Bobelia

Kit de supervivencia emocional: la parka, la Lambretta y unas azules

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Mon, 30 Nov 2009 02:30:00 +0000

Hace unos días os hablaba de una película francesa que me había parecido estupenda, titulada El Primer D ía Del Resto De Tu Vida (Le Premier Jour Du Reste De Ta Vie, 2008). El filme hacía hincapié en esos hechos puntuales que ocurren en la vida de uno y que suponen un punto de inflexión en la misma. El que más o el que menos ha tenido, de acuerdo con su experiencia vital, determinados momentos en los que su vida ha sufrido un cambio radical o ha tomado un camino no previsto. Como sabréis bien los que de vez en cuando visitáis este blog, aquí trato temas relacionados con la música, el cine o los libros que me gustan, no se trata ni de un diario personal ni de un escaparate donde reflejar mis reflexiones íntimas. Sin embargo, a veces es difícil hablar de ciertos artistas sin añadir vivencias personales, ya que estos son en cierta forma culpables de lo que fui, de lo que soy y posiblemente de lo que seré. Eso es lo que me ocurre cuando me enfrento a un papel en blanco y pretendo escribir algo sobre The Who, un grupo que ha conformado la banda sonora de mi vida en los cruciales momentos en los que un muchacho se quiere convertir en un hombre.

Aquel curso del 88 supuso algo más que intentar acabar el bachillerato en un pueblo obrero de Bizkaia. Aquel curso supuso adentrarme a través de The Who en uno de los movimientos culturales más importantes del pasado siglo, el rock and roll. Para ser sincero, he de decir que no descubrí la música rock con The Who, tan solo creía que lo único que había que descubrir en ese estilo era quién estaba esa semana de número uno en los cuarenta principales o si los Dire Straits habían sacado nuevo disco. Devoraba los discos grabados en cinta de Mike Oldfield y Pink Floyd que me dejaba un primo mayor que yo y pensaba que los U2 estaban a la vanguardia de todo. Lo cierto, es que en mi casa no hubo nunca una cultura rockera, más bien todo lo contrario, y tampoco tuve hermanos mayores que me guiaran por “el buen camino”. Lo más transgresivo que hacía era escuchar en la mini cadena portátil de “Po” un batiburrillo de C hichos, Rap, Disco, Kortatu o la Polla Records cuando estábamos en los soportales de mi barrio. Pero aquel curso apareció mi ángel de la guarda musical en forma de tripitidor, sentado al fondo de la clase y vestido con una hermosa chaqueta tres cuartos verde. La atracción que tuve desde el principio por aquella figura fue tremenda. No solo por el hecho de ser dos años mayor que yo, que en esas edades parece un mundo, o por tener cierto aire de superioridad sobre el resto. Aquella forma de vestir - Levi’s 501, camisa abrochada hasta el último botón, botines y sobre todo aquella chupa de militar - era algo que nunca había visto en aquel instituto. Incluso aquel archivador - estampado con fotos de grupos desconocidos para mí - me intrigaba sobremanera. No eran los grupos punk o heavies al uso, o los grandes iconos del, como se le denomina ahora, hype de la época. No tardé mucho en ir cambiándome de sitio en clase y acercarme poco a poco a David, que así se llamaba el tipo en cuestión. En cuanto tuve la ocasión empecé a conversar con él, primero tímidamente, ya sabéis cosas de clase, que si fulanito tal, que si menganito cual. Sin embargo, en cuanto se me presentó la ocasión le empecé a preguntar por aquellos afiches desconocidos que paseaba con orgullo por los pasillos. Aquí fue donde el tipo se soltó conmigo, con un deseo irrefrenable de darme a conocer todo aquel universo al que estaba adscrito. Así nació para mí la palabra mod, una tribu urbana que reivindicaba la cultura pop de los años sesenta a través de la música, la moda y el arte. Pero para David tan solo era el deseo de formar parte de un colectivo, de algo que remarcara su individualidad y canalizara toda la energía inconformista que bullía en su interior. Todas esas historias de grupos de jóvenes que se peleaban en las playas de Brighton, esas bandas que actuaban en clubs como Marquee y las Lambrettas entraron a formar parte de mi imaginería personal. Para mí los mods significaban la lucha de la juventud de la clase trabajadora por demostrar que ellos también podían ser los mejor vestidos, los que escuchaban la mejor música y los que más se divertían en una sociedad tan clasista como la inglesa de los años sesenta. Una juventud llena de frustraciones, de clichés impuestos que asfixiaban como un corsé y que buscaban el hedonismo sobre todas las cosas. Si bien era el modern jazz o el r&b la música oficial del movimiento, eran grupos como The Who, Small Faces, The Creation o The Kinks los que expresaban mejor que nadie esa ira, ejerciendo como válvula de escape de toda aquella rabia. A partir de aquel momento me sumergí en la cultura rock de los años sesenta y me preocupé en buscar más allá de lo que nos mostraban las radio fórmulas y los medios de comunicación estándar. Aquí nació mi amor profundo y sincero por el rock and roll. Un amor lleno de evoluciones y contradicciones, pero amor al fin y al cabo.

Lo que comenzó siendo un post sobre los Who ha terminado siendo un pequeño homenaje al grupo que me abrió las puertas del universo del rock. Un pequeño recordatorio a la chispa que hizo estallar los muros de mi propio conocimiento musical. Ese fue mi punto de inflexión en aquel curso del 88. A partir de aquel momento, la música rock ha corrido por mis venas como la anfetamina lo hizo por las venas de aquellos jóvenes allá por el 64.

Lady Dottie & The Diamond + Lord Bishop en el centro cultural de Antza, Donostia

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Fri, 27 Nov 2009 12:21:00 +0000

Querría en este post terminar la crónica del último concierto al que asistí la semana pasada, el de Lady Dottie & The Diamonds junto con Lord Bishop de telonero. Lo cierto es que Lady Dottie & The Diamonds acaban de terminar su gira por España rodeados de una gran expectación y me gustaría aportar mi granito de arena sobre lo que vi ese día. Lady Dottie es una mujer negra de 66 años que no es una nobel en el mundo de la música. Desde muy pequeña fue una vigorosa cantante de góspel en su Alabama natal y continuó una carrera musical como corista con artistas como Kool and the Gang, The Rolling Stones, Muddy Waters, Ray Charles, Chuck Berry, Ike & Tina Turner, Little Richard, Sam Cooke o AC/DC. Desde el 2008 su carrera ha vuelto a cobrar un protagonismo inusitado debido a un grupo de jovenzuelos de San Diego que la han adoptado para su combo de Blues, Soul y R&B. Como bolo final de despedida por Europa se presentaban en el Centro Cultural Altza de Donostia. Junto con ellos actuaba Lord Bishop, un rockero de la gran manzana aficionado al blues rock, la psicodelia y el sexo, todo a partes iguales. Con unos precios populares, siete euros en taquilla y cinco anticipada, y con semejante cartel nos decidimos a abandonar por unas horas nuestra Bizkaia maitea para salvar los algo más de cien kilómetros que nos separaban de la sala del barrio de Altza. No fue nada fácil encontrar el lugar exacto de la sala, yendo por un galimatías de calles y preguntando a algún transeúnte conseguimos llegar con más fortuna de la esperada. Nunca había estado en este recinto y lo cierto es que me lleve una grata sorpresa. Parece que el ayuntamiento se pone las pilas en cuanto a la equipación de los espacios culturales que se hayan diseminados por toda la ciudad. Había estado hace un tiempo en otro garito parecido, pero esa vez en el barrio de Eguia, viendo a Devendra Banhart y mi impresión volvió a ser excelente. Se trata de una sala bastante grande, con techos altos y perfectamente preparada tanto para acoger conciertos como obras de teatro etc. Había también una pequeña barra con bebidas a precios casi de supermercado y algún bocadillo que echarse al diente.

En primer lugar salió como era de esperar el rockero de Nueva York Lord Bishop. En forma de power trío empezaron a descargar sus efluvios hard rockeros, con tintes psicodélicos al todavía escaso personal que allí se encontraba. La música de la terna sonaba a Hendrix por los cuatro costados y a todo ese blues rock proveniente de finales de los sesenta a principios de los setenta. En un show de una hora y cuarto, Lord Bishop nos proporcionó momentos interesantes junto con otros menos inspirados. La base rítmica del trío estuvo bastante bien de hecho, pero ni la voz de Lord Bishop ni su forma de tocar las seis cuerdas me emocionaron demasiado, si acaso un leve golpeteo del pie sobre el suelo a ritmo de la música con acompañamiento de cuello y cabeza asintiendo de manera tímida. Incluso he decir que se me hizo un poco largo el bolo, la incapacidad de afinar en condiciones sus guitarras sin tener que meterse en el backstage incluso me exasperaron un poco. Lo mejor fue quizás el entusiasmo que derrochaba este gigantón de dos metros y ciento no sé cuantos kilos. Se movía con bastante agilidad sobre el escenario, saltando de forma compulsiva cuando entraba en trance rockero. A veces me recordaba en su graciosa arrogancia y en su sentido del espectáculo a Mario Van Peebles en el Sargento de Hierro, aquel padrino del blues, rey del rock, cuñado del soul, hermano del funky y no sé cuantos títulos más. Un concierto curioso y entretenido a ratos, que calentó al personal con su entusiasmo.

Lo de Lady Dottie & The Diamonds fue harina de otro costal. En cuanto salieron al escenario y comenzaron su primer tema sabíamos que algo bueno se iba a cocer en aquella sala. A pesar de comenzar con un sonido mejorable, la banda sonó compactada y contundente, sin confundir los decibelios y la distorsión con la caña rockera. En estos conciertos de bajo presupuesto en el que se monta el escenario de cero y no hay pruebas de sonido, las primeras canciones suelen ser las que sufren las correcciones de sonido pertinentes, por lo que según el show fue avanzando la banda sonó cada vez mejor. La voz de Miss Dottie pareció en buena forma y si bien no está para muchas piruetas sobre el escenario, parece que le queda cuerda para rato. En su repertorio se mezclan los clásicos del blues, soul y r&b con las composiciones propias, sonando todos a la vieja usanza, como a los buenos aficionados al género les gusta. Sin duda hubo un punto de inflexión dentro del show y este fue cuando aparecieron a mitad de concierto los problemas de sonido con la guitarra de Nathan Beale. Estaba usando una Telecaster amarilla con un amplificador Fender de los antiguos y lo cierto es que apenas se le oía. Ni siquiera en los solos, donde Beale demostró que se trataba de un hacha excelente, la guitarra sobresalía demasiado del resto. Al final el amplificador dijo basta y se lo sustituyeron por el que usó Lord Bishop, un cabezal Orange con pantalla de la misma marca inglesa que sonaba como un autentico cañón. A partir de este momento Nathan se empezó a sentir más cómodo y el show aumento considerablemente su número de quilates. Es innegable que la banda se batió el cobre sobre el escenario, ofreciéndonos, envueltos en sudor, una colección de clásicos del rock y del r&b que hizo las delicias de los allí presentes. No hace falta ni siquiera poner un setlist de lo que allí sonó, tan solo deciros que Lady Dottie & The Diamonds son una máquina de hacer buena música en directo. Quisiera mencionar que aparte de Miss Dottie y Beale, actuaron Stephen Rey al bajo, Richard "T-Bone" Larson a la batería y un excelente Joey Guevara al piano. Después de asistir a bolos como este dan ganas de cantar aquello que decían los Who:

Long live rock, I need it every night, Long live rock, come on and join the line, Long live rock, be it dead or alive

Tito And Tarántula + Las Culebras desde el Rockstar Baracaldo

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Wed, 25 Nov 2009 01:43:00 +0000

Humberto Lorenzo Rodríguez Larriva, más conocido como Tito Larriva es un trotamundos nacido en Ciudad Juárez que formó parte del apogeo del movimiento punk que se gestó entre bandas chicanas de la ciudad de L.A a principios de los años ochenta. Aquel sonido influyó enormemente en gran parte del hard rock angelino que tan fructífero fue a finales de esa década y en la siguiente. Formó bandas seminales como The Plugz o The Cruzados que lograron cierto estatus en la escena local. Pero sin duda, fue la participación en diversos filmes, tanto en la aportación de canciones para la banda sonora como en algunos cameos, lo que dio a Tito Larriva la mayor repercusión. Después de participar en películas como El recuperador (Repo Man, 1984) o De Profesión: Duro (Road House, 1989), en 1992 formó el combo Tito And Tarántula y empezó a colaborar con el director de cine Robert Rodríguez. El culmen de esta relación se dio en el filme Abierto Hasta el Amanecer (From Dusk Till Dawn, 1995) que obtuvo un enorme éxito comercial. Hasta la actualidad Tito And Tarántula han tenido una carrera bastante regular, sacando discos cada cierto tiempo y colaborando en diversos proyectos cinematográficos. El pasado viernes día 20 actuaron en la sala del Megapark de Baracaldo, Rockstar.
Como teloneros de la noche actuaron el grupo pamplonés conformado solo por chicas, Las Culebras. Esta banda sacó su primer disco en el 2007 después de ganar un premio en el certamen villa de Bilbao. Posteriormente actuaron en el Azkena Rock del 2008. Denotan claramente una deuda a grupos como Kiss, MC5 o los Ramones, pero lejos de ser una mera copia de sus iconos, intentan buscar su propio estilo. Muestran una buena actitud rockera y parece que tienen las cosas claras, algo importante en esto de la música. Sin duda el rock en este país necesita un buen grupo de chicas que aporte contundencia y vigor, sin necesidad de usar la testosterona. Sobre las 9 de la noche salieron a escena las cuatro culebras desplegando, sobre el escaso público que se encontraba aún en la sala, buenas dosis de rock, hard y punk. Fueron 45 minutos que, aunque comenzaron dubitativos, fueron mejorando según iban transcurriendo los temas. Fue un acicate también la llegada de su grupo de amigos ya comenzada la actuación. Esto provocó que las culebras saliesen de su letargo inicial y mostraran sus armas al completo. No estuvo nada mal este bolo como calentamiento previo a la actuación de Tito And Tarántula y espero que encuentren la suerte necesaria, creo que de entusiasmo van sobradas, para ganarse las alubias en esto de la música.
Pasadas las 10 de la noche salieron a escena, con la música de la Naranja Mecánica, Tito Larriva y sus tres secuaces. A la guitarra solista estaba Steven Medina Hufsteter, Alfredo Ortiz a la batería, Caroline Rippy al bajo y el propio Tito se encargaba de la voz y de la segunda guitarra. Pero la primera intentona fue agua, el micrófono de Tito no quería sonar y su Telecaster empezó a solidarizarse con él. Tras varios intentos fallidos por parte del roadie, el grupo decidió volverse al camerino a rezar supongo para que todo saliera bien. Pero no debieron recitar bien sus oraciones puesto que en la segunda intentona los problemas persistieron. Suerte que Tito se lo tomo con humor, no me quiero imaginar que hubiera pasado con alguno que yo me sé en su lugar, quizás nos hubiéramos quedado sin show por el cabreo. Tito en cambio, volvió al camerino de nuevo, regresó con una botella de tequila y empezó a repartir chupitos entre los asistentes, intentando animar de esta forma al respetable. A la tercera fue la vencida y Tito And Tarántula pudieron comenzar su recital pasadas las 10:30. Como era de esperar, el escenario se convirtió en un árido bar de carretera, cercano a la frontera mejicana, donde sonaba el Texas Boogie, el punk surf y los aires venidos desde más allá de río Grande. El sonido de la banda fue bastante bueno, con una competente base rítmica y un Steven Medina Hufsteter bastante inspirado por momentos. Sin embargo lo que falló fue la voz de Tito, bastante perjudicada, y que apenas se la llegaba a vislumbrar en el conjunto. Una pena, ya que junto a los problemas técnicos mencionados anteriormente, esta afonía provocó que la actuación general fuera floja, muy por debajo de las expectativas creadas. Aún así pudimos disfrutar de algunos buenos temas donde el oficio y las tablas del combo salieron a relucir. No faltaron éxitos como Machete, Angry Cockroaches (Cucarachas enojadas), mezclada con la popular La Cucaracha, o la famosa After Dark, eso sí sin la espectacular Salma Hayek pero con una absurda invasión de escenario promovida por el propio Tito, digna de la mejor etapa de Noche De Fiesta. Estas dos últimas fueron el colofón de un par de bises y con apenas hora y cuarto, el grupo afincado en Austin dio por terminado el show. Supongo que no por falta de ganas ni repertorio, sino motivado porque en esa sala a partir de las doce la carroza rockera se convierte en una calabaza rellena de reguetón y bakalao. Como diría un compañero de trabajo que tuve, ¡que lo mismo da!...

Ricky Lee Jones en el Kafe Antzokia, un espiritu bohemio llegó al botxo

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Sun, 22 Nov 2009 15:44:00 +0000

Nadar contra corriente nunca ha sido el camino escogido por la mayoría de los artistas. Algunos a veces, realizan parte de este sufrido trayecto para posteriormente acomodarse en el seno de aguas tranquilas y dejase llevar por la corriente que les lleve a buen puerto. Otros sin embargo luchan constantemente por seguir ese camino tortuoso que les lleve a su particular Nirvana. En el trayecto algunos se ahogan en el olvido, otros se pierden en la indiferencia pero otros sobreviven y salen a flote obteniendo el reconocimiento a veces de la crítica, otras veces del público y en raras ocasiones de ambos. El público normalmente se suele asentar en las aguas tranquilas y placenteras de ese rio, donde el mainstream monta su resort cultural de cinco estrellas en un todo incluido. La cantante norteamericana Ricky Lee Jones ha navegado por todas las zonas del rio, es más, ha cruzado por todos los ríos de este mundo, pero siempre ha elegido la estrategia del salmón para hacerlo. El miércoles 18 navegó, de nuevo a contracorriente, la ría de Bilbao y echó amarras durante un par de horas en el kafe Antzokia para ofrecernos un concierto inolvidable.

Ricky Lee Jones tan solo trajo a la capital bizkaina a un par de experimentados marineros para su recital. No sé cuál ha sido el motivo por el cual ha elegido esta formación para conmemorar sus treinta años de carrera, pero sin duda he echado en falta algún ingrediente más para la ensalada de jazz, soul, r&b, folk y pop que nos proponía la diva que reside en California. Es curioso que empiece esta pequeña reseña del show, en el que en unas líneas más atrás califico de inolvidable, con un pero. Quizás se deba a que ha pasado el tiempo suficiente para reflexionar sobre lo vivido, ver a Ricky en directo es como abrir una botella de gran reserva, se necesita un poco de tiempo y oxigeno para que el caldo se olvide de donde viene y despierte de su letargo de años. Seguramente si estas frases las hubiera escrito al día siguiente, mi mente seguiría nublada por el cúmulo de sensaciones que produce un recital de estas características. Olvidándonos de este pequeño/gran detalle, Ricky Lee Jones nos ofreció justo lo que la mayor parte de los allí congregados esperábamos de ella, canciones llenas de emoción, sentimientos a flor de piel, desnudez impúdica sobre el escenario y música de muchos quilates. Un concierto que, como si de una montaña rusa se tratase, nos llevaba desde la quietud y el sosiego hasta la algarabía controlada de sus temas más bailables. Se notaba como la gran dama de la vida bohemia de L.A controlaba hasta el más mínimo detalle y manduqueaba a sus dos adláteres frecuentemente. A pesar de que al principio, en su desnudo comienzo al piano, su personalísima voz titubeaba en forma de molesta tos, Ricky se sobrepuso rápidamente y nos mostró una interpretación vocal llena de matices, demostrándonos que controla ese instrumento a la perfección. Tan solo al final, tras casi dos horas de derrochar talento vocal sobre el viejo teatro bilbaíno, su voz empezó a dar muestras de cansancio y apareció de nuevo la dichosa tos. No me extraña que prohíba expresamente fumar en sus conciertos, esa garganta no aguantaría la humareda que se suele producir en estos eventos. En cuanto a los temas interpretados hubo de todo un poco, temas clásicos de la artista, temas modernos y de su último álbum, nunca se satisface a todo el mundo y menos con treinta años de carrera. Pero destacaría entre ellos la dedicatoria emotiva a su padre, músico de jazz, en Moon Is Made Of Gold, Tigers, Autumn Leaves o la reivindicativa versión de Bowie Rebel Rebel. Por supuesto no faltaron pequeñas disertaciones sobre su vida y familia, sobre política, su espiritualidad y alguna bronca que otra a algún despistado que no se enteraba que el silencia formaba parte del espectáculo. Menuda mujer de armas tomar y de contrastes, lo mismo paraba por dos veces un tema por un tipo que no callaba, que se emocionaba y sus ojos azules se volvían vidriosos por cantarle a aquel muchacho que le rompió una vez el corazón. En cuanto al sonido he de decir que se adecuó perfectamente al tono general del recital en el que, como he comentado anteriormente, el silencio del publico era un elemento más de él. Sus dos acompañantes eran un inspiradísimo Rob Wasserman al contrabajo eléctrico y el chico para todo Sal Bernardi, en el que solo me trasmitió en los escasos momentos que cogía la armónica, con la guitarra correcto sin más.

Otra vez puedo entonar la soflama del “yo estuve allí”, cuando la sala de conciertos de San Vicente número 2 pareció estar situada en West Hollywood bajo el nombre de Troubadour viendo a Ricky en un momento de nuevo dulce de su carrera. En ese estado donde la madurez asienta las virtudes propias de un artista y donde se hace repaso, a veces con alegría y otras con tristeza, de la vida que uno ha elegido. Estamos acostumbrados muchas veces a ver artistas que están de regreso. Artistas que deciden volver a transitar de nuevo por algunas de las estaciones por donde ya pasaron. Artistas que compran para su carrera un billete de ida y vuelta. Ricky Lee Jones no quiere desandar el camino, como un funambulista, transita por el cable en un solo sentido. Ricky Lee Jones pidió en la ventanilla a single ticket please…

El Primer Día Del Resto De Tu Vida (Le Premier Jour Du Reste De Ta Vie, 2008), el cine frances sigue en primer plano.

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Tue, 17 Nov 2009 16:45:00 +0000

Es indudable que el cine francés goza actualmente de una buena salud. Dudo realmente que haya pasado por muy malos momentos en alguna ocasión, quizás haya sufrido algún bajón en alguna época concreta, y desde luego este no es el caso en los albores de este nuevo siglo. No es menos cierto que los inventores del cine siempre han sentido por este arte una predilección especial. Esto lo corroboran la extensa filmoteca francesa, tanto en cantidad como en calidad, y la gran cantidad de autores y artistas que ha parido el país vecino. El cine francés siempre ha tenido un sello de calidad y una denominación de origen bien definida y normalmente esto ha traído consigo la aceptación del público y con ello el éxito comercial. Es un hecho de que las políticas implantadas en Francia para proteger y mimar su producción cinematográfica funcionan. La cuota de pantalla de la que disfrutan las producciones francesas es muy superior a la que tienen la mayor parte de las cinematografías europeas. Esta situación ha provocado que gran parte de las películas que se producen hayan sido rentables, dato este decisivo para fortalecer esa industria y poder así competir con el gigante norteamericano. No hay un año prácticamente, en el que en Francia no aparezcan una o varias películas que no sean dignas de mención en la lista de las mejores producciones anuales. Sin ir más lejos, en el 2008 nos podemos encontrar con varios ejemplos de cine francés de gran calidad y con buenos resultados en taquilla, no solo en su propio país sino en el resto del mundo. Hoy me gustaría hablaros sobre la película realizada ese mismo año por el director parisino de 38 años Rémi Bezançon titulada El Primer Día Del Resto De Tu Vida (Le Premier Jour Du Reste De Ta Vie).

Con esta cinta Bezançon realiza su segunda incursión en el campo del largometraje, tras su más que aceptable debut con la comedia romántica Ma Vie En L'air. En esta ocasión se adentra en un drama costumbrista moderno que no carece, sin embargo, de ciertas dosis de humor en forma de ironía. El director nos propone una trama en la que nos presenta los momentos más significativos de las vidas de cada uno de los componentes de una familia, mostrándonos mediante distintos saltos temporales los puntos de inflexión que modificarán y marcarán la vida de cada uno de ellos. Con esta premisa el autor indaga inteligentemente en los problemas que sufre un núcleo familiar, cuestiones que resultan cercanas en mayor o menor medida a los espectadores, lo que provoca una rápida identificación entre estos y el filme. Temas como la incomprensión entre padres e hijos, el difícil paso de la adolescencia a la edad adulta o de esta última a la madurez, los primeros amores, las primeras relaciones sexuales o el decaimiento de estas con el paso del tiempo, están tratados de una forma sensata y atractiva en toda la cinta. Por la edad del realizador y por la época en que se desarrolla la acción, da la impresión de que este ha puesto toda la carne en el asador en él y ha realizado una película muy personal, no en vano él mismo se ha encargado de escribir la historia y el guión. Se pueden identificar a lo largo de toda la película aspectos que nos sitúan en la época en que se van desarrollando los hechos, utilizando inteligentemente la moda, la música y la televisión como delatores. No se trata esta de una película coral al uso, sino que cada personaje adquiere el protagonismo cuando le corresponde dentro de la trama, lográndose una gran armonía entre todas las situaciones y una sinergia entre personajes que aumenta la emotividad de toda la obra. Todos los actores están convincentes en cada uno de sus roles, con las dosis perfectas de emotividad requerida en cada situación, no cayendo en la sensiblería ni en la lágrima fácil. Otro aspecto que sobresale en la película, es la perfecta utilización de la música en toda ella, en muchos casos como elemento fundamental dentro de la trama y en otros para enfatizar las distintas situaciones que se van produciendo en el trascurso de la misma.

Rémi Bezançon demuestra así el buen estado de forma del que goza el cine francés en estos tiempos. Un cine que además de resultar de gran calidad tanto en contenido como en elaboración, también resulta interesante para el público y altamente comercial. En El Primer Día Del Resto De Tu Vida se vuelve a poner de manifiesto que las películas, cuando nos cuentan cosas cercanas e interesantes, no necesitan de trucos de ordenador ni efectos especiales para resultar amenas o emocionantes. Tan solo se requiere de cierta destreza, buen gusto y saber hacer para que cuando aparezcan los títulos de crédito, permanezcamos, aunque sea un solo minuto, reflexionando sobre lo que hemos visto y disfrutando del sabor que dejan un par de horas de buen cine.

El Primer Día Del Resto De Tu Vida [Trailer]

White Denim, no apto para ortodoxos musicales.

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Wed, 11 Nov 2009 02:02:00 +0000

En los últimos años el mundo de la música ha sufrido una convulsión importante con la llegada de las nuevas tecnologías hasta los hogares de la gente. Esta circunstancia no solo ha modificado sustancialmente el negocio musical, sino que ha dilatado enormente el cuello de botella que suponían los canales habituales de distribución. Ahora es relativamente frecuente el hecho de que aparezcan nuevos artistas en Youtube, My Space o Facebook con sus grabaciones caseras y obtengan el éxito sin pasar por una casa discográfica. Esta democratización del negocio le ha venido de perlas a una gran cantidad de músicos a los que les hubiera resultado complicadísimo dar a conocer sus trabajos pasando primero por el tamiz de una major o estando en una discográfica independiente. Las grandes multinacionales suelen hacer apuestas poco arriesgadas con los nuevos artistas que desean promocionar y cuando lo hacen, despliegan todo su aparato mediático restando en gran medida autenticidad al producto. Sin embargo, con la posibilidad de realizar grabaciones amateur de gran calidad o incluso alquilar un pequeño estudio por horas, conseguir un máster y luego publicitarlo a través de Internet, volvemos de nuevo a la filosofía de las bandas del sonido Garage de los años sesenta. Aquellas bandas que intentaban emular el sonido rock de sus artistas preferidos con más entusiasmo que acierto, aunque que de vez en cuando aparecían grupos o solistas de tanta o más calidad que los emulados. Sin circunscribirnos exclusivamente al rock, podemos decir que de nuevo el sonido Garage o su esencia regresa con fuerza. Una de las bandas que cultiva ese sonido y esta forma de funcionar son los tejanos White Denim.

White Denim es un grupo relativamente nuevo. Tienen tan solo dos álbumes de larga duración e incluso el primero de ellos es una combinación de dos Ep’s anteriores. Nacen con este nombre en el año 2005, aunque sus miembros ya formaban parte de bandas de la creciente escena rockera de Austin, Texas. Lo que empezó siendo un cuarteto, terminó en un trío en el año 2006, con James Petralli a las guitarras y a las voces, Steve Terebecki al bajo y Joshua Block a la batería. En el año 2007 sustituyen el garaje por un tráiler vintage y graban su primer mini Lp en él. En este primer trabajo destapan su vocación por el sonido robusto y dinámico, en una mezcla de blues-rock, psicodelia y energía punk. Poco después, vuelven a grabar otro Ep de la misma forma y ambos son distribuidos por el grupo en sus actuaciones en directo o mediante su página web. La banda comienza a cosechar cierta repercusión debido a la propuesta ingeniosa y fresca de su música y a unas abrasivas actuaciones en directo. A finales de 2007, firman con una discográfica on-line de llamada RCRD LBL y sacan tres nuevos temas solo disponibles vía web, que son regrabaciones de temas anteriores. A partir de ese momento el grupo empieza a girar sin descanso y a recoger premios. En 2008, regraban de nuevo algunos temas viejos para la compañía inglesa Full Time Hobby y junto con algunos nuevos editan su primer álbum titulado Workout Holiday, un trallazo de rock progresivo lleno de psicodelia, power-blues, experimentación y actitud punk. Todo ello grabado de nuevo en ese viejo tráiler aparcado en un bosque a las afueras de Austin que es propiedad del batería de la banda. Más apreciados en el viejo continente que en su propio país, cosa habitual de la escena alternativa americana, hasta finales de 2008 no editan su primer Lp en USA. Un álbum, basado de nuevo en la grabación de temas viejos y que sale a la venta con el nombre de Exposion. En este último tiempo, el grupo ha girado sin cesar por ambos continentes. En el Azkena 2009 nos ofrecieron una sobresaliente actuación de la que di cuenta aquí en su momento. Este año han sacado nuevo disco titulado Fits, en el que vuelven a dar una vuelta de tuerca a su sonido, ofreciéndonos un disco con dos partes bien diferenciadas, como si estuviera pensado para una edición en vinilo. Cosa bastante curiosa, ya que este grupo basa gran parte de su estrategia de ventas en la distribución de su música en formato Mp3 o FLAC, incluso distribuyen sus discos en CD-R sin etiqueta ninguna. Quizás esto venga a demostrar que se puede mantener la esencia de las grabaciones de siempre en los nuevos formatos. En este nuevo álbum nos proponen una primera mitad llena de sonidos contundentes, donde la banda desata toda su energía y furia. Los temas recuerdan desde las improvisaciones de Jimi Hendrix Experience o Led Zeppelin a los nuevos sonidos del nuevo blues-rock que encarnan los White Stripes. Se olvidan de la receta tradicional de las canciones tipo versus-chorus-versus y nos ofrecen temas complejos sin una clara estructura definida. La corta duración de los mismos provoca que esta primera mitad se escuche de forma acelerada pero para nada molesta, como cuando al abrir gas entra de repente el turbo. La segunda mitad del álbum es mucho más sosegada y melódica, dejando los riffs fulgurantes paso a la experimentación y los efectos. En estos temas es más importante la creación de atmósferas que la energía desatada, aunque no por ello podamos decir que el ritmo disminuya bruscamente, tan solo se atempera un poco.

White Denim es sin duda una apuesta arriesgada para quien le guste la sencillez y los estándares del rock tradicional. Este trío nos propone un acercamiento al rock a través de la experimentación del jazz o de los sonidos progresivos. Su actitud punk a la hora de interpretar los temas y el concepto Garage de su música, nos devuelven a la frescura y el entusiasmo que todo grupo debiera de mantener y que normalmente suele perder con el paso del tiempo. White Denim supone un reto para los que no se conforman con saborear lo que conocen, para los que les gusta experimentar y buscar nuevos sonidos que echarse al oído. Solo apto para paladares exigentes.

Let's Talk About It From the album Workout Holiday (2008) T01

Shake Shake Shake From the album Workout Holiday (2008) T02

Radio Milk How Can You Stand It From the album Fits (2009) T01

Say What You Want From the album Fits (2009) T03

El Hard Attack DCWYW From the album Fits (2009) T04

Sex Prayer From the album Fits (2009) T06

Pain Yourself From the album Fits (2009) T08

Chascarrillos Rockeros de Noviembre de 1976

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Sun, 08 Nov 2009 18:00:00 +0000

El 13 de noviembre de 1976 la banda de jazz rock norteamericana Chicago logró el primer puesto de las listas británicas durante tres semanas consecutivas con la canción If You Leave Me Now. Este tema ya había sido número uno en los charts estadounidenses por lo que era la primera vez que la banda conseguía alcanzar el top en ambas listas con el mismo single. La canción la escribió el frontman de la banda Peter Cetera en colaboración con su productor y manager James William Guercio.

Chicago - If You Leave Me Now

Van Morrison el día 19 de ese mismo mes es premiado con su primer disco de oro en los USA por su álbum Moondance. Dicho disco se realizó hace más de seis años pero en el momento de su publicación no logro entrar en el Top 30 ni de los USA ni de UK. Sin embargo con el tiempo el álbum fue incrementando su popularidad como una obra referencial del artista, convirtiéndose de ese modo en uno de los más vendidos del catalogo de la Warner.

Van Morrison - Moondance

El ex componente de Lovin’ Spoonful John Sebastian encabezó el elenco junto a Joni Mitchell de la celebración que se llevo a cabo en el Memorial Auditórium de Sacramento en beneficio de las ballenas y que fue organizada por el Gobernador Jerry Brown el 20 de noviembre. En Mayo de ese mismo año, Sebastian había vuelto al número uno con el tema Wellcome Back.

John Sebastian - Wellcome Back

Paul Simon acudió, por segunda vez, como anfitrión al programa Saturday Night Live también el día 20. En esta ocasión se presento junto con el ex Beatle George Harrison que le acompañó en los temas Here Comes The Sun y Homeward Bound Together. Simon cantó en solitario la canción Still Crazy After All This Years vestido con un llamativo traje turco ya que la siguiente semana se celebraba el día de acción de gracias y es tradición asar el pavo (turkey en ingles). Simon no pudo terminar el tema por la vergüenza que estaba sintiendo y abandonó el escenario.
Harrison le preguntó al productor del programa Lorne Michaels si tenía los tres mil dólares que el show había prometido por una reunión de los Beatles. Michaels le dijo que si por él fuera le daría el dinero pero que la cadena NBC no estaría de acuerdo. Casualmente Paul McCartney se encontraba en Nueva York junto a John Lennon supuestamente viendo el programa.

George Harrison & Paul Simon - Here Comes The Sun

Después de 16 años juntos, el día 25 de noviembre, día de acción de gracias, The Band ofreció su concierto de despedida en el Winterland Ballroom de San Francisco. En este recinto fue donde The Band realizó su primer show con ese nombre. Este gran evento, organizado por el promotor musical Bill Graham, fue bautizado con el nombre de The Last Waltz y costó 25 dólares la entrada. En las cuatro horas de duración desfilaron junto al grupo artistas como Eric Clapton, Bob Dylan, Ringo Starr, Neil Diamond, Emmylou Harris, Joni Mitchell, Van Morrison, Muddy Waters, Neil Young, Dr. John, Ron Wood, Bobby Charles, Ronnie Hawkins, The Staple Singers y Paul Butterfield. Este evento fue filmado para la posteridad por el director de cine Martin Scorsese.

The Last Waltz - Trailer

Almendra, la semilla del mejor rock argentino

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Fri, 06 Nov 2009 01:41:00 +0000

Es muy complicado, por lo menos para mi lo es, medir la calidad de un disco si no es por la trascendencia que tenga posteriormente en algún sentido. Sí es verdad, que han quedado joyas sepultadas y abandonadas en el olvido, quizás por la mala suerte de sus creadores a la hora de mostrarlas o por resultar incomprendidas por parte del público, crítica o ambos. Pero en mi opinión, tan solo el paso del tiempo, es el que realiza la prueba del algodón definitiva a una canción o un álbum para consagrarlo como una obra maestra. Cuando esta supone un cambio radical frente a lo establecido y muestra nuevos senderos para otros músicos, estamos no solo ante un disco único, sino también ante una obra seminal. En el momento que pensamos en discos de esa categoría nuestro subconsciente nos lleva rápidamente a la cultura musical anglosajona. Pero hay otras obras musicales que han sido de gran importancia para el desarrollo de la cultura rock y pop lejos de Norteamérica y Gran Bretaña. Este es el caso del grupo del que me gustaría hablaros hoy, el primer proyecto el genial músico argentino Luis Alberto Spinetta, Almendra.

Almendra nació en el castizo barrio porteño de Belgrano en 1967. Aparte del mencionado Spinetta a la guitarra y voz, también lo integraban Emilio del Guercio al bajo, EdelmiroMolinari como guitarra solista y Rodolfo García a la batería. Formados como la mayoría de las bandas juveniles en aquella época, una fusión de varios grupos de instituto, Almendra comenzó a tocar en directo por los clubes de rock de Buenos Aires hasta que en septiembre de 1968 sacaron su primer single con los temas Tema De Pototo en la cara A y El Mundo Entre Las Manos en la B. Enseguida alcanzaron gran repercusión ya que se trababa de un sonido desconocido para cualquier banda de rock argentina hasta la fecha. Un sonido en el que la melodía y la letra alcanzaban una sensibilidad y una inspiración sobresaliente. Con claras influencias de los Beatles post Revolver, Almendra consiguió dotar al rock argentino de un refinamiento musical y de un lirismo en las letras que lo sacó del estado primitivo en el que se encontraba. A partir de este éxito comenzaron a girar por todo el país, lo que les abrió de par en par las puertas del estudio para grabar lo que seria su primer álbum a finales de 1969. Su Lp titulado Almendra se edito en enero de 1970 y consta de nueve temas compuestos casi en su totalidad por Spinetta. Rápidamente se convirtió en un gran éxito y en todo un acontecimiento dentro del rock argentino. Todas las composiciones de ese álbum tienen una calidad enorme y cada una por sí sola es un single en potencia. El tema que abre el disco titulado Muchacha (Ojos De Papel), posee un tono acústico digno de los Beatles más inspirados, con una letra sublime cargada de romanticismo. Ana No Duerme nos lleva por los senderos de rock psicodélico por los que caminan Cream o Pretty Things. En Plegaria Para Un Niño Dormido realizan su particular homenaje al tango en forma de nana, con una letra tan maravillosa como ingenua. De este modo, tema a tema, el álbum es una amalgama de sonidos rock, pop, psicodelia o progresivo con unas textos deliciosos que resultan pura poesía. La voz de Spinetta tiene la fragilidad y la dulzura de Tim Buckley y los desarrollos instrumentales de la banda alcanzan el zenit en temas como Color Humano, con más de nueve minutos que nos remiten a Pink Floyd de la etapa Barrett. Esta opera prima alcanzó un peso especifico enorme dentro de su época y fue la rampa de lanzamiento de unos jovenes músicos con apenas veinte años. Pasaron unos meses y la banda se metió de nuevo al estudio para realizar su segunda obra. Tenían en mente la realización de una opera rock, quizás motivados para realizar una obra tan ambiciosa por el momento dulce a nivel compositivo y de éxito que estaban viviendo. Pero desgraciadamente la banda se separó ese mismo año debido a los roces y el estrés producido por las constantes giras que realizaban. Sin duda estaban viviendo el momento más álgido de su corta trayectoria, pero las desavenencias entre los componentes eran ya irreconciliables. Aún así sacaron un doble álbum a finales de 1970, titulado también Almendra, con las canciones grabadas hasta la fecha. En este segundo trabajo se hace más palpable la influencia del blues y de los sonidos del rock duro de los setenta. A pesar de que este segundo disco obtiene menos repercusión que el anterior, se trata de un excelente álbum en el que el talento de Spinetta, autor de nuevo de la mayoría de las composiciones, y del resto de componentes queda certificado. A partir de entonces cada miembro del grupo retoma su carrera por diferentes caminos, siendo Spinetta, con su nueva formación Pescado Rabioso, del que espero hablaros pronto, el que alcanza mayor relevancia. A finales de los años setenta se vuelven a juntar de nuevo, realizando dos discos, uno en directo y otro en estudio, pero ya sin la repercusión de su primera época.

Almendra fue la semilla del nuevo rock argentino a finales de los años sesenta. Una época en la que todo estaba por hacer y por construir. Los grupos pioneros como Almendra se encargaron de poner los cimientos de ese sonido que crecía dentro de la juventud y que resultaba el vehículo perfecto para expresarse. Almendra junto a Manal y Los Gatos están considerados los tres pilares más importantes del rock en aquel país y por derecho propio se encuentran en un lugar destacado en el Olimpo del rock mundial.

Tema de Pototo (1968)

Muchacha (Ojos de papel) (1969)

Ana No Duerme (1969)

Figuración (1969)

Vete De Mi Cuervo Negro (1970)

Aire De Amor (1970)

Mestizo (1970)

Kit de supervivencia musical: Pink Moon de Nick Drake (1972)

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Wed, 04 Nov 2009 00:53:00 +0000

A los que nos gusta escribir y opinar sobre música, bueno más bien a los que nos gusta opinar en general, disfrutamos fantaseando con cuestiones del tipo, obras que nos llevaríamos con nosotros a una isla desierta, a un viaje interplanetario, o cualquier otra cosa que se os ocurra. Quizás es un pequeño acto de vanidad en el que intentamos sintetizar nuestros gustos y darlos a conocer. Esta elección es un ejercicio muy personal, así que es casi imposible coincidir con nadie en la totalidad de las obras, sobre todo si se trata de listas extensas. Hoy siento la necesidad de hablaros de los discos que encontraríais en mi isla desierta si sufrierais un naufragio y coincidiéramos allí. No me apetece dar una lista de mis imprescindibles, sino de vez en cuando ir contando cuales son estas obras de las que no puedo ni quiero prescindir, y lo que me sugieren.
No se me ocurre mejor forma de empezar que realizando un homenaje a uno de los artistas más personales y subyugantes del rock, del cual ya realice un pequeño post al comienzo de este blog, y del que el pasado 25 de octubre se cumplió el 25 aniversario de su fallecimiento, el folk-singer británico Nick Drake y su maravilloso álbum Pink Moon.

Nick Drake nunca tuvo la suerte a su lado. El talento sí, le brotaba a borbotones, pero en vida del artista sus discos nunca alcanzaron demasiada repercusión. Quizás esa fuese la causa de su retiro voluntario después de sacar dos discos en los que puso toda su alma. A pesar de ser una persona muy joven, murió con 26 años, sufría con frecuencia trastornos emocionales que se potenciaban con la ingesta de drogas. A principios de 1971 se recluyó en la mansión española de Chris Blackwell, dueño de la discográfica Island, para encontrar el lugar idóneo en el que trabajar en su siguiente disco. Una noche de octubre de ese mismo año, se encerró en el estudio a altas horas de la madrugada y en un par de sesiones grabó, acompañado de su amigo el cantante de folk inglés John Wood, su obra titulada Pink Moon. Esta fue su peculiar manera de actuar, llegando después de la media noche, grabando unos cuantos temas y marchándose después como un alma sigilosa. A excepción del tema que da título al álbum en el cual se incluía un piano, el resto de los cortes se grabaron casi en su totalidad en una sola toma, con la guitarra desnuda de Drake acompañando a su delicada e inquietante voz. Fueron un total once temas, en los que Drake huyó de los arreglos orquestales de sus dos primeros álbumes, para adentrarse en la complejidad de sus composiciones llevadas al minimalismo. A pesar de que en sus canciones se trasmite cierta melancolía y desazón, Drake sabía como equilibrar la balanza añadiendo ciertas dosis de luminosidad y optimismo. Pink Moon es un disco en el que se respira el aroma del folk inglés, que se alimenta de los ecos de Bert Jansch, Pentagle, Fairport Convention o incluso del folk americano de la mano de Dylan, Fred Neil o Jackson C. Frank. Toma en este disco gran relevancia el trabajo con la guitarra del propio Drake, con sus afinaciones abiertas y su hermosa técnica de rasgueo. En poco menos de media hora Drake nos desarma con su fragilidad y lirismo, llevándonos a ese estado ánimo que fluctúa entre la melancolía y soledad, que portugueses y brasileiros califican con la preciosa palabra saudade.

Este fue el último álbum de un artista que no podía faltar en mi isla desierta. Un disco que podrías disfrutar cuando la tristeza y la desesperanza te invadieran, y que al contrario de lo que debiera de suponerse, te daría alas guiándote por la senda del optimismo como un jinete libre. El mejor disco de un artista que tanto ha influido en generaciones posteriores, y que en palabras del productor americano Joe Boyd, se trata de una obra de tranquila desesperación, el sonido de alguien que pende de un hilo.

Track 01 Pink Moon

Track 02 Place To Be

Track 06 Things Behind the Sun

Track 08 Parasite

Track 09 Free Ride

Richmond Fontaine y Bravo Johnson en el Kafe Antzokia de Bilbao

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Mon, 02 Nov 2009 02:28:00 +0000

Este viernes en el Kafe Antzokia de Bilbao actuaban dos grupos que habitan en los territorios del rock y del country alternativo americano actual, un género tan de moda en los últimos años. Por una parte hacía de telonero el músico cántabro Bravo Johnson, de nombre Ricardo Amurrio, escoltado por músicos de la tierra como Oscar Duke al bajo, Iñaki García a la batería o el fantástico guitarrista de los DelTonos Hendrik Roever a la guitarra. Como grupo principal nos visitaba el combo de Oregón Richmond Fontaine, con el cantante, compositor y escritor Willy Vlautin a la cabeza. A pesar de los precios populares, diez euros la entrada anticipada y doce en taquilla, no hubo ni mucho menos una gran afluencia de público, aunque si el suficiente ambiente para sentirnos a gusto en el garito.

Con el evento programado en un principio para las nueve y media de la noche, entramos al local sobre las diez menos diez y Bravo Johnson se encontraba ya tocando sobre el escenario. Con un set de algo más de una hora, Bravo Johnson desplegó un buen puñado de canciones que nos transportaban al mejor rock americano de la costa Oeste, de hecho el artista lleva afincado en Los Ángeles desde hace varios años. Claramente deudores del Young de los Crazy Horse, Grateful Dead, Dylan o Tom Petty, tocaron de forma convincente bonitas canciones y buenos desarrollos instrumentales. Lograron un sonido bastante bueno, con unas guitarras claras y bien definidas, destacando sobre todo el trabajo de Roever tanto con la púa como con el slide, y con unos teclados bien integrados dentro del conjunto. A pesar del buen tono musical que ofrecieron, su punto débil fue en mi opinión la actitud algo fría y poco apasionada que mostraron sobre el escenario. Hay que decir en su descargo que estaban grabando la actuación y que Bravo Johnson incluso se disculpo por no estar demasiado participativo con el público por esa razón. Supongo que no querían que nada les despistase para que la interpretación de los temas fuera la mejor posible, pero nunca hay que olvidarse que el rock no es solo música, también es actitud y sobre el escenario tiene que salir a relucir más que en ningún otro lugar. De todas formas disfruté mucho con la actuación de este grupo y sin duda habrá que tenerles en cuenta para el futuro.

Después actuaban los norteamericanos Richmond Fontaine, grupo que venía presentando su último álbum titulado We Used To Think The Freeway Sounded Like A River. Los de Oregón llevan ya una trayectoria de nueve álbumes desde 1996 lo que les convierte ya en un grupo veterano de la escena alternativa americana. Su estilo entronca perfectamente con el alt. Country cercano al Wilco de los noventa o a su semilla Uncle Tupelo. Dada la calidad de sus composiciones y el éxito de este estilo en los últimos tiempos, Richmond Fontaine ha tenido cierto reconocimiento tanto por parte de la crítica como por parte del público sobre todo en Europa. Comenzaron su actuación sobre las once y cuarto de la noche con un sonido más que aceptable y con una formación de dos guitarras, bajo y batería. Con un estupendo primer tema, Richmond Fontaine empezó a desgranar parte de su repertorio alternando la contundencia y la delicadeza a partes iguales. Los de Portland se caracterizan por tener unas letras muy logradas pero se puede decir que musicalmente se encuentran a la altura de sus textos. Con problemas de acoples en algunos temas, instrumentalmente destacaba su guitarrista Dan Eccles, que realizaba, ayudándose del pedal, unos riffs country con muy buen gusto. A pesar de la calidad que desprendieron en algunos temas, en mi opinión fue un show irregular. En ocasiones la voz de Vlautin quedaba algo tapada por la guitarra Eccles y los tiempos entre canción y canción se alargaban en demasía, quedando el conjunto de la actuación un tanto inconsistente. Una pena, ya que la música de Richmond Fontaine es proclive a crear ambientes y evocar esa tristeza y ese lirismo que emana del medio oeste americano. En apenas hora y media los de Portland finiquitaron el show, dejando la sensación de que nos podían haber ofrecido mucho más de los que nos dieron. Supongo que al ser la última actuación de la gira que han venido realizando por Europa en los últimos meses, pudo haber influido en el ánimo y en las fuerzas de la banda. Supongo que habrá otros escenarios y otras ocasiones para que estos chicos nos demuestren de lo que son capaces.

A modo de anécdota nos ocurrió que cuando fuimos al pequeño puesto de merchandising para comprarles algún disco, a Willy Vlautin le hizo mucha ilusión que mi amigo Santi llevara una camiseta de Dead Moon ya que estos eran de su mismo pueblo. Nos contó que era su grupo favorito de siempre y que les había visto en directo por lo menos cincuenta veces y lo cierto es que se puso súper contento. Nosotros le comentamos que les vimos hace unos años en una lúgubre sala de Santoña llamada Tropicana. Un tipo simpático este Willy. Poco más tarde cuando nos cruzamos con el guitarrista Dan Eccles en el local, también nos hizo un gesto de aprobación al ver la dichosa camiseta. No hay duda que la música une.

Marty (1955) de Delbert Mann, un canto a la sencillez

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Fri, 30 Oct 2009 02:19:00 +0000

A finales de los años cuarenta, la industria cinematográfica estadounidense empezó a sufrir una importante crisis. Las políticas mastodónticas del los grandes estudios, que tan habituales fueron en los años treinta con los magnates del celuloide, ya no podían mantenerse por más tiempo. El cine norteamericano empezaba a sufrir un importante descenso de espectadores debido a diversos factores. La sociedad americana había evolucionado en sus formas de esparcimiento, no solo tenían la sala de cine para pasar sus ratos de ocio. La proliferación de los locales nocturnos de baile y sobre todo la llegada de la televisión provocaron el cierre de miles de salas por todo el país. Además, los gustos de los espectadores también habían cambiado. Estos reclamaban historias más realistas, con un mayor contenido social y más acordes con esos tiempos de posguerra. En el cine europeo sí se había producido ese cambio y estilos como el neorrealismo italiano habían calado entre el público. Así, los grandes estudios declararon la guerra a su enemigo número uno, la televisión, intentando ofrecer nuevos formatos como el cinemascope, grandes producciones plagadas de estrellas o la proliferación de cintas en color. Esto aumentaba enormemente los costes de producción, por lo que el descenso de cintas estrenadas anualmente también descendió. Algunas de las celebridades pasaron a formar parte de la nomina de las cadenas televisivas. Muchos autores, tanto noveles como veteranos, empezaron a realizar telefilmes y series que cosecharon gran éxito de audiencias. Se trataba de historias cercanas y sencillas, con pocos costes en la producción pero que trataban temas que interesaban a la sociedad americana. Las pequeñas productoras de cine, al no poder competir con la televisión, realizando grandes producciones o incorporando nuevos formatos por falta de presupuesto, decidieron adaptar a la pantalla grande aquellas obras que habían tenido éxito en la pequeña pantalla. Uno de los ejemplos más significativos de esas adaptaciones fue la película de Delbert Mann, Marty en 1955.

Marty nació de la pluma del guionista Paddy Chayefsky en 1953. La versión televisiva que también la dirigió el propio Mann, obtuvo bastante éxito en el momento de su emisión, por lo que la productora independiente de Burt Lancaster y Harold Hecht adquirió los derechos para el cine. Para la versión cinematográfica mantuvieron el tándem Chayefsky-Mann pero cambiaron al protagonista principal, Rod Steiger en la televisión por Ernest Borgnine en el cine. Se trataba de una historia sencilla sobre un carnicero del Bronx llamado Marty, metido ya en la treintena y que parece destinado a no encontrar pareja. Este, aparte de las dificultades para relacionarse con las mujeres, también tiene que soportar la presión de la familia y de su entorno. Sin embargo, una noche conoce a una mujer con la que comparte la misma sensación de fracaso en el amor y poco a poco comienza a surgir algo entre ellos.
A pesar de tener Mann un reputado historial en la televisión, Marty fue su opera prima en el cine y lo cierto es que no pudo empezar con mejor pie. La película se convirtió en un éxito rotundo, acaparando los cuatro Oscars más importantes y el premio del festival de Cannes a la mejor película. A pesar de ser una cinta de bajo presupuesto y sin grandes estrellas, el publico conectó enseguida con la historia de ese carnicero bonachón y de esa maestra de escuela tímida que se enamoran en un Nueva York de barrio, que parece sacado de las viñetas de Eisner. Toda la historia está tratada con una sensibilidad apabullante, poniendo de manifiesto temas tan universales para el alma humana como la soledad o el desencanto. Pocas veces hasta este filme, se había podido contemplar la frustración del americano medio y su vida rutinaria en un barrio anodino con esa naturalidad y espontaneidad. Los problemas familiares, los convencionalismos, la vejez o las conductas de la juventud de la época también aparecen reflejados en toda la obra. Sin duda, se trata de un estupendo retrato social de gente corriente que intenta luchar por lograr la felicidad y salir del ostracismo en el que se hayan inmersos.
Aparte de un espectacular Ernest Borgnine en el papel de Marty, destaca en sobremanera la actriz Betsy Blair en el papel de la maestra, curiosamente en un personaje en cierta forma similar al que realizó poco después en la aclamada cinta de Bardem Calle Mayor. La fotografía es en blanco y negro, y corre a cargo del técnico Joseph LaShelle mostrándonos un Nueva York nocturno, sin maquillaje ni adornos.

Desde la televisión, dieron el salto al cine gran cantidad de autores que realizaron una fructífera carrera en la gran pantalla como Sidney Lumet, Martin Ritt, John Frankenheimer o el propio Delbert Mann. Directores curtidos en el formato televisivo, capaces de rodar rápido y barato, además de saber contar historias cotidianas con trasfondo social. Marty nos remite al mejor cine nacido de la pequeña pantalla, en una época donde se esperaban grandes cosas de ese formato. Una película que devolvió al cine americano el interés por las historias sencillas y realistas. Un filme que demostró que se podía hacer cine de calidad y gran éxito con un corto presupuesto y sin estrellas fulgurantes.

Kris Kristofferson, Closer To The Bone (2009), el forajido cabalga de nuevo.

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Mon, 26 Oct 2009 20:48:00 +0000

Por estos lares, la palabra castizo es utilizada en la mayoría de las ocasiones para señalar a alguien trasnochado o seguidor de costumbres tradicionales. Se emplea en muchos casos como algo peyorativo o incluso burlesco. Sin embargo no se me ocurre ninguna palabra más apropiada para denominar, en el idioma en que mejor me desenvuelvo, a los que forman parte de la vieja guardia del folclore anglosajón de Norteamérica. Mientras escribo estas líneas, me vienen a la mente ilustres castizos yanquis. Se da la circunstancia de que en los últimos años han vuelto a reverdecer laureles viejas glorias de este linaje. El empuje y el reconocimiento que las nuevas generaciones del country rock, americana o como quiera denominarse, han tenido hacia sus maestros, sin duda ha ayudado a que del viejo magnolio hayan vuelto a brotar nuevas flores. La figura de Johnny Cash y sus últimas grabaciones para American Recordings, de la mano del avezado Rick Rubin, pueden ser la punta de lanza de todos ellos. El mestizo Willie Nelson sigue en la brecha sacando buenos discos y realizando gran cantidad de colaboraciones con artistas de todo tipo. El último disco de Levon Helm es una obra magnífica, llena de sensibilidad y sabor a destilería ilegal. En las últimas obras de Haggard se respira a porche, a mahogany y a tarta de arándanos. El álbum Same O ld Man de John Hiatt es una de mis discos favoritos del año pasado, una obra que te abre horizontes y despeja las nubes, dando paso a las grandes planicies hasta llegar a Grand Junction. El outsider J.J. Cale sigue sonando tan bien como en aquel Naturally o Tr obadour de hace más de treinta años, que tanto inspiró a iconos como Clapton o Knopfler. Ni que decir tiene que los prolíficos Young y Dylan mantienen vivas sus carreras desde bastante antes de llegar yo a este mundo, y no tienen pinta de jubilarse en Florida de momento. Pero en esta ocasión le toca el turno de apostar fuerte, dando un puñetazo sobre la mesa, poniendo sus cartas boca arriba y mostrarnos la jugada ganadora, al forajido más lírico de la historia del cine, Kris Kristofferson.

Kris Kristofferson fue una de los iconos norteamericanos más importantes de los años setenta. Tanto su carrera musical, como sus trabajos cinematográficos, han tenido gran repercusión al otro lado del charco. Continuador del Sonido Nas hville, aunque con letras más en la onda de Dylan que de Hank Williams, empezó como escritor de canciones para otras estrellas como Johnny Cash, Waylon Jennings o Roger Miller a mediados los años sesenta. A pesar de su limitada voz, no hay discusión posible al afirmar que la escucha de sus tres primeros discos es de obligado cumplimiento para cualquier aficionado a la música country o de roots, que así queda muy cool. Sin embargo su carrera musical pareció palidecer a partir de los años ochenta, década puñetera para lo genuino y lo clásico donde las haya. Tras una larga travesia por el desierto, en 2006 nos sorprendió con un nuevo trabajo que volvía a poner de nuevo al forajido Kris a lomos del caballo. Ese trabajo titulado This Old Road, fue una buena piedra de toque para quitar las telarañas de sus botas gastadas, dar un poco de grasa de caballo al cuero de su silla de montar y preparar su trasero para las largas jornadas sobre un mustang salvaje. Ahora en 2009, y habiendo pasado ya 73 veces por el mes de junio, nos ofrece una pequeña joya titulada Closer To The Bone. Realmente el álbum hace honor a su titulo, ya que se trata de un trabajo que en la primera escucha te llega bien hondo, casi al elemento óseo. En la segunda intentona notas como este cruje y se astilla como la madera vieja del poche al vaivén de la mecedora. A partir de la tercera la cosa no tiene remedio, la voz quebrada y templada por el paso del tiempo de Kristofferson te llega directamente al tuétano y se extiende por tu cuerpo como un veneno de mecha corta. Este álbum vuelve a estar producido por Don Was, que también ejerció de alquimista ambulante para Kristofferson en su anterior disco. Se trata de un disco grabado en directo de estudio, sin ningún tipo de pulimento ni abrillantador, para conseguir, en las palabras de sus autores, la mayor cercanía posible con el oyente. A fe que lo consiguen, si lo escuchas con detenimiento y cierras los ojos, notas la respiración del viejo vaquero en cada estrofa, la calidez de los viejos instrumentos e incluso el aliento a café y tabaco que se respira en el ambiente. Con este trabajo Kristofferson salda cuentas con su pasado, con su familia, con sus amigos y consigo mismo, en una época de su vida en la que la honestidad brilla sobre la vanidad. En esta obra, figuran en los créditos músicos como Rami Jaffee a los teclados, Jim Keltner a la batería, Step hen Bruton a la guitarra y mandolina y el propio Don Was al bajo. Todos ellos gravitan en torno a la guitarra, la armónica y la voz de Kristofferson, sin excesos ni virtuosismos huecos. Se da la circunstancia de que poco después de la grabación del disco Stephen Bruton, amigo intimo del propio Kristofferson, falleció, siendo esta obra un perfecto homenaje póstumo a ese gran músico norteamericano.

En el viejo magnolio del porche ha nacido otra flor llamada Closer To The Bone, el último trabajo de uno de los artistas pertenecientes al linaje más autentico del universo norteamericano. Una banda sonora digna de cualquier film crepuscular de Peckinpah. No encontrareis la perfección ni la excelencia musical en él, pero sí la esencia y la honestidad de un tipo que sigue necesitando la música para expresarse. Sin duda, la arruga es bella.

Closer To The Bone track 01

Starlight And Stone track 04

Good Morning John track 08

Let The Walls Come Down track 10

Elliot Murphy en el Kafe Antzokia, el eterno trovador de la gran manzana

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Sun, 25 Oct 2009 20:31:00 +0000

El pasado jueves se daban varias circunstancias que presagiaban que dicho día no pasaría a la historia de mi existencia como una fecha reseñable. Se fueron los fríos tempranos del otoño pero llegaron las lluvias templadas. Cuando uno se encuentra en casa, en una tarde lluviosa, arropado por su música, sus lecturas o simplemente viéndolas venir, le cuesta decidirse a llamar a un amigo para acudir a algún evento interesante que lo saque de su monotonía. En este caso reuní las fuerzas y las ganas necesarias y llamé a mi querido amigo Santi para apuntarme al plan que hubiera. Había dos opciones interesantes, por un lado tocaba el estupendo guitarrista de jazz Bill Frisell en la sociedad filarmónica de Bilbao y por otro actuaba el sempiterno trovador neoyorkino Elliot Murphy en el Kafe Antzokia. En principio, mi intención era la de inclinar la balanza por el rubio de Long Island, pero el plan era ver un concierto de jazz en un sitio tranquilo. Cuando decides salir de la cueva y te pones en marcha, el tráfico pesado de las ocho de la noche envuelto en lluvia y la dificultad extrema para encontrar un hueco libre para tu batmovil en la capital vizcaína, hacen que desees que esa maldita llamada nunca se hubiera producido. Para darle la razón al otro Murphy, al llegar al lugar te das cuenta de que el concierto era a las ocho y no a las ocho y media. De repente allí te encuentras, a las puertas del garito, lloviendo, rodeado de bares repletos de futboleros impenitentes y con un concierto empezado hace más de cuarenta minutos. La solución es clara, o te vas a casa rumiando tu mala suerte o modificas tu agenda y decides asistir al concierto que comienza a las nueve y media. Ya metidos en harina, con el coche aparcado y con futbol + cañita en los bares hasta las nueve, la opción del trovador norteamericano toma forma.

Elliot Murphy es un animal de escenario, como el mismo comenta, se encuentra casi siempre de gira y no es difícil verle por estos lares. Vive en Paris desde hace más de veinte años, por lo que gira por el viejo continente más que por ningún otro sitio. Puede vérsele en solitario o acompañado por su compadre desde 1997, el virtuoso guitarrista Olivier Durand. Por cierto, en ese formato le podremos ver en el palacio Euskalduna el 17 de enero del próximo año, fecha confirmada. En esta ocasión venía con su banda habitual, los franceses The Normandy All Stars. En una sala casi llena, últimamente el concepto de lleno en el Kafe Antzokia está muy devaluado, comenzó el concierto sobre las diez menos cuarto de la noche. Ya desde sus primeros temas, pudimos comprobar como Murphy y sus secuaces estaban enchufadísimos y en una forma excelente. Sin duda el rubio de la gran manzana sabe como emocionar y entretener al respetable con un vasto y solido repertorio de sus casi 30 años de carrera. Si en el último post os comentaba que en el caso de Billy Bragg este bebía de las fuentes de The Clash más que de Dylan, para Elliot la cosa está clara, el de Minnesota es un espejo donde mirarse y una fuente de inspiración. Su voz incluso, cada vez mas más rota con el paso del tiempo, se va modulando y pareciendo poco a poco a la del judío converso. Es muy difícil detallar el setlist de un concierto de dos horas y media en el que en muchos momentos planean la improvisación y la complicidad con el público. Tan solo mencionar que no faltaron clásicos de la talla de Sonny, Green River, Pneumonia Alley, On Elvis Presley’s Birthday o Diamonds by the Yard, todos ellos interpretados magníficamente por la banda. A pesar de tratarse de un formato básico de rock, que tanto Olivier Durand y el propio Murphy tocasen durante todo el concierto con guitarras acústicas Taylor, le dio un carácter unplugged a todo el conjunto. Si bien es cierto que el hacha francés se electrificaba en muchos solos o cuando hacia slide. La banda, aparte de los dos citados, la componían Alan Fatras a la batería y Laurent Pardo al bajo y en dos temas intervino una chica de por estos lares, supongo que amiga de Murphy, a la que no tengo el gusto de conocer. Tras casi dos horas llegaron los bises, en los que Murphy interpretó varias canciones completamente desenchufado, apelando al silencio del público para hacerse escuchar, cosa difícil cuando hay gente que ni siquiera se calla con el volumen a tope, dando la sensación de que vienen a las actuaciones en directo para hacer vida social. Quizás esta última parte fue la más floja de la noche, quedando un poco forzada y deslavazada.

Lo cierto es que Murphy sobre un escenario se encuentra en su salsa. Su alma de poeta y trovador de club se encuentra cómoda en esta tesitura y sin duda su entusiasmo se trasmite al público. Así, me fui feliz a casa, los hados habían querido que asistiese a un gran concierto de música rock con raíces, de esas que germinaron dentro de mí hace mucho tiempo y que de vez en cuando necesitan ser regadas por músicos como Elliot Murphy.

Billy Bragg en el Euskalduna (Bilbao) "I Dreamed I Saw Billy Bragg Last Night"

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Fri, 23 Oct 2009 13:57:00 +0000

Billy Bragg es uno de los folk singers europeos más reputados de los últimos veinticinco años. Desde su álbum debut Life’s A Riot With Spy Vs Spy ha venido desarrollando una carrera constante y fructífera. Ya desde sus comienzos, Bragg ha estado muy comprometido con el movimiento obrero y las políticas de izquierdas, recogiendo en sus propias palabras el espíritu rebelde y de conciencia social de Woody Guthrie o Pete Seeger. En la gira de presentación de su último álbum, titulado Mr. Love & Justice y editado en 2008, nos ha visitado por estas tierras ofreciéndonos un recital en Bilbao.
Nos congregamos en la sala A-1 del Palacio Euskalduna alrededor de 500 personas, para una capacidad de más de 600. No está mal para los tiempos que corren. Sin duda, la proliferación de artistas que giran en directo y la crisis en general, han provocado un descenso en la asistencia a espectáculos musicales. Los 11 euros de la entrada eran un buen reclamo para los que tienen que racionar su presupuesto. No sé si que las entradas tengan esos precios populares será por deseo del propio músico, ciertamente iría con su filosofía. En todo caso, es de agradecer que se pueda asistir a un concierto de un artista de nivel a esos precios. Como suele ser habitual en este recinto, Bragg salió a escena prácticamente a la hora programada, las ocho y media de la noche. Acompañado de su Fender Telecaster comenzó el show con To Have and To Have Not de su primer disco, un clásico cargado de energía punk y soflamas contra el sistema. Le siguieron Farm Boy, Greetings To The New Brunette, The Warmest Room y un largo etcétera hasta completar una hora y tres cuartos de concierto, alternando clásicos y nuevos temas, algunos de ellos en formato acústico. Por supuesto, no faltaron los monólogos entre canción y canción que ayudaban a acortar distancias y a hacer un mayor proselitismo de sus ideas si cabe. No faltaron comentarios a sus inicios en la música cuando apenas tenía 19 años, a la pertenecía desde muy joven a grupos de movimientos antifascistas, a la situación económica actual, cargando contra banqueros y dirigentes políticos o hablando con ironía sobre sus primos del otro lado del charco. La barrera idiomática pudo ser un obstáculo para los que no entendieran el inglés, pudiendo ser la causa de que el público se enfriase algo entre tema y tema. En todo caso, Bragg intentó hacerse entender alejándose de su acento cockney y procurando utilizar un vocabulario sencillo sin llegar a ser de Sesame Street. El show termino con su hit A New England, intentado que el público entonase el estribillo con más voluntad que acierto.

Este, fue en mi opinión, el paso del gran Billy Bragg por Bilbao, un cantautor (maldita palabra) que bebe más de la fuente de The Clash que de la de Bob Dylan y que con sus letras pretende ser un trovador comprometido como lo fueron Guthrie, Och o su bien amado Strummer. Un artista que intenta remover conciencias a base de buena música y actitud rockera, algo sin duda necesario en estos tiempos que corren.

En aquel octubre del otoño de 1965...

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Tue, 20 Oct 2009 13:01:00 +0000

El primero de octubre de 1965 Bob Dylan desveló los componentes de su nueva banda que actuaria junto a él en el Carnegie Hall de Nueva York. El músico una vez hubo terminado su set acústico regresó al escenario junto a Robbie Robertson a la guitarra, Garth Hudson en el órgano, Rick Danko al bajo, Richard Manuel en el piano y Levon Helm a la batería. Con esta formación comenzaría una gira histórica que les llevaría hasta 1966. El set list de ese concierto fue:

1. She Belongs to Me 2. To Ramona 3. Gates of Eden 4. Mr. Tambourine Man 5. Love Minus Zero/No Limit 6. Desolation Row 7. It's All Over Now, Baby Blue 8. Maggie's Farm 9. I Don't Believe You (She Acts Like We Never Have Met) 10. Can You Please Crawl Out Your Window? 11. Just Like Tom Thumb's Blues 12. Tombstone Blues 13. It Ain't Me, Babe 14. Positively 4th Street 15. Ballad Of A Thin Man 16. Like A Rolling Stone

Bob Dylan - To Ramona (Live 1965)

El grupo británico The Who grabó el día 13 en los estudios londinenses de Pye la canción My Generation. La canción la escribió el guitarrista de la banda Pete Townsend durante un viaje en tren hasta Southampton donde iban a participar en un show de la televisión. Townsend quería reflejar en ella la rabia y la frustración de la juventud inglesa de esos años. La versión definitiva se logró a la cuarta toma y se convertiría en uno de los mayores éxitos del grupo logrando el número dos de las listas británicas en diciembre del mismo año.

The Who - My Generation (1966)

El bajista Bill Black, conocido por participar en las grabaciones de los primeros éxitos de Elvis Presley y uno de los pioneros del Precisio n bass de Fender, murió el 21 de octubre en el hospital Baptist Memorial de la ciudad de Memphis. Black murió a la edad de 39 años a causa del cáncer.

Elvis Presley - Hound Dog (1956)

En ese mismo día Spencer Davis Group grabó en los estudios Pye el tema Keep On Running que a la postre alcanzaría el primer puesto de las listas británicas en enero del año siguiente. El corte lo produjo Chris Blackwell y el cantante jamaicano Jimmy Cliff formó parte de los coros. El tema estaba compuesto por el también jamaicano Jackie Edwards y se sostenía en una línea de bajo palpitante a cargo de Muff Windwood y la destacada voz de R&B de su hermano menor Steve.

Spencer Davis Group - Keep On Running (1966)

T-Bone Walker, el Bluesman con alma de jazz

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Fri, 16 Oct 2009 23:18:00 +0000

La figura del guitarrista de blues siempre ha suscitado leyendas e historias en la imaginería popular norteamericana. La fama de pendencieros y buscavidas les ha acompañado por cada garito donde han actuado. Almas de carretera polvorienta y cruce de caminos, de los que se decía que podían vender su alma al diablo para alcanzar la fama y la maestría con la guitarra. También se les consideraba en la mayoría de los casos mujeriegos y bebedores impenitentes, y por esto más de uno tuvo que salir por piernas de algún tugurio alguna vez. Sin embargo, cuando abrían su gastada funda y sacaban su vieja guitarra la gente enmudecía para escuchar los blues que surgían de lo más profundo de su ser. El blues era el lamento de las almas atormentadas por el amor, o la voz que se alzaba contra una vida llena de miserias o el canto espiritual que les conectaba directamente con dios. Era una música que calaba hondo en la gente que se identificaba rápidamente con el mensaje. Así, a principios de los años veinte y con el empuje de las compañías discográficas, emergió el blues como género aunque englobado en lo que entonces se denominó música racial. A partir de entonces y hasta la fecha, ha evolucionado a través de fusiones con otros géneros y la aparición de nuevos estilos, hasta convertirse en una de las músicas más influyentes. Es innumerable la cantidad de artistas importantes que han tocado o simplemente compuesto canciones de blues. Y uno de los más importantes y quizás también uno de los más injustamente olvidados es el músico tejano T-Bone Walker.

Aaron Thibeaux Walker nació en Linden, Texas, el 28 de mayo de 1910. Fue el único hijo de una familia afroamericana que, huyendo de la miseria, tuvo que emigrar dos años después del nacimiento del vástago a la ciudad de Dallas. En las calles de esta ciudad T-Bone conoció al que se convertiría en su mentor y Pigmalión musical, el gran Blind Lemon Jefferson. Siendo muy joven, aprendió todos los secretos de la guitarra haciendo de lazarillo para el padre del blues en Texas. Cuando apenas era un adolescente, pudo conseguir la suya propia y comenzó a actuar en cualquier esquina de la ciudad por un puñado de monedas. De ahí paso a actuar por diversos locales como acompañante de artistas de Dallas, hasta que en 1929 debutó grabando un single de la mano del sello Columbia con el nombre de Oak Cliff T-Bone. Como puede apreciarse, T-Bone es una corrupción fonética de su apellido Thibeaux, demasiado complicado de leer pensaría. Después de esto, T-Bone emigró a la ciudad de Los Ángeles en 1934. En la dorada California se estableció como artista residente en el club Little Harlem, formando una pequeña banda que le acompañaría en cada show. De esta forma, graba algunos sencillos y comienza a girar por todo el país, actuando en la meca del blues, Chicago, y en la meca de todo, Nueva York, a finales de los años treinta. De regreso en Los Ángeles, graba discos con importantes bandas de jazz y swing, reforma su propia banda y empieza a tocar por los clubes white-only más importantes de Hollywood. Aquí se empieza a fraguar la importancia que T-Bone tiene para la evolución de la guitarra en el blues. Este, empieza a aportar fraseos y riffs propios del jazz a sus composiciones blues, lo que le abre enormemente el abanico de posibilidades que tiene su instrumento. En septiembre de 1946, T-Bone firma un contrato en exclusiva con el sello Black & White. Junto al productor Ralph Bass graba en 15 meses 49 temas de donde saldrán sus mayores éxitos. Entre ellos, joyas del género como Call It Stormy Monday o T-Bone Shuffle que convierten a T-Bone en el músico de blues más influyente de esa época. En esta colección de canciones se siembra la semilla que florecerá en las generaciones de guitarristas de blues y rock venideras. Así los riffs de T-Bone se reflejarán en los futuros de trabajos de B.B King, Buddy Guy, Chuck Berry, Albert Collins, Albert King o el mismísimo Hendrix. La innovación de T-Bone no se queda solo en el estudio, sino que se convierte en toda una atracción sobre el escenario, tocando en posturas imposibles, realizando acrobacias con el instrumento o realizando fraseos con la guitarra por detrás de su cabeza. En la primavera de 1950 firma un nuevo contrato discográfico, en este caso con Imperial Records, donde grabara otros 52 temas en los siguientes cuatro años. A pesar de tratarse de canciones excelentes, no consigue alcanzar el éxito logrado en los años precedentes. En 1955 ficha por Atlantic y continua grabando discos y girando por todo el país, atesorando una gran calidad compositiva aunque siguiendo alejado del éxito. Se vuelve a establecer definitivamente en Los Ángeles y en 1962 cruza el charco para actuar en Europa con el American Folk Blues Festival. Así se convierte en una estrella internacional, logrando tener un circuito de actuaciones estable por Europa. En esos años graba como freelance para diversos sellos de distintos países, llegando incluso a ganar un Grammy en 1970 por su álbum Good Feelin' editado por el sello Polydor. Su mala salud también le acompaña en esos últimos años, hasta que el 16 de marzo de 1975 fallece a causa de una neumonía a la edad de 64 años.

T-Bone Walker pertenece a esa estirpe de bluesmen que cruzaron el país coast to coast desplegando la magia de su guitarra. Un artista que creó un estilo que fue la mecha de la explosión del blues de la postguerra. Un músico versátil e inteligente que desarrolló la guitarra eléctrica hasta cotas que jamás se habían conocido. El maestro Freddie King comentaría años después en una entrevista, que creía que todo el blues moderno tenía su origen del trabajo realizado por T-Bone Walker y que al comentárselo en una ocasión a B.B. King este le respondió que él también pensaba lo mismo. No estaría de más el descubrir el crossroads en el que T-Bone Walker descansó encima de la funda de su guitarra, mientras esperaba el paso de la fortuna en un Buick de color negro.

Call It Stormy Monday

T-Bone Shuffle

Too Much Trouble Blues

Midnight Blues

I Got The Blues

Déjame Entrar (Let the Right One In, 2008), vampiros de sangre fría

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Thu, 15 Oct 2009 13:27:00 +0000

El género del vampirismo en el cine ha vuelto a resurgir en los últimos años de la mano de la saga para adolescentes Crepúsculo. A pesar de que comercialmente suele ser un estilo atractivo para los productores, las películas de esta temática aparecen y desaparecen de las carteleras dependiendo de las modas, de sagas literarias como es el caso anterior o por cualquier otra causa. El universo vampírico es rico y variado, por lo que siempre ha sido del agrado del buen aficionado al cine de terror, aunque de un tiempo a esta parte, en estos filmes tan solo se suelen explotar aspectos como el sexo, la acción pura o la casquería. Sin embargo, desde la fría Suecia nos llega una pequeña joya que, sin obviar ningún de los clichés que lo han hecho grande, reinventa este género de una manera inteligente y sutil.
Tomas Alfredson con su filme Déjame entrar (Let the Right One In) de 2008, nos propone una revisitación del mito vampírico ambientada en un suburbio de una ciudad sueca a principios de los años ochenta. La trama gira en torno a Oskar, un niño introvertido de doce años que continuamente es objeto de burlas y agresiones por parte de algunos de sus compañeros de clase. Esto va provocando en él un sentimiento de odio y frustración que le hace aislarse de los demás. Una noche conoce en un parque a una niña solitaria y extraña, con la que va a entablar una relación muy especial.

Basada en la novela del mismo título del escritor John Ajvide Lindqvist, quien realiza también la adaptación al cine, la película de Alfredson nos muestra mediante una historia de amistad preadolescente, casi todas los mitos del vampirismo. Empezando por su propio título, en referencia al hecho de que un vampiro no puede entrar en una casa sin ser invitado, en la cinta no faltan ni las trepadas imposibles por las paredes, ni la fuerza sobrenatural de estos seres, ni la voracidad que sienten por la sangre humana o la animadversión que tienen por la luz solar. Sin embargo, todas estas características aparecen integradas en la trama con una naturalidad y un buen gusto realmente sorprendentes. La amistad que se va fraguando entre los dos niños es el leitmotiv del filme. Una relación que comienza por la propia necesidad que tienen ambos de relacionarse con alguien sin sentirse rechazados. Solo son capaces de salir a la calle cuando el resto de la sociedad se recoge en sus casas, en un parque vacio cuando ya ha caído la noche. El paisaje gélido del invierno sueco no hace más que resaltar la soledad de ambos protagonistas, además de ser un elemento narrativo importante en la sucesión de los hechos. Es especialmente destacable que tanto los elementos dramáticos, como los propios de del cine de terror y suspense están perfectamente ponderados dentro del filme. Todas la escenas están rodadas con suma delicadeza por parte de Alfredson, incluso en los momentos más crueles o violentos. Sin ensañarse con planos cortos, tan habituales en el cine actual, que en vez de dinamizar la acción no hacen sino aturdir al espectador. La actuación de ambos niños sin duda destaca por su sobriedad y contención, lo que es un claro punto a favor del director y su dirección de actores. La música es acorde al tono minimalista de todo el filme, donde apenas se hace énfasis en los crímenes que en él se cometen.

Déjame entrar es un acercamiento novedoso y excitante al mito vampírico, saliéndose de los cánones habituales y proporcionando al espectador un plus de romanticismo y calidad dramática, ausente en la mayor parte de los filmes de este género. El hecho de que Alfredson declarase que en un principio no le interesaban los filmes de este género, sin duda le ha ayudado a realizar un filme que sin renunciar a sus propias características, huye de los convencionalismos al uso. Todo esto sitúa a Déjame entrar como, no solo una de las mejores películas de terror de los últimos tiempos, sino como una de las mejores cintas de este año. Si consigues entrar, te cautivará.

*Déjame entrar (Let the Right One In, 2008) - Tráiler español

Guitarra con MAYÚSCULAS

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Tue, 13 Oct 2009 08:30:00 +0000

Mi amigo Blogero TSI-NA-PAH ha confeccionado una extensa y maravillosa lista de los que él considera como los mejores momentos de la guitarra en la música moderna. En realidad esta idea nació de un artículo realizado por el no menos amigo y compañero El Rey Lagarto. Toda esa selección que ha realizado me parece perfecta y estupenda, aunque siempre se quedan grandes temas y músicos en el tintero. Pero realmente tengo la necesidad de hacer este pequeño post sobre uno de los instrumentos que más me apasionan. Tengo pensado hacer algo más extenso y con otra perspectiva pero eso será en otro momento. Por lo tanto pospondremos el artículo que tenía para hoy y os mostrare cinco momentos que me resultan maravillosos de la guitarra en la música. Esta pequeña selección la confecciono sin incluir los estilos del rock ni del jazz, ya que esos géneros ya los tratamos a diario en esta comunidad blogera.
Que los disfrutéis...

Paco de Lucia - Entre Dos Aguas desde TVE (1976)

Atahualpa Yupanqui (1988)from TV

Baden Powell - Samba Triste Recorded in Berlin (west) in October 1967 at the Philharmonie (name of the festival was Berliner Jazztage)

Vinicius De Moraes and Toquinho - Medley from italian TV in 1972

Rodrigo y Gabriela - Diablo Rojo

¿Dónde estabas tú en…? Octubre de 1980

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Sun, 11 Oct 2009 12:24:00 +0000

El primer día de octubre Paul Simon estrenó su película semi-autobiográfica One-Trick Pony alcanzando un moderado éxito en la taquilla a pesar de que se estrena por los cines de todo el país. En el filme realizan breves apariciones los miembros del grupo B-52’s, Lou Reed y unos renacidos Lovin’ Spoonful.

One-Trick Pony - Paul Simon Live from Philadelphia, 1980.

El día 3 de ese mismo mes comenzó en el Crisler Arena de universidad de Michigan, el tour de promoción del nuevo disco de Bruce Springsteen titulado The River. La canción que abrió el espectáculo fue Born To Run, siendo esto la primera vez que ocurría. El siguiente tema fue Thunder Road, un gran éxito del boss al que se unió la estrella local Bob Seger para interpretarla. Este disco de Springsteen se convertiría en su primer número uno en USA, siendo aclamado también por la crítica especializada.

Bruce Springsteen - Born To Run, Capital Center Landover,MD November 24th 1980

Los componentes de Fleetwood Mac Lindsey Buckingham, Stevie Nicks y Mick Fleetwood presentaron el 4 de octubre en el Dodgers Stadium de california a la University of Southern California Trojan Marching Band durante el medio tiempo de un partido. Esta banda había colaborado con el grupo en el tema Tusk que había alcanzado el octavo puesto en las listas y el disco homónimo había conseguido el doble platino.

Fleetwood Mac - Tusk (1980)

También ese mismo día la banda inglesa Queen logra el numero uno de las listas americanas con el tema Another One Bi tes the Dust. Este tema está fuertemente inspirado, sobre todo en la base del bajo, por la canción Good Times del grupo de funk Chic. Se da la circunstancia de que el bajista de Queen pasó un tiempo en el estudio junto la banda neoyorkina mientras estaban grabando su próximo disco. Este sería el segundo numero uno de la banda en ese año, el primero lo lograron con el tema Crazy Little Thing Called Love y ambos pertenecían al álbum The Game.

Queen - Another One Bites The Dust Live from Montreal in November 1981

Chic - Good Times (1979)

El 6 de noviembre fue arrestado John Lydon más conocido como Johnny Rotten, antiguo cantante de los Sex Pistols, en Dublín. El suceso se produjo por una reyerta ocurrida en un pub de la capital irlandesa en el que Lydon asaltó y agredió a varios individuos. Fue sentenciado a 3 meses de cárcel por conducta desordenada pero sin embargo finalmente fue absuelto después de la apelación.

Public Image Ltd. with John Lydon - Careering & Poptones in USA TV (1980)

El 9 de octubre John Lennon cumplió 40 años de edad. A modo de celebración grabó ese mismo día la canción (Just Like) Starting Over, que saldría como single el 24 de este mismo mes. Dos semanas después este tema se convertiría en el primer número uno del artista en cinco años. También fue el primer single del álbum Double Fantasy y el único que conocería el artista ya que fue asesinado a tiros el 9 de diciembre de ese mismo año.

John Lennon - Starting Over (1980)

Finalmente el día 27 murió en Londres el miembro fundador junto a Marc Bolan de la banda Tyrannosaurus Rex, Steve Peregrin Took. El músico se asfixió con una cereza de cocktail mientras estaba en su casa consumiendo morfina y setas alucinógenas. Peregrin tenía tan solo 31 años.

Tyrannosaurus Rex - The Travelling Tragition from the album Prophets, Seers & Sages: The Angels of the Ages in 1968

Odetta, La reina del Folklore americano

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Wed, 07 Oct 2009 22:32:00 +0000

Este pasado fin de semana nos enteramos del fallecimiento de la cantante argentina Mercedes Sosa. La negra Sosa como se la conocía popularmente pertenecía a ese grupo de hombres y mujeres que pusieron su talento y su arte al servicio de los más desfavorecidos. Soportaron las persecuciones políticas y policiales tan solo por pensar distinto y expresarlo con su música. El poder que poseían residía en la capacidad que tienen las canciones para despertar, unir y hacer levantarse a los más desfavorecidos de la sociedad. Se considera a la chilena Violeta Parra el germen de la música popular sudamericana moderna y el espejo en el que alguna vez se miraron la mencionada Mercedes Sosa, Víctor Jara, Daniel Viglietti, Elis Regina, Silvio Rodríguez, Serrat o en los Estados Unidos Joan Báez. Otra de las grandes influencias que tuvo Joan Baez dentro de su propio país, fue la artista afroamericana Odetta Holmes.
Odetta Holmes, conocida en el mundo de la música como Odetta a secas, nació en el estado de Alabama en 1930. Habiendo perdido al padre cuando Odetta era niña, la familia Holmes emigró a la dorada California huyendo de la miseria que inundaba el sur de los Estados Unidos en aquellos años de la depresión. Su adolescencia la pasó trabajando como empleada del hogar en la ciudad de Los Ángeles y estudiando canto clásico en Los Ángeles City College. Ya desde pequeña Odetta poseía una voz prodigiosa, por lo que su madre con gran sacrificio le iba pagando sus clases de canto y guitarra. Cuando tenía 19 años consiguió un papel en un musical que se representaba en el teatro Greek de Los Ángeles. De esta forma Odetta entró en el mundo del espectáculo, quedando impresionada cuando en esa obra conoce el blues a través de la armónica de Sonny Terry. Al año siguiente, llega a la ciudad de San Francisco de la mano de una compañía de teatro en la que estaba trabajando. En aquellos años, San Francisco tenía una importante escena folk en North Beach y Odetta entra en contacto con ella, contagiándose de su sonido y absorbiendo el estilo. Tras esta experiencia, regresa a Los Ángeles y va alternando las actuaciones en el teatro con sus trabajos en el servicio doméstico. Pero es en el año 1953 cuando decide intentar hacer carrera musical, por lo que hace la maleta y se planta en Nueva York para intentarlo en la importante escena folk de la ciudad. Allí conoce a Pete Seeger y Harry Belafonte, que rápidamente descubren las posibilidades vocales y expresivas de Odetta para la música. Empieza a alternar sus actuaciones tanto en clubes de la gran manzana como en San Francisco. Su debut discográfico no se hace esperar demasiado y en 1954 graba su primer álbum titulado The Tin Angel. Este disco lo realiza mano a mano con el músico Larry Mohr y se trata de una colección de canciones tradicionales del folklore americano, espirituales y blues que están en parte grabadas en directo desde el club Tin Angel de San Francisco. A partir de este momento, se dedico a explorar todas las ramas de la música popular americana, aportando su versatil voz capaz de abarcar diversas tesituras. A partir de este momento su popularidad subió como la espuma en la escena folk de todo el país, estando este estilo en plena pujanza.. Así, en los años sesenta labra su fructífera carrera musical, sacando hasta 16 álbumes en esa década. Además se destaca como defensora acérrima de los derechos civiles de los ciudadanos afroamericanos, llegando a participar, cantando desde la primera línea el himno O Freedom, en la marcha hacia Washington organizada por Martin Luther King en 1963. Durante todos esos años hasta su muerte en el año 2008, ha sido considerada una figura clave en el devenir de la historia reciente del folklore norteamericano. Joan Báez, Bob Dylan, Fred Neil o Karen Dalton la tomaron como referencia para lo que sería la explosión del folk de principios de los años sesenta. Grabó decenas de estupendos disco, cantó todos los estilos de la música tradicional y del jazz, recibió medallas y distinciones de las más prestigiosas universidades, fue condecorada por el presidente Clinton con la medalla de oro de las artes y así una multitud de honores más hasta que su enorme corazón dijo basta en diciembre del año pasado. Aunque hubo un sueño que Odetta no pudo cumplir, cantar en la toma del cargo de presidente de Barak Obama, el primer presidente perteneciente a la raza por la que tanto luchó.

Old Cotton Fields At Home from the album The Tin Angel (1954)

Paths Of Victory from the album Odetta Sings of Many Things (1964)

Water Boy from the film No Direction Home, in a TV performance from the 1960s

Black Woman & Shame And Scandal In The Family on The Johnny Cash Show, August 30, 1969

Tripsichord Music Box, un viaje por el Frisco Sound

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Tue, 06 Oct 2009 12:21:00 +0000

A mediados de los años sesenta la ciudad de San Francisco hervía con los movimientos contraculturales que allí se estaban gestando. La urbe se convertía en el lugar de peregrinación de miles de jóvenes atraídos por el amor libre, las drogas y la música. En Haight-Ashbury se aglutinaban estas tendencias convirtiendo a este barrio en el foco de la vida bohemia de la ciudad. Se empezaba a crear allí una comunidad floreciente en ideas y propuestas que ponían en entredicho los valores tradicionales de la sociedad. En este caldo de cultivo nacían bandas que experimentaban con nuevos sonidos, algunos claramente influenciados por drogas como el LSD, que todavía era legal en esa época. Las influencias musicales de estos músicos eran el folk y el blues, pero a su vez también absorbían el influjo de la British Invasion y de otras músicas. Toda esta mezcla de psicodelia, drogas y rock desembocó en un sonido distinto y claramente identificable, el rock psicodélico de San Francisco o el acid rock. Los mayores exponentes de este sonido fueron bandas como Big Brother And The Holding Company, Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service, The Charlatans, The Grateful Dead o Moby Grape. Pero hubo otros artistas que también formaron parte de esta corriente y que realizaron buenos trabajos aunque sin embargo quedaron en el olvido del gran público. La banda californiana Tripsichord Music Box fue uno de ellos.

Tripsichord Music Box se formó en el año 1965 en el área de la ciudad de Santa Barbara. La formación original de la banda la componían Tony McGuire haciendo las voces y a la guitarra, Frank Straight al bajo, Oliver McKinney como teclista y Randy Guzman a la batería. La llamada a filas de McGuire y su traslado a la guerra del Vietnam provocó la entrada de David Zandonatti en el grupo para ocupar la plaza dejada por este. En un primer momento se hicieron llamar The Ban, posteriormente y tras mudarse a Los Ángeles cambiaron el nombre por Now y finalmente tras peregrinar a la ciudad de San Francisco en 1967 pasaron a denominarse Tripsichord Music Box. En sus primeros pasos eran una banda de garage, de las muchas que existían por aquellos años y consiguieron sacar un par de singles antes de irse a San Francisco. Al llegar a allí, contactaron con el manager y productor Matthew Katz, descubridor e impulsor de bandas como Jefferson Airplane, It's A Beautiful Day o Moby Grape, y firmaron un contrato con su sello discográfico llamado San Francisco Sound Label. Con este sello grabaron unos cuantos temas que aparecerían como singles o formando parte de recopilaciones del propio sello. Tras la pérdida sufrida por el sello con la marcha de Moby Grape o It's A Beautiful Day a multinacionales de Los Ángeles, Matthew Katz intentó promocionar la carrera de Tripsichord Music Box con mayor fuerza. Incluso llegaron a actuar con el nombre de Moby Grape por un tiempo, ya que Katz se había apropiado de él en una disputa con sus ex protegidos. Por esta circunstancia, la banda entró en crisis, lo que provocó la salida del teclista Oliver McKinney. Esta baja fue sustituida por el guitarra Bill Carr y se añadió un nuevo componente, el vocalista Ron McNeeley. Al poco tiempo retomaron su nombre original, aunque acortándolo hasta dejarlo solamente en Tripsichord. En 1969 entraron de nuevo al estudio para grabar lo que sería su primer y único álbum titulado igualmente Tripsichord. En este disco pusieron de manifiesto sus buenas dotes como músicos, con improvisaciones lisérgicas al más puro estilo de San Francisco. El sonido del álbum recuerda a Moby Grape, a Grateful Dead o incluso se asemeja a Jefferson Airplane cuando una voz femenina aparece en algún corte. Como no podía ser de otra forma, este es un trabajo claramente influenciado por el folk aunque este haya pasado por el tamiz de la amplificación y la distorsión para crear así las atmósferas tan propias de este estilo. Como punto reseñable, también se puede comentar el diseño de la portada, basado en los cuentos de hadas con referencias a la obra del pintor modernista y simbolista Gustave Klimt y a los ilustradores de los años 20. La falta de visión de Katz o la mala fortuna provocó que el disco no se editase hasta el año 1970. Un trabajo de estas características en esa fecha no era más que un anacronismo en una época en la que las modas y los estilos se trasformaban continuamente. Como suele ser habitual en estos casos, en la banda cundió el desencanto y ese mismo año se separaron. Al año siguiente, se volvió a editar el álbum con el sello Janus Records donde se añadieron, a los nueve temas originales, algunos singles como bonus tracks. Como curiosidad destacar que Zandonatti y McNeeley se mudaron a Utah y entraron a formar parte de un importante grupo musical mormón.

La música oscura y lírica de Tripsichord Music Box nos recuerda a los ecos provenientes de aquel verano del amor de mediados de los sesenta. Aunque este conjunto ha permanecido oculto para el gran público y su música tan solo ha sido degustada por los más intrépidos coleccionistas, son el reflejo perfecto de una época que cuestionaba el sistema de valores de la sociedad y promulgaba un cambio radical en ella. Tras el mayo del 68, la alegría y el entusiasmo se tornaron en tristeza y desencanto, pero eso ya es otra historia.

*Si te ha gustado este disco, lo puedes descargar en este link:
Tripsichord Music Box 1971

On The Last Ride (1970) Track 1

We Have Passed Away (1970) Track 2

The New Word (1970) Track 4

You're The Woman (1969) Track 10 [Bonus]

Times & Seasons (1968) Track 13 [Bonus]

The Ban - Bye Bye Taken from a single of 1965

Distrito 9 (District 9, 2009), un buen comienzo para Neill Blomkamp

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Sun, 04 Oct 2009 23:30:00 +0000

Las operas primas suelen ser en muchos casos esclarecedoras del estilo y las posibilidades de un director en el futuro. Por supuesto esta premisa no se cumple en todos los casos, ya que en el éxito o el fracaso de un filme influyen multitud de variables. Pero lo cierto es que realizadores hoy consagrados, tuvieron comienzos prometedores. Podríamos citar los ejemplos de Steven Spielberg y su filme El diablo sobre ruedas (1971), Martin Scorsese con ¿Quién llama a mi puerta? (1968), Tarantino y sus Reservoir Dogs (1992), Christopher Nolan en Following (1998) o el español Alejandro Amenábar con Tesis (1996). En esta ocasión voy a comentar la opera prima de un director sudafricano llamado Neill Blomkamp, que con su película titulada en España Distrito 9 (District 9, 2009) ha conseguido atraer la atención del mundo del celuloide incluso antes de su estreno.

No es de extrañar que Distrito 9 fuese esperada con expectación por todos los aficionados al cine, ya que la idea parte de un cortometraje que había realizado el joven Blomkamp en 2005, titulado Alive in Joburg , que había dejado boquiabierto a más de uno. Se trataba de una alegoría en forma de relato de ciencia ficción sobre el apartheid y en general la situación de los campos de refugiados en cualquier lugar del planeta. Blomkamp planteaba la situación que se creaba en la ciudad de Johannesburgo tras la llegada de una nave extraterrestre. Este hecho desataba la alarma social en la población, provocando en esta el miedo y el rechazo a lo desconocido y los alienígenas eran confinados en un campo de concentración cerca de la ciudad. Este es también el punto de partida del largometraje posterior; la película nos cuenta desde la llegada y el confinamiento de los alienígenas en una zona llamada Distrito 9, al estado que se vive veinte años después de la llegada de estos últimos, donde la situación en vez de mejorar ha empeorado considerablemente al haber sufrido la colonia un importante aumento de población. Una especie de Naciones Unidas acuerda el traslado de la población extraterrestre a una zona alejada del núcleo urbano para que el conflicto social de la ciudad no vaya a mayores.

Con estos mimbres Neill Blomkamp realiza una estupenda película de ciencia ficción planteada de un modo realmente interesante. La cinta está narrada con un ritmo frenético, fluctuando entre el falso documental al estilo de REC y el relato convencional. Esta forma de narración híbrida, junto con la originalidad de su guion y sus espectaculares efectos especiales, hacen de esta ópera prima una cinta novedosa y sorpresiva. El hecho de que Neill Blomkamp se haya encargado de los efectos especiales de series como Smallville, Stargate SG-1 o de su cortometraje Alive in Joburg, le ha proporcionado la experiencia necesaria para acometer unos efectos especiales tan espectaculares. Aunque sin duda, si hay algo que distingue a esta obra, es que los efectos están al servicio de la misma y no al revés, problema del que adolecen la mayor parte de las obras de ciencia ficción actuales. Es también Neill Blomkamp quien firma el guion junto a Terri Tatchell. Entre los actores, destaca la interpretación de Sharlto Copley en el papel de funcionario encargado de llevar a cabo la evacuación del Distrito 9. Y sin duda. la mano de Peter Jackson se nota en todo el filme, aunque figure solamente en los créditos como productor.

Neill Blomkamp ha cuajado en su primer largo una obra realmente interesante y entretenida, que si bien no es redonda en su conjunto, destaca por encima del cine de este género que se realiza en la actualidad. Como el cine ha hecho en multitud de ocasiones, Neill Blomkamp ha utilizado la ciencia ficción como instrumento de crítica de la situación política y social no ya solo de un país en concreto, sino extrapolable a distintos lugares del planeta. De su azote no se escapan ni los poderes políticos, ni las grandes corporaciones, ni los medios de comunicación ni la propia ciudadanía, sin importar el estrato social al que pertenezca. Una película que no inventa nada nuevo, pero que toma de aquí y allá para ofrecer un producto actual y entretenido. Un estupendo debut de un director que ojalá pueda reverdecer los laureles de un género tan depauperado en los últimos tiempos.

*Trailer en español

¿Dónde estabas tú en…? Octubre de 1970

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Sat, 03 Oct 2009 15:22:00 +0000

El 1 de octubre de 1970 fue enterrado en la iglesia baptista de Renton en el condado de King el músico Jimi Hendrix. En ese templo su tía solía tocar el órgano durante las ceremonias religiosas cuando Jimi era todavía un niño. Después del responso, el cuerpo del artista fue enterrado en el cementerio de Greenwood y a este asistieron entre otros sus compañeros de grupo Noel Redding y Mitch Mitchell, Johnny Winter o Miles Davis. En el epitafio de su tumba se podía leer:

“Forever In Our Hearts James “Jimi” Hendrix 1942-1970”

*The Wind Cries Mary from the album Are You Experienced (1967)

El 4 de octubre Janis Joplin fue encontrada muerta en la habitación 105 del hotel Landmark situado en la avenida Franklin de Hollywood. Janis había estado participando poco antes en una fiesta en el club Barney’s Beanery en West Hollywood. La cantante de 27 años tenía previsto grabar al día siguiente la canción Buried Alive in the Blues que iría incluida en su nuevo álbum Pearls. Finalmente el tema se editó en el disco con formato instrumental. La autopsia realizada al día siguiente concluyó que la causa de su muerte fue debida a una intoxicación aguda de heroína y morfina provocada por una sobredosis intravenosa accidental.

*Buried Alive In The Blues from the album Pearls (1970)

I’ll Be There llegó al número uno de las listas americanas el 17 de octubre. La balada fue interpretada por los Jackson 5 y supuso la cuarta vez que llegaban a lo más alto de las listas en ese mismo año. El tema fue escrito y producido por el jefe de la Motown Berry Gordy junto a Bob West, Hal Davis y Willie Hutch. Las voces solistas corrieron a cargo del benjamín de los hermanos Jackson Michael, de 12 años de edad, y de Jermain de 16 años. De este tema se han vendido más de 10 millones de copias por todo el mundo.

*I'll Be There From the album Third Album (1970)

Jim Morrison fue encontrado culpable de los cargos de blasfemar en público y exhibicionismo por un tribunal de la ciudad de Miami el 30 de octubre. Este mismo tribunal le absolvió de los cargos de embriaguez pública y conducta lasciva. Por esos cargos le sentenciaron a 6 meses de prisión y una multa de 500 dólares. Quedó libre de todos los cargos por la cantidad de 50.000 dólares pendientes de apelación.

*Roadhouse Blues from the album Morrison Hotel (1970)

El 31 de octubre alcanza el número 3 de las listas americanas la canción de James Taylor Fire and Rain. Este tema lo compuso Taylor en tres etapas; la primera en Londres, la segunda en la habitación de un hospital de Manhattan y la tercera en el sanatorio mental de Austin Riggs; en el trascurso de 1968. El álbum del que formó parte, Sweet Baby James, consiguió también el disco de oro en los Estados Unidos. En ese álbum Taylor contó con las colaboraciones de Carole King, Randy Meisner, Red Rhodes, Chris Darrow y el bajo de Paul McCartney en el tema Carolina in My Mind que fue su siguiente single.

Fire and Rain from the album Sweet Baby James (1970)

The Bees, el pasado convertido en miel

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Wed, 30 Sep 2009 09:44:00 +0000

En el mundo de la música popular del siglo XX, más concretamente en el mundo del rock, la influencia de unos artistas sobre otros resulta palpable. En parte esto se ha debido a los canales modernos de distribución. Este género se ha extendido por todo el planeta en un relativamente corto periodo de tiempo, lo que ha provocado una evolución notable del mismo al amparo del avance de la propia tecnología. Algunos críticos han puesto a debate el agotamiento de este estilo, argumentando que musicalmente tiene poco o nada que ofrecer. Este debate siempre ha formado parte de la propia idiosincrasia del rock, un movimiento joven que ha tenido que ir renovándose y reinventándose para no quedarse atrás y no parecer anacrónico. Algunos músicos intentan con mayor o menor fortuna evolucionar el género, utilizando los estándares de siempre y la moda que impere en ese momento, para crear nuevas tendencias que se mantengan en la vanguardia musical del momento. Otros en cambio, prefieren rememorar sonidos del pasado usando viejos patrones junto con toques de su propia cosecha. Hoy me gustaría hablaros de una banda joven que realiza una mezcolanza de estilos con sabor añejo tan heterogénea como excitante, The Bees o A Band Of Bees en los Estados Unidos.

Paul Butler y Aaron Fletcher, ambos oriundos de la isla británica de Wight, se formaron como dúo allá por el comienzo de este siglo. Ambos eran productores y músicos, tocaban varios instrumentos cada uno, y participaban con frecuencia en la escena musical de la isla. Si a eso sumamos que eran fervientes coleccionistas de vinilos y por lo tanto grandes consumidores de música, encontramos la mezcla perfecta para animarse a formar una banda de rock. Toda esta vocación se vio plasmada en la realización de su primer álbum titulado Sunshine Hit Me, grabado en 2002. Como no podía ser de otra forma, todos los temas fueron grabados, producidos e interpretados por ellos mismos, utilizando el cobertizo del jardín de la familia Butler como improvisado estudio. Sería difícil describir como suena este primer trabajo de The Bees si no es imaginando una gran coctelera donde mezclaríamos el rock, el folk, la psicodelia, el reggae, el soul, el pop, el jazz y los sonidos cálidos del trópico. Una obra compleja y llena de matices pero a la vez refrescante y divertida. El sabor añejo que rezuma todo el disco, debido en gran parte a su equipo de grabación analógico, no hace sino engrandecer unas composiciones deudoras de sus influencias musicales. Pese a esto, el álbum en conjunto en ningún momento resulta anticuado, sino todo lo contrario, de una modernidad y vigencia que dejó sorprendida a la escena británica ese año. El primer single, una versión bastante fiel del clásico de Os Mutantes A Minha Menina, sonó con fuerza en todas las emisoras a principios de 2003. El dúo fue nominado ese mismo año al afamado Mercury M usic Prize y firmó un contrato discográfico con Virgin, lo que supuso el mejor comienzo posible de su carrera musical. Al comenzar a presentar su disco en directo se incorporaron a la banda músicos provenientes de la escena local de Wight y antiguos colaboradores del dúo. Ya en forma se sexteto, comenzaron a preparar la grabación de su segundo disco. Visto el resultado de su álbum de debut, decidieron acometer dicha empresa utilizando las mismas armas, véase, encerrándose de nuevo en el mismo cobertizo para intentar destilar la misma mezcla. Pero tras unas semanas que pasó Paul Butler en Abbey Road realizando un trabajo como productor, la magia de los viejos estudios londinenses lo atrapó y engatusó para que grabasen allí su nuevo disco. De nuevo la coctelera se puso en marcha con los mismos ingredientes pero esta vez pasados por el tamiz del equipo de 16 pistas analógico que habitaba en St John's Wood. En agosto de 2004 sale a la luz Free The Bees, una pequeña obra maestra de este siglo pero que vuelve a mirar fijamente al pasado. El sonido del grupo se endurece, se vuelve más rockero y vitalista, bebiendo de las fuentes sagradas del rock inglés de donde se saciaron los Beatles, los Who, los Small Faces o los Kinks. El disco sigue siendo una muestra del eclecticismo de la banda y se vuelven a asomar a él los sonidos tropicales, el dub jamaicano y el jazz aunque esta vez algo más atemperados. Una obra que sin lugar a dudas hubiera destacado de igual manera tanto en 1968 como en 2004. El álbum tuvo un considerable éxito comercial y algunas de sus canciones se usaron como banda sonora de varios anuncios publicitarios. En 2005 el grupo participó en la banda sonora de la película Stoned que se basaba en parte de la biografía del componente de los Rolling Stones Brian Jones, haciendo varias covers de estos. Tras este periodo, se vuelven a recluir en su tierra natal y en un estudio que montan en un sótano, comienzan a grabar su tercer trabajo. En marzo de 2007 aparece Octopus, que podría significar un retorno del grupo a los aires estivales de su primer disco pero con la fuerza y la actitud del segundo. Otra obra que no desmerece ni un ápice frente a las anteriores y eso que el listón se encontraba muy alto. En Octopus se vuelven a encontrar los mismos aromas y sonidos que en las obras precedentes pero en ningún momento el conjunto carece de originalidad o frescura. El disco tuvo una notable acogida tanto por parte de la crítica como en su faceta comercial y hasta la fecha este ha sido su último trabajo.

The Bees nos ha transportado con sus tres maravillosos discos a épocas donde la música chisporroteaba con el contacto entre el zafiro y el vinilo, donde el olor del cartón de la portada te embriagaba y donde escuchar un nuevo disco suponía una deliciosa aventura.

Si te apetece escuchar los discos completos se pueden descargar desde estos enlaces:
2002 Sunshine Hit Me
2004 Free The Bees
2007 Octopus

Punchbag From the album Sunshine Hit Me (2002) Track 1

A Minha Menina From the album Sunshine Hit Me (2002) Track 6

Sweet Like A Champion From the album Sunshine Hit Me (2002) Track 8

These Are The Ghosts From the album Free The Bees (2004) Track 1

Wash In The Rain From the album Free The Bees (2004) Track 2

No Atmosphere From the album Free The Bees (2004) Track 3

Horsemen From the album Free The Bees (2004) Track 4

Who Cares What The Question Is From the album Octopus (2007) Track 1

Love In The Harbour From the album Octopus (2007) Track 2

Got To Let Go From the album Octopus (2007) Track 4

(This is For The) Better Days From the album Octopus (2007) Track 7

Mariani, los comienzos de Eric Johnson

noreply@blogger.com (Joxemiel) — Mon, 28 Sep 2009 11:09:00 +0000

Los primeros pasos dados por un artista suelen ser una de las cosas que más interesan a sus fans. En muchos casos esos datos no solo sirven como mero referente de su carrera, sino que también proporcionan las anécdotas que forjan su leyenda. Además se pueden descubrir nuevas formaciones y grupos seminales en los que militaron las grandes figuras. No es de extrañar entonces que también encontremos grandes canciones en singles o álbumes que no tuvieron demasiada repercusión. En la industria musical, como se ha demostrado en tantas de ocasiones, no importa tanto la calidad del producto, como la promoción, la oportunidad, la visión del ejecutivo de turno o la propia suerte. Esas primeras obras pueden quedar sepultadas por el peso del éxito posterior y convertirse en material para los coleccionistas más audaces. Se suele dar el caso, sobre todo desde la aparición del formato CD y las nuevas tecnologías, que arrastrado por el éxito del artista o grupo en cuestión, se reediten esos primeros trabajos en forma de bonus tracks y rarezas dentro de una profusa caja de varios discos o bien como el álbum original. Hoy os quiero hablar de Mariani, un conjunto de blues-rock en el que realizó sus primeros riffs como músico profesional el guitar hero Eric Johnson.

La historia de Mariani se empieza a gestar en la pequeña discográfica tejana Sonobeat Records allá por 1969. Este pequeño sello, nacido pocos años antes al amparo de la primera emisora en los Estados Unidos que emitió un programa de rock en FM, la KAZZ de Austin, andaba a la caza de un nuevo artista para intentar repetir el éxito logrado por Johnny Winter en 1968. El albino de Beaumont había realizado su primer trabajo, The Progressive Blue s Experiment, con Sonobeat pero al año siguiente firmó con Columbia un contrato discográfico. Sonobeat a su vez había vendido los derechos del álbum a Liberty Records, no participando de este modo del éxito logrado por el disco que alcanzó el puesto 49 en el Billboard. Bill Josey, uno de los dueños de Sonobeat, contactó con el afamado batería Vince Mariani que se encontraba de regreso a Austin después de grabar como músico de estudio con diversas bandas. El talento de Vince Mariani era reconocido, incluso había optado al puesto de batería de Jimi Hendrix junto con Buddy Miles. Sonobeat le contrató y realizó un single en el que Vince realizaba solamente solos de batería. Parece ser que algún disco de estas características había tenido éxito en esos años, pero este sin embargo apenas tuvo repercusión. Aún así, Sonobeat quiso aprovechar el talento y el carisma de Vince Mariani para crear a su alrededor un grupo de blues rock. Para el puesto de guitarrista el propio Vince Mariani propuso a un chico de 15 años que conocía en la ciudad, llamado Eric Johnson. Después de una prueba en el estudio, el imberbe Johnson quedó contratado como hacha del grupo al dejar asombrados a todos con su manera de tocar las seis cuerdas. Completó el trío un bajista local de buena reputación llamado Bob Trenchard. A finales de 1969 empezaron a ensayar y a planificar lo que sería su primer trabajo. Antes de eso, Bill Josey propuso grabar una maqueta con un par de temas instrumentales para comprobar como sonaba la banda. A pesar de que el resultado fue del agrado de todos, el bajista Bob Trenchard abandona la formación. Rápidamente fue sustituido por el bajista y cantante Jay Podolnick y comenzaron a preparar lo que sería su primer single. A principios de 1970 grabaron dicho single bajo el nombre ya de Mariani pero no fue recibido con demasiado entusiasmo ni por la crítica ni por los Dj de las emisoras locales. Pese a esto Sonobeat siguió confiando en las posibilidades de Vince Mariani y Eric Johnson por lo que decidieron cambiar de nuevo al bajista y añadir un nuevo vocalista. Se incorporaron a la banda Jimmy Bullock en el bajo y Bill Wilson a las voces y comenzaron de nuevo los ensayos. Poco tiempo después y vistos los resultados, Sonobeat decidió grabar un álbum con el grupo. En busca de un sonido potente y limpio, se les ocurrió la idea de realizar la grabación de la mayoría de los temas al aire libre por lo que alquilaron una granja a las afueras de Austin y trasladaron allí todo el equipo necesario. De nuevo en el estudio se realizaron las mezclas y se escogieron las mejores tomas. También se les ocurrió añadir pequeños cortes instrumentales de jazz entre tema y tema, usar multitud de efectos y ecualizaciones además de agregar nuevas voces de distintos vocalistas de bandas locales. Todo esto trajo como resultado el álbum titulado Perpetuum Mobile que supuso un desafío para un pequeño sello como Sonobeat. Finalmente todos quedaron satisfechos con el resultado, por lo que el sello decidió imprimir cien vinilos del álbum empaquetados en una funda blanca de cartón, para que fueran distribuidos entre las grandes compañías de discos, críticos, radios y los propios miembros del grupo. El pequeño sello trató por todos los medios de vender el máster a una compañía multinacional mientras la banda empezaba a promocionar sus canciones tocando en directo por todo el estado. sin embargo, nadie quiso adquirir los másteres del disco y Sonobeat decidió abandonar el proyecto de editar el álbum comercialmente. La banda, por todo ello, decidió disolverse. Cada uno de sus miembros continuó su carrera por otros derroteros, siendo Eric Johnson el que alcanzaría posteriormente el estrellato como afamado guitarrista. Con el paso del tiempo, la italiana Akarma Records, especializada en la reedición de álbumes inéditos, consiguió el máster original y editó una reedición del disco en 2001 con los singles como bonus tracks y una nueva portada. Hay que decir que antes de esta circunstancia, el álbum había ido adquiriendo una buena reputación desde el punto de vista musical como un buen ejemplo de potente sonido blues rock influenciado por Hendrix o formaciones en esa onda y era una pieza cotizada para los coleccionistas.

Mariani fue la primera banda de Eric Johnson y posiblemente así sea recordada la mayoría de las ocasiones. Pero Mariani también significó la lucha de un pequeño sello discográfico por sacar adelante un proyecto aunando el talento de varios músicos. Sin Eric Johnson no hubiéramos llegado a Mariani, sin Mariani no hubiéramos conocido al sello Sonobeat y por lo tanto nos hubiéramos perdido una porción diminuta pero importante de la historia del rock.

*Si te interesa escuchar este disco se puede conseguir aquí:
Part 1
Part 2

Fisrt song (1970) Track 1

Second song (1970) Track 3

Third song (1970) Track 5

Fourth song (1970) Track 7

Baby, I Want To Sing The Blues And Get There (1970) Bonus Track 12

Lord, I Just Can't Help Myself (1970) Bonus Track 14

*Fuente del enlace: http://blazplavi-guitarmusic.blogspot.com/2008/01/mariani-perpetuum-mobile-1970.html