Blues-Blues

Bobby Whitlock: Anclado en el pasado de Derek and the Dominos

2009-06-13T00:01:00.002+02:00

Si hablamos de Clapton pocos van a dudar de su talento y de su capacidad creativa, pero lo curioso es que, al ser principalmente un músico "eléctrico" necesita estar acompañado de más músicos, y ha terminado juntándose con gente de muy distintas clases. Cuando toca con otros grandes músicos y se escucha el resultado no hay mayor problema, si es buena música podremos pensar que todos han puesto de sí. Pero cuando ha tocado con otros músicos de distinta calidad artística siempre queda la duda de si cuando escuchamos a los músicos acompañantes son ellos los que producen la "magia" que nos llega o, por el contrario, simplemente siguen al líder que "tira del carro" y eso es lo que "ilumina" al resto del grupo. Bobby Whitlock tuvo la suerte de pertenecer a Derek and the Dominos (una de las efímeras formaciones de Eric Clapton en la que encontró uno de sus momentos artísticos más álgidos bajo la creación del álbum "Layla and other assorted love songs") y, aunque ha colaborado con otros músicos, parece que ha quedado marcado por esta época. Digo esto porque en la actualidad se pasa buena parte de las horas que le restan de vida pegado a su facebook publicando vídeos, sobre todo de "Derek and the Dominos" (en los que él mismo sale) o de Eric Clapton en su época actual. ¿Es esta una forma de vivir en el pasado cuando no se tiene algo demasiado interesante que hacer en el presente?. Parece que sí.
Han pasado más de treinta años desde que Whitlock tuvo la suerte de coincidir con Clapton en aquella histórica época y, aparte de que parece que casi ha perdido el contacto con él, se empecina en mantenerse anclado en ese pasado. Clapton, en cambio, se muestra más preocupado por vivir en el presente que en el pasado. Lógicamente cuando hay una fuerte necesidad de expresarse eso suele terminar imponiéndose frente a vivir a base de recordar "tiempos mejores".
Todos tenemos formas de renunciar a nosotros mismos, una de ellas es vivir en los recuerdos.

El declive artístico de Mark Knopfler

2009-03-22T21:08:00.001+01:00

Cualquier fan que haya seguido mínimamente su carrera podrá ver que hay una diferencia considerable entre el Mark Knopfler actual y el anterior al 2001. Paulatinamente ha ido decreciendo su creatividad artística de forma que cada año que pasa parece que hay siempre algo menos. Es cierto que en este aspecto ha estado a un nivel tan alto que se puede permitir hacer cada año un poquito menos y aún así seguir siendo un gran músico y compositor pero desde luego no se puede pasar por alto que no es el mismo que una vez fue.
En cuanto a este tema, por supuesto, no tengo nada que hablar de cuestiones comerciales. Si ha vendido más o menos discos, es más o menos popular o cuestiones similares, es algo que no viene al caso porque lo que interesa verdaderamente cuando hay que valorar es el artista. Intentaré centrarme en este apartado.
Intentando hacer memoria recuerdo como primera señal de este declive una de las muchas entrevistas que ha dado en la que declaraba estar cansado de hacer canciones de quince minutos. Me sorprendió enormemente esto porque precisamente buena parte de su mayor gloria la había conseguido con canciones de este tipo que, o bien ya habían sido compuestas directamente en este formato (Telegraph road, Tunnel of love,…), o bien las ha ido alargando (Sultans of Swing, Ride Across the river, …). Bien, pues, si no me confundo, Speedway at Nazareth es la última canción que compuso que se acerca a estas características y esto se queda en el 2001. Desde entonces, como él auguraba, nada de canciones de un cuarto de hora. Pero la cosa no queda solamente ahí porque las que ya había alargado las vuelve a reducir. Un buen ejemplo de esto es Sultans of Swing que comenzó siendo una canción de cinco minutos en su primera grabación de 1977. Ya al poco tiempo nos encontramos que ha crecido hasta llegar a los doce minutos y que posteriormente mantiene esta estructura durante muchos años, con algunos añadidos de teclados o saxo pero con la estructura de los quince minutos y crescendo final. Esto se mantuvo hasta la época reciente en la que la canción ha decrecido volviendo a los cinco o seis minutos y la misma estructura original. Únicamente algunos licks de guitarra remanentes de la época en que el formato era largo se mantienen para recordarnos la historia gloriosa que tuvo esa canción.
Podría pensarse que la duración de las canciones es una cuestión de gustos y que no hay por qué buscarle más motivos. Uno puede decidir hacer canciones cortas o largas y eso no implica necesariamente que se le hayan fundido los plomos. El problema es que unido al tema de la duración de las canciones hay más señales de esta involución.
Las giras interminables, cercanas a los trescientos conciertos, de los discos “Brothers in Arms” y “On every street “ han ido reduciéndose progresivamente hasta llegar a unos tres meses, que es lo que ha durado la gira del 2008.
El repertorio de los conciertos durante la gira, que antiguamente tendía a ser cada vez más variado , se ha vuelto casi completamente estático hasta el punto de que desde el comienzo al final de la gira apenas ha habido unos pocos temas que hayan variado en el repertorio. Pero es que encima las canciones no progresan. Es decir, no hay demasiados cambios de composición, y Mark se limita simplemente a dejarse llevar por el momento y por el arsenal aprendido para improvisar solos.
El tema de las canciones es para hablarlo largo. Las discográficas se las ven cada vez más peliagudas para encontrar una canción mínimamente “movida” que pueda usarse de single. Y es que ahora apenas compone canciones de ese tipo y, de nuevo no sólo no compone sino que retira de su repertorio las que tenían estas características. La más llamativa de este caso es Money for nothing, en otro tiempo clásico entre los clásicos y hoy en día una canción del pasado. Unidas a Money for nothing ha habido otra serie de canciones que no han ido aguantando el paso de los años, o mejor dicho Knopfler no ha aguantado el paso que marcaba en aquellas canciones, hasta el punto de que hoy en día el aficionado puede pensar más bien en cuantas de las canciones antiguas sobrevivirán en su repertorio. Yo creo que las que le aguantan delatan los temas más hondos en su trabajo. Brothers in arms, canción que siempre ha declarado que soñó con haber compuesto, es una de ellas; otra es la adaptación a la época contemporánea del mito universal de Shakespeare, Romeo and Juliet. Las apuestas sobre cuál será la siguiente canción en caer puede hacerlas cualquiera, pero en cualquier caso siempre será una resta.
¿Qué motivo hay para esta involución? Siempre es complicado decirlo pero el rock, que es el eje de los otros estilos que toca Mark, no es algo que aguante bien con los años. En el caso de Knopfler parece que todavía aguanta peor. Posiblemente propiciado por su personalidad y su visión de la vida se le hace cada vez más difícil mantener las energías de su juventud y la productividad que las acompañaba. Podrían encontrarse más síntomas de este declive artístico pero creo que con los señalados antes ya es suficiente para comprobar la tendencia. Las giras mundiales seguramente terminarán en pocos años y después…

"El joven Törless": el problema del mal llegado desde el bullying

2009-01-22T21:34:00.014+01:00

La película de Volker Schlöndorff (1966), basada en la novela de Musil “Las tribulaciones del estudiante Törless” (Die Verwirrungen des Zöglings Törleßes) explora el problema ético del mal a través de las relaciones entre cuatro alumnos y su entorno en un internado austro-húngaro de principios del siglo pasado.

La trama argumental se estructura a través de Törless, un estudiante adolescente recién llegado al internado, que hastiado por el tedio de la rutina cotidiana se relaciona con Beineberg y Reiting. Basini es otro estudiante que fruto de su descontrol en el juego contrae una deuda con Reiting que no puede devolver. Aquí comienza el principio de los problemas de Basini, ya que Reiting exige el dominio completo de éste al no serle devuelto el dinero. Basini, al no encontrar a nadie que le preste el dinero opta por robárselo a otro compañero, Beineberg, pero al quedar delatado por la incapacidad de explicar la forma en la que consiguió el dinero empeora su problema. Ahora no sólo le debe dinero a Reiting sino que además queda declarado entre este círculo de amigos que ha robado dinero a Beineberg y este ya ni reclama el dinero como hizo Reiting, lo que hace es usar su nueva posición de dominación respecto a Basini para torturarlo como Reiting pero con otras motivaciones.

Beineberg es un dominador mucho más sutil que Reiting y sobre todo tiene otros fines. Aunque ambos torturan por el placer de hacerlo en Beineberg hay una necesidad de hallar el sentido del la existencia, cosa que hace descendiendo a las zonas más miserables de la condición humana a través de su relación de dominación con Basini. Törless, que también busca respuestas en su vida, es testigo impasible de la tortura de Reiting y Beineberg sobre Basini. Deja que los hechos sucedan sin denunciarlos ni inmiscuirse para contemplar todo a modo de

experimento. Para él ver lo que va sucediendo es una explicación más satisfactoria que la que consigue en las lecciones de clase y le sirve para resolver sus inquietudes de cómo está configurado el mundo.

Aunque Basini es un estudiante más para todo el mundo (Törless incluido), lo cierto es que tiene algunas características que se van mostrando a lo largo de la película que lo delatan como un estudiante distinto. Podríamos pensar que la anécdota de la apuesta jugando a las cartas es una casualidad pero no lo es tanto. Cuando es humillado en el gimnasio leen una carta que le ha escrito su madre y que los otros estudiantes han robado amparados en que a estas alturas ya es de dominio público que Basini es un ladrón. En la carta se dan varios datos muy importantes. Primero que Basini es huérfano y segundo que la madre, debido a su condición de viuda, se ve obligada a restringirle el dinero que le puede dejar. Además es notorio que estos hechos, y el que vengan de una carta de su madre que ha sido robada, son muy importantes para Basini porque es la única vez que hace frente a las burlas que ha estado recibiendo e intenta cambiar su rol sumiso. Increpa y salta a por la carta pero lógicamente sin posibilidades. A esas alturas es objeto del desprecio de todos sus compañeros que además lo rodean y lo torturan en esa escena. Basini también vive en una especie de presente constante que va ligado a su falta de capacidad conceptual, él sólo busca sentirse bien. Si se sintió mal en el pasado ya no importa si en el presente se siente bien, y si se sintió bien en el pasado tampoco importa si en presente se está sintiendo mal. Este dejarse llevar por lo placentero (posible origen de un carácter tendente a las adicciones) hace que no sepa controlarse en la partida de cartas y apueste cantidades que no puede asumir. Quizás aquí tengamos un indicio de origen de ludopatía con esta tendencia.

Muy posiblemente ser huérfano ha condicionado el carácter de Basini que es opuesto al de Törless en cuanto a la forma de enfrentar el sufrimiento, el primero se deja llevar esperando tiempos mejores pero el segundo hace distinciones morales y conforma su concepción del mundo conforme a la miseria que contempla. Esta antítesis queda remarcada en la escena en que Törless, después de asistir a las torturas que le hacen a Basini, decide hablar con él en privado para intentar comprender cómo soporta hechos tan graves.

“Cuando te escupen, cuando te hacen ladrar. ¿Qué piensas? ¿No se rompe la imagen que tienes de ti mismo? ¿No se rompe algo?” le dice un desesperado Törless a Basini. Pero Basini no tiene respuestas, simplemente procura estar bien sin hacer distinciones conceptuales. Responde que en un momento hay dolor y luego no lo hay, no existe nada más para él. Esta carencia de capacidad de valoración de los hechos hace que también pueda ser un ladrón sin que ello suponga nada. Simplemente lo hizo porque lo necesitaba. No le cambió nada ni le supuso nada como persona. Vive en un presente continuo.

Beineberg, además de Törless, es posiblemente de lo más interesante en cuanto a personajes en la película. Es un verdadero sádico que llega a la historia después de que Basini ha comenzado su espiral de tortura, así que sólo debe dejarse llevar por la marea para dar rienda suelta a sus instintos más básicos. Como sádico que es Beineberg funciona en cuanto puede someter a alguien. El sadismo es una simbiosis patológica en la que a través de una relación de dominación se obtiene placer y significado. Significado de la existencia es precisamente lo que también busca Törless y esto que lo une a Beineberg. Törless queda perplejo en la clase de matemáticas frente a la existencia de los números imaginarios, unos números que no existen y que, sin embargo, mediante los cuales se pueden hacer operaciones matemáticas que den como resultado la construcción de un puente real. Aunque las inquietudes de Törless no quedan satisfechas por las conformistas explicaciones de su profesor, que en lugar de intentar explicar las matemáticas las declara como un acto de fe o un sentimiento que debemos asumir sin más, éstas sí que tienen eco en Beineberg que se solidariza con Törless en su inquietud y responde con desprecio hacia las respuestas de los decrépitos estamentos que representa el profesor. Beineberg también busca un sentido a su existencia como Törless pero la diferencia es que él intenta resolverlo mediante la violencia y Törless mediante el pensamiento.

Para alcanzar el grado de sadismo tan alto que tiene Beineberg a tan pronta edad hay que recibir mucho odio y ese odio deja vacía a la persona receptora. El resultado es que el vacío de Beineberg le acarrea falta de sentido de su existencia y para resolverlo opta por dar rienda suelta a toda la rabia que lleva dentro a través de la dominación de Basini.

Evidentemente en Beineberg está representada una ideología similar la época nazi de la Alemania de Hitler. El desprecio por los débiles, el menosprecio de los sentimientos “bajos”, o incluso el intentar extraer el significado de la vida diseccionándola. La vida no se comprende por tijeretazos, pero en la Alemania nazi había tanto rencor por la situación social del momento como en la cabeza de Beineberg y en ambos había una necesidad de formar una ideología que justificase la existencia debido al vacío existente por tanta rabia acumulada. Después de todo no son tan distintos los experimentos “científicos” nazis y el afán “didáctico” de Beineberg respecto a Basini.

Beineberg: “Quiero sacar experiencia de esto”. “Lo que pretendo es pura ascética. Para elevarnos por encima del mundo debemos matar lo que nos convierte en esclavos de la vida. Los sentimientos por ejemplo. […] La compasión es un sentimiento superfluo en este caso. Un despilfarro de la fuerza vital. Mataré en mí esos sentimientos superfluos”

Beineberg: Se ha acostumbrado a obedecernos y ya no le importa. Debemos ir más allá.

Törless: ¿Humillarle aun más?

B: Saber hasta dónde podemos llegar.

(este último fragmento corresponde a lo que se ve en el siguiente estracto de la película)

B: ¿Recuerdas la conversación sobre los números imaginarios? Esto nos ayudará a traspasar los límites de nuestra mente. […] Esa fuerza que mantiene la lógica a pesar de todas las lagunas es lo que yo llamo el alma. Y quiero hacer salir a luz el alma de Basini”.

Finalmente Törless escapa del internado después de que Basini es torturado por toda la clase. Su sentimiento de asco es tan grande que esta vez no puede terminar con la situación, como en la escena en que mata un ratón moribundo que estaba siendo torturado por sus compañeros. Ahora sale corriendo angustiado por lo que ve. Cuando declara frente al consejo escolar expone lo que ha supuesto para él la experiencia de lo que le ha ocurrido a Basini.

“Basini era un alumno corriente, una persona normal. Y de repente cayó. […] Tuve que reconocer que el ser humano no ha sido creado bueno o malo. Cambiamos permanentemente. Sólo existimos en nuestros actos. Pero si podemos convertirnos tanto en torturadores como en animal sacrificado todo es posible. Entonces las cosas más terribles son posibles. No existe un mundo bueno y uno malo. Uno es continuación de otro y las personas normales pueden realizar barbaridades.”

El problema de la existencia del mal y la desconfianza respecto a un mundo que no conoce ya han que anidados en el cerebro del adolescente Törless.

Aaron Lordson: tocando en las calles.

2009-01-07T00:20:00.010+01:00

Me encontré con Aaron Lordson como la mayoría de la gente, viéndolo tocar en la calle; y me sorprendió lo mismo que a la mayoría de la gente, el que un músico tan bueno estuviese tocando a ras de suelo en medio de la multitud. Ese día no tenía demasiado tiempo pero sí que me dejó impresión así que después, con más calma, estuve recapacitando e indagando un poco sobre este hombre. Una cosa que me sorprendió de lo que le vi en su actuación es que estuviese tan bien organizado. Una chica se preocupaba de todos los detalles y además pasaba junto a ti dándote un marcapáginas (que se puede ver en el vídeo) en dónde venía el centro neurálgico de operaciones de este hombre, su web. Y esto es porque él se busca la vida por sí mismo. No actúa en locales porque, como según él mismo dice, pagan poco. Desde luego la capacidad que tiene él de convocatoria es bastante superior a lo que se puede conseguir en el común de los locales.

Mirando la biografía en su web vemos que es oriundo de Togo, dónde consiguió licenciarse como ginecólogo aunque al poco de conseguirlo renunció a la profesión para dedicarse a la música. Exiliado de su país natal ha venido a parar al nuestro dónde la vida no le fue fácil y fue durante temporadas un sin techo. Hace poco tiempo apareció en el mediático programa de tve “Hijos de Babel” en el que se dio a conocer sin que sustancialmente cambiase demasiado su vida. Todavía no le ha llegado un contrato discográfico y sigue tocando en las calles cuando le dejan. Y digo esto porque poco tiempo después volví y la chica que repartía los marcapáginas estaba discutiendo inútilmente con dos policías para que no le impidiesen seguir tocando en el lugar. Aaron mismo cuenta su historia aquí:

El blues originario de Estados Unidos no es el único tipo de blues

2009-01-01T19:48:00.011+01:00

La mayoría de la gente opina que el blues americano es el único blues existente. Yo, en cambio, sigo la opinión de Chris Rea de que el blues americano es el más popular (entre otras cosas porque dio origen al rock & roll) pero no es el único tipo de blues. Hay un sentimiento similar e incluso analogías formales entre el blues y otros tipos de músicas. Un buen ejemplo de esto podría ser el flamenco que, como Chris señala en el vídeo, tiene un sentimiento similar y además es muy parecido en cuanto a sus patrones básicos. A primera vista podría parecer que el flamenco es formalmente muy distinto al blues pero en cambio tiene en común, entre otras cosas, la estructura I-V (por ejemplo Mi,La). John McLauhglin también opina que hay mucho blues en músicas que tradicionalmente no caen dentro de esa acepción. Él señala a parte del folklore búlgaro como música con un fuerte sentimiento de blues.

Si seguimos por este camino quizás habría que pensar en ir reformando la historia de lo que se conoce convencionalmente como “blues”. Quizás será cuestión de enfocar la música desde otros puntos de vista más coherentes que simplemente los geográficos o los históricos.

Hook Herrera pretende chulearme con un mail

2008-12-29T11:44:00.010+01:00

Pues sí, exactamente lo que dice el título de la entrada. He recibido un mail que pretende estar en tono intimidatorio desde hookherrera@yahoo.com . Después de mirar la web oficial de Hook Herrera constato que allí está puesto exactamente este mail como correo de contacto . Desde aquí lo que debo de suponer es que lo ha enviado el propio Hook Herrera o cuando menos está bajo su responsabilidad.
Después de leer el mail y contrastarlo con lo que hay puesto en el blog mi opinión es que Hook se siente molesto con la fama de mujeriego que ha tenido porque hoy en día parece ser que tiene una familia estable que desea conservar y a la que no parece convenir escuchar historias de antaño. En el resto de esta entrada pasaré a desarrollar esta opinión, además de exponer y comentar los hechos declarados por Hook en su mail.
De vez en cuando recibo mails con diversos motivos. Agradecimientos por el blog, peticiones de intercambio de enlaces, gente aludida, etc… Esto es lo que más abunda, pero es la primera vez que me mandan algo con tan poca buena fe y tanto afán intimidatorio, aunque parece que Hook no es la primera vez que “recrimina” lo que ponen de él en internet cuando no le gusta. Todo indica que es también él el que escribe en este foro de la web muzikalia para despacharse a gusto con otro que no comulgaba con lo que a él le gusta leer calificándolo de “baboso”.
En condiciones normales no contesto mails más que mediante mails pero con el tono tan alto de insolencia y el interés amedrentador que le ha puesto he pensado que lo recíproco es contestar por aquí. Hook ha tenido varias opciones más civilizadas de demostrar su descontento y no ha querido usar ninguna. En todo el blog siempre ha estado activada la opción de hacer comentarios, con lo que cualquier persona puede comentar lo que le apetezca en cualquier entrada, incluida la que le produce el descontento a Hook. Ha podido dar allí su opinión y hacer ver a los demás su parecer de que él tiene la razón. Otra opción hubiese sido mandar ese mail en un tono más respetuoso. Algo con el esquema: “Me aludes y tú sólo escribes de oídas porque el interesado es el que conoce lo que ha pasado de verdad así que sería bueno que rectificases lo que has puesto”. Pero no, no ha sido ninguna de las dos opciones y seguramente habría más formas de responder dignamente a algo que no le gustó. Ha preferido usar la amenaza fácil y me ha metido en el trabajo de tener que escribir esta entrada. Y digo trabajo porque, aunque no lleve más que un rato escribir unas líneas tengo mejores cosas que hacer que buscar polémicas absurdas con nadie, pero hay cosas que pasan el límite de lo tolerable, y entre ellas está recibir correos intimidatorios. Así que me tengo que “bajar del carro” por un rato y responder a un mail de estas características.
El texto del descontento para Hook corresponde a esta entrada: Las mejillas de Faye Dunaway . Aunque el tono del mail de Hook ya se descalifica por sí solo lo primero que he hecho ha sido releer la entrada por si había puesto alguna burrada muy grande que debiese rectificar cuanto antes. Mis conclusiones han sido las siguientes:
Casualmente la mayor parte de las referencias que hago a Hook son elogiosas (que toca bien, que tiene buena “presencia”, etc… ), sin embargo el problema llega para Hook cuando doy referencias descriptivas y hablo de lo que es de dominio público en cuanto a su relación con las mujeres. Primero, que salta fácilmente encima de la que se le pone a tiro (cosa en la que me reafirmo ya que pude comprobarlo con mis propios ojos) y segundo la relación con la dueña de un conocido local de Barcelona (que omitiré porque por mi parte no viene a cuento meter a terceros por aquí) de la que hablé en un comentario de la entrada. En esto último debo reconocer que quizás me he “columpiado” demasiado porque hablo de algo que no he visto directamente. Simplemente me basé en comentarios que me habían hecho varios amigos describiéndome este mismo hecho y lo di como verídico, pero no es algo que haya podido comprobar por mí mismo.
En cuanto a la carta de Hook pienso que fácilmente se pueden encontrar fragmentos inapropiados. Iré poniendo fragmentos del mail y los iré comentando. Repasemos:
-“yo pase bien en la boite. y eso es la primera vez k alguien lo ha contado asi”: Bueno, tengo que recordarle a Hook que él no es el centro del mundo y del conocimiento. Suceden más cosas de las que se puede enterar .Y sí que hay más gente que lo ha contado así.
-“y en el final, por mi espalda, como siempre.”: Desconozco si se siente perseguido por alguien o por algo pero para hacer las cosas a la espalda no se ponen en un blog a la vista de todos (él incluido) .
-“acabo un tratamiento doloroso de terapio kimio”: No entiendo a qué viene incluir esto entre sus quejas. ¿Pretende inducir a la compasión para conmover al lector y obtener el asentimiento que no le da la razón?. Pues no, Hook. La razón se consigue con la verdad y no buscando sensiblerías. Es una de las falacias más viejas y aburridas la que presentas. Honestamente espero que tu salud te acompañe pero debes entender que el tocino no tiene nada que ver con la velocidad.
-“k gracia leer el odio k llevan unos por las vidas de otro gente.”: Pues no sé yo en qué ves el odio. Repito (y se puede corroborar) que el tono general de las cosas en las que saliste mencionado es elogioso.
-“conoci la faye en un hospital. pero, bueno, dale y pon cosas feas encima de todo.”: ¿Qué tiene que ver en dónde conocieses a esa mujer y a mí qué me importará?. ¿Quizás los hospitales son sitios santos y si has hecho algo allí le concede algún tipo de beatitud? . Y en cuanto a poner cosas feas … primero de todo la verdad no es fea, aunque sí que puede ser molesta para alguna gente; y segundo “encima de Faye” no he dicho ni una sola palabra que tu llamas fea.
-“crees k tengo algo tuyo o te hize danyo o tu mujer gozo en un concierto mio o k ?”: Esta parte es una de las más divertidas, vamos a responder. En cuanto a lo primero te confirmo que no tienes nada mío (desconozco lo que te importa este aspecto por el que preguntas); en cuanto a lo segundo pues no me siento dolido en ningún aspecto por nada que tenga que ver contigo. Y en cuanto a lo tercero pues ya es para morirse de lo gracioso porque me mandas un mail dolido por tu supuesta fama de mujeriego y resulta que lo pretendes desmentir fantaseando con que has hecho gozar a una mujer que ha estado conmigo. Bien, como se suele decir, por la boca muere el pez. Y ya que estamos en este punto también te respondo que ninguna mujer con la que yo haya estado ni siquiera ha tenido el mínimo conocimiento de que existieses. Comprende que la gente tiene mejores cosas que hacer que estar pendiente de ti.
-“soy un bluesero. toco blues. en lugares de blues. ganando nada. por gusto.”: De nuevo una información obvia que no veo a qué viene a cuento con tu queja sobre la fama de mujeriego, pero ya que la quitas te diré que me parece muy pueril e inmaduro una invocación a uno mismo como ser magnífico. Pasado a refrán podría expresarse con el “dime de lo que presumes y te diré de lo que careces”. Te voy a decir de lo que careces. Primero de honestidad, porque pretendes pasar por un buen mártir samaritano de la causa y esconder la vanidad que hay detrás de esa fachada. Se pueden conseguir mejores cosas haciendo lo que haces que muchas de las que se compran por dinero y yo estoy aburrido de ver egos inflados de músicos que como personas son impresentables.
-“asi pongo en la linea de fuego de gente sin respeto ni cojones.”: No pareces la mayor autoridad para hablar de respeto. Tú que recriminas por los foros o mandas mails a gente que habla de lo que no te conviene pretendiendo intimidarlos en lugar de decir que según tu criterio algo es erróneo. Y en cuanto a “cojones” quizás tu valentía es amenazar en lugar de razonar. Posiblemente en el barrio “difícil” en el que has crecido eso que tu llamas “cojones” te ha servido para ir sobreviviendo, pero entre personas racionales sólo te sirve para ser un bravucón que no sabe dónde tiene la mano derecha. Si tu idea de ser hombre es tener lo que tu llamas “cojones” estás equivocado. Para ser hombre primero deberías no faltar a la verdad . A mí me parece que eso que llamas “cojones” no es más que un perro rabioso bufando.
-“en los eeuu tocaban hasta toda la noche. Yo me acuerdo gente bailando encima del senario con nosotros. pero bueno. tu sabes mejor”: No, yo no sé nada mejor que nadie. Lo que sí sé es que esto, de nuevo, no viene a cuento con tus quejas. ¿Seguimos con el esquema de falso bienhechor desinteresado para intentar conmover y así ganar una discusión?. Camino equivocado entonces.
-“aunque se puede hacer danyo a cual kier. tengo hijos y familia y todo. Pero bueno. tu mismo. espero k gozas mucho”: No gozo nada, aunque haya algunas cosas risibles en tu mail la mayor parte de lo que leo me parece penoso y simplemente por dignidad respondo a un correo que has mandado completamente fuera de tono. En lo que sí es importante este fragmento tuyo es en que creo que revelas los verdaderos motivos de tus quejas y que desde luego no son los que declaras. Afirmas quejarte de tu fama injustificada de seguir el primer trasero que se pone a tiro cuando lo que parece es que hoy en día no te conviene esa fama por tener una familia formada. Supongo que sí que serías tú el que se haya sentido incomodado al ver comentarios sobre cómo te comportabas hace años y posiblemente sí que haya sido tu mujer la dolida al tener más noticias sobre estos temas. Aunque esto es sólo una suposición que explicaría con verosimilitud tus recriminaciones. Desde luego no tengo la certeza de que sea así y sólo puedo dejarlo en una suposición de algo que parece casi evidente.
-“todo es una mentira atras otro cochinada, pero bueno. no creo lo k leo. no lo creo”: Como ya te dije si estás tan seguro de que hay alguna falsedad has tenido modos civilizados de que hubiese una rectificación. Ni siquiera los has probado.
-“tengo 48 anyos y musica es mi vida y aki dices k soy una mierda.”: De nuevo cuestiones que no vienen a cuento con tus demandas y con las que parece que sólo buscas conmover para conseguir que te den la razón sin tenerla. Además te explico que ser músico y tener calidad como ser humano no tiene por qué ir necesariamente ligado, porque tocar no otorga ningún grado de beatitud. Desconozco cómo te has metido esa idea en la cabeza pero es sólo una mentira más con la que vives.
-“espero conocerte un dia.”: Si tienes tanto interés puedes probar a leer el blog completo por si sacas más datos. Mucha gente es tan inconsciente que implícita o explícitamente acaban detallando casi todo sobre su vida. Por mi parte no tengo especial interés en conocerte aunque desde luego no voy a cambiar de acera si te cruzas por mi camino.
A continuación pongo el mail completo que he recibido para que cada uno saque sus conclusiones . Por supuesto el mail sigue en mi buzón y puede ser reenviado a quién sea necesario si algún día hay que divertirse de nuevo con esta anécdota.

asuntooye
enviado poryahoo.com
firmado poryahoo.com

pues vaya. siempre al revers de k piense uno. yo pase
bien en la boite. y eso es la primera vez k alguien lo
ha contado asi. y en el final, por mi espalda, como
siempre. pense en mirar el internet. acabo un
tratamiento doloroso de terapio kimio. k gracia leer
el odio k llevan unos por las vidas de otro gente.
conoci la faye en un hospital. pero, bueno, dale y pon
cosas feas encima de todo. la leche. la duenya de la
boite era la ana mas, porque no llamas a ella tambien
? crees k tengo algo tuyo o te hize danyo o tu mujer
gozo en un concierto mio o k ? soy un bluesero. toco
blues. en lugares de blues. ganando nada. por gusto. y
asi pongo en la linea de fuego de gente sin respeto ni
cojones. en los eeuu tocaban hasta toda la noche. yo
me acuerdo gente bailando encima del senario con
nosotros. pero bueno. tu sabes mejor. y tienes el
derecho a hablar mal de todo mundo. y ademas
publicarlo aki en el internet. aunque se puede hacer
danyo a cual kier. tengo hijos y familia y todo. pero
bueno. tu mismo. espero k gozas mucho. todo es una
mentira atras otro cochinada, pero bueno. no creo lo k
leo. no lo creo. tengo 48 anyos y musica es mi vida y
aki dices k soy una mierda.
espero conocerte un dia.
c/s
www.hookherrera.com

Y ahora Hook, si lees también esto, puedes escoger entre ignorarlo, comentarlo civilizadamente ( o quizá a estas alturas de tu vida ya no sabes), o volver a tu sistema habitual. Si es el último caso igual, desde este minúsculo blog, vuelvo a repetir la entrada traducida al inglés o alguna otra cosa que se me ocurra. Voltaire decía con mucha razón “Detesto lo que dices, pero defenderé hasta la muerte tu derecho a decirlo”. Aún queda gente que no está a la altura de esta frase.
Y ya que termina el año mando mis mejores deseos a todos, también para ti Hook. Todos necesitamos luces que nos guíen en la vida.

Hip Linkchain: Siguiendo su propio camino

2008-02-15T17:42:00.006+01:00

A Hip Linkchain lo conocí viendo un programa francés en el que se proponían dar un repaso a lo que en aquel momento era la escena musical del blues de Chicago. Mandaban a un entrevistador/guitarrista francés que lo mismo preguntaba a los músicos sobre su situación y la del blues, que lo mismo se apuntaba a subir al escenario con ellos para tocar alguna canción. Aunque por aquel entonces había varios de los que salían en ese programa que ya conocía me impresionó muchísimo la versión de “Cold chills” que hizo en ese vídeo un músico, entonces desconocido para mí, de nombre Hip Linkchain.

Hip Linkchain (10-11-1936, Jackson, Mississippi; 13-2-1989, Chicago, Illinois), otro anónimo soldado de las huestes westsiders. En realidad se llamaba Willie Richard, y su apelativo extravagante le viene por vía paterna, puesto que a su padre, leñador, le denominaban así sus vecinos blancos en el corazón del paupérrimo Delta. Hip bebió del blues desde la cuna: progenitor y hermanos mayores le liaban a la guitarra en fiestas caseras, y no es de extrañar que el espabilado chavalín esperase a que la familia saliese a faenar en el campo para descolgar la guitarra acústica del salón y reproducir las canciones de Muddy Waters y Elmore James que escuchaba a los parientes. En 1945 la familia en pleno se trasladó a Louise, Mississippi, para trabajar en los campos de algodón, y en tal ambiente recibió la influencia de los lamentos amplificados de las seis cuerdas bluseras. A Hip le encantó el sonido y, poco después, ya pululaba por los garitos de Greenville e Indianola para escuchar a Elmore James, Little Milton, Willie Love y Rice Miller, pero no fue hasta su definitiva residencia en Chicago, a principios de los 50, cuando puso sus manos sobre una guitarra amplificada, sumergiéndose en el competitivo circuito de clubs, tocando tras armonicistas (Dusty Brown, Willie Foster, Lester Davenport) con su Gibson LS recién adquirida. Como nadie usaba cejilla, al contrario que en Jackson, Hip debió prescindir de ella y aprender más afinaciones... mientras de día trabajaba de pintor industrial para el ejército.

Para 1959 ya lidera banda, The Chicago Twisters (donde figuró un joven vocalista Tyrone Davies, futura luminaria localista del soul sixties), empleada como house band del club Silver Dollar Lounge, muy frecuentado por pesos pesados (Howlin' Wolf, Muddy Waters, Sonny Boy Williamson). Como todos en este mundillo, grabó un montón de singles para sellos diminutos (Lola Sawn, Blues King) en la década prodigiosa, hoy disponibles en la compilación británica «Fishin´ in My Pound» (JSP, 79). Como la mayoría de westsiders de segunda fila, Hip participó en la famosa serie francesa 'Direct From Chicago' que, con tecnología y prensaje cutre, financiaba MCM Records; «I Am On My Way» (MCM, 76; reeditada por Storyville) es un disco crudo y muy cercano en espíritu/ sonoridad guitarrera del malogrado Magic Sam. Cuatro años después, Europa se hizo eco de su pericia guitarrera pagándole una gira de nueve semanas por el Viejo Continente. El dinero recaudado, ahorrado con celo febril, lo usó para autoproducirse su debut norteamericano: «Change My Blues» (Teardrop, 81). Ese año gira por USA al lado del docto Jimmy Rogers, grabando un disco-duelo en formato acústico que conjura el viejo blues casero de su niñez (intercalan fraseos, se reparten los versos) con dos guitarras Martin de caja: «Jimmy Rogers & Hip Linkchain: Stickshift» (Teardrop, 82). Para desintoxicarse de las añoranzas bucólicas, compartirá vinilo en directo con un defensor de las causas perdidas y de la electricidad desbocada, picándose el uno al otro en improvisaciones distorsionadas de «Little red rooster», «Boogie chillum» o «Hideaway». ¿Su título? «Jimmy Dawkins & Hip Live» (Rumble, 82).
A principios de 1980 desechó unirse a la banda de Muddy Waters, y dos años antes de su fallecimiento por cáncer de pulmón, el LP «Airbusters» (Black Magic-Evidence. 87) se erigirá como su álbum más satisfactorio, el que mejor captura el sonido de su guitarra. Compila un trabajo chicagüense de tres años, entre el 84-87, y, con patronazgo holandés, los perros viejos de la canallesca escena forjan sonoridades sentidas, shuffles arquetípicos (B.B. King. Muddy Waters), derivaciones ligeramente funk y un cimbreo de cuerdas solistas que recuerdan a Magic Sam en los tañidos más cristalinos. Destaca sobre los catorce cortes, hasta el punto de eclipsarlos, el reverberante «House cat boogie», un vendaval infecto y chirriantemente carnal de la mano de un cincuentón de muñeca ágil y guitarra afilada de la margen oeste del lago Michigan, con la maestría y experiencia que brindan tres décadas en el oficio. Ironía brutal la de triunfar después de muerto, como un cid del blues, pero el "blues world” es así.
(P.C.)

Próximo destino: Mark Knopfler, Madrid 3 de Abril 2008

2008-02-11T11:43:00.000+01:00

Paseo dentro del temporal "Gordon" (2006)

2007-12-17T11:49:00.002+01:00

El “temporal Gordon”, una de esas porquerías que se forman en la zona del caribe y que en vez de destrozar el sureste de estados unidos, a tenido a bien cruzar todo el atlántico y presentarse en las costas peninsulares. Naturalmente el pobrecito llegó muy cansado por el largo viaje y tanto tiempo lo dejó bastante extenuado. Aún así pudo dar guerra al llegar a Galicia.
La predicciones meteorológicas eran cuando menos para estar precavido pero como ya conocemos a la tele, tampoco hay que fiarse demasiado. La televisión necesita a menudo noticias y si no las tiene se las fabrica. Que si hace buen tiempo pues hala nos vamos al centro del desierto en Almería y nos buscamos un termómetro cutre de los que hay por la calle, eso si que sea preferentemente metálico y haya estado expuesto varias horas al sol. Aquí ya estamos en el centro de la noticia, sólo hay que colocarse delante para que medio país compruebe la veracidad y se escandalice de lo insoportable que está el tiempo. Idem de lienzo si es a la inversa. Cuando hace frío nos vamos a uno de esos puertos de montaña que el común de los mortales (que no sea transportista o similar) no pasa mas que escasas veces en su vida y mientras la periodista de turno es arrastrada por el viento o mete sus patas en la nieve, los titulares surgen como si viniesen caídos del cielo.
Desde luego el sitio en el que vivo no es de cambios extremos de clima, así que generalmente en el peor de los casos lo mas que hace es algo mas de frío o algo mas de calor. Pero eso para las noticias es igual. Siempre se apañan para encontrar algún sitio no demasiado distante en el que alguien se está congelando en invierno. Alguien que generalmente es una mujer que vive perdida en una casa apartada con su anciano marido (que por supuesto ya ni sale para atender a los informativos) y que lleva bastante mejor el frío que hace en su zona que los pocos grados que nos suele bajar la temperatura ambiental al común de los mortales.
Lo que nos ocurre es que no tenemos muchas cosas en la cabeza y el tiempo es el tópico mas trillado de la historia. Sirve para todo. Si hace malo porque es horroso y tiene la culpa de todo, si hace bueno porque no llueve y la sequía y esto y lo otro… Generalmente el problema no es el tiempo, somos nosotros. Lo utilizamos como pretexto o como evasión para olvidarnos o justificar una vida que no pasa de vacua.
Volviendo al tema que debería de ocupar este texto nos encontramos en septiembre, hacia el veinte de ese mes. Los informativos ya han hecho extensos comentarios y yo aunque dudando me empiezo a relamer de gusto. Desconfío que vaya a ser algo muy importante pero por si acaso estoy ojo avizor a ver cuando llega.
El condenado este de Gordon se hizo esperar. Parecía que iba a llegar la noche del veinte pero hasta las nueve de la mañana del día siguiente no terminó por aparecer. Decidió quedarse delante de las costas extendiéndose en paralelo mientras que yo oteaba el horizonte, que estaba casi despejado salvo por una franja de nubes que había hacia el oeste. Como se ve en la foto del satélite metereológico la cosa estaba a punto de caramelo (hasta a la Aihnoa le ha salido cara de orgullosa felicidad) y yo estaba que me relamía de gusto esperando al invitado después de hacerse de rogar toda la noche.
Mientras que la mayoría de las personas responsablemente se quedaban en sus casas, las escuelas permanecían cerradas y la ciudad quedaba casi desierta, yo pensaba que podía llegar mi momento. No sabría decir el motivo exacto pero el caso es que me gustan este tipo de acontecimientos. Por supuesto no le deseo a la gente que se le destrocen las cosas, pero este tipo de situaciones tienen algo de apocalíptico que me atrae. Es como si lo anodino diario quedase reemplazado por algo fantástico que nos recordase que las cosas no tienen por qué sujetarse a un orden habitual. Así pues no había mejor momento para dar un paseo por la ciudad.
Al poco de bajar a la calle la cosa prometía. Todo desierto y un viento que tumbaba a un santo dejando varias antenas de televisión caídas (¿antenas por el suelo?... parece un mensaje divino). Comencé a caminar y al poco ya se veían las primeras huellas. Ramas de árboles por el suelo, contenedores de basura que se había movido, bolsas de plástico volando en círculos,… es decir el comienzo del caos.
En cuanto llegué a una zona de muchos árboles que está cerca de la costa me encontré con lo que veis, muchas ramas por el suelo. Si bien es cierto que el ayuntamiento no trabaja como debe y la ciudad está bastante guarra, tampoco es que llegue a estos niveles. Así que inequívocamente había sido el temporal que había pasado por allí antes que yo.
Me dirigí a otra zona de la ciudad y lo mismo o peor. Lo siento por los árboles pero son los que se llevaron la peor parte. Este de aquí no solo había sido arrancado de cuajo, también había ido corriendo por la plaza un largo trecho hasta terminar en la zona superior.
Por el centro de la villa estaba mas divertido. Muchos contenedores de basura movidos y que a menudo habían ido a parar al medio de las calles obstaculizando el inexistente tráfico que había a esas horas. Me recordaba a esas películas sobre guerras nucleares en las que las ciudades quedan desiertas y la humanidad ha desparecido casi por completo.
Visto que por esa zona ya no parecía que hubiese mas novedades me dirigí al puerto. Pensaba que en la boca de la ría podría dejase notar mas. Aunque es verdad que allí se notaba mas el viento (no me he puesto un peinado de última moda en la foto y la cara de asco que me ha salido es por la rasca que me estaba pillando) lo cierto es que salvo que había barcos atracados en el puerto que en mi vida había visto no se notaba muchas huellas del paso de Gordon.
Al poco ya eran casi las once de la mañana y el temporal había amainado mucho. Al llegar a casa puse los informativos (a veces uno se puede enterar de alguna cosa con esta práctica) y vi que Gordon ya era historia. Había pasado tan rápido que casi no nos había dejado tiempo a saludarlo. Nos había dejado muchas cosas tiradas y a mas de uno le había hecho la puñeta bien gorda pero como espectáculo no fue demasiado resultón. Tendremos que esperar al siguiente cataclismo haber si hay mas suerte.

Eddie Taylor: Bajo la sombra de Jimmy Reed

2007-11-16T12:07:00.019+01:00

29-1-1923 Benoit, Mississippi; 25-12-1985, Chicago, Illinois) Su guitarra fue la fuerza motriz que propulsó las grabaciones clásicas de Jimmy Reed para Vee-Jay en el período 1953-64, quince sesiones de grabación que contenían piezas seminales en la historia del R&B: «You don't have to go» (55), «Ain't that lovin' you» (56), «Honest I do» (57), «What you want me to do», todas Top 10 R&B. Pero Eddie era mucho más que un simple sideman. Cantante emotivo y compositor competente, su estilo guitarrístico bebía tanto de la tradición down home del Delta como de la finura swing, desenvolviéndose sin dificultad en piezas abiertamente funkeras, con flexibilidad, ductilidad y amplitud de miras. El punto flaco, su talón de Aquiles, hemos de situarlo fuera del entorno musical: de temperamento melancólico y carácter apacible, humilde a más no poder, introspectivo hasta bordear la neurosis, si hubiese poseído un punto de agresiva mala leche, su carrera en solitario habría discurrido pareja a la de John Lee Hooker o Muddy Waters, iguales suyos en cuestión de talento y capacidad melómana innovadora.

Taylor nació y creció en el estado de la Magnolia, y desde muy chico frecuentó los sórdidos juke joints, escuchan do la música de bluesmen como Charley Patton, Son House, Robert Johnson... En 1936 consiguió su primera guitarra, la domesticó por sí mismo, y para 1943 ya tocaba en los shows callejeros de Beale Street, en Memphis, juntándose con apren dices locales como su amigo el armonicista Big Walter Horton (un carácter simétrico al suyo) o Joe Hill Louis. En 1949 se mudó a Chicago y se estableció como músico a jornada com pleta, tocando durante años el aire libre en Maxwell Street antes de poder actuar bajo techo en los clubs nocturnos. Poco a poco el combo de Taylor se convirtió en una atracción local, y la todopoderosa Vee-Jay le contrató tras previa audición. La paradoja surgió cuando el sello mostró su predilección por el lacónico, crudo estilo del guitarrista de apoyo, Jimmy Reed, y no tanto por el líder, Taylor.
Desde entonces sus roles quedarían intercambiados en cuanto a protagonismo, entrando de esta manera en la historia del R&B. Taylor sólo grabaría como líder dos años después, en 1955, aunque todas sus grabaciones en solitario quedaron supeditadas a las de Reed. Eddie, visto el percal, no dudó en pluriemplearse para pesos pesados como Muddy Walers, John Lee Hooker, Elmore James, Sunnyland Slim, John Brim, Homcsick James, Carey Bell y tantos otros. Durante una entrevista a Living Blues, en 1975, no podía disimular la bilis que empapaba sus palabras: «Yo enseñé a Jimmy Reed a tocar la guitarra, el no sabía nada de nada, lo aprendió todo de mi. El estilo de Jimmy Reed es mi estilo, él no lo tenía. Yo lo adquirí a través de Charley Patton y Robert Johnson. Las sesiones de grabación no entrañaban dificultad, él sólo tenía que seguir mi ritmo. Le decía cuándo tenía que cantar, cuándo soplar su armónica o rasgar su guitarra. Cuando comenzó a beber, antes de muchos shows me lo encontraba borracho en los camerinos. Yo le di veintitantos años de mi vida, y todavía no soy nadie. Debería haberme separado de él mucho antes».
La carrera en solitario de Eddie Taylor podemos rastrearla a través de huellas vinílicas y digitales. Lo primero es hacerse con una compilación de sus trabajos para Vee-Jay (55-64), como la europea «Ride'em On Down» (Charly; reeditada en la colección Blues Masterworks, vol. 35, como «Bad Boy»), o la japonesa «Big Town Playboy» (Yupiteru), ambas recogiendo sus clásicos menores: «Bad boy», «You'll always have a home», «Big town playboy», «Ride'em down», documentos necesarios para comprender lo que vendría después: la furia westsider de Freddie King y Magic Sam. El siguiente CD a ojear es su coparticipación en la serie «Master Of Modern Blues» (Testament, 66) al lado del compadre Floyd Jones, que le permitió visitar Europa dentro de un paquete folk-blues.
El guitarrista proseguirá sus labores mercenarias hasta sacar su primer LP oficial, «I Fcel So Bad» (Advent, 72: reeditado por llighlone Records). Con localización y músicos californianos (George Smith, Phillip Walker...), es una mezcolanza acertada de ambientaciones acústicas del Delta e instrumentales modernillos estilo funk-blues. En un segundo tour transatlántico, registrará el poderoso «Ready For Eddie» (Big Beat-Edigsa, 72), cimentado con The Blueshounds, combo blues-rock británico, escanciando poderosas versiones de «Crosscut saw», «Afler hours», «Sloopy drunk», o las personales «Playboy boogie», «Country boy», «Ready for Eddie...» conjuntando -sin eclipsarse mutuamente- la maestría negra con la fuerza bruta blanca.
Las décadas de los 70 y 80 las pasó trabajándose los clubs del West Side chicagüense a sueldo para Homesick James, Carey Bell y Jimmy Dawkins. Eso cuando no se embarcaba en giras allende los mares. En estos directos, como el recentísimo «Long Way From Home-Live ln Japan, 1977» (Blind Pig) o los bonus tracks capturados en un American Folk Blues Festival de 1980 en territorio germano e incluidos en «My Heart is Bleeding»(L&R-Evidence), vemos la personalidad de Taylor que más concuerda con sus raíces del Delta: arropado por formaciones esquemáticas que despliegan intimismo bucólico y tirando de viejos standards de Robert Johnson, Elmore Jomes, Muddy Waters...
En los 80, poco antes de su fallecimiento, su carrera se revitalizaría con la edición de un par de LPs. Primero, con el citado set «Mi corazón esta sangrando», grabado en Chicago con capital teutón, un disco que bebe tanto del Chicago blues 50s como del paso al modernísimo soul, caso del instrumental «Soul brothers» (puro Stax); y, segundo, con la compilación de los masters de Vee-Jay editada por Charly. Fue sólo un destello de un guitarrista al que su temperamento retraído impidió autopromocionarse con soltura. Resulta irónico, pero Eddie Taylor vendió más discos tras su muerte que en vida, como lo atestiguan los crepusculares y postumos «Bad Boy» de Wolf Records, disco mediocre donde le acompañan los Gents de Willie Kent, Johnnie B. Moore incluido, y el fiestorro en el Antone's de Austin con motivo de la celebración del décimo aniversario de la fundación del garito tejano, capturado en el vinilo «Still Not Ready For Eddie» (Antones, 85), donde le acompaña lo más granado de la escena clásica de Chicago y donde se enfrenta, en letales duelos guitarreros, con los espadachines Luther Tucker, Hubert Sumiin y Jimmy Rogers.
Taylor falleció la nochebuena del 85 debido a una salud deteriorada por el alcohol, el tabaco, unos niveles de azúcar, líos en la sangre y un fatal infarto. Dos años después, se incluyó su nombre en el Hall Of Fame de la Fundación Blusera.
(P.C.)

El concepto de la vanidad en "El túnel" de Ernesto Sábato

2007-10-30T04:23:00.000+01:00

A petición popular uno de los fragmentos que mejor describen la forma en que veo la vanidad. Creo que yo ando bastante parejo a la forma en que este hombre ve eso. Corresponde a un fragmento del segundo capítulo de la novela "El túnel" de Ernesto Sábato.

"[...]De la vanidad no digo nada: creo que nadie está desprovisto de este notable motor del Progreso Humano. Me hacen reír esos señores que salen con la modestia de Einstein o gente por el estilo; respuesta: es fácil ser modesto cuando se es célebre; quiero decir parecer modesto. Aun cuando se imagina que no existe en absoluto, se la descubre de pronto en su forma más sutil: la vanidad de la modestia. ¡Cuántas veces tropezamos con esa clase de individuos! Hasta un hombre, real o simbólico, como Cristo, pronunció palabras sugeridas por la vanidad o al menos por la soberbia. ¿Qué decir de León Bloy, que se defendía de la acusación de soberbia argumentando que se había pasado la vida sirviendo a individuos que no le llegaban a las rodillas?
La vanidad se encuentra en los lugares más inesperados: al lado de la bondad, de la abnegación, de la generosidad. Cuando yo era chico y me desesperaba ante la idea de que mi madre debía morirse un día (con los años se llega a saber que la muerte no sólo es soportable sino hasta reconfortante), no imaginaba que mi madre pudiese tener defectos. Ahora que no existe, debo decir que fue tan buena como puede llegar a serlo un ser humano. Pero recuerdo, en sus últimos años, cuando yo era un hombre, cómo al comienzo me dolía descubrir debajo de sus mejores acciones un sutilísimo ingrediente de vanidad o de orgullo. Algo mucho más demostrativo me sucedió a mí mismo cuando la operaron de cáncer. Para llegar a tiempo tuve que viajar dos días enteros sin dormir. Cuando llegué al lado de su cama, su rostro de cadáver logró sonreírme levemente, con ternura, y murmuró unas palabras para compadecerme (¡ella se compadecía de mi cansancio!). Y yo sentí dentro de mí, oscuramente, el vanidoso orgullo de haber acudido tan pronto. Confieso este secreto para que vean hasta qué punto no me creo mejor que los demás.[...]"

La vanidad, las formas de superar el ego y las coincidencias

2007-10-26T23:56:00.000+02:00

Hace poco, haciendo búsquedas al azar, fui a parar a la web de mi ídolo, el difunto Luther Allison. La portada de la web es lo que me devolvió la idea porque ya conocía esa frase tan famosa de él. “Deja tu ego, toca la música, ama a la gente”
En las entrevistas que le pude ver Luther nunca me pareció destacar por ser un pensador medianamente elaborado. Parecía que todas sus ideas formasen la cara externa de un torrente emocional que era el que realmente debía de guiarlas. En cambio aquí vuelve a estar el tema de la vanidad que tanto me ha venido obsesionando desde hace años. Y sé que esta es una de las frases a las que él le daba más importancia porque era así cómo veía las cosas
Mi ídolo desde la adolescencia y la vanidad que tanto me persigue por todas partes de nuevo convergen. ¿Por qué?, ¿para qué?.

Las cosas que no quiero hacer, que no quiero ser.

2007-10-26T01:54:00.000+02:00

This is the world when everybody's get do something, [...] be something.
Sometimes just get tired of think of little things I don´t wanna do , things I don't wanna be.

"Este es el mundo en el que todo el mundo hace algo, […] es algo.
Algunas veces me canso de pensar en pequeñas cosas que no quiero hacer, cosas que no quiero ser."

Barfly (Dirigida por Barbet Schroeder)

Tommy Johnson e Ishman Bracey entrelazados por el blues

2007-10-21T21:06:00.001+02:00

Cuando se habla de los pioneros del blues de Mississippi, siempre se cita a los más grandes, a saber: al incuestionable rey fundador del blues del Delta. Charley Patton, y al más conocido e idolatrado Robert Johnson.. Pero es preciso dejar claro que entre ellos existieron otros muchos que tomaron esa música aún naciente y la modelaron, la dieron formas diversas y la enriquecieron. Ahí están las melodías de Bo Carter y los Mississippi Sheiks, el rítmico y evocador canto de Mississippi John Hurt, y está esa versión más dura y áspera, de rotundas líneas de bajo, atormentadas voces y dramáticos temas, interpretada por hombres que eligieron, o quizá fueron empujados acaminar por el lado salvaje, salvaje de verdad.
Entre éstos, el más importante e influyente fue sin duda Tommy Johnson (sin ninguna relación con Robert). Como el gran historiador del blues Paul Oliver escribe: «Añadió algo tan especial, tan rotundamente suyo v a la vez tan influyente entre sus contemporáneos, que sin su canto y sin su guitarra se habría perdido un ingrediente esencial de esa aleación musical». Su voz cálida vibraba de un modo muy personal. Tenía una sorprendente facilidad para tararear y emitir sílabas en falsete sin caer en transiciones bruscas. A pesar de que sólo grabó una docena de canciones, numerosos cantantes las aprendieron y siempre las interpretaron imitando su estilo.

Tommy Johnson nació en 1896 en una plantación cercana a la ciudad de Crystal Springs, fuera de la región del Delta, a unas veinte millas al Sur de Jackson, la capital del Estado de Mississippi. Su padre fue un esclavo nacido en Georgia y vendido a una familia de Mississippi apellidada Johnson, que le dio el nombre. Varios miembros de su familia materna eran músicos. Sus tíos tocaban guitarra y armónica en una brass band que interpretaba baladas y bailes en fiestas locales. Esta es la música que aprendió cuando uno de sus trece hermanos empezó a enseñarle a tocar la guitarra.
Hacia 1912 se marchó de casa con una mujer bastante mayor que él. Anduvo por el Norte del Estado, en la región del Delta, y se supone que allí mantuvo contacto con los músicos que en ese momento estaban desarrollando el que sería uno de los estilos de blues más importantes e influyentes de todos los tiempos. En 1914 volvió a casa y, ya convertido en profesional, recorrió junto a su hermano toda esa zona del Sur del Estado. En 1916 se casó con Maggie Bidvell, mujer con la que mantuvo una tormentosa relación y a la que dedicó una de sus grabaciones.
Ese mismo año volvió al Delta, esta vez acompañado también por su hermano, quien en una entrevista publicada en 1967 afirma que allí se encontraron con Charley Patton y Willie Brown, y que tocaron juntos muchas veces. La influencia de estos precursores en la música de Johnson es evidente y el efecto de estos viajes es innegable. Pero Johnson no sólo captó la riqueza expresiva de estos artistas, sino que también adquirió otras aficiones. Cuando poco después volvió a la zona de Jackson, en su maleta no sólo llevaba toda esa tradición musical, sino una gran afición al alcohol, a las mujeres y... un amuleto vudú, el que identifica a los que han vendido su alma al diablo.
La leyenda, de origen africano, probablemente fuera contada por todos los músicos de blues de esa época y. aunque actualmente es conocida la protagonizada por Robert, el otro Johnson, lo cierto es que el primer bluesman del que se dice que se comprometió al curioso pacto fue Tommy. Su hermano relató que, cuando le preguntó cómo había llegado a tocar mejor que él. Tommy contestó: «Si quieres aprender a tocar lo que quieras y hacer tus propias canciones tienes que coger tu guitarra e ir a ese cruce de caminos justo a las doce de la noche. Debes esperar tocando una canción, entonces el Gran Hombre negro llegará, tomará tu guitarra, la afinará, tocará una pieza y te la devolverá. Así es como aprendí a tocar».
Con toda esa 'experiencia', Tommy Johnson recorrió las fiestas; campestres y las calles de las poblaciones entre Jackson y Louisiana. Así pasó la mayor parte de los años 20, tocando, relacionándose con todas las mujeres que podía y bebiendo cualquier cosa que tuviera alcohol. El alcoholismo marcó su vida y su carrera profesional. En aquellos años de ley seca, ser alcohólico y negro pobre no era ninguna maravilla. Johnson bebía cualquier potingue que calmara su ansia y le diese ánimos para tocar. Lo más accesible era el alcohol de quemar desnaturalizado, el que se usaba en cocinas y estufas. Esta experiencia es narrada con dramatismo y convicción en su composición más famosa, la célebre «Canned heat» (la misma que da nombre a la banda de Bob Hile y Al Wilson). Merece la pena escuchar esa autobiográfica letra que dice «Crying, mama, mama, mama, yon know, canned heat killing me / Takes alcorub to take this canned heat blues / woke up this morning, crying, canned heat 'round mybed/Run here, somebodv, take this canned heat blues (Grito, mamá, ya sabes, el fuego enlatado me mata /Hace falta alcohol puro para alejar este dolor de fuego enlatado / Me desperté esta mañana, gritando, con el fuego enlatado alrededor de la cama / Que venga alguien corriendo, que me quite este dolor de fuego enlatado)». En sus buenos momentos se convertía en un artista deslumbrante que se ganaba a su público bailando y tocando con la guitarra en la espalda o entre las piernas, tal y como se cuenta que también hacía Charley Patton.
Ishman (o Ishmon) Bracey nació el 9 de enero de 1901 en Byram, una pequeña ciudad diez millas al Sur de Jackson. Hombre contradictorio educado en la Iglesia Baptista y con profundas convicciones religiosas, desvió su camino cuando se convirtió en músico y artista de variedades. De joven trabajó en la construcción del ferrocarril Illinois Central como 'water boy', acarreando agua. No era un gran guitarrista y su voz nasal tampoco resultaba muy atractiva, pero su forma de interpretar era efectiva y sentida. Su fraseo recordaba el canto de los hollers, las melodías de las cuadrillas de trabajo y de los campesinos que le enseñaron a tocar la guitarra. Actuando en fiestas, bailes y para los oyentes casuales en las calles do Crystal Springs. Conoció a Tommy Johnson en algún momento de los años 20. La importancia de Bracey en la historia del blues no viene dada sólo por sus grabaciones, sino porque fue él quien hizo posible que sus compañeros fueran inmortalizados en disco.

H.C.Speir era un vendedor de discos de Jackson que durante los años 20, se convirtió, además, en el único hombre blanco que se dedicaba a buscar músicos negros que pudieran realizar sesiones de grabación. Daba noticia de sus descubrimientos a las compañías de discos, que generalmente radicaban en Nueva York o Chicago, preparaba las sesiones, y recibía a cambio una comisión. Speir descubrió a Bracey en diciembre de 1927 y le llevó al primer piso de su tienda, donde tenía un modesto equipo que le permitía hacer grabaciones de prueba en discos de metal. Bracey recomendó a su compañero Johnson, que también fue probado, Se enviaron los discos a la compañía Víctor y al de pocos días Speir recibió un telegrama ordenando que llevara a esos tipos a Memphis para realizar las oportunas grabaciones.
Johnson, Bracey y el también guitarrista Charlie McCoy tomaron un autobús Greyhound y, siguiendo la ruta 61, se presentaron en Memphis, donde estuvieron tres días hospedados en un hotel de Beale Street. McCoy, quien por entonces era un joven desconocido que, en palabras de Bracey, aún no podía hacer más que de músico de acompañamiento, con el tiempo se convertiría en uno de los más prestigiosos y conocidos intérpretes de la zona y daría nombre a la estupenda cantante Memphis Minníe, su esposa. El viernes 4 de febrero de 1928 se realizó la primera sesión. En ella, Tommy Johnson estuvo perfectamente acompañado por McCoy. Allí grabaron «Cool drink of water blues», que empieza con el célebre verso «/ asked/ for water and they gave me gasoline (Pedí agua y me dieron gasolina)» que muchos años después el avispado Howlin' Wolf cantó en Chess en «I asked for water» (incluso existe una grabación de I968 donde el Sr. Burnett relata la historia como una experiencia propia). En cada verso la voz de Johnson pasa de un víbralo grave y potente a un quejumbroso falsete que refuerza el dramatismo de la situación, el cantante gime por un vaso de agua fresca y recibe todo el desprecio del mundo transformado en ardiente gasolina. El sencillo, claro y repetitivo punteo de Johnson está acompañado al fondo por los rápidos trinos de la guitarra de McCoy, tocada casi como un banjo. El mismo día se registró «Big road blues». una transformación del «Down the dirt road blues» de Charley Patton y una de las canciones más populares de Johnson. En ella aparece de nuevo el tema del viaje, del movimiento de un lugar a otro, la llamada del largo camino' como forma de liberación. Aquí el cantante muestra sus estupendos recursos vocales sin apenas recurrir al falsete. Dice: «I ain't goin' down that big road by myself if I don´t take you . I 'II take someone else (No voy a hacer ese largo camino yo solo/Si no te llevo a ti, llevaré a cualquier otra}».
El día siguiente grabó «Bye bye blues» y el influyente «Maggie Campbell blues» con esa estructura de walkin' bass ampliamente copiada, donde cuenta la relación con su ex mujer e introduce versos del clásico «See see rider». Siempre con esa voz grave y con vibrato. con poca entonación, casi recitando canta a la esperanza de tiempos mejores: «Now sun gone shine in my back door someday /And the wind gon' change. gon' blow my blues away (Algún día el sol brillará en la puerta de atrás El viento cambiará y se llevará mis penas)». Ese mismo día Ishman Bracey registra «Left alone blues» y «Saturday blues» donde usa algunos versos de «Cool drink of water», lo cual hace pensar que en realidad el tema tampoco era de Johnson sino uno de tantos transmitidos de cantante en cantante cuyos orígenes se pierden en la oscuridad de esos primeros años del blues, uno de los que cada intérprete toma y moldea a su gusto, haciéndolo suyo. La voz de Bracey es aquí más aguda y metálica, con menos víbrato, y a menudo varía bruscamente de volumen para aumentar el dramatismo de la narración. Su guitarra es sencilla y correcta, marcando contundentemente las líneas de bajo, mientras que, por detrás, McCoy acomete un trabajo sobresaliente afinando asperezas y dibujando melodías.
Los discos editados con estas canciones se vendieron relativamente bien. Bracey contó que «Saturday blues» colocó más de 6.000 copias, lo cual es todo un éxito para una época y un estilo donde lo corriente era vender 500. Esto proporcionó al sello Víctor los beneficios suficientes como para organizar otra sesión para finales de agosto de ese mismo año. En ella Tommy Johnson registra «Lonesone blues», donde vuelve a narrar sus atormentadas relaciones con las mujeres: Won't you iron un jumper, starch my overals/l'm gon´ find my woman, said she’sin this world somewhere / Well it's good to you mama, sure lord killin' me (¿Plancharías mi buzo y almidonarías mi guardapolvo? / Tengo que encontrar una mujer en algún lugar de este mundo / Lo que es bueno para ti, seguro que a mí me mata)» El mismo día se registra «Canned heat blues», que se convierte en un éxito y le dará cierta fama.
Pero el fuego enlatado le seguía matando. En l930, una vez terminado el contrato de un año con Víctor, Speir hizó otra sesión, esta vez para la Paramount con quien mantenía una mejor relación. Por palabras del propio Bracey sabemos que «Mr. Speir quería que fuéramos a Wisconsin, a Paramount Records. Me dijo que estuviera listo para ir allí con Tommy y preparáramos algunas canciones que no hubiésemos grabado antes. Pero Tommy se emborrachó tanto que apenas pudo grabar. Yo hize cinco o seis con mi guitarra. Grabé Woman woman blues' en sol menor. Me dijeron que era una buena idea, que a la gente no le gustaba oír siempre el mismo tono, que eso ayudaba a vender mejor». Efectivamente, para muchos ésta es su mejor canción. En ella parece que su canto se ha vuelto mucho más expresivo y variado, más parecido al de su compañero.
Speir admitió que solía dejar beber a los músicos de blues antes de las grabaciones, que estos no hacían música o transmitían ese emocionante sentimiento hasta que no tomaban un poco de alcohol. Solía comprar alcohol de farmacia, que es lo que muchos de ellos bebían en la prohibición. Pero parece que esta vez había auténtico whiskey en el estudio y que Johnson a pesar de su alcoholismo, jamás lo había probado. Bebió tanto que echaba a perder todas las tomas. Bracey continúa: «Se volvió loco. Nunca había visto whiskey de verdad. Se puso tan malo que yo tuve que tocar detrás de él en dos temas». Se refería a «Lonesome home blues» y no podía ser más ilustrativo, una versión de su tema más célebre, retitulado ahora «Alcohol and jake blues», donde Johnson se muestra pesimista y oscuro. Una garganta grave en la que casi ha desaparecido el vibrato tararea como un holler mientras se oye claramente la voz de Bracey animándole a continuar.
Ni Johnson ni Bracey volverían a ser inmortalizados en un estudio de grabación. Durante los años 30, con la Depresión el negocio discográfico decayó y las ediciones de blues disminuyeron notablemente. Esas compañías iban a lo seguro y. además según palabras del propio Speir, Johnson y Bracey ya habían dado lo mejor de sí mismos. Ambos continuaron colaborando hasta que discutieron por un asunto de dinero y se separaron definitivamente. Se sabe que en los años 30 trabajaron juntos en un "medicine show”, el típico espectáculo itinerante en el que un vendedor utiliza a músicos para atraer público hacia el carromato donde ofrece sus productos. A pesar de que el alcoholismo mermó notablemente sus facultades Tommy Johnson continuó dedicándose a la música. No se sabe si fue gracias a su pacto con el diablo, pero logró mantener esa azarosa y poco sana vida hasta casi los 60 años. Murió de un ataque al corazón actuando en una fiesta de cumpleaños el I de noviembre de 1956, justo después de gemir por última vez eso de que el fuego enlatado le estaba matando.
Ishman Bracey, en cambio, se libró mucho antes de toda relación con el diablo y su música. En 1951 volvió a la religión y se ordenó sacerdote de la Iglesia Baptista. Desde entonces su música sería exclusivamente el gospel de las ceremonias. En los 60 fue redescubierto por los investigadores que buscaban a los entonces olvidados protagonistas del nacimiento del blues. Concedió alguna entrevista y contó con pudor sus andanzas de pecador. Se le animó a grabar de nuevo pero se negó rotundamente.
(J.I.)

Cortar la alambrada

2007-10-19T14:43:00.000+02:00

Paseando por una costa "deshabitada". Mirador do Paraño.

2007-10-13T00:06:00.000+02:00

Hace unos días me pasé por el blog de mi vecina pintora Carmen Martín y sorprendido me encontré que por fechas parejas estuvimos por zonas de la costa muy próximas unas de otras. En principio las fotos que sacamos de aquella parte pensaba dejarlas para “consumo propio” pero me he animado a subirlas aquí viendo el ejemplo de Carmen ( Un día en Meirás).

Básicamente lo que hicimos fue recorrer el trecho que se ve en el mapa y que corresponde a una franja de costa entre las playas de Valdoviño (a la derecha de la imagen) y la de Pantín (a la izquierda de la imagen). Aunque ambas playas son bastante populares el tramo de costa que hay entre ellas por el momento tiene la suerte de no serlo. Es un camino algo agreste pero si hace buen tiempo se hace muy agradable de caminar.
El itinerario consistió en caminar ese tramo lo más cerca posible de la costa, cosa que se puede hacer durante buena parte del camino. Entre tanto está la suerte de poder encontrar algunas pequeñas playas que por lo apartado de su situación apenas son visitadas por gente a lo largo del año. La peculiaridad es que debido a la orografía de la zona uno puede sentirse completamente alejado de todo y de todos, sin ver ni oír a nadie, mientras que a no demasiada distancia sí que hay mucha gente.
Hay un tramo en el que los matorrales son ya muy altos y aunque con dificultad se puede seguir caminando bordeando la costa un desvío nos lleva a otro de mis lugares favoritos de ese paseo, el “Mirador do Paraño”. Este mirador es una especie de mini plaza con una pequeña fuente presidiendo el centro. El mirador, aunque muy simple de diseño, me encanta. Y la fuente unida a los bancos vacíos es algo más que evocador. Aunque se puede llegar a él desde una carretera secundaria desde la parte que cogimos hay que hacer una subida bastante empinada. Son unos quince minutos subiendo pero compensa hacer el tramo por este lado.

Zeljko Srdic: "Beach"

2007-10-10T16:12:00.000+02:00

Kenny Neal: Las raíces de la Louisiana en el blues. Entrevista.

2007-09-13T18:03:00.007+02:00

-Una de tus características más importantes es que compones la mayor parte de las canciones que interpretas.
Sí, el noventa por ciento. Me gusta escribir mis propias canciones, como lo hacían Muddy Waters, Lightnin' Hopkins... Todos ellos grabaron sus canciones, hoy clásicas. Pero para nosotros, la nueva generación, es importante expresar nuestros sentimientos en nuestras propias composiciones.
-Tú presentas innovaciones respecto a esos clásicos, por ejemplo, ciertas conexiones con el funky, sobre todo en las líneas de bajo.
Existe una especie de comunión entre el blues y el funky. ¿Y qué piensas del futuro?
He tocado con Buddy Guy, Junior Wells, Big Mama Thornton. John Lee Hooker, Gatemouth Brown y con mucha otra gente que ya no está, por eso nosotros tenemos que mantener toda esa tradición. «Carrying the torch», como dice la canción que tocaré luego.

-Retrocedamos en el tiempo ¿Qué clase de música oías cuando eras joven?
Little Walter, Howlin' Wolf y Professor Longhair eran mis favonios.
-¿Conociste personalmente a alguno de ellos? No. pero conocí a Lonesome Sundown, Jimmy Reed. Slim Harpo... Solían venir a mi casa, eran amigos de mi padre.
-Cuéntanos algo del ambiente en tu casa con toda esa gente. Para mí no eran más que los amigos de mi padre, no les veía como celebridades. Ahora que soy mayor pienso que he tenido mucha suerte por conocerlos, pero entonces no era consciente de ello.

-¿Qué es lo más importante que te enseñó tu padre respecto al blues?
Lo más importante que aprendí de mi padre, respecto a cualquier cosa, es que todo el mundo es alguien. Es como antes, cuando os decían que no podíais pasar. Bueno, pues salgo yo y ya está. Estamos juntos en este mundo y hay que respetar a los demás, ésa es mi forma de ver la vida. No se puede ir de estrella y apartarse de la gente. Eso es lo más importante que aprendí de mi padre.
-Empezaste tocando el bajo con tu padre, luego tocaste en la banda de Buddy Guy, y después te instalaste en Canadá con tus hermanos ¿Por qué te fuiste allí, habiendo empezado una carrera tan bien encaminada? Porque hice otro grupo, es decir, me casé y tuve dos hijos. Luego volví a Louisiana.
-Entonces conociste a Bob Greenlee de Kingsnake Records.
El es como mi hermano mayor. En mi familia yo era el primogénito de diez hermanos, así que fue Bob quien se convirtió en mi confidente. El me ofreció la oportunidad de grabar. Editó un disco con mi padre y editó mi primer álbum: «Bio On The Bayou». Desde entonces somos buenos amigos. El disco fue número uno, así que los de Alligator dijeron: “¡Número uno con Kingsnake, lo nunca visto!', y me ofrecieron un contrato.
- Entonces editaron una versión distinta del mismo disco con un nuevo título: «Big News From Baton Rouge». ¿En qué se diferencia?
Lo remezclamos entero.
-En ambos discos aparece una canción, «Evalina», pero las versiones son completamente distintas. En la primera aparece un tal Mr. Bootney.
Bootney trabajaba en las obras de las vías del ferrocarril. Es un empleo duro. Para soportarlo mejor, solían cantar mientras golpeaban el suelo con esos grandes mazos, guardando el ritmo: boom, boom (canta). Cuando lo oí por primera vez, ya sabes, fuimos a una licorería, compré una botella de vino y le dije: ‘Venga, ven al estudio conmigo'. En la segunda edición el tema cambió mucho. Porque los de Alligator no quisieron grabar a Bootney. Realmente, pienso que se equivocaron, porque habíamos conseguido captar algo tradicional y verdadero. Nos gusta más la primera versión. Claro, porque es algo auténtico.
-¿Quiere eso decir que en Alligator no te dejan hacer lo que quieres?
No, ahora estoy bien con ellos. En aquel tiempo era distinto, yo sólo quería obtener un buen contrato y grabar discos.
-Pensamos que tu tercer álbum es más comercial, el sonido es más claro.
Estoy de acuerdo. Eso es porque había demasiada gente alrededor haciendo cosas. Por eso, cuando grabé «Hoodoo Moon», intenté volver a los orígenes y hacer las cosas yo mismo. Cuando me veáis actuar esta noche comprobaréis que vuelvo a mis raíces. Pienso que deberíamos preservar la música que otros nos legaron: Guitar Slim, Lightnin' Slim y demás. Eso es lo que quiero hacer.
-En «Bayou Blood» prescindiste de sección de viento. Sí, quise utilizar una sección rítmica más reducida, sólo cuatro instrumentos. ¿
-Y qué tal resultó?
En la siguiente grabación he vuelto a utilizar metales.
-¿Qué tal con Lucky Peterson?
Es un genio, un estupendo intérprete. Ha colaborado en todas mis grabaciones y ya es como otro hermano. También tocará en mi próximo disco.
-Tu último álbum, «Hoodoo Moon», tiene un sonido demasiado limpio.
Me gusta el sonido auténtico de los instrumentos, el sonido limpio, y hacer blues de verdad.
-¿Te gustaría grabar un disco en directo?
Sí, me encantaría. Siempre se lo digo a la casa de discos (gritando): “¡Quiero un álbum en directo!”. Porque pienso que soy mejor en el escenario que en el estudio.
- ¿Cuál de las canciones que has compuesto es tu favorita?
Si quieres que te sea honesto, te diré que mi canción favorita es «The things that I use to do», de Guitar Slim (se pone a cantarla). Me trae recuerdos de mi madre, de mi padre, de toda mi familia. Aunque no la haya compuesto yo, la considero como algo mío. Esta noche también la cantaré.
-¿Y tu bluesman favorito?
Muddy Waters, sin duda.
Sabemos que tuviste algo que ver con un musical que se representó en Broadway
¡Oh, no! Sí, me dieron un pequeño papel en una obra de Broadway. Fui a la escuela a tomar clases de interpretación. La música era de Taj Mahal.
-¿Sigues interesado en el teatro?
Lo mío es tocar blues.
-También eres un buen intérprete de armónica.
Sí, esta noche la voy a tocar acompañando a Corey Harris, pero cada vez que hay una reunión de armonicistas, nunca me llaman (risas).
-¿Cómo disfrutas más, tocando guitarra o armónica? Todo depende de la canción que esté interpretando. Ambos instrumentos me gustan.
-Háblanos de la música de Louisiana.
Durante mucho tiempo, los europeos que querían conocer el blues acudieron a Chicago, pero nunca fueron a las raíces: Mississippi, Louisiana, Arkansas..., es decir, el sur. Por eso mi padre no fue muy conocido. El no fue a Chicago y no consiguió un contrato de grabación, tocaba por el sur. Yo, que vengo de Baton Rouge, escuché toda esa música e intento darla a conocer. Ahora ya se conoce el blues del sur, el cajún, el zydeco, pero antes la gente sólo conocía Chicago. Hace un tiempo el zydeco sólo se tocaba en el área de Lafayette y Opelousas (ciudades del sur del estado), nadie más lo escuchaba. En los últimos siete o diez años se ha difundido mucho, ahora mucha gente lo conoce, y eso es bueno. Louisiana tiene una estupenda tradición musical, estoy orgulloso de formar parle de ella.
-¿Qué opinas del rap y el hip hop?
El rap no es una cosa tan moderna. Si vas hacia atrás, verás que los músicos de jazz hacían algo parecido y lo llamaban scat. Sí, me gusta. Lo que no me gusta es la música disco. Eso nos quita el trabajo, con todos esos disc jockeys poniendo discos con el mismo ritmo: baf, baf. Los años setenta fueron realmente duros para nosotros.
-¿Conoces otras conexiones entre el blues, el rock y otras músicas? Por ejemplo, ¿has oído el último disco de Los Lobos?
Sí, los conozco, son amigos. Te diré algo importante: ellos vienen de una tradición completamente diferente, pero hacen lo mismo, se siente lo mismo, porque lo suyo también sale del corazón.
-¿Notas alguna diferencia entre el público de los distintos países que visitas?
No, al mostrarte en el escenario utilizas un lenguaje universal. Puede que no entienda el idioma, pero comprendo a la gente cuando dice vyeah'. No, para mí no hay diferencias. (J.I.)

IF HEARTACHES WERE NICKELS

I wish you could see me

all broken down this way

but even if you saw me baby

I know , I could not make you stay,

I couldn't make you stay you know about the high cost of loving,

and some-day you're gonna have to pay some-day you're gonna have to pay.
.A woman like you needs fine things

and I knew that from the start

and I dont have much to offer

just this old broken heart, yeah just this broken heart

and if heartaches were nickles, i would not be here crying in the dark

If wine and pills were hundred dollar bills I might keep you satisfied

if broken dreams were limousines I might take you for a ride

it's all I can do, to think of you and wish you were here by my side

if heartaches were nickles I'd be the richest fool alive

Necesito algo con lo que poder vivir. Joseph Conrad.

2007-08-28T18:17:00.000+02:00

Cuando me hice con la novela de Joseph Conrad, “Heart of Darkness “ (El corazón de las tinieblas), en seguida una de las partes que más me llamó la atención fue una de las frases finales:” I want—I want—something—something—to—to live with.”. La decía Kurtz al final del libro y representaba los últimos gritos de una existencia marcada por lo que él mismo llamó “el horror”. El horror era el fruto de haber descendido a las verdades más monstruosas de la naturaleza humana y la selva era el entorno apropiado para que sucediese.
El problema del sentido de la existencia puede que sea el que esté más inherente en la naturaleza humana y para solucionarlo el movimiento inicial es ir hacia algo que nos mantenga en tierra firme, y esa frase también lo representa. Cuando no se logra algún tipo de solución a esto sólo queda por delante el absurdo. Kurtz es un hombre tan destrozado a los ojos de Marlow que es más un vacío que una persona. No le faltan aptitudes para hacer lo que le apetezca. Los retratos que se hacen de él desde otros personajes nos dejan a la claras que es un hombre sobrado para hacer grandes cosas. Para su prometida es un genio, para el periodista un líder nato o para su sobrino un gran músico. Sin embargo él se adentra en lo más profundo de sí mismo para dejarse llevar por los instintos salvajes más primarios y fundirse con “el horror”.
Todos necesitamos “algo” con lo que poder vivir.

Andrew "Big Voice" Odom: "Going to California".Un desconocido.

2007-08-18T05:49:00.001+02:00

A Andrew “Big Voice” Odom lo conocí de casualidad escuchando su “Going To California”. En un primer momento lo confundí con mi venerado Luther Allison, pero evidentemente era alguien distinto. Vista las preciosidad del tema intenté enterarme de quién era este hombre que cantando tan bien había pasado sin llamar demasiado la atención por la escena del blues.
Natural de Louisiana ,(15-12-1936, Denham Springs, Louisiana; 23-12-1991 Chicago, Illinois), Andrew veló sus armas vocales cantando espirituales. A mediados de los 50 cayó bajo el influjo del blues, concretamente de los pesos pesados de la escena local: Albert King y Johnny O'Neal. Su oscuro debut vinílico como cantante de blues, alrededor de 1958-59 y para un sello que ni consta en las enciclopedias, homenajearía en el título a su residencia de adopción, «East St. Louis», y en él figuraba a sueldo para un tal Little Aaron. En 1960, mudado definitivamente a Chicago, es captado por el virtuoso de la slide Earl Hooker para ocupar el puesto de vocalista en su banda. A Hooker, talentoso como era, no se le escapó que Little B.B. poseía dinamita en la garganta, así que le introdujo en los círculos locales. Un single con Nation Records, en 1967, acreditado como Andre Odom precede a su primer LP, el fallido «Farther On The Road» (Bluesway-ABC, 69). De poco sirve que le acompañe la banda de su patrón. Earl Hooker, puesto que el viejo zorro siempre reservaba los mejores tañidos de su Gibson para aquellos vinilos en lo que él figuraba como autor principal. Chequead, por contra, esas prodigiosas grabaciones del slider en Arhoolie y Bluesway, donde Big Voice Odom sí que da la campanada con su garganta. Muerto Hooker en 1970, la siguiente colaboración destacable le reúne con otro ex-sideman del slider tuberculoso. Jimmy Dawkins, en su «All For Business» (Delmark, 71), disco que además contaba con el maestro westsider en horas bajas Otis Rush. Cinco años más tarde, el anodino «Going lo California» (MCM, 76), con capital gabacho y junto a Dawkins nuevamente, capturó la atmósfera humeante de un bolo suyo en un bar blusero.

Esta sería la dinámica que podríamos esperar de un vocalista con una imaginación estilística limitada: años y años currándose la carretera, actuaciones en los sórdidos clubs del ghetto negro, y la edición de algún LP según se terciara la ocasión, como esa posibilidad de hacerlo durante las consabidas giras por el Viejo Continente del Chicago Blues Festival, paquetes compuestos por ramilletes de músicos y talentos varados. «Feel So Good!» (Isabel-Evidence, 82) es un disco simpático que ya tiene un pase sólo por el hecho de haber congregado a Magic Slim y sus Teardrops (incluido John Primer a la guitarra), Lucky Peterson a los teclados y la garganta invitada de Little Millón en el viejo clásico de Bobby Blue Bland «Mother in law blues». El repertorio, lógicamente, saquea los cancioneros de B.B. King, Bland o Lowell Fulson, y da salida a composiciones propias como el hit menor en los cabarets westsiders «Bad Fecling».
Su mayor logro (aunque no tanto, pues se termina abusando de versiones ajenas: Jimmy Reed, Bobby Bland, B.B. King, Chuck Willis, Albert King) lo consiguió a título póstumo secundado por el combo canadiense The Gold Tops. Una ironía nauseabunda ésta la de grabar el disco de una vida y morirse al poco tiempo. «Going To California» (Flying Fish-Rounder, 92; no confundirlo con el LP homónimo de MCM) era un disco que capturaba su poderío vocal crepuscular. A su lado, el efectivo combo The Gold Tops levantaba un efectivo, seco respaldo sónico a su ostentosa garganta, en un trabajo coproducido por el guitarrista blanco Steve Freund, conocido en el mundillo por oficiar de bandleader del pianista chicagüense Sunnyland Slim. Un disco que no pudo ver editado, pues el gran B.B. falleció de un ataque al corazón mientras conducía su coche (y si no le mató eso, entonces sí que terminaría de desarreglarle el haberse empotrado contra un árbol tras perder el control automovilístico). Fue una noche aciaga de diciembre del 91. Acababa de cumplir un bolo en el Buddy Guy's Legends y se dirigía a otro blues-bar relacionado años ha con el guitarrista de Louisiana, el Checkerboard Lounge. En su funeral cantó un shouter poderoso, Artie 'Blues Boy' White, rememorando sus raíces gospel, entonando una salve por otro perdedor del blues.

Jugar de adulto para ser como los niños

2007-08-15T04:02:00.000+02:00

Hace unos días me quedé perplejo mientras iba por la calle. Un circuito de automodelismo que conocía desde hace más de veinte años y jamás había visto usar estaba siendo al fin utilizado. En realidad tampoco es un disparate muy grande, después de todo un circuito de automodelismo está pensado para eso, lo disparatado sería que hubiese carreras de elefantes en ese sito pero para el caso me produjo una impresión parecida. Ver a adultos jugando de la misma forma que si fuesen niños pequeños es algo que no me deja de sorprender. Al fin y al cabo una de las cosas que suele pasar al entrar en la edad “madura” es que se acaba dejando de mirar como se miraba de niño. Se aprende a no mirar a la cara de la gente en las distancias cortas, en el ascensor, en los autobuses, en el metro…; se aprende a no mancharse la ropa haciendo tonterías; se aprenden muchas cosas así…. y lo peor de todo es que se aprende a perder la inocencia. Se consigue que las cosas “sean lo que son” porque son así y no hay más que hablar. Para Platón, en cambio, el conocimiento partía de la admiración y eso es lo que te permite la inocencia, sorprenderte por cualquier cosa.
Cuando somos pequeños generalmente queremos ser adultos y yo cada vez estoy más convencido de que ser mayor consiste en recuperar lo que éramos de pequeños. Parece una suerte de dislate para no estar nunca tranquilo. Es como si sólo se quiere lo que no se tiene. Quizás en eso también consiste la humanidad.

Concierto de Fuckin'n'funky: reencontrando a los compañeros

2007-08-14T08:27:00.001+02:00

Hacía mucho tiempo que no veía en acción a mis antiguos compañeros. Una primera referencia de un concierto en el que tocamos juntos está en el post: Un concierto en el Patín. Desde esto ya ha llovido. Me contaron que tocaban en un festival de Jazz en Coruña, El Burgo Jazz 2007. Como esos días me apetecía salir a tomar el aire aproveché y fui con ellos de “paquete”. Bueno, tampoco voy a negar que tuviera bastante curiosidad por ver cómo habían evolucionado sin que estuviésemos juntos. Sabía que cómo poco quedaban liberados del “yugo del blues” que les había impuesto. Así la tarde se presentaba más que interesante.
El sitio es pequeño pero coqueto. Está dentro de un parque que para empezar deja al tráfico a una distancia que no molesta y luego tener tanto verde alrededor es algo más que relajante. Exactamente es el “Aula da Natureza Juan Lembeye” del Jardín Botánico da Ría do Burgo: Culleredo Para quienes no conozcan a los actuales Fuckin’n’Funky decir que el grupo es completamente instrumental y únicamente usa la voz Johnny (teclados) para dirigirse al público. Atrás quedaron aquellos tiempos en los que se estaba algo cohibido y preocupado por la actuación. Ahora Johnny está como pez en el agua, tan relajado y animoso que casi tiene que ponerse freno él mismo para no decir algo que pueda malinterpretarse o que se sienta fuera de tono. Según me contaron aquí estuvo muy contenido y aún así me resultó un cambio bastante grande a cómo lo recordaba. En cualquier caso el cambio ha sido para bien.
Los actuales Fuckin’n’Funky lo forman Antonio López y Roberto Pérez a las guitarras, Manuel Fernández (Johnny) al teclado, Javier Niebla a la batería y Benny Bouza al bajo. De mi antigua época queda Johnny y Niebla, el puesto de director intelectual del grupo lo ocupa ahora Antonio López que es el que suministra buena parte de las versiones que hacen y marca las líneas principales que sigue el grupo. Para mí ver esto fue una sensación algo curiosa, es como ver algo así como la otra cara de un persona que conoces de toda la vida. Algo muy curioso.
Tengo que reconocer que una de las cosas que me sorprendió más gratamente fue Roberto, que además de un aire a Robben Ford, en su aspecto y sonido, sabía darle su propia personalidad. No tengo nada de afecto por las pedaleras de efectos y ver que Roberto montaba su “cadena” de pedales de efectos ya me despertó simpatía. Aunque se adaptaba bien al estilo “fusión” del grupo es evidente que tiene un “poso” de blues en su forma de tocar y el sonido que le saca a la guitarra me resultó más que bueno. Antonio ya se ve que viene de otros palos más cercanos al jazz. Tocó cosas interesantes pero ya no es la dirección de mis gustos la que lleva. Johnny me sorprendió mucho. Muy centrado en la música (que no es que antes no lo estuviese) y con ganas de dejarse el resto. A Javier le volví a encontrar aquellos cambios de tiempo en la batería, y si no los veía exactamente igual creí encontrar nuevas variantes con algo similar. Benny es un chico al que le he visto cosas que me han gustado mucho como guitarrista (que es lo que habitualmente es), aquí en cambio tocaba el bajo y entre que el volumen y el bajo no eran los mejores creo que me quedé algo perdido y no me enteré demasiado de lo que tocó.
Globalmente fue una tarde interesante, me alegré de haber ido. Después de tantos años está bien que se crucen vías que iban por lugares distintos.

Un nuevo blues para mi viejo Dobro

2007-08-10T23:42:00.001+02:00

Seguro que a todos nos ha pasado alguna vez encontrarnos con un olor que no habíamos vuelto a percibir desde la infancia. Por un momento nos volvemos a sentir como cuando éramos niños. Salvando las distancias, porque el tema de los olores siempre debe ir aparte, recuperar mi Dobro después de tenerlo semi-abandonado es una sensación parecida de alguna forma.

Las cosas viejas suelen venir acompañadas de recuerdos. Seguro que todos hemos encontrado objetos de nuestra infancia que instantáneamente nos trasladan a épocas que ya nos parecían casi olvidadas del todo. Con los instrumentos musicales esto tiende a multiplicarse porque junto a los recuerdos físicos hay muchas vivencias emocionales asociadas que parece que sigan de alguna forma latentes en el instrumento. Por motivos como estos entiendo que se regalen. Se regala más que un trozo de madera, se da lo que se ha dado también en él. También entiendo que a veces no se quieran ver delante porque traen recuerdos que no se quieren avivar. Y los admiro, porque cuando forman parte de la historia de alguna forma todavía siguen sonando.
Es un tema curioso esto de animar objetos inanimados. Un buen ejemplo de que mucho de los que hay en las cosas proviene de nuestra cabeza. Hasta puede que incluso sea todo.

Un artista desconocido

2007-08-08T04:02:00.001+02:00

Estos días me ha llamado mucho la atención una coincidencia entre varias webs que he estado mirando. La primera parte fue en el blog “Selkie. Una artista desconocida”. Hay varias pinturas de las que por allí tiene puestas que me gustan una barbaridad pero lo que siempre me ha llamado la atención de este blog es el título, a la vez verdadero y a la vez precioso. La segunda parte fue en una de mis interminables escuchas de discos. Cuando ya llevaba un buen rato me di cuenta de que la música que estaba escuchando me estaba gustando especialmente. Después de ver que el autor era Magic Red fui a ver si me enteraba de quién era este guitarrista. Para mi sorpresa una de las primeras cosas que aparecen en su web es él mismo presentándose como: “The world’s greatest unknown guitarist” (“el más grande guitarrista desconocido del mundo”). Dejando aparte el tema de la modestia me resultó muy gracioso volver a encontrarme con el tema de ser “un artista desconocido”.

Por una parte es verdad que cuando alguien intenta expresar algo artísticamente lo suele hacer porque el no poder ex-presarlo, es decir liberarlo, le produce en alguna medida angustia y sentimiento de incomunicación. Ese sentimiento de incomunicación es el que se refleja en esto que ambos han llamado “un artista desconocido”. Desconocido porque para empezar ellos mismos no han concluido su trabajo (con lo que son desconocidos para sí mismos) y después, consiguientemente, el resto de la humanidad no ha terminado de conocerlos ya que todavía tienen mucho por dar de lo que ellos son. Resultado final, permanecen como desconocidos entre el resto de la humanidad.
Un motivo por el que me gusta mucho esta expresión es porque en buena medida refleja una parte de la condición del ser humano. Por un lado la necesidad de conocernos y por otro el aislamiento que existe entre todos nosotros. Alguien dijo que en el fondo morimos como vivimos, solos. Aunque esto no se debería de considerar objetivamente así porque siempre hay grados, también es verdad que en última instancia de alguna forma refleja nuestra condición.
El instrumental que me llamó definitivamente la atención para saber algo más de Magic Red fue este “Desert Run” incluido en el disco “Clarity”(2006). Evidentemente es rock, pero eso no quita que me siga interesando muchísimo. Me gusta mucho la melodía base que aunque es muy sencilla me parece muy íntegra. Desde siempre me ha gustado el pedal de wha-wha, es uno de mis favoritos y he pasado muchos días usándolo en muchos de mis solos. Para mí es como si multiplicase el efecto del sonido de la guitarra para hacerlo más angustioso, una especie de lamento más intenso y modulado. Aquí este pelirrojo guitarrista lo usa mucho y muy apropiadamente, que es algo también me encanta.

Tab Benoit: "Drownin' on dry land" (Álbum: Nice and Warm).

2007-08-04T13:49:00.001+02:00

Hace unos cuantos días que se me ha quedado entre ceja y ceja el blues que hace Tab Benoit en su disco “Nice and warm” , Drowning on dry land. Desde luego la situación no es nada nueva, después de todo una de las mejores formas de encontrar lo que se suele llamar “inspiración” es en la propia música. La cuestión es ¿por qué justamente esto ahora?. Después de todo el disco lo conozco desde hace años y aunque siempre me ha gustado me ha tenido que venir a la cabeza en estos momentos.
Hablar sobre música es complicado, después de todo hay disciplinas artísticas mucho más dadas al intelectualismo, pero vamos a hacer un intento. El tema es un blues de toda la vida en La, bien hecho pero que tampoco pasará especialmente a la posteridad. Busquemos por la letra que seguramente es de lo más distintivo.

“I’m goin' down”. Este es el tipo de frases que de por sí tienen significado. Una especie de elemento básico y autónomo que se pueden combinar de muchas maneras de la misma forma que en una pintura se pueden cambiar de posición los elementos que la componen para conseguir variaciones de significado. Puestos a buscar clásicos de referencia para esto tenemos el “I’m going down” de Freddie King.
“My nose is in the sand”. No hace falta ser un lince para darse cuenta que representa el estado más bajo en que se puede caer. Al mismo tiempo la dirección de la cara señala la completa incapacidad de ir hacia el mundo. Se está en el propio hoyo sin ni siquiera ver la salida. La arena por otra parte es una superficie bien escurridiza, así que ni siquera ahí hay algo firme en lo que asentarse.
“A cloud of dust just came over me” me recuerda mucho a un verso similar de Little Charlie & Nightcats en “Walking in the shadow of the blues” que dice” There’s a dark cloud over me that I just can’t seem to loose”. Pasamos de una nube oscura a una nube de polvo, quizás de algo definido y penoso a algo más confuso. De cualquier forma son imágenes similares. Resultado coherente de todo esto: Nos ahogamos en la arena. Para colmo ni lo sabemos, lo creemos. “And i think i’m drowning on dry land”.
Luego ya vienen las historias por parte familiar, la del padre y la de la madre. O lo que es lo mismo las guías de cualquier persona para afrontar el mundo. Por parte del padre hemos tenido el aviso de que no viviésemos por cuenta propia nuestra vida yendo por lugares que no conocemos. Por parte de la madre la historia de la desgraciada vida del perrito que es enganchado por todas partes por el tren.
Y ¿quién es Tab Benoit? Un guitarrista nacido en noviembre de 1967 en Baton Rouge, o lo que es lo mismo en el corazón de la Louisiana. Creció en Houma, localidad también de la Louisiana y que es en la que sigue residiendo. La historia es la típica, chico que sabe tocar y se busca la vida de un lado para otro hasta que finalmente alguien espabilado se da cuenta de que eso debe grabarse y así aparece su álbum de debut “Nice and Warm” en 1992, que es al que pertenece esta canción.
Una de sus características de este músico es que en cuanto a los discos sigue el viejo proceso. Es decir, parte de hacer extensas giras en las que prueba mucho las canciones, hasta que le convencen y decide traspasarlas al disco.

Drownin' on dry land

I'm going down. My nose is in the sand

I'm going down, down, baby. My nose is in the sand

A cloud of dust just came over me

And I think I'm drowning on dry land.

You know, my father told me, son don't rush to be a man

You know, my father told me, son don't you rush to be a man

But I went ahead on, and now I think I'm drowning on dry land.

You know my mother told me the story

About that li'l dog that couldn't see too well

He was crossing a railroad track one day

When the train cut off a part of his tail

He turned around but never looked up

Just to peep over the rail

And she said he lost his whole head

Trying to find a little piece of tail

That's why I'm going down. My nose is in the sand

A cloud of dust just came over me

And now I think I'm drowning on dry land