usa Filtros de Buena Calidad

Si estás acostumbrado a usar filtros, con los grandes angulares debes tener un especial cuidado. Por un lado, si usas filtros polarizadores, pueden aparecerte "efectos extraños" en el cielo. Esto tiene su explicación.

Los filtros polarizadores funcionan de una determinada forma en función del ángulo con que incide la luz. En el caso de los grandes angulares, el rango cubierto es muy grande, lo que puede que se traduzca en tus fotos en tonalidades en el cielo no deseadas.

Por otro lado, es probable que el uso de determinados filtros haga aparecer viñeteos no controlados debido a ese mismo ángulo. Si te gustan los viñeteos como elemento creativo en tus fotos no hay problema, pero si deseas que no salgan tendrás que eliminarlos posteriormente en un programa de edición.

Mira la diferencia entre fotografiar una escena sin filtro polarizador y con filtro polarizador. En el segundo caso logramos oscurecer el cielo pero no es uniforme.

Lo realmente importante es que si vas a comprar un filtro para tu gran angular, debes asegurarte antes de que es de buena calidad y de que no va a provocar viñeteo en las fotos. Otra opción es probar con las soluciones basadas en portafiltros tipo Nisi.

7. Vigila las Líneas Verticales

Los grandes angulares deforman la realidad. Es un hecho y hay que asumir que es así. Si no nos gusta que se distorsione la realidad, nunca nos gustará fotografiar con un gran angular. Las líneas verticales serán especialmente sensibles a estas deformaciones. Lo notarás sobre todo si pierdes la horizontalidad con la cámara.

Haz la prueba mirando a través del visor. Mira hacia delante, observa las líneas verticales de un escena, y a continuación inclina la cámara cambiando el punto de vista, mirando hacia arriba o hacia abajo. ¿Ves a lo que me refiero? La distorsión es muy grande.

En determinadas fotos puedes tratar de evitar el efecto realizando una corrección de distorsión de la lente. Pero en otros casos en los que sea muy acusado, simplemente no podrás corregirlo. Aprovéchate de ello y utilízalo como elemento adicional en tus fotos.

8. Cuida el Fondo de tus Composiciones

Una de las características más importantes que hemos comentado ya de un objetivo gran angular es que cubre un amplio rango de visión. Si a esto le sumamos que por poco que cerremos el diafragma vamos a obtener composiciones completamente nítidas, vamos a tener que estar muy seguros de encuadrar con el fondo que tenemos.

Por lo tanto, cuando no fotografías un paisaje y prefieres captar una escena con uno o varios elementos, deberás saber que desenfocar un fondo que no te guste será prácticamente imposible. Ni usando un gran angular con la apertura máxima de f/2.8 vas a conseguir el precioso bokeh que conseguirías con un 50mm.

Los fondos que escojas cuando fotografíes con angular deben ser también parte de la composición, por lo que deberán aportar valor a la historia que contamos. Tampoco dejes que haya elementos irrelevantes en los bordes del encuadre que llamen demasiado la atención y distraigan la mirada del espectador.

9. Busca una Posición Atractiva y Original

Nikon D7100 · 11 mm · f/8.0 · 1/60s · ISO 100

Cuando trabajamos con un gran angular y vemos lo que nos ofrece, no podemos disparar fotos de pie a la altura de los ojos. Si hacemos eso, rara vez obtendremos fotos interesantes. Debemos explotar al máximo todas las características de la lente.

Si inclinamos un poco la cámara para hacer un contrapicado o un picado cuando fotografiamos con una lente estándar, no supone demasiado cambio para nuestra captura. Pero si inclinamos la cámara con un gran angular o nos atrevemos a ponerla casi a ras de suelo, obtenemos resultados completamente distintos.

Las líneas se vuelven más llamativas, más espectaculares y más creativas logrando añadir esa sensación de amplitud justo donde más nos interesa que aparezca. No tengas miedo de tumbarte en el suelo o de acercar el objetivo a un saliente.

Eso sí, ¡ojo salir dentro de la foto! Según lo que inclines la cámara o dónde se encuentre la posición del sol, es posible que tanto tus pies como tu propia sombra entren dentro del encuadre. Este consejo te sirve tanto para fotos en vertical como para fotos en horizontal.

10. Prueba Otros Estilos Fotográficos

Canon EOS 5D Mark II · 12.0 mm · f/13.0 · 2/5 s

Aunque te hemos dicho que el objetivo gran angular funciona muy bien para la fotografía de paisajes o de interiores, se puede usar para el tipo de fotografía que tú quieras. No dudes en usarlo para fotografiar flora, fauna e incluso personas.

Te sonará raro, porque en la fotografía de retrato se evita el objetivo angular debido a su deformación, pero como retrato creativo, puede tener su gracia. Si nos acercamos demasiado al sujeto veremos como el tamaño de su nariz aumenta y su rostro se distorsiona notablemente.

Nikon D7100 · 11 mm · f/3.5 · 1/200s · ISO 100

Si, además tomamos la fotografía con ángulo picado, como en el ejemplo, obtendremos esas típicas fotos en las que la persona aparece con una cabeza enorme y un cuerpo diminuto.

Otro ámbito interesante donde poder usar el angular para conseguir fotografías curiosas es en la fotografía callejera. Cuando empezamos a realizar este tipo de foto nos encontramos con problemas como sujetos movidos o poco nítidos y encuadres fallidos.

Canon EOS DIGITAL REBEL XS · 18.0mm · ƒ/4.5 · 1/50s · ISO 200

Con el gran angular podremos tener algunas ventajas, porque son objetivos luminosos de amplio rango focal que nos ofrecen imágenes bastante nítidas en general. Además, podemos disparar nuestras fotos desde la cadera sin miedo a perder un encuadre porque abarcan un encuadre muy amplio sin perder el horizonte.

Seguro que en más de una ocasión te ha ocurrido lo siguiente: sales de excursión con tu cámara, piensas si llevar o no el trípode, y finalmente decides dejarlo porque no estás dispuesto a cargar con el peso que supone sin estar seguro de si lo vas a utilizar.

Cuando al final estás en medio de tu sesión fotográfica, se presenta esa oportunidad en la que podrías haber utilizado el trípode y lamentas no haberlo cogido. ¿De verdad no te ha pasado nunca?

En este artículo te hablaremos de las bondades del bean bag, un accesorio que te podría haber salvado de esa situación. Es tan sencillo de utilizar como efectivo y, además, muy fácil de fabricar en casa ¿Quieres saber más? 

Una Buena Alternativa al Trípode

El trípode es un accesorio fundamental en nuestro equipo fotográfico, pero hay ocasiones en las que por algún motivo no puede acompañarnos en nuestra escapada fotográfica. ¿Existen alternativas más cómodas y ligeras?

Por supuesto, una de ellas es el monopie o monopod. No es un sustituto real, ya que no podemos hacer el mismo tipo de fotografías, pero puede ser un interesante suplente en determinadas situaciones en las que el trípode no nos puede acompañar.

El bean bag es otra alternativa todavía menos voluminosa y más ligera. Si apoyamos bien la cámara sobre él la posición no variará. Esto nos permitirá, al igual que el trípode, ajustar nuestra cámara para realizar exposiciones con tiempos ilimitados.

No te preocupes si piensas que tus fotos pueden salir torcidas. Lo solucionas rápido acoplando un nivel como este a la zapata de tu flash para asegurarte de que la cámara se alinea con respecto al horizonte. Esto te vendrá genial, sobre todo, para fotografía de paisaje.

¿Qué es Exactamente un Bean Bag?

Bean Bag significa, literalmente, "bolsa de judías". Y es que este accesorio es precisamente la evolución de una bolsa de legumbres. Haz la prueba en casa, si coges una bolsa de legumbres en la que el contenido no esté completamente comprimido verás que se convierte en una masa bastante moldeable.

Con esa misma filosofía se concibe el bean bag. Se trata de una simple bolsa de tela u otro material, rellenada con un producto (no tienen que ser necesariamente legumbres) que amortigue lo suficiente.

De este modo, podrás apoyar esa bolsa sobre una superficie y colocar encima la cámara, adaptando la forma de la bolsa para que tu cámara quede fija y orientada hacia aquello que quieras fotografiar.

Además de dar estabilidad, proporcionan seguridad para que tu equipo se quede fijo sobre una superficie irregular o en pendiente. Y en el caso de las cámaras DSLR, también ayudan a absorber las vibraciones creadas por el espejo al levantarse.

¿Dónde Comprar un 'Bean Bag'?

Si no eres muy mañoso, puedes comprar un bean beag. Es un accesorio bastante asequible que encontrarás en tiendas por unos 15 o 20 euros. En Amazon puedes comprar un bean bag sencillo con tela de camuflaje por unos 15€. Incluso podrás adquirir solo la tela por unos 13€ y rellenarla con el material que tú quieras.

También verás que hay otros bean bags mucho más profesionales, con forma de U para colocarlos cómodamente en una barandilla o en la ventanilla del coche.

Algunos incluso cuentan con una base para colocar bien la cámara o un teleobjetivo muy grande. Estos accesorios tienen mayor calidad y su precio ya ronda los 30-40 euros. Aunque si te gusta la fotografía de animales salvajes, sin duda, son la mejor opción.

¿Qué Necesito para Crear un 'Bean Bag'?

Aunque puedes comprarlos baratos, la opción más económica siempre es fabricarse uno personalizado con materiales sencillos que encontremos en casa. Veamos primero los elementos que necesitamos para crear nuestro propio bean bag:

Materiales Necesarios

• Dos trozos de tela de 30 cm x 40 cm
• Aguja e hilo
• Unas tijeras
• Un metro o una regla
• Un embudo mediano
• El relleno (legumbres u otro material)

¿Cuál es el Mejor Relleno?

Pues lo más clásico, como el nombre del propio accesorio indica, es que usas frijoles o alubias. Aunque te servirá cualquier tipo de legumbres, como lentejas o garbanzos.

Sin embargo, puedes elegir otras opciones como granos de maíz, guisantes secos o arroz. Este último quizá es menos recomendable porque acaba desprendiendo el almidón en forma de polvo y se puede colar por el tejido llegando a ensuciar la cámara.

Si prefieres evitar productos alimenticios, también puedes decantarte por otros materiales como bolas de poliestireno o de sílice, que absorben muy bien la humedad, o incluso semillas de lino ¡Tú eliges con qué material rellenar tu bean bag!

Creando tu 'Bean Bag' Personalizado en solo 4 Pasos

Cómo Crear un Bean Bag Personalizado Paso a Paso

Una vez tenemos todos los materiales, es el momento de ponernos manos a la obra y crear nuestro bean bag. Toma nota de cada uno de los pasos:

Paso 1. Mide y Corta dos Trozos de Tela

Primero medidos y recortamos con las tijeras dos piezas de tela del mismo tamaño. En este caso 30x40 cm, pero puedes hacerla más pequeña si consideras que es demasiado grande para tu cámara.

El material de la tela puede ser algodón, lycra o incluso fieltro. Lo importante es que sea resistente y fácil de trabajar. Aunque, si tu idea es usarlo para fotografiar la naturaleza salvaje y llevarlo al campo o a la playa, lo más recomendable es que optes por una tela que sea impermeable.

Paso 2. Cose los Trozos de Tela Simétricamente

Cuanto tengas los retales cortados, únelos de forma simétrica y cose con aguja e hilo ambas partes por el borde. Asegúrate de dejar algo de margen y no coser los retales justo por el límite. Haz hincapié en las esquinas y refuérzalas dando algunas puntadas de más, para que no sea más fuerte y no se nos salga el relleno al hacer presión.

Importante, no llegues a coser del todo la bolsa. Para poder introducir el relleno, tendremos que dejar un trozo de unos 2-3cm sin coser. Ahí será donde colocaremos el embudo y rellenaremos nuestro bean bag antes de coserlo del todo.

Paso 3. Voltea la Tela e Introduce el Relleno

Ahora, dale la vuelta a la tela que acabas de coser. De esta forma las costuras se quedarán por dentro y al estar ocultas no se verán. Seguidamente, coloca el embudo en el pequeño agujero que hemos dejado y rellena la bolsa con el material que hayas elegido. En nuestro caso, con lentejas pardinas.

¡Ojo! No rellenes del todo la bolsa. Tienes que dejar espacio para que las legumbres puedan moverse y adaptarse cuando coloquemos nuestra cámara encima. Piensa que si está demasiado llena la bolsa, la cámara no podrá acoplarse y si está demasiado vacía tampoco nos servirá.

Paso 4. Comprueba el Relleno y Cose del Todo la Bolsa

Si no estás seguro de haber dejado bastante espacio en el relleno, haz una prueba antes de coser. Coloca la cámara encima presionando con la mano la costura abierta para que no se salga el relleno.

Así sabrás si tu bean bag funciona bien o si debes añadir o quitar relleno antes de coserlo del todo. Finalmente, tendremos que acabar de coser la abertura de 2-3cm que habíamos dejado antes para que quede bien cerrada.

¡Sal a Probar tu Nuevo 'Bean Bag'!

Ahora ya tienes tienes terminada tu bean bag personalizada. Lo que haremos será salir a probarla y comprobar que nos da la estabilidad que necesitamos.

Como puedes ver en la foto, si colocamos nuestra cámara sobre la bolsa, esta se adapta muy bien y se queda totalmente fija. Tanto para ángulos picados como para contrapicados nos servirá, aunque siempre tendremos que asegurarla y fijarla bien antes de soltarla.

Para los amantes de la fotografía salvaje o de la fotografía macro, será casi imprescindible que tengan tu propio bean bag. De hecho, es una buena idea usar tela de camuflaje (como la que hemos visto antes) para construirlo y pasar todavía más desapercibido en la naturaleza.

Si vas a apoyarla sobre superficies mojadas y no has podido crear tu bean bag con tela impermeable, tendrás que protegerlo para que no traspase la humedad. Mételo dentro de una bolsa hermética de congelación o incluso dentro de una bolsa de plástico para evitar que se moje y se estropee.

Otro truco interesante, si no quieres llevar peso, es llevar la bolsa de tela vacía y rellenarla con arena de playa, de monte o con piedras pequeñas recogidas en el mismo sitio donde vayas a hacer tus fotos.

En definitiva, el bean bag es un accesorio muy versátil. Puedes utilizarlo colocándolo encima de un trípode improvisado como podría ser un muro, un tronco de árbol, una roca o la puerta de un coche.

Otro de los usos más habituales es en fotografías a ras de suelo o lo que también se conoce como ángulo gusano. Solo tendrás que depositar el bean bag en el suelo y tu cámara sobre él, para conseguir estabilidad, seguridad y capturas muy bellas. ¡Disfrútalo!

A pesar de que la fotografía de bodas es una disciplina que me parece interesantísima y muy atractiva, nunca hasta hace unas semanas había podido ser el fotógrafo oficial en una boda. Y lo cierto es que ni siquiera participé en todo el reportaje, sólo en la sesión de fotos previas al novio. Pero, aún así, fue suficiente para sacar una serie de lecciones aprendidas que quiero compartir contigo.

No soy, ni mucho menos, un especialista en la materia, como se desprende del párrafo anterior. Aunque sí he participado en bastantes sesiones de los otros dos tipos de eventos que componen la terna BBC (Bodas, Bautizos y Comuniones). Y estas sesiones sí que me han ayudado a suplir mi escasa experiencia en bodas. Empecemos con los consejos que quiero compartir contigo sobre la fotografía de bodas, ¿estás listo?

#1 Prepara La Sesión Con Antelación

foto por Claudio Matsuoka (licencia CC)

Esta preparación tiene dos partes fundamentales:

• El equipo, con la cámara, objetivos y flashes que vas a necesitar. Así como pilas, baterías y tarjetas de memoria limpias y recargadas. Es fundamental contar con repuesto para prácticamente todo, por lo que pueda pasar.
• La sesión en sí: tiempos de llegada y salida de los distintos puntos en los que se realizará la sesión, bloques en que se organizará la sesión, tipos de fotografía, encuadres y poses, elementos de atrezzo, etc.

En el caso de la preparación de la sesión, yo considero esencial dedicar un buen tiempo, varios días antes del evento, a planificar la sesión y también buscar imágenes que puedan servir como guía a los novios.

En mi caso, como se trataba exclusivamente de la pre-boda del novio, dividí la sesión en los siguientes bloques:

• El novio
• El novio y la madrina
• El novio y los padres
• El novio y la familia
• Detalles

Para cada uno de estos bloques, preparé varias fotografías que pudiesen servir a los modelos como referencia. Por supuesto, las fotografías pueden ser de tu catálogo, o de otro, pues servirán como referencia. Con estas fotos de ejemplo facilitas la comunicación y permites que sea más ágil.

Todo esto lo preparé en una nota de Evernote que tenía sincronizada en mi ordenador, tablet y móvil. Y desde éste último dispositivo era desde el que se las enseñaba al novio y familia cada vez que les pedía una nueva pose.

#2 Es Muy Difícil Hacerlo Solo. No, Mejor Dicho, Es Imposible Si Quieres Que Salga Bien

Lo cierto es que acabé participando en esta sesión de rebote. Los novios le encargaron el reportaje completo a un amigo y a éste le falló en el último momento su habitual colaborador en sesiones de bodas.

Como a mi amigo le resultaba imposible poder realizar las fotos de pre-boda a novio y novia él solo, ya que estaban en puntos muy distantes, me pidió si yo podía encargarme de hacer las fotos al novio. Él, a su vez, se encargaría de las de la novia.

foto por Brooke Novak (licencia CC)

No obstante, aún en las fotos de la ceremonia o el banquete, en que no hay problemas de distancia física, una sesión tan importante como el reportaje de una boda, en la que el tiempo vuela y todo debe salir bien a la primera y con muy poco margen de error, es vital poder realizarla contando con la colaboración de más de un fotógrafo, o al menos un asistente que pueda ayudarte.

Así que mi recomendación es que jamás lo abordes en solitario. Contar con la participación de al menos otro fotógrafo o asistente ayudará a ganar tiempo, a lograr mejores imágenes, a contar con distintos puntos de vista, etc.

Si no te queda más remedio, entonces deberás tratar de pedir cierta colaboración tanto de los propios modelos, como de familiares que haya cerca. Aunque asumiendo el posible desconocimiento y, lo que es más importante, el nerviosismo del momento.

#3 No Te "Bautices" En Una Sesión de Boda

Perdóname el juego de palabras. A lo que me refiero con bautizarte, es que no se te ocurra estrenarte con una sesión de bodas, o al menos no lo hagas de forma profesional, pues es muy probable que el resultado no esté a la altura.

El reportaje de bodas es complejo, exigente y dura bastante tiempo. Por lo que requiere pericia, tablas y experiencia por parte del fotógrafo. Como ya te hemos recomendado en otra ocasión, haz tus primeros pinitos en otro tipo de eventos, participa como fotógrafo no oficial en otras bodas o como asistente antes de asumir tu primera sesión de bodas como fotógrafo profesional.

Si esto no puede ser porque una sesión de boda llama a tu puerta antes de tiempo, sé humilde y asume que es posible que muchas cosas no te salgan como a los expertos. Y, ya puestos, aprovecha para ir ganando experiencia. Seguro que la siguiente sale mejor :)

#4 Acuerda Una Duración Suficiente de Cada Sesión

El día de la boda, todo está medido y cronometrado: la hora de inicio de la ceremonia, la hora de fin de la ceremonia, la hora de inicio del cocktail, la hora de inicio del banquete... La sesión de pre-boda no puede ser menos.

Acuerda con los novios la hora exacta a la que estarás en casa de cada uno de ellos y el tiempo que necesitas que le dediquen a la sesión de pre-boda. Pídeles que, por favor, sean puntuales y estén listos a esa hora y, como es lógico, sé tú también puntual.

De hecho, si puedes, llega con cierta antelación para ir reconociendo el terreno y visualizar lo antes posible aquellas habitaciones en las que realizarás las fotografías.

#5 ¿Ya Has Llegado? Preséntate y Comienza A Prepararlo Todo

Es deseable que ya hayas pasado algo de tiempo con los novios antes del día D, aunque si no ha sido posible, preséntate y habla brevemente con ellos para adquirir cierta confianza, también, por supuesto, con el resto de familia que saldrá en las fotos, y comienza a trabajar.

Pide permiso para acceder a las habitaciones o rincones que la familia haya preparado para la sesión y empieza a proyectar en tu cabeza los tipos de tomas que realizarás en cada una de ellas.

No nos engañemos, en la mayoría de las situaciones no vamos a encontrar algo como lo de la imagen. Es más que probable que las habitaciones sean más pequeñas, tengan menos luz, haya más muebles o elementos de los que te gustaría, algo esté descolocado, ropa doblada (o desdoblada) a la vista, o cualquier otro tipo de elemento que no favorezca a las fotos que tienes en mente.

No tengas reparo en pedir que retiren todo aquello que te sobre, o si no ves a nadie libre, hazlo tú mismo. Debes dejar las habitaciones lo más acondicionadas posible para las fotos que tienes en la cabeza.

Si hay alguna estancia que pienses que también quedaría bien y no te la han mostrado, consulta si podrías utilizarla. La habitación del novio o la novia suele tener una carga sentimental importante, pero a veces no se le da la relevancia que merece en los reportajes. Pregunta por ella.

Una vez que hayas reconocido las habitaciones, comienza a preparar tu equipo: cámara, objetivos, flashes, difusores (los paraguas en interiores funcionan muy bien), etc. Y, por supuesto, realiza fotografías de prueba para ajustar parámetros.

#6 Empieza Por El/La Novio/a

Recuerda que estamos hablando de las fotos de pre-boda, así que, bien el novio, bien la novia, serán los protagonistas de esta parte de la sesión. Por ese motivo, deberás dedicarles el mayor tiempo y la mayor atención a ellos.

Comienza por planos más generales, para ir poco a poco acercándote a un mayor detalle. Como te comentaba en el punto 1, creo que es muy útil y ágil contar con imágenes de ejemplo que poder mostrar al novio para indicarle lo que esperas de él. Este tipo de pose, esta otra, con la mano así, con las piernas de esta manera, con la chaqueta quitada, abrochándote los gemelos, etc.

#7 Continúa Con La Madrina, Padres, o Familia. Si Están Listos, Claro

En función de que el resto de participantes vayan estando arreglados, se pueden ir realizando unas u otras fotografías. En las bodas normalmente todos están ayudando al novio o a la novia y, una vez que éstos están arreglados, comienzan a arreglarse ellos.

Así que, en mi opinión, aquí debes adaptarte al ritmo de cada uno. Si es posible, fotografía al novio y a la madrina, pero si no está lista la madrina, inténtalo con el padre, o con los hermanos o hermanas, sobrinos, etc.

Y si ninguno está listo, tienes el comodín de los detalles.

#8 La Importancia Y El Encanto de los Detalles

Los protagonistas está claro quiénes son en una boda, pero hay actores inanimados secundarios que tienen mucha importancia y le dan un sentimiento especial al reportaje.

Estoy hablando, por supuesto, del ramo, las arras, los anillos, el prendido, la invitación, los gemelos, los pendientes, los zapatos, una foto del novio o la novia cuando eran pequeños, un rincón de su casa, etc.

Todos estos elementos también pueden y deben tener un hueco en el reportaje y te ayudarán a rellenar aquellos tiempos en que no haya ninguna persona lista.

#9 Favorece La Naturalidad En Las Poses Y En Las Caras

Sé que es cierto que el mostrar imágenes para que las imiten no favorece mucho la naturalidad, pero no debe entenderse como una copia exacta, ni debe buscarse esto por parte del fotógrafo. Sólo que sirva como guía y ayuda.

A partir de ahí, déjales actuar libremente, que adapten las poses propuestas en base a su comodidad y naturalidad. Invítales a que hablen, estén tranquilos, se relajen.

Para mejorar la naturalidad también ayudará contar con objetivos de focal larga que te permitan no invadir su espacio y quedarte a cierta distancia de los sujetos.

#10 Realiza Siempre Varias Tomas de Cada Encuadre

Cuando entran en juego personas, y más en una situación de tensión como una boda, los nervios son traicioneros y nos hacen cerrar los ojos, poner caras inverosímiles y no parecer nosotros.

Por este motivo, resulta muy oportuno que el fotógrafo tome la precaución de realizar más de una fotografía de cada escena. Así podremos tener más de una opción entre las que poder elegir, o incluso para combinarlas y obtener una foto final correcta.

Estamos hablando de fotografía digital, así que no escatimes y realiza múltiples disparos de cada situación para tener garantías de un buen resultado.

#11 Entrega El Reportaje En Un Tiempo Razonable: Uno o Dos Meses Sería Fantástico

Ésta es probablemente la crítica más recurrente que he oído de los reportajes de boda de mis amigos, familiares y conocidos. Frases como: "con suerte tendremos el reportaje antes del año que viene", o "nos han dicho que tienen mucho trabajo ahora, que ya nos dirán una fecha de entrega", están a la orden del día, ¿verdad?

Pues bien, mi recomendación es que adquieras un compromiso y lo cumplas. Y, por supuesto, que ese compromiso no se vaya más allá del mes o dos meses desde la boda. Y, si no puedes conseguir esto, al menos realiza una primera entrega en ese tiempo de las fotos principales y proporciona el reportaje completo en un tiempo no mucho mayor.

De este modo te diferenciarás y ofrecerás un servicio de mayor calidad. Eso sí, para ello no renuncies a la calidad. Sin duda, el primer objetivo debe ser realizar reportajes de calidad. De nada vale un resultado mediocre en un tiempo récord.

¿Cuál Es Tu Consejo?

Éstos son los consejos que yo he podido extraer de mi primera sesión de pre-boda y de las muchas sesiones que he realizado en bautizos y comuniones. Espero que resulten de tu interés y te ayuden cuando te veas en una situación similar.

A lo mejor tú también tienes algún consejo o recomendación que compartir en base a tu experiencia. ¡Anímate y compártelo a través de los comentarios!

Ah, y por cierto, ¡Enhorabuena, Pablo y Rosi! Que seáis muy, muy felices. Y gracias por la oportunidad de participar en este día tan especial.

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Si la apariencia que tus fotos muestran en pantalla no refleja lo que crees recordar de la escena, es probable que hayas captado una imagen plana, con escasa perspectiva.

No me refiero a lo colorido de la estampa o a la belleza de los elementos que componen la imagen. Me refiero a la apariencia plana que esta adquiere al reproducirse en nuestros lienzos, digitales o impresos.
¿Quieres saber cómo puedes mejorar este aspecto?

Constantemente leemos artículos relacionados con las reglas de composición, pero en la mayoría de esos artículos tan sólo se enumeran una serie de recomendaciones que ciertamente mejoran algunas cuestiones compositivas, pero que también encasillan la visión del fotógrafo.

En mi opinión, lo que pocas veces he leído son artículos que apelen a la tradición pictórica y, en consecuencia, muestren su evolución a lo largo de los siglos como base del conocimiento para expresar cómo reflejar los elementos de una escena tridimensional en un plano bidimensional: el lienzo, la pantalla o el papel fotográfico.

Cierto es que la fotografía representa la inmediatez y que mucha gente se conforma con la captura sin mayores pretensiones estéticas u organizativas de la imagen capturada. Sin negar esa evidencia, opino que el conocimiento siempre es un plus y de forma inconsciente puede mejorar la escena capturada.

Hablemos de la perspectiva

La perspectiva es el conjunto de técnicas que nos permiten trasladar una escena tridimensional a un plano bidimensional, recreando la profundidad y la posición relativa de los objetos que aparecen en la escena.

El estudio de la perspectiva no es trivial, pero podemos utilizar una simplificación para entender la importancia que tiene.
Como mínimo nos interesa conocer la perspectiva lineal y la perspectiva aérea.

La perspectiva lineal

Es la que se refiere a la geometría de la escena. Con la distancia los elementos de la escena pierden tamaño, definición de su contorno y, por su puesto, detalle.

• Los elementos que tenemos cerca se ven más grandes.
• Los contornos se suavizan con la distancia haciendo que sus ángulos y aristas, se suavicen.
• Las figuras se aplanan perdiendo profundidad y en consecuencia nitidez.

El elemento principal de la perspectiva son las líneas paralelas y las oblicuas.

Las líneas paralelas atraviesan la escena en cualquier dirección y nunca llegan a juntarse en un punto llamado punto de fuga.

Las líneas oblicuas son las que crean la sensación de profundidad al converger en la distancia. El punto de convergencia, que tradicionalmente, se encuentra dentro del marco (del lienzo, de la foto…) se denomina punto de fuga.

Es importante señalar que, cuando hablamos de fotografía, el paralelismo de las líneas está referido al plano del sensor, es decir, si mantenemos el sensor de la cámara perfectamente vertical respecto al suelo, veremos cómo fugan las líneas de una carretera y sus bordes, pero las verticales de los edificios –paralelas al sensor- también se mantendrán paralelas entre ellas.

Perspectiva de un punto. Todas la lineas confluyen en el punto de fuga, más allá de la niebla. Las verticales no fugan.

Así, podemos establecer tres tipos de perspectiva:

• De un punto. Esta perspectiva se produce cuando la cámara está situada de forma paralela a una pared. Las líneas verticales de esa pared o edificio se mantendrán paralelas y no fugarán; aunque si lo harán las líneas horizontales, las del suelo, las que delimitan los bordes superiores de los edificios… Es la fuga de un punto. Un ejemplo sería si nos situamos en el medio de una calle y enfocamos hacia el final de la misma, eso sí, manteniendo el sensor paralelo a las paredes de los edificios.
• De dos puntos. En la fuga de dos puntos nos encontramos con dos puntos de fuga diferentes, dos tipos de líneas paralelas que se dibujan oblicuas hacia dos fugas diferentes dentro de la misma imagen. Se consigue manteniendo el sensor paralelo a las paredes de los edificios, pero enfocando a una esquina o rincón. Ejemplo: si nos situamos frente a la esquina de un edificio, de forma que veamos dos de sus fachadas que den a calles diferentes –obviamente- veremos que las líneas perpendiculares al sensor fugarán en la dirección de cada calle; generándose, en consecuencia dos puntos de fuga.
• De tres puntos. La fuga de tres puntos se produce en la misma situación anterior, mirando hacia una esquina o rincón, pero añadiendo inclinación vertical a la cámara, de forma que ésta pique hacia arriba o hacia abajo. Con esta inclinación evitamos que las líneas verticales que formen las paredes permanezcan como tales y, en consecuencia, también fuguen. Si se trata de edificios lo normal será que el punto de fuga se encuentre fuera del marco, por lo que será necesario observar esta cuestión con detenimiento.

Dos puntos de fuga. Las verticales se mantienen como tales, mientras que las dos fachadas de la casa fugan desde la esquina hacia izquierda y derecha, generando dos puntos de fuga; ambos fuera del marco de la foto.

La perspectiva lineal nos ayuda a situar los objetos en la escena y a establecer relaciones entre ellos. No es necesario que exista una línea visible que los una, la distancia entre ellos crea un punto de unión y, por tanto, de fuga que podemos utilizar en nuestra composición.

La pérdida de definición tanto de la forma como de los detalles en los objetos alejados hace necesario acercarlos si queremos mantener un buen nivel de definición y detalle.

La perspectiva aérea

Podríamos decir que es un complemento de la perspectiva lineal ya que está representada por la atmósfera que envuelve a los objetos.

A medida que nos alejamos se pierde la saturación de los colores, haciendo más vibrantes aquellos que se encuentran cerca de la cámara. En las fotos de paisaje también se puede observar una progresiva dominante azulada. Elimina las formas y las líneas que dibujan la perspectiva lineal.

En esta foto se puede apreciar la desaturación de los colores con la distancia, la perdida de nitidez y el virado al azul.

Otras consideraciones

Hemos dicho que los objetos disminuyen con la distancia. Esto provoca el efecto de la compresión de los planos, erróneamente atribuido a la longitud focal de los objetivos utilizados.

Cuando dos objetos están separados entre sí una distancia cualquiera y nosotros nos situamos más cerca de uno de ellos, el lejano parecerá pequeño en comparación con este. Si nos alejamos lo suficiente, parecerá que ambos están pegados el uno al otro, generando sensación de compresión de los planos. Luego la compresión de planos está provocada por la distancia al objeto y no por la distancia focal del objetivo.

Conclusión

Los pocos aspectos enumerados en este artículo tienen su base en la tradición pictórica, en su evolución a lo largo de los siglos.

Existen otros tipos de perspectiva, que no he desarrollado en este artículo por estar en desuso o por no ser tan interesantes para el fin perseguido: favorecer la mejora de la composición fotográfica con el conocimiento más elemental de lo que es la perspectiva.

Como nota final indicar que el Renacimiento supuso el punto de inflexión en la representación de la perspectiva en los cuadros.

Y como siempre, espero vuestros comentarios y experiencias al respecto.

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¿Alguna vez has visto retratos como el de nuestra portada? No, no es un efecto creado en Photoshop y no, no vas a necesitar gastarte un riñón en equipo. Te aseguro que invirtiendo menos de 60 euros puedes hacer tu propia sesión con luz negra y maquillaje fluorescente.

En el artículo de hoy vamos a ver paso a paso cómo realizar una sesión de este estilo tan especial. ¿Te animas a probar algo nuevo?

¿Qué es la Luz Negra?

La conocida como “luz negra” no es más que luz ultravioleta. Nuestro ojo no es capaz de percibirla, pero sí podemos ver qué efectos causa sobre ciertos colores y materiales, por eso los vemos brillar. Aprovechando este efecto tan curioso podemos conseguir retratos muy creativos y originales. ¡Enseguida te cuento cómo conseguirlos!

Materiales Necesarios

Lo primero que vamos a ver es qué materiales vamos a necesitar para nuestra sesión. Deberás comprar 2 materiales específicos, aunque como te comentaba antes, por menos de 30 euros en Amazon puedes hacerte con ambos.

1. Bombillas de luz negra

Lo primero que vamos a necesitar, obviamente, son bombillas de luz negra. Yo compré este pack que incluía dos bombillas led de 7W, así podremos crear esquemas de iluminación algo más complejos que con una sola.

También puedes optar por otros tipos de iluminación, como tubos fluorescentes, barras, paneles o tiras led e incluso linternas.

Por otra parte, necesitarás un portalámparas para las bombillas. Si no dispones de portalámparas profesionales, en realidad te valdrá cualquier lámpara que tengas por casa.

2. Maquillaje fluorescente

El otro material específico que vamos a necesitar comprar va a ser un pack de maquillaje o pintura fluorescente, también llamado maquillaje o pintura neón.

Existen muchos tipos de pintura fluorescente. Yo opté por este pack de maquillaje porque venían diversos colores y plantillas para facilitar el dibujo.

3. Un Objetivo Luminoso

Y finalmente necesitaremos nuestro equipo fotográfico habitual. Es recomendable usar un objetivo bastante luminoso, puesto que vamos a trabajar con una luz algo tenue, así evitaremos subir demasiado la ISO.

Maquillando a Nuestra Modelo

Ahora le toca el turno al estilismo. Si se te da bien dibujar, o cuentas con un maquillador profesional de body paint, puedes conseguir maquillajes increíbles.

Pero tranquilo, no hace falta ser muy mañoso con la pintura para conseguir resultados geniales con esta técnica. Puedes optar por pintar salpicaduras o restregones; quedan muy bien y no se necesita saber dibujar.

Prueba con diferentes herramientas para crear texturas distintas, puedes usar cualquier cosa: pinceles, esponjas de maquillaje, pulverizadores, cepillos de dientes… ¡e incluso hasta tus propias manos! Si buscas un maquillaje más pictórico, también puedes ayudarte de plantillas que te faciliten la tarea.

Si no sabes muy bien cómo maquillar a tu modelo, intenta mirar referencias en internet para tomar ideas. También ayuda pensar en una temática concreta para la sesión y dirigir el maquillaje hacia esa temática.

Respecto a la ropa, procura usar ropa oscura para que no refleje la luz, sino brillará también y le robará protagonismo a tu maquillaje.

En esta sesión nosotras hemos decidido probar 3 maquillajes diferentes:

1. Salpicaduras

Como te comentaba, este maquillaje es muy sencillo de crear porque no necesitas saber dibujar y siempre queda bien. Puedes diluir en agua un poco de pintura y rociarlo sobre tu modelo con un pulverizador. Si no dispones de uno, puedes mojar un cepillo de dientes o un pincel e ir salpicando con el dedo a tu modelo.

Aunque no vayas a hacer fotografías de cuerpo completo, no te olvides de rociar también un poco los hombros, el busto, los brazos y las manos de tu modelo, para que también aparezcan pintados si salen en algunas fotos.

2. Huella de la Mano

Otro maquillaje para los que no tenemos el don del dibujo: usar tus propias manos como pincel.

Simplemente diluye pintura en un poco de agua y embadurna bien tus manos, como si te las estuvieras lavando con jabón, para que queden bien impregnadas de pintura. Después presiona tu mano sobre tu modelo procurando no arrastrarla, para que se quede impresa la huella sobre la piel. Puedes crear estilismos muy interesantes y con una carga de significado increíble.

Nosotras hemos optado por poner una mano tapando la boca de nuestra modelo y otra alrededor de su cuello, como una metáfora de la opresión.

3. Maquillaje Pictórico

Finalmente, aunque lo del dibujo no se nos da del todo bien, hemos decidido crear un maquillaje pictórico ayudándonos de plantillas. Después, decidimos crear algunas curvas con pequeños puntitos, porque quedan muy bonitos y son mucho más sencillos de dibujar que las líneas.

Finalmente pintamos también un poco las pestañas y los labios de nuestra modelo, para completar el maquillaje.

Preparando el Set

Vamos a preparar un set muy sencillo, ya que lo que realmente tiene que destacar es nuestra modelo y su maquillaje. Buscaremos un fondo uniforme y oscuro, para que el maquillaje destaque más todavía.

Respecto a la iluminación, vamos a usar un esquema muy sencillo: colocaremos ambas bombillas a 45º a izquierda y derecha de la modelo, para conseguir una iluminación uniforme que haga brillar todo el maquillaje por igual.

Después puedes ir variando el esquema de iluminación, colocando las luces de forma más lateral, a 90º, o incluso levantándolas por encima de tu modelo simulando un esquema clamshell.

Configurando la Cámara

Una vez montado todo el set y con el maquillaje de nuestra modelo listo, toca hacer algunas pruebas de iluminación para ver cómo configurar nuestra cámara.

1. Velocidad de Obturación

En primer lugar, pondremos una velocidad de obturación lo suficientemente lenta como para ganar la máxima luz posible, pero no demasiado para evitar trepidar la fotografía a causa de nuestro pulso o de los movimientos de la modelo. Yo he optado por dejarla en 1/60 segundos.

2. Apertura de Diafragma

Respecto a la apertura de diafragma, como estaremos trabajando con poca luz, vendrá bien abrirlo bastante. Pero eso sí, ten en cuenta que a diafragmas extremos, como f/1.8 o f/1.4, vamos a tener una profundidad de campo muy escasa. El brillo del maquillaje destacará mucho más que los ojos de nuestra modelo, y por eso es posible que el autoenfoque de la cámara se líe un poco. Así pues si usas un diafragma muy abierto, comprueba que las tomas están saliendo bien enfocadas.

Puedes usar la luz de ayuda al enfoque de tu cámara o, en el caso de no disponer de ella, puedes usar una pequeña linterna para alumbrar la cara de tu modelo y asegurarte de que estás enfocando exactamente sus ojos. Y si no quieres jugártela, será mejor que optes por cerrar el diafragma un poco, para evitar sorpresas.

3. Sensibilidad ISO

Y finalmente configuraremos la ISO; súbela hasta que consigas una exposición adecuada. Procura no quemar el maquillaje, ya que va a brillar mucho más que la piel de tu modelo. Usa la medición puntual para medir tan solo la luz que reflejan los colores más brillantes del maquillaje.

Yo en este caso he tenido que subir la ISO entre 500 y 1000 (dependiendo de la fotografía) para conseguir una exposición adecuada. Procura disparar en formato RAW para después poder recuperar matices en las sombras y en las altas luces, ya que la diferencia entre unas y otras va a ser bastante grande.

¡Luces, Cámara, Acción!

Ahora que ya lo tenemos todo preparado y configurado, ¡toca hacer la sesión!

Procura realizar tomas con tipos de plano y ángulos variados, y no te olvides de captar también detalles de ciertas partes del maquillaje.

En este caso descarté totalmente hacer fotografías de cuerpo entero porque estas bombillas no abarcan suficiente para ello. Si quieres hacer tomas de cuerpo entero y maquillar un bodypaint completo te recomiendo que, en ese caso, compres mejor tubos led de luz ultravioleta bastante largos.

Este maquillaje es muy fácil de eliminar, con un poquito de agua tibia o una toallita desmaquillante se quita enseguida, así que puedes permitirte probar con diferentes estilismos a lo largo de la sesión, si tan solo pintas la cara y el busto.

Por otra parte, también podemos mezclar más técnicas con ésta para conseguir fotografías muy originales. Son técnicas que ya hemos visto en otros artículos, como "Utiliza Geles de Colores para Lograr Retratos Originales" o "Consigue Un Retrato Original y Creativo con Luces Led"

1. Contraluz con Gel de Color

Si la silueta de tu modelo se pierde demasiado en el fondo, una buena manera de realzarla es darle un toque de contraluz. Pero como estamos trabajando con maquillaje de colores fluorescentes, ¿por qué no probar a ponerle un gel de color al contra? Eso sí, procura que sea una luz tenue para que no eclipse el brillo del maquillaje fluorescente. Por eso decidí pasar del flash y usar un panel led.

Como gel de color simplemente usé un celofán grande de color azul doblado en varias partes.

Como ves, conseguimos no solo remarcar los contornos de nuestra modelo, sino también darle otro toque de color diferente.

2. Bokeh con Tira de Luces Led

Y de la misma manera que ese toque de color del contraluz le da un valor añadido a nuestra fotografía, ¿qué tal si probamos con otra técnica diferente? Vamos a agregar un poco de bokeh con una tira led de colores.

Pon la tira led por delante de tu objetivo para que sus luces se desenfoquen creando un bonito bokeh. También puedes experimentar haciendo que tu modelo sujete la tira y que sus luces se vayan desenfocando poco a poco a medida que se acercan al objetivo.

Procesa tus Fotografías

Como te comentaba antes, es recomendable disparar en formato RAW para poder equilibrar las sombras y las altas luces de la toma, que serán muy dispares. Además también nos será útil para ajustar el balance de blancos y los colores de la toma a nuestro gusto.

Así pues, vamos a importar nuestra sesión a Lightroom para revelarla fácilmente.

En primer lugar le voy a poner un Perfil plano a la toma para conseguir ganar matices en las sombras y en las altas luces. Es cierto que así la fotografía pierde contraste y fuerza, pero eso se lo daremos nosotros después.

Vamos primero a modificar el Balance de blancos y el Matiz de la toma para encontrar unos colores que nos gusten. La tonalidad púrpura de las bombillas ultravioleta puede ser un quebradero de cabeza a la hora de ajustar el color de la toma, así que disparar en RAW nos facilitará mucho el trabajo.

Ahora que ya tenemos los colores ajustados, vamos a ajustar la luminancia. Primero aumentaremos levemente la Exposición de la toma, bajaremos un poco las Altas luces para recuperar los colores del maquillaje, y después subiremos las Sombras para que la piel de nuestra modelo no quede tan oscura.

Después le daremos un poco de Contraste y Claridad a la toma para que gane algo de fuerza.

A continuación puedes reducir un poco el ruido de tu toma, si es necesario, desde el menú Detalle. En mi caso, sobre todo reduje el ruido cromático usando el deslizador de Color, y aumenté un pelín también el deslizador de Luminancia para reducir el grano un poco, pero sin pasarse, ya que este último sí le restará nitidez a nuestra fotografía.

Finalmente, puedes usar algún ajuste local, como por ejemplo el Pincel de ajuste, para darle algo más de luz a las zonas que se hayan quedado algo apagadas. También puedes usar estos ajustes para oscurecer un poco el fondo si se ha iluminado demasiado.

Puedes copiar estos ajustes desde el botón Copiar que encontrarás debajo del panel izquierdo, y pulsar el botón Pegar en otra fotografía para aplicarle exactamente los mismos ajustes automáticamente. Cuando los copies, te aparecerá una ventana con los diferentes tipos de ajuste, por si hay algo que no quieras copiar, como por ejemplo los ajustes locales o el recorte del encuadre, ya que esos retoques suelen ser más personales de cada foto.

Si quieres pegar este ajuste a todas las fotos a la vez (o a unas cuántas), simplemente selecciona las demás fotografías, pulsando la primera y haciendo Shift + Click sobre la última, y después pulsa el botón derecho del ratón sobre cualquiera de ellas. Ve al menú Ajustes de revelado/Pegar ajustes para aplicar este mismo revelado al resto de la sesión. Después puedes ir una por una para terminar de ajustar cada foto individualmente.

Finalmente, exporta la fotografía como ya te explicamos en el artículo "Todo lo que Necesitas Saber al Exportar una Foto en Lightroom". Puedes darle los últimos retoques en Photoshop si lo prefieres, como por ejemplo hacerle una Separación de frecuencias para mejorar la piel o aplicarle un Dodge & Burn para jugar con el volumen y la iluminación.

¡Ahora te Toca a Ti!

¿Qué te ha parecido esta sesión tan especial? Trabajar con luz negra y maquillaje fluorescente es muy divertido y nos ofrece un sinfín de posibilidades, tan solo hay que echarle un poco de imaginación.

¿Te animas a probar tú ahora?