Vladimir Botchkovskiy – Viola
Alexander Suslin – Kontrabass
Irina Kolesnikova – Klavier

Das Programm:

 Johann Matth. Sperger (1750-1812)

 Sonate D-Dur für Viola und Kontrabass

Galina Ustwolskaja (1919-2006)

Großes Duett (1959) für Violoncello und Klavier

Dmitri Schostakowitsch (1906-1975)

Sonate in C für Viola und Klavier op. 147 (1975)

Sofia Gubaidulina (*1931)

 „Quasi hoquetus“ (1984/85) für Viola, Fagott und Klavier

Größer könnten die Gegensätze im ersten Programmteil kaum sein: Zwischen der klassischen Eleganz und Gefälligkeit der Kontrabass-Sonate von Johann Matthias Sperger und Galina Ustwolskajas Großem Duett in seiner Schroffheit und Radikalität liegen Welten!

Sperger wurde in Wien zum Kontrabassisten und Komponisten ausgebildet. Nach 20jährigem Wirken an den Hofkapellen österreichisch-ungarischer Grafen und Erzbischöfe sowie in der Wiener Tonkünstlersozietät wurde er 1789 erster Kontrabassist der Mecklenburgisch-Schweriner Hofkapelle in Ludwigslust. Er schrieb mehr als 44 Sinfonien, Konzerte (darunter 18 für Kontrabass), Sonaten, Tänze, Kantaten, Chöre und Arien.

Galina Ustwolskajas Œuvre wurde „wie ein Meteorit in der musikalischen Welt“ beschrieben, ihr Stil „kraftvoll, energetisch, sperrig, von eigenwilliger Dichte und kompromissloser Entschiedenheit, klar und geradlinig.“ Andere Etikettierungen wie „Kammermusik“ oder „religiöse Musik“ lehnte sie stets strikt ab. „Das NICHT-kammermusikalische in meiner Musik ist das Neue, die Frucht meines qualvollen Lebens im Schaffensprozess. (…) All diejenigen, die meine Musik wirklich lieben, bitte ich, auf eine theoretische Analyse zu verzichten. Vieles, was Musikwissenschaftler über mich geschrieben haben, entspricht nicht der Wahrheit.“ Unbestreitbar jedoch ist die folgende knappe Charakteristik: „Die von Ustwolskaja in ihren ungezügelten Extremen eingesetzten musikalischen Werte hoch und tief, laut und leise, schnell und langsam, gelangen in Verbindung mit dem reduzierten Tonmaterial und geradezu obsessiv wiederkehrenden rhythmisch-melodischen Modellen zu elementarer Wucht.“ (Christian Esch)

Die Sonate für Viola und Klavier op. 147 ist Schostakowitschs letztes vollendetes Werk. Drei Tage nachdem die Reinschrift des Manuskripts in die Hände des Widmungsträgers Fjodor Druzhinin  gelangt war, starb er (am 9. August 1975). Es war ihm nicht mehr vergönnt, sein Werk zu hören. Freunde veranstalteten in seiner Wohnung zu seinem 69. Geburtstag am 25. September ein Gedenkkonzert, bei dem die Sonate erklang. Die offizielle, posthume Uraufführung fand am 1. Oktober 1975 im Glinka-Saal der Leningrader Philharmonie statt.
Wie viele Spätwerke Schostakowitschs ist auch dieses auf ein Minimum an Virtuosität reduziert und von einem langsamen Satz als emotionalem Zentrum geprägt. Im dramatisch-aufgewühlten ersten Satz wechseln leidenschaftliche Ausbrüche mit trockenen Pizzicato-Akkorden (à la A. Berg) ab. Das folgende Scherzo entwickelt sich in der Form eines grotesken Tanzes. Assoziationen an Mahler und Strawinsky werden spürbar. Im abschließenden Adagio klingen – wie verschleiert – rhythmische und melodische Strukturen aus der „Mondscheinsonate“ von Beethoven an. Der ruhig dahinfließende und dennoch leidenschaftliche Klangstrom verbreitet Gefühle von Abschied und Tod.

In „Quasi hoquetus“ greift Sofia Gubaidulina auf die mittelalterliche Hoquetus-Technik zurück (vom bretonischen Wort für „Schluckauf“ abgeleitet), die der Theoretiker Franco von Köln Ende des 13. Jhs als „truncatio vocis“ (Zerschneiden der Stimme) beschrieb: Eine Melodie wird in Fragmente zerschnitten und wandert im durchbrochenen Satz durch alle Stimmen. Bei Gubaidulina umfasst dieser Ansatz alle Elemente des Materials (Melodie, Harmonik, Klangfarbe), wobei zwischen den Instrumenten keine thematisch-motivischen Bezüge hergestellt werden. In dieser instabilen „Anti-Struktur“ sorgen Mixturklänge, Glissandi und Cluster zusätzlich für tonale Unbestimmtheit. In der konstitutiven, symbolhaften Verwendung von Kreuzes- und Zahlenfiguren (Fibonacci-Folgen) spiegelt sich eine spirituelle Haltung wider.

Irina Kolesnikova (geb. in Minsk, Belarus) schloss 1996 ihr Studium am Leningrader Konservatorium ab als Musikpädagogin, Konzertpianistin und Kammermusikerin. Vor ihrer Einbürgerung in Deutschland wirkte sie als Dozentin an der Musikhochschule Minsk sowie als Korrepetitorin an der Musikschule für Hochbegabte. Sie war Mitglied des „Collegium musicum“ und des „Minskorchesters“ und gab Konzerte in ganz Europa. Seit 1999 lebt sie in Hamburg, wo sie als Korrepetitorin an der Hochschule für Musik und Theater sowie am Konservatorium tätig ist. Sie hat sich einen Namen gemacht als Partnerin von diversen Instrumental- und Gesangssolisten.

Vladimir Botchkovskiy, 1974 in der Ukraine geboren, erhielt mit 6 Jahren ersten Geigenunterricht und begann mit elf Bratsche zu spielen. In Moskau studierte er am Konservatorium bei Fjodor Druzhinin, dem Bratschisten des legendären Beethoven-Qartetts. 1994 setzte er sein Studium an der Hamburger Hochschule für Musik und Theater fort. Von 1997 bis 1998 war er Bratschist im NDR-Sinfonieorchester unter GMD Günter Wand. Sein Konzertexamen absolvierte er 2005 mit dem Bratschenkonzert von Béla Bartók. Als Student war Botchkovskiy Stipendiat der Otto-Stöterau-Stiftung und der Franz Wirth-Gedächtnis-Stiftung. 1999 bis 2006 musizierte er in div. Kammerensembles (u.a. Hamburger Camerata, Scardanelli Quartett, Hamburger Mozart-Orchester) und trat als Solist im In- und Ausland auf. Seit 2005 ist Botchkovskiy Bratschist beim Aalborg Symphonieorchester (Dänemark).

Alexander Suslin, 1971 in Moskau geboren, lebt seit 1982 in Deutschland und studierte am Hamburger Konservatorium. 1991 wurde er Mitglied des Improvisationsensembles „Astrea“ mit Sofia Gubaidulina und Viktor Suslin. Seit 1994 lehrt er Kontrabass  an der Musikschule Pinneberg. 2010 wurde Alexander Suslin mit dem Kulturpreis der Stadt Pinneberg ausgezeichnet. Als Solist und Kammermusiker konzertierte er in vielen Ländern Europas sowie in Japan und Russland. Außerdem war er an mehreren CD- und TV-Produktionen beteiligt.

Das Programm:

Valentin Silvestrov (*1937)
Stufen

Zyklus von 11 Liedern (1980-1982, 1997) für Sopran (oder Tenor/Bariton) und Klavier

1. Widmung (1997)
   Verse: Alexander Blok
2. Elegie Verse: anonym
3. Meine Seele…
   Verse: Fjodor Sologub
4. Schon mischen sich die grauen Schatten
   Verse: Fjodor Tjutschew
5. Was wollt ihr Tage?
   Verse: Jewgenij Baratynskij
6. Elegie
   Verse: Alexander Puschkin
7. Oh, meine Seele voller Heil
   Verse: Fjodor Tjutschew
8. Ihr Schwestern – Zärte und Schwere
   Verse: Ossip Mandelstam
9. Zum Schlaf…
   Verse: John Keats (O soft embalmer)
10. Letzte Liebe
    Verse: Fjodor Tjutschew
11. Das Wort bleibt ungesagt, ich find’s nicht wieder
    Verse: Ossip Mandelstam

Der Bote – 1996, für Klavier (1996-97)

Im Liedzyklus Stufen schreiten wir durch verschiedene Räume eines „Hauses des Liedes“, so der Komponist, und hören „auf verschiedenen Stufen“ die Stimmen einiger Dichter: vom Anonymus bis hin zu Puschkin, Tjutschew, Mandelstam, Blok und Sologub – die sich in einem harmonischen Einklang verbinden.
In den frühen 70er Jahren hat Silvestrov mit seinem radikalen Umschwung zu einem neuen Traditionalismus, der von einigen Kollegen als Verrat an der Avantgarde angesehen wurde, eine bis heute andauernde heftige Polemik ausgelöst. Aus allen Stilen hatte er den „schwachen“ oder, wie er ihn später nannte, „metaphorischen Stil“ gewählt, der auf den ersten Blick keine markanten Züge besitzt. Der sehr direkten Ausdrucksweise der Avantgarde zog er das „Sinnbild“ vor, der „aktuellen“ Sprache der Gegenwart die „nicht aktuelle“ der Vergangenheit. An die Stelle einer einfachen Stilisierung tritt eine von Individualität und Raffinesse geprägte Ausdrucksweise.
Schon für seinen großen Zyklus „Stille Lieder“ (1974-77) erklärte Silvestrov: „Die Poesie singt sich selbst. Alle Lieder muss man sehr leise singen, mit einem transparenten, hellen Klang, nicht so expressiv, ohne zu psychologisieren… Der Zyklus soll wie ein Lied gesungen werden.“ Viel später kommentierte der Komponist seine Stilwende mit einer Art künstlerischem Credo: „Im Grunde genommen ist Poesie in Rede umgeschmolzene Musik, der ein ewiges Leben bestimmt ist. (…) Guten Versen ist bekanntlich eine eigene Musik inne, und ich verspüre einfach das Bedürfnis, mich ihr unterzuordnen. (…) Die Poesie (…) ist die Rettung des Wichtigsten, der Melodie, der Melodie als einem ganzheitlichen Organismus. Musik, auch wenn man sie nicht im wörtlichen Sinne singen kann, ist trotzdem Gesang – keine Philosophie, kein Weltbild, sondern Gesang der Welt über sich selbst, gleichsam musikalisches Zeugnis des Seins.“
Sowohl in den „Stillen Liedern“ als auch in „Stufen“ ist – so Silvestrov – die Poesie „die wahre Heldin“ (nicht ein Sujet oder ein lyrischer Held wie z.B. in Schuberts „Winterreise“). Bis auf zwei Ausnahmen zieht sich die klassische russische elegische Lyrik (griech.-lat. Elegie = Klagegesang) wie ein roter Faden durch den Zyklus.

Zwischen den Gedichten wandern die typisch „elegischen“ Motive hin und her: Liebe, Sehnsucht, Seele, Abschied, Tod, Vergessen, Wahnsinn, Trauer, Abend, Nacht, Schlaf, Traum, Schatten, Stille, Naturidyll … – keine Klischees, sondern Details eines einheitlichen Ganzen. Nichts stört die Poesie, „sich selbst zu singen“. Die Vokalpartie taucht in ein vibrierendes, durch-sichtiges Klanggewebe ein und schimmert daraus hervor. Immer deutlicher nimmt der Hörer das intensive Innenleben dieses Gewebes wahr. Die feinen Abstufungen der Dynamik und Agogik scheinen unerschöpflich… (T. Frumkis, U. Patow)                                                    
 
Das seiner verstorbenen Frau Larissa Bondarenko gewidmete Werk Der Bote – 1996  wurde quasi Silvestrovs Visitenkarte. Der Titel bezieht sich auf Texte des russischen Philosophen Jakov Druskin, zu dem Silvestrov eine geistige Verwandtschaft verspürt. Druskin zufolge ist der „Bote“ eine symbolische Figur für die Verbindung zwischen „dieser“ und „jener“ Welt. Nebelhaft, mit leichtestem Anschlag (Anweisung in den Noten) spielt der Pianist die von Pausen unter-brochenen Dur-Dreiklänge. Wie Eisblumen beim Hauchen auf frostiges Glas (sehr zart, entfernt, hell und traurig) entsteht vor uns ein „mozartsches“ Thema und aus ihm eine einfache altertümliche Sonatine im Geiste des 18. Jhs.. Kaum haben sich die Melodien des „Boten“ gebildet, schmelzen sie auch schon in den Strahlen feinster Tempo- und Dynamik-Nuancen sowie leisester Pedal-Echos. Auf diese Weise kommen die geliebten Figuren immer wieder herangeschwommen, wobei sie mitunter ihre Konturen verlieren, aber niemals zur Gänze aus unserem Gedächtnis verschwinden. Im Vorwort zur gleichnamigen CD („Der Bote“ ECM New Series) schreibt der Pianist Alexei Lubimov: „Vergessen gibt es nicht, sagt Silvestrov mit seinem „Boten“. Man muss nur das Fenster aufmachen, ein Streichholz anzünden, eine Wolke betrachten, einen Dreiklang anhören; und das Gedächtnis – nicht nur unser eigenes, sondern auch das uns unbekannte Gedächtnis unserer Boten – beginnt ein Wunder zu vollbringen.“ (T. Frumkis)

Victoria Mun (*1986 in St. Petersburg) gewann 2002 als Austauschschülerin in Kansas/USA den ersten Preis bei einem Gesangswettbewerb und sang dort 2003 die Titelrolle in Rogers and Hammerstein’s Musical „Cinderella“. 2006 begann Vika Mun ihr Studium der Gesangspädagogik an der Alfred Schnittke Akademie Hamburg in der Klasse von Holger Lampson. Sie nahm u.a. an Meisterkursen von Karola Theil, Elena Prokina, Anthony Roden und Agnes Giebel teil. Als Mitglied der Improvisations-gruppe „Farbraum“ trat sie u.a. im Rahmen der Theaternacht in Dortmund auf. Zudem war sie als improvisierende Sängerin und Darstellerin mit dem free-jazz Trio (B. Lücker, Schlagzeug; J. Hughes, Kontrabass) zu erleben. Im Rahmen des Hamburger Jazzfestivals 2010 trat sie auf „Kampnagel“ mit „Healthy Poison“ auf. Ferner sang sie Hauptpartien in Performances der Altonale 2009, für das Interkulturelle Festival „eigenarten“ und in der Improvisations-Oper „frequenza“ im Monsun-Theater. Ihr besonderes Interesse gilt der zeitgenössischen Musik.

Alan Newcombe, 1957 in St. Helens (Lancashire, England) geboren, erhielt ersten Klavierunterricht im Alter von fünf Jahren. Nach seinem Abschluss der Junior Music School von Ormskirk mit besonderer Auszeichnung und einem privaten Studium bei Nancy Evans erlangte er 1973 das Konzertdiplom am Trinity College London. Anschließend studierte er Russisch und Französisch an der University of Oxford. Seit 1979 lebt Newcombe in Hamburg. Er gehört dem Hildesheimer Klaviertrio an. Konzertreisen als Solist und Kammermusiker führten ihn durch Europa, aber auch bis nach Brasilien, in die Ukraine und Mongolei. Neben seiner Tätigkeit als Musiker arbeitet er als Redakteur und Programm-Manager für internationale Platten-Labels.

mit dem Ingolfsson – Stoupel Duo:

  Judith Ingolfsson, Violine
  Vladimir Stoupel, Klavier

Das Programm:

Dmitri Schostakowitsch (1906-1975)
Präludium und Fuge d-Moll op. 87 (1950/51)
Andante – Moderato (= Nr. 24 aus 24 Präludien und Fugen op. 87)
    
Klaviersonate Nr. 2 h-Moll op. 61 (1942/43)
Allegretto
Largo
Moderato (con moto) – Allegretto con moto –  Adagio – Moderato

Victor Kissine (*1953)
„Caprice“ für Violine und Klavier (2011)
Auftragswerk für den Belgischen Internationalen Musikwettbewerb Königin Elisabeth für das Halbfinale des Violinwettbewerbs 2012

Sergej Prokofjew (1891-1953)
Sonate Nr. 1 f-Moll op. 80 (1938-46) für Violine und Klavier
Andante assai
Allegro brusco
Andante
Allegrissimo

2006 haben sich Judith Ingolfsson und Vladimir Stoupel, beide Solisten mit eigenem Profil, zum Ingolfsson – Stoupel Duo zusammengetan, um mit ungewöhnlichen Programmen die Form eines traditionellen Konzertabends zu erweitern. Das Duo konzipiert gemischte Programme, die neben dem Duo-Repertoire auch Solo-Werke für jedes Instrument beinhalten. Ihr Credo: Die besten kammermusikalischen Leistungen entstehen aus den musikalischen Gesprächen gleichberechtigter Partner. Regelmäßig nehmen beide an renommierten Konzertreihen und Festivals als Solisten oder Duo teil (Schleswig-Holstein Musik Festival, Brandenburgische Sommerkonzerte, Forum Voix Etouffées (Paris), New Music – New Faces (Krakau), Konzerthaus Berlin, Villa Esche Chemnitz. In den USA ist das Duo in Washington, New York, Corrales (NM), Boulder und Denver (CO) aufgetreten. Darüber hinaus sind Ingolfsson und Stoupel künstlerische Leiter des Festivals „Aigues-Vives en Musique“, das sie 2009 in Südfrankreich ins Leben gerufen haben. Ihre erste gemeinsame CD erschien 2010 (En Hommage: Simon Laks); die zweite, viel gepriesene CD (Strawinsky, Schostakowitsch) erschien 2011.

Judith Ingolfsson, gebürtige Isländerin, begann bereits mit 3 Jahren Geige zu spielen. Ihr Debüt als Solistin mit Orchester hatte sie – 8jährig – in Deutschland. Sie studierte in den USA bei Jascha Brodsky, David Cerone und Donald Weilerstein. Auftritte bei nationalen und internationalen Wettbewerben brachten ihr u.a. den 1. Preis beim Concert Artists Guild Competition (NY) und den 3. Preis beim Premio Paganini in Genua ein. Inzwischen hat Ingolfsson auf vielen berühmten Bühnen in aller Welt konzertiert und mit namhaften Orchestern und Dirigenten wie Wolfgang Sawallisch, Leonard Slatkin, Raymond Leppard u.v.m. zusammengearbeitet. Auch bei Musikfestivals in den USA, in Polen, Finnland, Deutschland, Frankreich und in der Schweiz ist sie ein gern gesehener Gast. Als Kammermusikerin ist sie mit verschiedenen Ensembles aufgetreten, wobei ihr Interesse auch weniger bekannten Komponisten des 20. Jahrhunderts gilt. Seit 2008 ist Ingolfsson Professorin and Musikhochschule Stuttgart. Sie spielt eine Guadagnini-Violine von 1750.

Vladimir Stoupel, heute ansässig in Berlin, emigrierte 1984 aus Moskau nach Paris, wo er rasch im Konzertleben Frankreichs Fuß fasste und auch die wichtigsten Musikzentren Europas und der USA bereiste. Als Konzertpianist spielte  er mit Orchestern wie den Berliner Philharmonikern, dem Gewandhausorchester Leipzig, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks oder dem Russischen Staatsorchester und arbeitete mit Dirigenten wie Christian Thielemann, Marek Janowski, Günter Neuhold und Michail Jurowski zusammen. Stoupel ist regelmäßiger Gast bei Festivals in Frankreich, Finnland, Deutschland, in Monte Carlo und New York; zudem hat er für Rundfunk und Fernsehen produziert (u.a. ARTE, Radio France, DLR Kultur). Unter seinen CD-Einspielungen befinden sich bemerkenswerte Raritäten: „Das Leben der Maschinen“ (Antheil, Nancarrow, Mossolov) sowie viel beachtete und preisgekrönte  Gesamtaufnahmen aller Sonaten A. Scriabins, aller Klavierwerke A. Schönbergs und aller Werke für Bratsche und Klavier (mit Thomas Selditz) von Henri Vieuxtemps. Seit einigen Jahren hat sich Stoupel auch als Dirigent einen Namen gemacht, wobei sein Schwerpunkt auf Werken des 20. und 21. Jhs liegt. Regelmäßig leitet er Kammeropern am Konzerthaus Berlin.

Victor Kissine studierte am Leningrader Konservatorium Komposition und Musikwissenschaften. Bevor er 1990 nach Belgien emigrierte, war er ein gefragter Filmkomponist, dessen Filmmusiken bei int. Filmfestivals (Berlin, Venedig, Madrid) ausgezeichnet wurden. Die Uraufführung seiner Oper „Marat-Sade“ (nach Peter Weiss) verursachte 1985 in Leningrad einen Skandal. Nach 1990 konnte sich Kissine mit zahlreichen Kompositionsaufträgen für renommierte Orchester und Ensembles einen Namen machen. Zu seinen Auftraggebern zählen u.a. das Amsterdamer Concertgebouw, das Lincoln Center, das San Francisco Symphony Orchestra, die Kremerata Baltica, diverse Festivals und Gidon Kremers Kammermusikfest Lockenhaus. Kissine ist heute Professor für Musikanalyse am Conservatoire Royal von Mons und am Brüsseler INSAS, einer Hochschule für Film, Theater und Medienkunst. Im Mai 2008 wurde Kissine zum Mitglied der Académie royale des Sciences, Lettres et Beaux-Arts de Belgique gewählt.

„Obwohl „Caprice“ im Auftrag und als Pflichtstück für einen Wettbewerb komponiert wurde – mithin ein Werk, das den 24 Kandidaten Raum für individuelle Interpretationen lassen sollte – ließ ich mich von ganz persönlichen Gefühlen zu zwei Freunden leiten – den Geiger-Ikonen Philippe Hirschhorn und Gidon Kremer. Der Titel bezieht sich offenkundig auf die klassische Tradition dieser Form, die mir durchaus „kapriziös“ erscheint und daher zwischen verschiedenen paradoxen Dimensionen hin und herschwankt.“ (Kissine) 

Zum Gedenken an Viktor Suslin

Das Pogramm:

Anton Webern (1883-1945)

Frühe Lieder (o.op.)
     Aufblick (R. Dehmel)
     Blumengruß (J.W.v.Goethe)
     Bild der Liebe (H. Frey)
     Heiter (Fr. Nietzsche)
     Der Tod (M. Claudius)

Fünf Lieder op. 4 (1908-09)
auf Gedichte von Stefan George (1868-1933)
     Eingang („Welt der Gestalten“)
     Noch zwingt mich Treue
     Ja, Heil und Dank dir
     So ich traurig bin
     Ihr tratet zu dem Herde

Kinderstück für Klavier (o.op. 1924)

Vier Lieder op. 12 (1915-17)
     Der Tag ist vergangen (Rosegger, Volkslied)
     Die geheimnisvolle Flöte (Bethge)
     Schien mir’s, als ich sah die Sonne
          (aus Strindbergs „Gespenstersonate“)
     Gleich und gleich („Ein Blumenglöckchen“, J.W.v. Goethe)

Variationen für Klavier op. 27 (1935-36)

Drei Lieder op. 25 (1934)
nach Gedichten von Hildegard Jone (1891-1963),
Zyklus „Die Freunde“
     Wie bin ich froh!
     Des Herzens Purpurvogel
     Sterne, ihr silbernen Bienen

PAUSE

Igor Strawinsky (1882-1971)

Zwei Gedichte (1911) von Konstantin Balmont für Mezzosopran und Klavier
     Vergissmeinnicht
     Täuberich

Lied der Parascha aus dem Operneinakter „Mavra“ nach A. Puschkin (1921-22)

Sonate für Klavier (1924)
     Viertel = 112
     Adagietto
     Viertel = 112

Vier Russische Lieder (1918-19) nach russischen Volksliedern     
     Enterich
     Trinklied
     Tischsegen
     Sektenlied

Serenade in A für Klavier (1925)
     Hymne
     Romanze
     Rondoletto
     Cadenza Finale

Erinnerungen aus meiner Kindheit (1913), drei kleine Lieder nach russischen Volkstexten
     Elster
     Krähe
     Chicher-Jacher

Drei Geschichten für Kinder (1915-17) nach russischen Volksliedern für Gesang und Klavier     
     Gänseschwan
     Bär
     Tilim-bom

Die aus Litauen stammende Sopranistin Rita Balta absolvierte ihre Gesangsstudien an den Musikhochschulen in Karlsruhe, Warschau und Wien. Sie war Stipendiatin der Deutschen Schubert-Gesellschaft, der Bayerischen Theaterakademie, der Konrad-Adenauer-Stiftung und des Braunschweiger Musikpodiums. 2002 war sie Preisträgerin der Sommerakademie Mozarteum im Rahmen der Salzburger Festspiele.
Als gefragte Solistin bei Internationalen Konzertreihen und Festspielen arbeitete sie u.a. mit den Dirigenten Marcello Viotti, Helmut Rilling, Peter Neumann, Johannes Kalitzke und Christoph Poppen zusammen. Ihr Repertoire reicht von der Alten Musik bis hin zur Musik des 21. Jahrhunderts. Mit dem Oscar in Verdis „Maskenball“ gab sie ihr Operndebut; es folgten Rollen u.a. in der „Zauberflöte“ (Königin der Nacht), der „Lustigen Witwe“ (Valencienne) und im „Rosenkavalier“ (Sophie).
Rita Balta hat zahlreiche Werke zeitgenössischer Komponisten (ur-)aufgeführt, darunter eigens für sie geschriebene Werke von Beat Furrer und Vykintas Baltakas. Sie arbeitete u.a. mit dem Ensemble Modern, dem Klangforum Wien, dem Sharoun Ensemble der Berliner Philharmoniker, dem WDR-Sinfonieorchester, dem Münchener Kammerorchester und dem Bayerischen Staatsorchester sowie dem Nieuw Ensemble Amsterdam zusammen. Zahlreiche Rundfunkaufnahmen und CD-Produktionen runden ihre künstlerische Arbeit ab.

Alexei Lubimov (*1944, Moskau) debütierte als Zwölfjähriger mit einem Orchester in Moskau. Mit 16 gewann er den Allrussischen Klavierwettbewerb und Preise in Rio de Janeiro und Montreal. 19-jährig begann er als einer der letzten Schüler von Heinrich Neuhaus am Moskauer Konservatorium zu studieren. 1968 wurde Lubimov schlagartig bekannt, als er in Moskau Werke von John Cage und Terry Riley aufführte. Jahrelang durfte er wegen seines Eintretens für zeitgenössische westliche Musik die Sowjetunion nicht verlassen. In dieser Zeit avancierte er zu einem gefragten Interpreten von Uraufführungen russischer Komponisten wie Schnittke, Gubaidulina, Silvestrov und Pärt; aber auch die Werke von Schönberg, Webern, Boulez, Stockhausen, Ives und Ligeti gehörten weiterhin zu seinem Repertoire. Gleichzeitig beschäftigte sich Lubimov intensiv mit der Aufführungspraxis Alter Musik auf Originalinstrumenten. 1976 gründete er das Moskauer Barock-Quartett und gemeinsam mit Tatjana Grindenko die Moskauer Kammerakademie. Für Erato spielte er die gesamten Klaviersonaten Mozarts auf einem Hammerklavier ein.
Ab 1987 (im Zeichen der „Glasnost“) konnte Lubimov mit Konzerten in den USA, Europa und Japan seine internationale Karriere wieder aufnehmen. Ein Jahr später gründete er das Moskauer Avantgarde-Festival „Alternativa“. Er spielt Recitals, Solokonzerte mit den bedeutendsten Orchestern und Dirigenten der Welt sowie Kammermusik mit renommierten Partnern wie Natalia Gutman, Gidon Kremer, Heinrich Schiff, Christian Tetzlaff, Eduard Brunner, Andreas Staier und Peter Schreier. Allein in den 70er und 80er Jahren spielte er über 30 Schallplatten für das Label Melodia ein; es folgten zahlreiche hochgelobte CD-Aufnahmen für ECM, Erato, BIS, Sony u.v.m.
Lubimov fühlt sich besonders der zeitgenössischen Musik russischer Komponisten verpflichtet (insbes. Valentin Silvestrov und Galina Ustwolskaja).
Viele Jahre hatte er eine Professur am Mozarteum in Salzburg inne, momentan lehrt Lubimov am Moskauer Konservatorium.

Ensemble für Neue Musik “Ricochet” (Kiew):

Mykhailo Bilych , Violine Zoltan Almashi, Violoncello Dmytro Tavanets, Klavier

Das Programm

Valentin Silvestrov (*1937)

Drama (1971)
für Violine, Violoncello und Klavier

1. Sonate für Violine und Klavier
2. Sonate für Violoncello und Klavier
3. Trio für Violine, Violoncello und Klavier

 Pause

 “Ich schreibe keine neue Musik. Meine Musik ist zugleich Antwort und Echo auf das, was schon existiert.” (V.S.)

 “Mozart-Augenblicke” (2006)
Trio für Violine, Violoncello und Klavier
in 6 Sätzen attacca

“28. Juli 1750 … in memoriam J.S.B.” (2004)
für Violoncello solo

“Fünf Serenaden” (2006)
für Klavier solo (attacca)

 “Musik in der Winternacht” (2011)
für Violine, Klavier und Synthesizer

1. Tango
2. Serenade “Wilde Erdbeeren

“Hommage à J.S.B. (quasi echo)” für Violine und Klavier (2009)

“Eigentlich ist “Drama” ein Trio für Violine, Violoncello und Klavier in drei Sätzen, die attacca ineinander übergehen. Die attacca-Übergänge gehören zur Komposition, denn hier gibt es Elmente des Instrumentaltheaters. Wenn die Violinsonate endet, geht die Musik in Geräusche und Gesten über, ein Streichholz wird angezündet und ausgepustet, die Situation ist verwirrend; in diesem Moment tritt der Cellist auf, man hört die Schritte, aber die Störungen gehören dazu. Am Ende der Cellosonate kommt auf ein Signal hin der Geiger hereingelaufen und spielt mit der Bogenspitze im Innern des Flügels, danach beginnt das Trio.

Der Titel “Drama” hat mehrere Bedeutungen: einen direkten aufgrund einer Ursprungsdramatik, eine menschliche, situationsgebundene (so lebten wir damals)… und das Drama der Musik selbst: Sie durchlebt Begegnungen, Dialoge, Konfrontationen… Das modale musikalische Material hat eine themenähnliche Gestalt, dort aber, wo das Sonore und Geräuschhafte überwiegt, prägt ein Gestus die Idee.

Was kann man zum Stil sagen? In diesen Jahren machten überall in der Welt Komponisten, die avantgardistische Musik schrieben, eine mehr oder weniger fundamentale Krise durch. Die Möglichkeiten der früheren “Sterilität” waren ausgeschöpft… das weltumspannende Kloster hatte einen Riss bekommen… Ich wollte damals alle musikalischen Systeme – das modale, tonale, atonale und dodekaphonische System – zu einer Einheit bringen. Ich bin von Klangsystemen ausgegangen, nicht von Stilen. Das Klangsystem ist dem Stil untergeordnet. Um diese Einheit zu ermöglichen, ist es nötig, dass bereits im Anfangsimpuls der Idee, wie in einem Augenblick, alle Systeme potenziell, jedoch unmerklich vorhanden sind.” (Valentin Silvestrov)

Nachdem Silvestrov bis Ende der 90er Jahre u.a. eine beachtliche Reihe großer sinfonischer Werke geschaffen hat, wandte er sich im neuen Jahrtausend vornehmlich kleineren Genres zu. Seitdem ist der Strom an Bagatellen, Serenaden, Walzern, Pastoralen, Barcarolen und ”Augenblicken” für verschiedene Besetzungen nicht versiegt. Hierbei interessierte ihn vor allem die Melodie, jedoch nicht als etwas Fertiges, sondern als Antwort auf “augenblicklich” aufblitzende und das Ohr des Komponisten nicht mehr loslassende Intonationen, Rufe, Motive. Die kurze Form ermögliche es, den Augenblick als solchen einzufangen und “anzuhalten”, ohne ihn mit sog. thematischer Arbeit zu belasten. Dabei wird der Text auf besondere Weise wiedergegeben und artikuliert: In den Vordergrung rückt das, was normalerweise Hilfsmittel sind: Agogik, Tempo, Dynamik, Pedalführung, mithin alles, was den sog. “metaphorischen Stil” des Komponisten ausmacht und dem Text Mehrdimensionalität und trotz aller Post- und Neo-Assoziationen Modernität verleiht.

Valentin Silvestrov wurde am 30 September 1937 in Kiew geboren, wo er bis heute als freischaffender Künstler lebt. Er gilt als der führende Vertreter der “Kiewer Avantgarde”, die um 1960 an die Öffentlichkeit trat und von den Verfechtern der konservativen sowjetischen Musikästhetik heftig kritisiert wurde. Trotz erfolgreicher Aufführungen im Westen fand seine Musik im eigenen Land nur inoffiziell Resonanz (dank einiger mutiger Interpreten), weshalb sie zeitweise sogar verboten war. Seit Ende der 80er Jahre aber erschienen seine Werke auf zahlreichen CDs und fanden einen festen Platz auf internationalen Festivals und Konzertbühnen. Silvestrov hat immer seine Eigenständigkeit bewahrt – sowohl in der frühen avantgardistischen Periode als auch nach seiner stilistischen und ästhetischen Wende in den 70er Jahren.

Das Ensemble für Neue Musik “Ricochet” wurde 1999 in Kiew gegründet und rekrutierte sich aus Studenten und Absolventen des Kiewer Konservatoriums. Gründer und künstlerischer Leiter ist der Komponist Serhiy Pilyutikov, die musikalische Leitung hat Viktoria Ratsiuk. Ziel des Ensembles ist die Vermittlung herausragender Werke verschiedenster Stilrichtungen des 20. und 21. Jahrhunderts, weshalb eine beachtliche Zahl an Uraufführungen auf sein Konto gehen. In unterschiedlichen Besetzungen (vertreten sind die Instrumente Flöte, Oboe, Klarinette, Horn, 2 Violinen, Viola, Violoncello, Kontrabass und Klavier) ist das Ensemble regelmäßig zu Gast bei den wichtigsten ukrainischen Festivals für Neue Musik wie dem “Kiewer Musikfest”, den “Kiewer Jahreszeiten – Musikpremieren”, dem “Jugendmusikforum”, “Zwei Tage und zwei Nächte”, “Kontraste”. “Ricochet” arbeitet auch mit der niederlaendischen Gaudeamus Stiftung für zeitgenössische Musik und anderen Organisationen zusammen. Mykhailo Bilych, Zoltan Almashi und Dmytro Tavanets – allesamt Absolventen der besten Musikhochschulen der Ukraine und Russlands sowie mehrfache Preisträger internationaler Wettbewerbe – gehören z.T. mehreren Ensembles und Orchestern an, sind aber auch als Solisten gefragt.

Nächstes Konzert:

28. September 2012, 20 Uhr

Anton Webern – Igor Strawinsky

Liederabend mit Rita Balta (Sopran) und Alexei Lubimov (Klavier)

viele von Ihnen werden die traurige Nachricht schon erhalten haben; wir möchten Sie aber auch noch einmal auf diesem Wege informieren:

Am 10. Juli 2012 verstarb im Alter von 70 Jahren nach schwerer Krankheit unser geschätzter Kollege und Freund Viktor Suslin.

Unser Mitgefühl gilt seiner Familie und engen Freunden.

Wir sind dankbar für alles, was er in seinem jahrelangen unermüdlichen Einsatz für die Belaieff-Stiftung und den Musikverlag M.P. Belaieff geleistet hat und werden sein Andenken in Ehren halten.

Ulrike Patow

Serge Tcherepnin

Victor Kissine

Achtung: Das Konzert findet nicht am Freitag, 25.05., sondern am Donnerstag, 24.05.! statt.

Das Programm:

Josep Achron (1886-1943), Ciseaux, Danse nuptiale, Berceuse juive

Mieczyslaw Weinberg (1919-1996), Sonatine op. 46 (1949)

Sergej Prokofjew (1891-1953), Cinq mélodies op. 35b (1925)

Johannes Brahms (1833-1897), Wie Melodien zieht es  mir leise durch den Sinn … op. 105,1 (1886), Bearbeitung für Violine und Klavier von Jascha Heifetz (1901-1987)
Scherzo c-moll (o.op., 1853) , aus der F-A-E-Sonate von Schumann, Brahms und Dietrich für Joseph Joachim

Efrem Podgaits (*1949), Valse d’un film non existant , Pas des deux ironique

Igor Frolov (*1937), Fantaisie über Themen aus „Porgy and Bess“ von George Gershwin, op. 19 (1991)

Joseph Achron studierte in St. Petersburg bei Leopold Auer (Violine) sowie Komposition und Musiktheorie bei Anatoly Liadow. Selbst jüdischer Herkunft setzte er sich zeit seines Lebens mit jüdischer Musik auseinander. 1925 emigrierte er in die USA, wo er sich, trotz erster Erfolge, als Komponist nicht recht durchsetzen konnte. Der Einfluss der jüdischen Kultur ist in seinen Werken immer präsent – so auch im Hochzeitstanz der Scherenschnäbel und Jüdischen Wiegenlied.

Mieczyslaw Weinberg wuchs in Warschau in einer Musikerfamilie auf, spielte schon als Kind in jüdischen Theatern Klavier, komponierte erste Klavierstücke und wurde seit seinem 12. Lebensjahr an der Musikakademie zu einem exzellenten Pianisten ausgebildet. Als die Deutschen Polen überfielen, floh er über Minsk nach Taschkent, von wo aus Schostakowitsch ihn 1943 nach Moskau holte. Beide verband eine lebenslange Freundschaft. Weinberg schrieb 22 Sinfonien, 17 Streichquartette, 6 Opern, Ballette, Sonaten, Filmmusiken. Der sowjetischen Forderung nach größerer Einfachheit folgend, schrieb Weinberg 1949 die Sonatine, ein vergleichsweise „harmloses“ und mildes Werk mit nur gelegentlichen Eintrübungen.

Efrem Podgaits (*1949) studierte in Moskau bei Yuri Buzko und Nikolai Sidelnikow. Sein Oeuvre umfasst 12 Opern, 3 Sinfonien, 23 Concerti, Kantaten, Kammermusik, Film- und Theatermusik. Ein besonderer Schwerpunkt seines Schaffens gilt der Musik für Kinder. In seinen Kompositionen kombiniert Podgaits verschiedenste Idiome, denen er seinen eigenen Stil verleiht. Trotz rhythmischer Komplexität und resoluter Modernität bleibt seine Musik zugänglich, hat sie sich doch der Poesie und dem Humanismus verschrieben.

Igor Frolov begann mit 5 Jahren Geige zu spielen. Sein Studium beendete er 1965 bei David Oistrach, nachdem er bereits mehrere Violinwettbewerbe gewonnen und die Solistenkarriere eingeschlagen hatte. Er wurde Professor am Moskauer Konservatorium und ist seit 1994 künstlerischer Leiter und Dirigent der Moskauer Camerata. Auf Anraten Oistrachs begann Frolov zu komponieren. Seit seiner Kindheit interessierte er sich für den Jazz, was sich in seinen Kompositionen niederschlägt. Die Porgy and Bess - Fantaisie entstand in nur 3 Wochen. Frolov nennt sie „ein Gedicht über die Liebe“. Es ist die Geschichte zweier Menschen, die sich trotz aller Unterschiede und Hindernisse ineinander verlieben. Das Werk bringt mehrere Stimmungswechsel und zahlreiche virtuose Passagen; den Schluss bildet eine brillante Coda.

Alexandre Brussilovsky (*1953) studierte am Moskauer Konservatorium bei Yuri Yankelevich und Leonid Kogan. Schon als junger Shootingstar gewann er bei internationalen Wettbewerben. Vom Sowjetregime in seiner Laufbahn eingeschränkt, emigrierte er 1985 nach Frankreich, wo er eine späte, aber überaus erfolgreiche Karriere begann. Brussilovsky steht in der Geigertradition, die auf Leopold Auer und Joseph Joachim zurückgeht. Sein Repertoire umfasst u.a. musikalische Entdeckungen der zeitgenössischen Musik wie auch der russischen Barockzeit. Er ist Gründer des Labels Suoni e Colori und des Kammermusikfestivals Les MusiCimes (Frankreich) sowie des Festivals für französische Musik Pont Alexandre III in Moskau.

Ingmar Lazar (*1993 in Frankreich) wurde schon sehr früh als außergewöhnliches Talent entdeckt; bereits mit sechs trat er im Salle Gaveau in Paris auf. Erste Preise erzielte er u.a. bei Wettbewerben in Namur (EPTA, 2002) und Val D’Isère (2008). Lazar konzertiert auf wichtigen Bühnen in Europa, Israel und den USA, ist bei Festivals vertreten und tritt mit namhaften Orchestern auf. Mit Alexandre Brussilovsky hat er 2 CDs eingespielt. Zurzeit vervollkommnet er seine Studien an der Musikhochschule in Hannover und an der Internationalen Klavierakademie am Comer See.

Die Mstislaw Rostropowitsch gewidmete und von ihm uraufgeführte zweite Sonate für Violoncello und Klavier (1994) besteht aus fünf kleineren Sätzen. Ihre Sprache ist die des späten Schnittke, in der sich alles zuspitzt und mitunter äußerste Askese neben übermäßig verschärfter Expression steht. Die Sonate beginnt mit einem Monolog des Cellos und schließt mit einer völligen Verschmelzung der beiden Instrumente im „nicht materiellen“ letzten Satz.

Die Bezeichnung des Werkes von Viktor Suslin „TonH“ (2001) hat zwei Bedeutungen: Einerseits ist das der Name des Cellisten der Uraufführung (Vladimir Tonha), andererseits ein Hinweis auf die Struktur des Werkes, in dem die tiefste Saite des Cellos einen halben Ton tiefer auf  H gestimmt ist. Damit verändert sich nicht nur die „Landschaft“ der natürlichen Flageolett-Töne des Instruments, sondern auch dessen Akustik. Das musikalische Material des Werkes beinhaltet viele Vierteltöne, die eine strukturelle Funktion innerhalb der Melodik haben. Das Werk ist Sofia Gubaidulina gewidmet.

Die Stimmung der 1949 entstandenen Sonate für Violoncello und Klavier von Sergej Prokofjew bestimmt ein weitgehend gedämpfter, lyrischer Ausdruck, der sich durch alle drei Sätze zieht. Die meisten Hauptthemen haben eine folkloristische Färbung.

Um diesen Charakter der Musik zu unterstreichen, begleitet das Cello das Klavier häufig in der Art einer Gitarre, wenn das Klavier die schlichte Volksmelodie übernimmt. Die Sonate ist Mstislaw Rostropowitsch gewidmet, der das Werk am 1. März 1950 in Moskau uraufgeführt hat.

Olga Lubotsky hat schon häufiger bei Belaieff-Konzerten als Cellistin in Kammermusikensembles mitgewirkt. Dabei war ihre präsente, genau auf den Ausdruck gezielte Spielweise nicht zu überhören.  Von daher ist ihr heutiger Soloauftritt die logische Folge ihres erfolgreichen Musizierens.
Olga Lubotsky wurde in Saratow (Russland) geboren. Sie studierte an der Musikfachschule beim Moskauer Konservatorium und an der Hamburger Musikhochschule bei Prof. Mehlhorn. Heute ist sie Dozentin für Violoncello an der Alfred-Schnittke-Akademie Hamburg. Als Solistin und Kammermusikerin konzertiert sie in vielen Ländern Europas und in den U.S.A. und nimmt regelmäßig an wichtigen Festivals für Neue Musik teil. Mit ihrem Ehemann Mark Lubotsky und Brenno Ambrosini ist sie ständiges Mitglied des „Lubotsky-Trios“.

Der venezianische Pianist Brenno Ambrosini (*1967) studierte in Venedig, Florenz, München, Paris und Madrid – in der Tradition der berühmten Klavierschulen von Chopin, Liszt, Sgambati und Busoni. Er ist vielfacher Preisträger internationaler Wettbewerbe und als Solist mit bedeutenden Orchestern in Europa, den U.S.A. und Japan aufgetreten. Dabei sind zahlreiche Fernseh-aufzeichnungen und CD-Produktionen entstanden.
Ambrosini engagiert sich insbesondere für zeitgenössische Musik, weshalb namhafte Komponisten Stücke für ihn geschrieben haben.

Programm:

Alfred Schnittke (1934 – 1998)
   Sonate Nr. 1
   für Violoncello und Klavier (1978)
     1. Largo
     2. Presto
     3. Largo
            
Alfred Schnittke
   Sonate Nr. 2  
   für Violoncello und Klavier (1994)
     1. Senza di tempo (Allegro)
     2. Allegro
     3. Largo
     4. Allegro
     5. Lento

Viktor Suslin (*1942)
   „TonH“ (2001)
   für Violoncello und Klavier

Sergej Prokofjew (1891 – 1953)
  Sonate C-Dur
  für Violoncello und Klavier op. 119 (1949)
    1. Andante grave
    2. Moderato
    3. Allegro, ma non troppo

Andreas Mühlen, Klavier

Franz Liszt wird manchmal der “Paganini des Klaviers” genannt – ein oberflächlicher und höchst ungerechter Vergleich, beschränkte sich doch sein Einfluss nicht nur auf die Revolutionierung des Klavierspiels, sondern umfasste die gesamte Musik. Es war Liszt, nicht Wagner, der die „Tristan-Harmonie“ entdeckte, die Zwölftonreihe als Thema („Faust-Symphonie“) sowie die sinfonische Dichtung, in der die vier Sätze der traditionellen Sinfonie zu einer großen neuen Form verbunden sind, die sich unvorhersehbar entwickelt – ohne „vorgegebene“ Reprise, mit ungewöhnlichen Metamorphosen der Themen und Leitmotive. Liszts „Tentakel“ reichen weit in die Zukunft. Zu seinen musikalischen Nachfahren gehören neben den Komponisten auf unserem heutigen Programmzettel u.a. auch Scriabin, Ravel, Bartók, Ligeti und sogar Schostakowitsch. Mit vielen Komponisten des 19. Jahrhunderts hatte Liszt das Interesse am „Nationalen“ gemein, doch war vor allem er eine erstaunlich integrale Figur in der europäischen Musik – kein provinzieller „Ferencz“, sondern ein allgemein-europäischer „Franz“.

Programm:

Franz Liszt (1811-1886)
Aus Années de pèlerinage, troisième année 
    Nr. 5 Sunt lacrymae rerum (1872)
La Lugubre Gondola I (1882)
La Lugubre Gondola II (1882)
Schlaflos, Frage und Antwort (1883)
   Nocturno  nach einem Gedicht von Toni Raab
En Rêve. Nocturne (1885/86)
Vierter Mephisto-Walzer. Bagatelle ohne Tonart (1885)
Nuages gris (1881)
Unstern! Sinistre – Disastro (1883/86)
Ungarische Rhapsodie Nr. 17 (1884)

Alberto Ginastera (1916-1983)
Aus den „Danzas argentinas“ op. 2 (1937)
Danza del viejo boyero
Danza de la moza donosa
Aus der “Suite de Danzas Criollas” op. 15 (1946)
Nr. 2 Allegro Rustico
Nr. 4 Calmo e poetico
Nr. 5 Scherzando
Coda – Presto e energico

Manuel de Falla (1876-1946)
Fantasía baetica (1919)

Claude Debussy (1862-1918)
Aus “Préludes”, Deuxième Livre (1912-13)
Nr. 1   Brouillards. Modéré
Nr. 10 Canope. Très calme et doucement triste

Galina Ustwolskaja (1919-2006)
Sonate Nr. 5 (1986)

An diesem Abend erklingen späte Kompositionen Listzs. In ihnen begegnen wir nicht der zauberhaften Virtuosität seiner frühen Werke; der Komponist ist auf das Substanzielle konzentriert, als habe er sich einer freiwilligen Askese unterzogen. Einige seiner harmonischen Entdeckungen sind so radikal, dass man kaum glauben kann, in welchem Jahr diese Musik komponiert wurde. Dass Liszts Schaffen bis in die Moderne Inspirationsquelle für viele Musiker ist, bestätigen die weiteren Stücke des heutigen Programms. 

Obgleich Alberto Ginastera einer der bedeutendsten Vertreter der argentinischen Musik des 20. Jhs ist, ist seine Musik nicht allzu oft in Deutschland zu hören. Er komponierte Opern, Ballette, eine Sinfonie, Lieder, Chorwerke, Kammermusik und u.a. zwei Klavierkonzerte und drei Klaviersonaten. Seine Tänze für Klavier, die Danzas argentinas und Danzas criollas geben meisterhaft die Vielfalt an Gesten und Stimmungen der argentinischen Folklore wieder und stecken gleichzeitig voller  harmonischer Neuerungen. 

Die Fantasía baetica von Manuel de Falla entstand im Auftrag von Arthur Rubinstein und ist ihm gewidmet. ’Provincia Baetica’ war der römische Name für Andalusien, die Heimat des Flamenco. Das Werk ist eine groß angelegte, abstrakte Klavierfantasie – original de Falla, ohne Zitate aus der Folklore, aber deutlich inspiriert vom Stil des Flamenco mit seinen spezifisch orientalischen Skalen und eigenwilligen Rhythmen –  im Klavier Klänge der Gitarre, des Füßestampfens, der Kastagnetten und des ’cante jondo’ heraufbeschwörend. 

Über die Wechselbeziehungen zwischen der Klaviermusik von Claude Debussy und dem Schaffen Franz Liszts ließen sich Traktate schreiben, denn der Einfluss Liszts beschränkte sich nicht auf harmonischen Neuerungen, sondern betraf alle Komponenten der Musik: das Spektrum der Klangfarben, die Satzweise, den Pedalgebrauch. Debussys ’Préludes’ (Brouillards und Canope) sind vorzügliche Beispiele dafür. 

Scheinbar paradox in diesem Programm sind die beiden letzten Klaviersonaten von Galina Ustwolskaja, doch ist die Wahl gerechtfertigt und sinnvoll. Das radikale Neuerertum Ustwolskajas – sowohl was die Form betrifft als auch den Einsatz der Klangfarben des Klaviers – ist in vielerlei Hinsicht eng verwandt mit dem Pioniergeist Liszts. Äußerliche Ähnlichkeiten gibt es hier nicht, aber die Kraft und Größe dieser Klaviermusik ruft unweigerlich den unsterblichen Schatten des Schöpfers der „Faust-Symphonie“ und der h-Moll-Sonate in Erinnerung. 

In der Kunst des Pianisten Andreas Mühlen (*1957) verbinden sich auf ungewöhnliche Weise die Traditionen der deutschen und russischen Interpreten-Schule. Zu seinen Lehrern gehörten Bernhard Roderburg, Rudolf Buchbinder und Igor Shukow. Neben der klassischen und romantischen Klavierliteratur spielt Mühlen insbesondere russische, spanische und südamerikanische Musik. Mehrere CD-Einspielungen liegen vor, darunter eine Aufnahme mit späten Werken von Franz Liszt, vom MDR als „Idealfall“ vorgestellt, und mit Klaviersonaten von Galina Ustwolskaja, die ihm seine „genaue und tieffühlende Interpretation“ ihrer Werke bescheinigte. „Mühlen … spielte kraftvoll, formte große Gesten und Bögen aus, versank in der Musik und wohl ähnlich wie bei Liszt wirkte sein Vortrag improvisiert, emotional und gleichzeitig hochkomplex und durchdacht.“ (Allgäuer Zeitung, 2011)

Sofia Gubaidulina (*1931):
De Profundis (1978) für Bajan

Johann Sebastian Bach (1685-1750):
Suite G-Dur für Violoncello solo
  Prélude
  Allemande
  Courante
  Sarabande
  Menuett 1 – Menuett 2
  Gigue

Johannes Brahms (1833-1897):
Drei Choralvorspiele op. posth. 122 (1896)
(Transkription für Violoncello und Bajan)

 Pause

Sofia Gubaidulina:
Zehn Präludien für Violoncello solo (1974)
  Staccato – legato
  Legato – staccato
  Con sordino – senza sordino
  Ricochet
  Sul ponticello – ordinario – sul tasto
  Flagioletti
  Al taco – da punta d’arco
  Arco – pizzicato
  Pizzicato – arco
  Senza arco, senza pizzicato

Sofia Gubaidulina:
In croce (1979) für Violoncello und Bajan
(nach der Originalfassung für Violoncello und Orgel)

Vladimir Tonkha, Violoncello
Friedrich Lips, Bajan

Sofia Gubaidulina – 1931 in Tschistopol (Tatarische Republik) geboren, in Kasan und Moskau ausgebildet – zählt zu den weltweit bedeutendsten Komponistinnen unserer Zeit. Sie hatte es nicht leicht in der Sowjetunion. Als ein Kritiker 1962 die makellose Technik der jungen Komponistin lobte, ihre geistige Haltung aber tadelte, hielt sie dennoch an ihrem künstlerischen Credo fest. Schon seit Mitte der 60er Jahre wurden ihre Werke dann im westlichen Ausland gespielt, bald folgten Aufträge und zahlreiche Auszeichnungen. Seit 1992 lebt sie in der Nähe von Hamburg.

 Sofias Ritter: Vladimir Tonkha und Friedrich Lips

zum 80. Geburtstag von Sofia Gubaidulina

In diesem Konzert hören Sie zwei Entdecker von Sofia Gubaidulinas Talent. Sie gehörten zu den Ersten, die ihre Musik aufführten – und zwar mit Beharrlichkeit und sogar Fanatismus zu einer Zeit, als die meisten noch keine Ahnung hatten, was sich hinter diesem Namen verbirgt. Um in den 60er und 70er Jahren in der UdSSR Aufführungen einer solchen Musik hartnäckig durchzusetzen, war eine gehörige Menge Mut erforderlich. Tonkha und Lips sind Co-Autoren vieler instrumentaler „Entdeckungen“, die uns aus den Partituren von Gubaidulina bekannt sind. Ihnen hat die Komponistin wichtige Werke gewidmet: „Sieben Worte“, „In croce“, „De profundis“, „Zehn Präludien“ für Violoncello solo. Auch Solokonzerte mit Orchester hat Gubaidulina für sie geschrieben.

Vladimir Tonkha ist einer der kreativsten und interessantesten russischen Cellisten der Gegenwart. Er tritt in Solo- oder Kammerkonzerten in den besten Konzertsälen der Welt auf, wo er häufig die speziell für ihn komponierten Werke spielt. Zu seinen Musizierpartnern zählen Gidon Kremer, Jury Bashmet, Gennady Roshdestvensky, Valery Gergiev, Yuji Takahashi. Als Professor steht er dem Lehrstuhl für Violoncello der Russischen Gnessin-Musikakademie in Moskau vor. Außerdem hat er zahlreiche Werke für Violoncello bearbeitet bzw. transkribiert und herausgegeben.

Friedrich Lips gelang es in Zusammenarbeit mit Sofia Gubaidulina, dem Bajan (russ. Knopfgriffakkordeon) eine völlig neue Rolle zu verschaffen, indem er es zu einem höchst vornehmen Werkzeug der zeitgenössischen Musik machte. Lips war der Erste, der die ungewöhnlichen Möglichkeiten des Bajans erkannte. In seine Fußstapfen traten später viele andere Musiker in Europa, Japan und den U.S.A.

Friedrich Lips ist ebenfalls Professor an der Russischen Gnessin-Musikakademie in Moskau und hat an vielen bedeutenden internationalen Festivals für Neue Musik teilgenommen. Gleichzeitig ist er Autor mehrerer Bücher und zahlreicher Transkriptionen für sein Instrument.

Bajan

In Westeuropa hat das Akkordeon als ursprüngliches Volksmusikinstrument in der Neuen Musik einen gewissen Platz eingenommen. Noch viel mehr hat sich jedoch in Russland das Bajan, das russische „Knopfakkordeon“ in der klassischen und besonders in der zeitgenössischen Musik durchgesetzt. Es beherbergt wesentlich komplexere musiktechnische Möglichkeiten als unser Akkordeon.

De Profundis – Gubaidulinas erstes Werk für Bajan – ist Friedrich Lips, der es uraufführte, gewidmet. Heute zählt das Werk zu den Klassikern der Bajan-Literatur. Grundlage der Komposition ist Psalm 130 „Aus der Tiefe rufe ich, Herr, zu Dir“. zugrunde. Der Hörer wird Zeuge einer langsamen und unaufhaltsamen Steigerung vom „Röcheln“ des untersten Bajan-Registers bis zu den reinen und zarten Tönen des obersten: „Ein Aufstieg vom Niedrigsten zum Höchsten, dem Atem, der Seele bis hin zur Weltseele oder der Weisheit.“ (Viktor Suslin)

Die Elf Choralvorspiele sind Brahms’ letztes Werk, sie entstanden 1896. In diesem Jahr starb Clara Schumann, mit der Brahms zeitlebens eine wohl unerfüllt gebliebene Liebe verband. Fast alle der elf bearbeiteten Choräle haben den Tod zum Thema.

„Ivan Monighetti und Vladimir Tonkha waren die ersten Interpreten, die meine Zehn Präludien nicht nur vollendet spielten, sondern sie im wahrsten Sinne des Wortes zu ihrem „eigenen“ Werk machten. Insbesondere das letzte Präludium bietet den Cellisten die Möglichkeit, in improvisatorischen Abschnitten das Stück auf „eigene“ Weise zu interpretieren. “Ich wollte erkennen, wie sich Musik durch die schöpferische Phantasie eines Interpreten inhaltlich verändert.“ (Sofia Gubaidulina)

Die Komposition In croce ist ein einziges großes Kreuzsymbol: Ein Instrument beginnt in den höchsten Lagen, das andere in den tiefsten, sie nähern sich einander an, durchkreuzen sich großräumig und punktuell und entfernen sich wieder mit vertauschten Rollen. Gleichzeitig repräsentieren Bajan bzw. Orgel die musikalische „Vertikale“, während das Cello die „Horizontale“ erforscht.