Achtung: Das Konzert findet nicht am Freitag, 25.05., sondern am Donnerstag, 24.05.! statt.

Das Programm:

Josep Achron (1886-1943), Ciseaux, Danse nuptiale, Berceuse juive

Mieczyslaw Weinberg (1919-1996), Sonatine op. 46 (1949)

Sergej Prokofjew (1891-1953), Cinq mélodies op. 35b (1925)

Johannes Brahms (1833-1897), Wie Melodien zieht es  mir leise durch den Sinn … op. 105,1 (1886), Bearbeitung für Violine und Klavier von Jascha Heifetz (1901-1987)
Scherzo c-moll (o.op., 1853) , aus der F-A-E-Sonate von Schumann, Brahms und Dietrich für Joseph Joachim

Efrem Podgaits (*1949), Valse d’un film non existant , Pas des deux ironique

Igor Frolov (*1937), Fantaisie über Themen aus „Porgy and Bess“ von George Gershwin, op. 19 (1991)

Joseph Achron studierte in St. Petersburg bei Leopold Auer (Violine) sowie Komposition und Musiktheorie bei Anatoly Liadow. Selbst jüdischer Herkunft setzte er sich zeit seines Lebens mit jüdischer Musik auseinander. 1925 emigrierte er in die USA, wo er sich, trotz erster Erfolge, als Komponist nicht recht durchsetzen konnte. Der Einfluss der jüdischen Kultur ist in seinen Werken immer präsent – so auch im Hochzeitstanz der Scherenschnäbel und Jüdischen Wiegenlied.

Mieczyslaw Weinberg wuchs in Warschau in einer Musikerfamilie auf, spielte schon als Kind in jüdischen Theatern Klavier, komponierte erste Klavierstücke und wurde seit seinem 12. Lebensjahr an der Musikakademie zu einem exzellenten Pianisten ausgebildet. Als die Deutschen Polen überfielen, floh er über Minsk nach Taschkent, von wo aus Schostakowitsch ihn 1943 nach Moskau holte. Beide verband eine lebenslange Freundschaft. Weinberg schrieb 22 Sinfonien, 17 Streichquartette, 6 Opern, Ballette, Sonaten, Filmmusiken. Der sowjetischen Forderung nach größerer Einfachheit folgend, schrieb Weinberg 1949 die Sonatine, ein vergleichsweise „harmloses“ und mildes Werk mit nur gelegentlichen Eintrübungen.

Efrem Podgaits (*1949) studierte in Moskau bei Yuri Buzko und Nikolai Sidelnikow. Sein Oeuvre umfasst 12 Opern, 3 Sinfonien, 23 Concerti, Kantaten, Kammermusik, Film- und Theatermusik. Ein besonderer Schwerpunkt seines Schaffens gilt der Musik für Kinder. In seinen Kompositionen kombiniert Podgaits verschiedenste Idiome, denen er seinen eigenen Stil verleiht. Trotz rhythmischer Komplexität und resoluter Modernität bleibt seine Musik zugänglich, hat sie sich doch der Poesie und dem Humanismus verschrieben.

Igor Frolov begann mit 5 Jahren Geige zu spielen. Sein Studium beendete er 1965 bei David Oistrach, nachdem er bereits mehrere Violinwettbewerbe gewonnen und die Solistenkarriere eingeschlagen hatte. Er wurde Professor am Moskauer Konservatorium und ist seit 1994 künstlerischer Leiter und Dirigent der Moskauer Camerata. Auf Anraten Oistrachs begann Frolov zu komponieren. Seit seiner Kindheit interessierte er sich für den Jazz, was sich in seinen Kompositionen niederschlägt. Die Porgy and Bess - Fantaisie entstand in nur 3 Wochen. Frolov nennt sie „ein Gedicht über die Liebe“. Es ist die Geschichte zweier Menschen, die sich trotz aller Unterschiede und Hindernisse ineinander verlieben. Das Werk bringt mehrere Stimmungswechsel und zahlreiche virtuose Passagen; den Schluss bildet eine brillante Coda.

Alexandre Brussilovsky (*1953) studierte am Moskauer Konservatorium bei Yuri Yankelevich und Leonid Kogan. Schon als junger Shootingstar gewann er bei internationalen Wettbewerben. Vom Sowjetregime in seiner Laufbahn eingeschränkt, emigrierte er 1985 nach Frankreich, wo er eine späte, aber überaus erfolgreiche Karriere begann. Brussilovsky steht in der Geigertradition, die auf Leopold Auer und Joseph Joachim zurückgeht. Sein Repertoire umfasst u.a. musikalische Entdeckungen der zeitgenössischen Musik wie auch der russischen Barockzeit. Er ist Gründer des Labels Suoni e Colori und des Kammermusikfestivals Les MusiCimes (Frankreich) sowie des Festivals für französische Musik Pont Alexandre III in Moskau.

Ingmar Lazar (*1993 in Frankreich) wurde schon sehr früh als außergewöhnliches Talent entdeckt; bereits mit sechs trat er im Salle Gaveau in Paris auf. Erste Preise erzielte er u.a. bei Wettbewerben in Namur (EPTA, 2002) und Val D’Isère (2008). Lazar konzertiert auf wichtigen Bühnen in Europa, Israel und den USA, ist bei Festivals vertreten und tritt mit namhaften Orchestern auf. Mit Alexandre Brussilovsky hat er 2 CDs eingespielt. Zurzeit vervollkommnet er seine Studien an der Musikhochschule in Hannover und an der Internationalen Klavierakademie am Comer See.

Die Mstislaw Rostropowitsch gewidmete und von ihm uraufgeführte zweite Sonate für Violoncello und Klavier (1994) besteht aus fünf kleineren Sätzen. Ihre Sprache ist die des späten Schnittke, in der sich alles zuspitzt und mitunter äußerste Askese neben übermäßig verschärfter Expression steht. Die Sonate beginnt mit einem Monolog des Cellos und schließt mit einer völligen Verschmelzung der beiden Instrumente im „nicht materiellen“ letzten Satz.

Die Bezeichnung des Werkes von Viktor Suslin „TonH“ (2001) hat zwei Bedeutungen: Einerseits ist das der Name des Cellisten der Uraufführung (Vladimir Tonha), andererseits ein Hinweis auf die Struktur des Werkes, in dem die tiefste Saite des Cellos einen halben Ton tiefer auf  H gestimmt ist. Damit verändert sich nicht nur die „Landschaft“ der natürlichen Flageolett-Töne des Instruments, sondern auch dessen Akustik. Das musikalische Material des Werkes beinhaltet viele Vierteltöne, die eine strukturelle Funktion innerhalb der Melodik haben. Das Werk ist Sofia Gubaidulina gewidmet.

Die Stimmung der 1949 entstandenen Sonate für Violoncello und Klavier von Sergej Prokofjew bestimmt ein weitgehend gedämpfter, lyrischer Ausdruck, der sich durch alle drei Sätze zieht. Die meisten Hauptthemen haben eine folkloristische Färbung.

Um diesen Charakter der Musik zu unterstreichen, begleitet das Cello das Klavier häufig in der Art einer Gitarre, wenn das Klavier die schlichte Volksmelodie übernimmt. Die Sonate ist Mstislaw Rostropowitsch gewidmet, der das Werk am 1. März 1950 in Moskau uraufgeführt hat.

Olga Lubotsky hat schon häufiger bei Belaieff-Konzerten als Cellistin in Kammermusikensembles mitgewirkt. Dabei war ihre präsente, genau auf den Ausdruck gezielte Spielweise nicht zu überhören.  Von daher ist ihr heutiger Soloauftritt die logische Folge ihres erfolgreichen Musizierens.
Olga Lubotsky wurde in Saratow (Russland) geboren. Sie studierte an der Musikfachschule beim Moskauer Konservatorium und an der Hamburger Musikhochschule bei Prof. Mehlhorn. Heute ist sie Dozentin für Violoncello an der Alfred-Schnittke-Akademie Hamburg. Als Solistin und Kammermusikerin konzertiert sie in vielen Ländern Europas und in den U.S.A. und nimmt regelmäßig an wichtigen Festivals für Neue Musik teil. Mit ihrem Ehemann Mark Lubotsky und Brenno Ambrosini ist sie ständiges Mitglied des „Lubotsky-Trios“.

Der venezianische Pianist Brenno Ambrosini (*1967) studierte in Venedig, Florenz, München, Paris und Madrid – in der Tradition der berühmten Klavierschulen von Chopin, Liszt, Sgambati und Busoni. Er ist vielfacher Preisträger internationaler Wettbewerbe und als Solist mit bedeutenden Orchestern in Europa, den U.S.A. und Japan aufgetreten. Dabei sind zahlreiche Fernseh-aufzeichnungen und CD-Produktionen entstanden.
Ambrosini engagiert sich insbesondere für zeitgenössische Musik, weshalb namhafte Komponisten Stücke für ihn geschrieben haben.

Programm:

Alfred Schnittke (1934 – 1998)
   Sonate Nr. 1
   für Violoncello und Klavier (1978)
     1. Largo
     2. Presto
     3. Largo
            
Alfred Schnittke
   Sonate Nr. 2  
   für Violoncello und Klavier (1994)
     1. Senza di tempo (Allegro)
     2. Allegro
     3. Largo
     4. Allegro
     5. Lento

Viktor Suslin (*1942)
   „TonH“ (2001)
   für Violoncello und Klavier

Sergej Prokofjew (1891 – 1953)
  Sonate C-Dur
  für Violoncello und Klavier op. 119 (1949)
    1. Andante grave
    2. Moderato
    3. Allegro, ma non troppo

Andreas Mühlen, Klavier

Franz Liszt wird manchmal der “Paganini des Klaviers” genannt – ein oberflächlicher und höchst ungerechter Vergleich, beschränkte sich doch sein Einfluss nicht nur auf die Revolutionierung des Klavierspiels, sondern umfasste die gesamte Musik. Es war Liszt, nicht Wagner, der die „Tristan-Harmonie“ entdeckte, die Zwölftonreihe als Thema („Faust-Symphonie“) sowie die sinfonische Dichtung, in der die vier Sätze der traditionellen Sinfonie zu einer großen neuen Form verbunden sind, die sich unvorhersehbar entwickelt – ohne „vorgegebene“ Reprise, mit ungewöhnlichen Metamorphosen der Themen und Leitmotive. Liszts „Tentakel“ reichen weit in die Zukunft. Zu seinen musikalischen Nachfahren gehören neben den Komponisten auf unserem heutigen Programmzettel u.a. auch Scriabin, Ravel, Bartók, Ligeti und sogar Schostakowitsch. Mit vielen Komponisten des 19. Jahrhunderts hatte Liszt das Interesse am „Nationalen“ gemein, doch war vor allem er eine erstaunlich integrale Figur in der europäischen Musik – kein provinzieller „Ferencz“, sondern ein allgemein-europäischer „Franz“.

Programm:

Franz Liszt (1811-1886)
Aus Années de pèlerinage, troisième année 
    Nr. 5 Sunt lacrymae rerum (1872)
La Lugubre Gondola I (1882)
La Lugubre Gondola II (1882)
Schlaflos, Frage und Antwort (1883)
   Nocturno  nach einem Gedicht von Toni Raab
En Rêve. Nocturne (1885/86)
Vierter Mephisto-Walzer. Bagatelle ohne Tonart (1885)
Nuages gris (1881)
Unstern! Sinistre – Disastro (1883/86)
Ungarische Rhapsodie Nr. 17 (1884)

Alberto Ginastera (1916-1983)
Aus den „Danzas argentinas“ op. 2 (1937)
Danza del viejo boyero
Danza de la moza donosa
Aus der “Suite de Danzas Criollas” op. 15 (1946)
Nr. 2 Allegro Rustico
Nr. 4 Calmo e poetico
Nr. 5 Scherzando
Coda – Presto e energico

Manuel de Falla (1876-1946)
Fantasía baetica (1919)

Claude Debussy (1862-1918)
Aus “Préludes”, Deuxième Livre (1912-13)
Nr. 1   Brouillards. Modéré
Nr. 10 Canope. Très calme et doucement triste

Galina Ustwolskaja (1919-2006)
Sonate Nr. 5 (1986)

An diesem Abend erklingen späte Kompositionen Listzs. In ihnen begegnen wir nicht der zauberhaften Virtuosität seiner frühen Werke; der Komponist ist auf das Substanzielle konzentriert, als habe er sich einer freiwilligen Askese unterzogen. Einige seiner harmonischen Entdeckungen sind so radikal, dass man kaum glauben kann, in welchem Jahr diese Musik komponiert wurde. Dass Liszts Schaffen bis in die Moderne Inspirationsquelle für viele Musiker ist, bestätigen die weiteren Stücke des heutigen Programms. 

Obgleich Alberto Ginastera einer der bedeutendsten Vertreter der argentinischen Musik des 20. Jhs ist, ist seine Musik nicht allzu oft in Deutschland zu hören. Er komponierte Opern, Ballette, eine Sinfonie, Lieder, Chorwerke, Kammermusik und u.a. zwei Klavierkonzerte und drei Klaviersonaten. Seine Tänze für Klavier, die Danzas argentinas und Danzas criollas geben meisterhaft die Vielfalt an Gesten und Stimmungen der argentinischen Folklore wieder und stecken gleichzeitig voller  harmonischer Neuerungen. 

Die Fantasía baetica von Manuel de Falla entstand im Auftrag von Arthur Rubinstein und ist ihm gewidmet. ’Provincia Baetica’ war der römische Name für Andalusien, die Heimat des Flamenco. Das Werk ist eine groß angelegte, abstrakte Klavierfantasie – original de Falla, ohne Zitate aus der Folklore, aber deutlich inspiriert vom Stil des Flamenco mit seinen spezifisch orientalischen Skalen und eigenwilligen Rhythmen –  im Klavier Klänge der Gitarre, des Füßestampfens, der Kastagnetten und des ’cante jondo’ heraufbeschwörend. 

Über die Wechselbeziehungen zwischen der Klaviermusik von Claude Debussy und dem Schaffen Franz Liszts ließen sich Traktate schreiben, denn der Einfluss Liszts beschränkte sich nicht auf harmonischen Neuerungen, sondern betraf alle Komponenten der Musik: das Spektrum der Klangfarben, die Satzweise, den Pedalgebrauch. Debussys ’Préludes’ (Brouillards und Canope) sind vorzügliche Beispiele dafür. 

Scheinbar paradox in diesem Programm sind die beiden letzten Klaviersonaten von Galina Ustwolskaja, doch ist die Wahl gerechtfertigt und sinnvoll. Das radikale Neuerertum Ustwolskajas – sowohl was die Form betrifft als auch den Einsatz der Klangfarben des Klaviers – ist in vielerlei Hinsicht eng verwandt mit dem Pioniergeist Liszts. Äußerliche Ähnlichkeiten gibt es hier nicht, aber die Kraft und Größe dieser Klaviermusik ruft unweigerlich den unsterblichen Schatten des Schöpfers der „Faust-Symphonie“ und der h-Moll-Sonate in Erinnerung. 

In der Kunst des Pianisten Andreas Mühlen (*1957) verbinden sich auf ungewöhnliche Weise die Traditionen der deutschen und russischen Interpreten-Schule. Zu seinen Lehrern gehörten Bernhard Roderburg, Rudolf Buchbinder und Igor Shukow. Neben der klassischen und romantischen Klavierliteratur spielt Mühlen insbesondere russische, spanische und südamerikanische Musik. Mehrere CD-Einspielungen liegen vor, darunter eine Aufnahme mit späten Werken von Franz Liszt, vom MDR als „Idealfall“ vorgestellt, und mit Klaviersonaten von Galina Ustwolskaja, die ihm seine „genaue und tieffühlende Interpretation“ ihrer Werke bescheinigte. „Mühlen … spielte kraftvoll, formte große Gesten und Bögen aus, versank in der Musik und wohl ähnlich wie bei Liszt wirkte sein Vortrag improvisiert, emotional und gleichzeitig hochkomplex und durchdacht.“ (Allgäuer Zeitung, 2011)

Sofia Gubaidulina (*1931):
De Profundis (1978) für Bajan

Johann Sebastian Bach (1685-1750):
Suite G-Dur für Violoncello solo
  Prélude
  Allemande
  Courante
  Sarabande
  Menuett 1 – Menuett 2
  Gigue

Johannes Brahms (1833-1897):
Drei Choralvorspiele op. posth. 122 (1896)
(Transkription für Violoncello und Bajan)

 Pause

Sofia Gubaidulina:
Zehn Präludien für Violoncello solo (1974)
  Staccato – legato
  Legato – staccato
  Con sordino – senza sordino
  Ricochet
  Sul ponticello – ordinario – sul tasto
  Flagioletti
  Al taco – da punta d’arco
  Arco – pizzicato
  Pizzicato – arco
  Senza arco, senza pizzicato

Sofia Gubaidulina:
In croce (1979) für Violoncello und Bajan
(nach der Originalfassung für Violoncello und Orgel)

Vladimir Tonkha, Violoncello
Friedrich Lips, Bajan

Sofia Gubaidulina – 1931 in Tschistopol (Tatarische Republik) geboren, in Kasan und Moskau ausgebildet – zählt zu den weltweit bedeutendsten Komponistinnen unserer Zeit. Sie hatte es nicht leicht in der Sowjetunion. Als ein Kritiker 1962 die makellose Technik der jungen Komponistin lobte, ihre geistige Haltung aber tadelte, hielt sie dennoch an ihrem künstlerischen Credo fest. Schon seit Mitte der 60er Jahre wurden ihre Werke dann im westlichen Ausland gespielt, bald folgten Aufträge und zahlreiche Auszeichnungen. Seit 1992 lebt sie in der Nähe von Hamburg.

 Sofias Ritter: Vladimir Tonkha und Friedrich Lips

zum 80. Geburtstag von Sofia Gubaidulina

In diesem Konzert hören Sie zwei Entdecker von Sofia Gubaidulinas Talent. Sie gehörten zu den Ersten, die ihre Musik aufführten – und zwar mit Beharrlichkeit und sogar Fanatismus zu einer Zeit, als die meisten noch keine Ahnung hatten, was sich hinter diesem Namen verbirgt. Um in den 60er und 70er Jahren in der UdSSR Aufführungen einer solchen Musik hartnäckig durchzusetzen, war eine gehörige Menge Mut erforderlich. Tonkha und Lips sind Co-Autoren vieler instrumentaler „Entdeckungen“, die uns aus den Partituren von Gubaidulina bekannt sind. Ihnen hat die Komponistin wichtige Werke gewidmet: „Sieben Worte“, „In croce“, „De profundis“, „Zehn Präludien“ für Violoncello solo. Auch Solokonzerte mit Orchester hat Gubaidulina für sie geschrieben.

Vladimir Tonkha ist einer der kreativsten und interessantesten russischen Cellisten der Gegenwart. Er tritt in Solo- oder Kammerkonzerten in den besten Konzertsälen der Welt auf, wo er häufig die speziell für ihn komponierten Werke spielt. Zu seinen Musizierpartnern zählen Gidon Kremer, Jury Bashmet, Gennady Roshdestvensky, Valery Gergiev, Yuji Takahashi. Als Professor steht er dem Lehrstuhl für Violoncello der Russischen Gnessin-Musikakademie in Moskau vor. Außerdem hat er zahlreiche Werke für Violoncello bearbeitet bzw. transkribiert und herausgegeben.

Friedrich Lips gelang es in Zusammenarbeit mit Sofia Gubaidulina, dem Bajan (russ. Knopfgriffakkordeon) eine völlig neue Rolle zu verschaffen, indem er es zu einem höchst vornehmen Werkzeug der zeitgenössischen Musik machte. Lips war der Erste, der die ungewöhnlichen Möglichkeiten des Bajans erkannte. In seine Fußstapfen traten später viele andere Musiker in Europa, Japan und den U.S.A.

Friedrich Lips ist ebenfalls Professor an der Russischen Gnessin-Musikakademie in Moskau und hat an vielen bedeutenden internationalen Festivals für Neue Musik teilgenommen. Gleichzeitig ist er Autor mehrerer Bücher und zahlreicher Transkriptionen für sein Instrument.

Bajan

In Westeuropa hat das Akkordeon als ursprüngliches Volksmusikinstrument in der Neuen Musik einen gewissen Platz eingenommen. Noch viel mehr hat sich jedoch in Russland das Bajan, das russische „Knopfakkordeon“ in der klassischen und besonders in der zeitgenössischen Musik durchgesetzt. Es beherbergt wesentlich komplexere musiktechnische Möglichkeiten als unser Akkordeon.

De Profundis – Gubaidulinas erstes Werk für Bajan – ist Friedrich Lips, der es uraufführte, gewidmet. Heute zählt das Werk zu den Klassikern der Bajan-Literatur. Grundlage der Komposition ist Psalm 130 „Aus der Tiefe rufe ich, Herr, zu Dir“. zugrunde. Der Hörer wird Zeuge einer langsamen und unaufhaltsamen Steigerung vom „Röcheln“ des untersten Bajan-Registers bis zu den reinen und zarten Tönen des obersten: „Ein Aufstieg vom Niedrigsten zum Höchsten, dem Atem, der Seele bis hin zur Weltseele oder der Weisheit.“ (Viktor Suslin)

Die Elf Choralvorspiele sind Brahms’ letztes Werk, sie entstanden 1896. In diesem Jahr starb Clara Schumann, mit der Brahms zeitlebens eine wohl unerfüllt gebliebene Liebe verband. Fast alle der elf bearbeiteten Choräle haben den Tod zum Thema.

„Ivan Monighetti und Vladimir Tonkha waren die ersten Interpreten, die meine Zehn Präludien nicht nur vollendet spielten, sondern sie im wahrsten Sinne des Wortes zu ihrem „eigenen“ Werk machten. Insbesondere das letzte Präludium bietet den Cellisten die Möglichkeit, in improvisatorischen Abschnitten das Stück auf „eigene“ Weise zu interpretieren. “Ich wollte erkennen, wie sich Musik durch die schöpferische Phantasie eines Interpreten inhaltlich verändert.“ (Sofia Gubaidulina)

Die Komposition In croce ist ein einziges großes Kreuzsymbol: Ein Instrument beginnt in den höchsten Lagen, das andere in den tiefsten, sie nähern sich einander an, durchkreuzen sich großräumig und punktuell und entfernen sich wieder mit vertauschten Rollen. Gleichzeitig repräsentieren Bajan bzw. Orgel die musikalische „Vertikale“, während das Cello die „Horizontale“ erforscht.

wegen einer Erkrankung wird das Konzert statt am13. Mai am 16. Juni stattfinden.

Nurit Stark (Violine), Cédric Pescia (Klavier) und Olga Dowbusch-Lubotsky (Violoncello) spielen Silvestrov und Schostakowitsch.

P r o g r a m m:

Valentin Silvestrov (*1937)
Drama (1971)
für Violine, Violoncello und Klavier

I. Sonate für Violine und Klavier
II. Sonate für Violoncello und Klavier
III. Trio für Violine, Violoncello und Klavier

P a u s e

Dmitri Schostakowitsch (1906 -1975)
Klaviertrio Nr. 2 op. 67 (1944)
e-Moll

I. Andante
II. Allegro con brio
III. Largo
IV. Allegretto

Valentin Silvestrov über sein Werk “Drama”

„Eigentlich ist dies ein Trio für Violine, Violoncello und Klavier. Es gibt hier drei Sätze, die attacca ineinander übergehen. Eine Violinsonate geht über in eine Cellosonate und danach folgt das Trio. Diese Übergänge gehören zur Komposition, weil es hier Elemente des Instrumentaltheaters gibt. Zuerst erklingt eine Violinsonate, wenn sie endet, geht die Musik in Geräusche und Gesten über, ein Streichholz wird angezündet und ausgepustet, es entsteht eine gewisse Verwirrung; in diesem Moment tritt die Cellistin auf, man hört die Schritte, aber diese Störungen gehören zur Musik. Am Ende der Cellosonate kommt auf ein bestimmtes Signal hin die Geigerin hereingelaufen und spielt mit der Bogenspitze im Innern des Flügels, danach beginnt das Trio.

Der Titel „Drama“ hat mehrere Bedeutungen. Einen direkten, denn hier gibt es eine Ursprungsdramatik, eine menschliche, situationsgebundene, in der wir damals lebten… Außerdem ist es das Drama der Musik selbst: Die Musik durchlebt verschiedene Begegnungen, Dialoge, Konfrontationen… Das modale musikalische Material hat eine themenähnliche Gestalt, dort aber, wo das Sonore und Geräuschhafte überwiegt, wird die Idee als Gestus geprägt.

Was lässt sich über diesen Stil sagen? In diesen Jahren durchlebten überall in der Welt die Komponisten, die avantgardistische Musik schrieben, irgendeine fundamentale Krise. Die Möglichkeiten der früheren „Sterilität“ waren ausgeschöpft… Das weltumspannende Kloster hatte einen Riss bekommen… Ich wollte damals alle musikalischen Systeme – das modale, tonale, atonale und dodekaphonische System – zu einer Einheit bringen. Das heißt, ich bin von Klangsystemen ausgegangen, nicht von Stilen. Das Klangsystem ist dem Stil übergeordnet. Um diese Einheit zu ermöglichen, ist es nötig, dass bereits im Anfangsimpuls der Idee, wie in einem Augenblick, alle Systeme potenziell, jedoch unmerklich vorhanden sind.

Das Klaviertrio Nr. 2 komponierte Dmitri Schostakowitsch im Gedenken an Iwan Sollertinski, der im Februar 1944 einen Herzinfarkt erlitten und überraschend gestorben war. Vier Tage später schrieb der Komponist an die Witwe: „… Das Unglück, das mich traf, als ich vom Tode Iwan Iwanowitschs erfuhr, kann ich nicht in Worte fassen. Er war mein nächster und teuerster Freund. Meine ganze Entwicklung verdanke ich ihm. Ohne ihn zu leben, wird mir unerträglich schwer fallen. … „ Zu diesem Zeitpunkt hatte Schostakowitsch bereits den ersten Satz des Klaviertrios komponiert. Die weiteren Sätze entstanden innerhalb von nur knapp 3 Wochen im Sommer desselben Jahres, den Schostakowitsch in Iwanowo, im Erholungsheim des Komponistenverbandes, verbrachte – fern, doch nicht gänzlich unberührt vom Verlauf des tobenden Weltkrieges.

Nurit Stark wurde 1979 in Tel Aviv geboren. Sie studierte an der Rubin Academy Tel Aviv, der Juilliard School of Music New York, an der Musikhochschule Köln und an der Universität der Künste in Berlin. Sie nahm an verschiedenen Kammermusik-Festivals teil und ist Preisträgerin zahlreicher Wettbewerbe (u.a. Triest, Bukarest, Augsburg, Berlin). Als Solistin trat sie in wichtigen Konzerthäusern Europas und der U.S.A. auf, z.B. mit dem São Paulo Symphony Orchestra, der Israel Sinfonietta, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und dem Israel Philharmonic Orchestra (unter Zubin Mehta). Seit 2001 ist sie Mitglied des Klaviertrios „Esart Trio Berlin“.

Cédric Pescia, in Lausanne geboren, studierte in der Schweiz, an der Universität der Künste in Berlin und in Italien. 2002 gewann er in Salt Lake City einen der renommiertesten Klavierwettbewerbe der Welt. Als Solist trat auch er weltweit in bedeutenden Konzertsälen auf. Außerdem war er bei großen europäischen Festivals zu hören. Seine CD-Aufnahmen (u.a. eine mit Nurit Stark) haben beste Kritiken erhalten. Pescia organisiert und leitet die Lausanner Kammermusik-Reihe „Ensemble enScène“.

Olga Dowbusch-Lubotsky wurde in Saratow (Russland) geboren. Sie studierte an der Musikfachschule beim Moskauer Konservatorium und an der Hamburger Musikhochschule bei Prof. Mehlhorn. Heute ist sie Dozentin für Violoncello an der Alfred-Schnittke-Akademie Hamburg. Als Kammermusikerin und Solistin konzertierte sie in Deutschland, Spanien, Holland, Frankreich, Dänemark, Finnland, Russland und in den U.S.A. Seit Jahren ist sie mit Mark Lubotsky und Brenno Ambrosini Mitglied des Lubotsky-Trios.

P r o g r a m m
Valentin Silvestrov (*1937)
Naive Musik (1954 / rev. 1993) (Deutsche Erstaufführung)
Walzer + Nocturne + Märchen + Idylle (Mai 1955) + Nocturne + Präludium + Walzer

Mieczyslaw Weinberg (1919 – 1996)
5 Stücke
aus dem „Kinderheft“ op. 16 (1944)

Viktor Suslin (*1942)
Sonatine (1961) (Deutsche Erstaufführung)

Pause

Valentin Silvestrov
Kitsch-Musik (1977) (Deutsche Erstaufführung)
Allegro vivace + Moderato + Allegretto + Moderato + Allegro
Zwei Walzer (2009) (E. Blumina gewidmet)
(Deutsche Erstaufführung)
* * *

Peter Tschaikowsky(1840 – 1893)
Bearbeitung für Klavier zu 4 Händen aus dem Ballett „Der Nussknacker“
Tanz der Rohrflöten + Marsch + Tanz der Zuckerfee

Valeri Gavrilin(1939 – 1999)
3 Skizzen(1970)
aus dem 18-teiligen Zyklus „Skizzen“

Das Konzert ist ungewöhnlich: Wir erleben nicht nur einen Solo-Klavierabend, sondern gegen Ende des Programms auch den gemeinsamen Auftritt von Mutter und Sohn.

Der Solo-Teil ist Komponisten gewidmet, deren Werke schon öfter bei Belaieff-Konzerten aufgeführt wurden, doch er birgt eine Besonderheit: Im ersten Teil sind wir relativ nah an den „Quellen“, d.h. es erklingen Werke, die am Anfang der musikalischen Laufbahn des jeweiligen Komponisten stehen.

Naive Musik ist eines der frühesten Werke Silvestrovs. Obwohl diese romantischen Miniaturen 1993 überarbeitet wurden, behielten sie die ursprüngliche Frische der ersten „Federstriche“ des 17-Jährigen bei, der damals Student für Bauwesen war und noch nicht von einer professionellen Komponisten-Karriere träumte, aber verliebt war in die Werke Chopins, Mozarts, Griegs und Brahms’ und in die Musik überhaupt.

Mieczyslaw Weinberg floh als junger polnischer Jude 1939 vor den Deutschen in die UdSSR. Sein Leben ist vom Verlust seiner gesamten Familie, die im KZ ums Leben kam, der Ermordung seines Schwiegervaters Solomon Michoëls und seiner eigenen Verhaftung unter Stalin überschattet. Die Stücke, die in den Kinderheften op. 16 zusammengefasst sind, schrieb Weinberg mit 25 im Jahre 1944. Ob und inwiefern es sich um eigene Kindheitserinnerungen handelt, bleibt offen: Viele Stücke durchzieht ein bitterer, tragischer Unterton, was Anlass zu dieser Annahme gibt.

Viktor Suslin schrieb die Sonatine als 19-jähriger Student im 1. Semester am Konservatorium von Charkow. Von der westeuropäischen Avantgarde wusste er damals so gut wie nichts, woher auch? Das „Tor“ ins musikalische 20. Jh. war für ihn die Musik Prokofjews, die dieser vor seiner Rückkehr in die UdSSR komponiert hat. Die Sonatine widmete Suslin seinem Klavierlehrer Vsevolod Topilin, der vor dem Krieg Assistent von Heinrich Neuhaus in Moskau (und persönlich mit Prokofjew bekannt) war und nach dem Krieg ein Gefangener des Gulag.

Obwohl Silvestrovs Kitsch-Musik und Naive Musik mehr als 20 Jahre trennen, haben diese Zyklen viel miteinander gemein. Im Unterschied zur Naiven Musik ist die Kitsch-Musik jedoch alles andere als naiv, was sogar am ironischen Titel ersichtlich ist. Sie entstand nach der über 10-jährigen „avantgardistischen“ Periode Silvestrovs, die übrigens viel radikaler war als bei seinen berühmten Moskauer Kollegen Volkonsky, Denissow oder Schnittke. Deshalb kann die Kitsch-Musik als eine stille „Meuterei“ aufgefasst werden, als ein Versuch, sich aus der Intonationssackgasse der seriellen Technik zu befreien.

Elisaveta Blumina hat sich auf den großen internationalen Bühnen, bei zahllosen Festivals und Wettbewerben als Solistin und Kammermusikerin einen Namen gemacht. Sie stammt aus St. Petersburg, wo sie 16-jährig mit Brahms’ Klavierkonzert Nr. 1 debütierte. Später studierte sie auch in Hamburg und Bern. Fernsehauftritte, Rundfunkeinspielungen und CD-Aufnahmen festigten ihren Ruf als außergewöhnliche Interpretin. Ihr Repertoire reicht von der Klassik bis zur zeitgenössischer Musik. Beim Label „cpo“ entsteht gerade eine CD-Serie mit Klavier- und Kammermusikwerken von Mieczyslaw Weinberg.

Vladimir Sint (*1998, USA) lebte als Kind in Rom, Genf und Madrid. Mit 4 Jahren sang er im Kinderchor der Madrider Oper und begann Klavier und Geige zu lernen. Zur Zeit lebt er mit seiner Familie in Dublin, wo er die „Royal Academy of Music“ besucht. Sint ist u.a. mehrfacher Preisträger bei „Jugend musiziert“.

Das Programm:

Modest Mussorgsky (1839-1881) aus „Bilder einer Ausstellung“ (1874)
„Promenade“
„Der Gnom“
„Die Hütte der Baga-Jaga“
„Das große Tor von Kiew“
(bearb. für Gitarre solo von K. Yamashita)

Edison Denissow (1928-1996)
1. Satz aus der Sonate für Gitarre solo (1981)
Toccata

Anton Arensky (1861-1906)
Präludium und Scherzo

Henryk Wieniawski (1835-1880)
„Fantaisie brillante“ über „Faust“, Oper
von Charles Gounod (op. 20, 1865)

PAUSE

Niccolò Paganini (1782-1840)
3. Satz aus dem Violinkonzert Nr. 2, op. 7 (1826)
„La Campanella“

aus den “24 Capricen” op. 1 für Violine solo
Capricen Nr. 5, 2, 7
(Klavierstimme von Robert Schumann)

Camille Saint-Saëns (1835-1921)
Introduction e Rondo capriccioso op. 28 (1863)

Maurice Ravel (1875-1937)
„Tzigane“, Rhapsodie (1924)

Franz Waxman (Wachsmann) (1906-1967)
„Carmen-Fantasie“ über Themen
aus Georges Bizets Oper

Anmerkung:
Bis auf die Stücke von Mussorgsky und Denissow handelt es sich bei allen Werken um Transkriptionen für Gitarre und Klavier von Alexey Zimakov.

Gemeinhin bekannte virtuose Werke für Violine solo oder Violine und Orchester hauptsächlich aus dem 19. Jahrhundert, transkribiert für Gitarre und Klavier von Alexey Zimakov, bestimmen das Programm des heutigen Abends.
Eine Ausnahme bildet das Stück von Edison Denissow, der übrigens wie Zimakov und Anokhina aus dem sibirischen Tomsk stammt. Die Toccata ist der 1. Satz aus Denissows Sonate für Gitarre solo (1981), zu der noch die Sätze Berceuse und Souvenir d’Espagne gehören.  Detlef Gojowy schrieb über Denissows melodische Konstruktionen: „Jener eigentümliche Ton der ’Schwerelosigkeit’ in Denissows Melodik, der auch ein Ton der Zuversicht ist und des Mutes zur Identität, beruht technisch nicht zuletzt auf einer planmäßigen, gleichgewichtig verschränkenden Benutzung der Halbtöne. (…) Auch in diesen Solostücken, die den Charakter einer angenehmen und den Zuhörer nicht verwirrenden ‚Spielmusik’ tragen, baut Denissow auf seine zielstrebige Weise an Modellen einer utopischen Ordnung.“ Der Komponist selber erklärt: „Gemeint ist die Schönheit des Gedankens, wie sie von Mathematikern verstanden wird, oder wie sie von Bach und Webern verstanden wurde.“ Eines dieser Vorbilder – Bach (mit seinen Orgelfugen oder Lautensuiten)  bzw. eine allgemein barocke Motorik – scheint in der Toccata durch. Die Gitarrensonate ist Alexey Zimakov gewidmet.

Alexey Zimakov ist der erste russische Gitarrenvirtuose von internationalem Rang. 1971 in Tomsk geboren, bekam er als Neunjähriger ersten Gitarrenunterricht von seinem Vater. Anschließend absolvierte er extern die Musikschule in Tomsk. 1988 wurde er Student am Moskauer Gnessin-Musikinstitut. Seit 1990 ist er mehrfach Sieger nationaler und internationaler Gitarren-Wettbewerbe, u.a. 1991 bei der Guitar Foundation of America, Miami. In seinen Konzerten beschränkt sich Zimakovs nicht nur auf das klassische Gitarren-Repertoire. Bereits früh erregte er Aufsehen durch seine Transkriptionen virtuoser Violinmusik von Paganini, der Solosuiten für Laute von Bach, der Arpeggione“-Sonate von Schubert oder Mussorgskys „Bilder einer Ausstellung“. Dank einer besonderen Fingertechnik spielt Zimakov die Werke in ihrer Originaltonart und mit originalen Fingersätzen.

Olga Anokhina (*1955 in der Nähe von Tomsk) erhielt ersten Klavierunterricht an der Kindermusikschule in Bogaschewo (Gebiet Tomsk). Von 1971 bis 1975 besuchte sie die Klavierklasse der Kreismusikschule und studierte danach am Glinka-Konservatorium in Nowosibirsk. Nach ihrem Studium arbeitete sie als Klavierlehrerin und Korrepetitorin an der Denissow-Musikschule von Tomsk, wo sie noch heute unterrichtet und die Abteilung der Ensemble-Fächer mit Klavier leitet. Als Begleiterin musiziert sie sowohl mit Instrumentalsolisten und Volksmusikgruppen als auch mit Sängern und Chören. Auf Wettbewerben wurde sie mehrfach als „beste Begleiterin“ ausgezeichnet. Seit 1999 konzertiert Olga Anokhina mit Alexey Zimakov und anderen Musikern.

19:00 : Einführung in das Programm des Abends durch Herrn Sokolov
20:00: Konzert

Das Programm:

“Alexander Scriabin und russische Komponisten der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts“

Alexander Scriabin (1872-1915)
3 Stücke op. 45  – Andante Piácevole – Poème phantastique – Prélude
3 Stücke op. 49  – Etude – Prélude – Rêverie
4 Stücke op. 51  – Fragilité – Prélude – Poème ailé – Danse languide
3 Stücke op. 52  – Poème – Enigma – Poème languide
2 Stücke op. 57 – Désir – Caresse dansée
Albumblatt op. 58
2 Stücke op. 59 – Poème – Prélude
Poème-Nocturne op. 61
Sonate Nr. 7 op. 64
« Messe Blanche »

PAUSE

Edison Denissow (1929-1996)
3 Präludien (1994)

Alexander Wustin (*1943)
3 Lieder von Toropetz (1972)
Lamento (1984)
„Good bye!“ (2008)

Nikolaj Karetnikow (1930-1994)
2 Stücke (1975)

Viktor Ekimovsky (*1947)
Mondscheinsonate, Komp. Nr. 60 (1993)

Faradsch Karajew (*1943)
Postludium (1990)

Ivan Sokolov (*1960)
„Am Himmel“ (1992)
13 Stücke (1990)

Ivan Sokolov kann man als eine Symbiose bezeichnen, wie man sie heute nur noch selten trifft: Er ist ein begabter Komponist und gleichzeitig ein richtiger, regelmäßig konzertierender Pianist. Sein im höchsten Maße virtuoses Spiel dient niemals einem Selbstzweck, es trägt Aufklärungscharakter. Auf Sokolovs Konto gehen so viele Uraufführungen, dass er in dieser Hinsicht kaum übertroffen werden kann. Regelmäßig nimmt er an Festivals Neuer Musik teil – in Russland wie in Westeuropa und den USA. Das kompositorische Talent verursacht jedoch auch ein besonderes Verhältnis zur älteren Musik, in der Sokolov Dinge bemerkt, die „normale“ Pianisten manchmal übersehen. Wenn Sokolov, dieser unberechenbare und zu Experimenten bereite Musiker spielt, ist dies daher immer ein interessantes und erfrischendes Ereignis.

Die Überschrift des Konzertprogramms spricht für sich: Scriabin ist nicht einfach nur ein „Avantgardist“ zu Beginn des 20. Jahrhunderts, er ist auch Schöpfer der wohl vollendetsten Formen in der russischen Musik überhaupt. Allumfassend und vielseitig war sein Einfluss, dessen Wirkung man nicht bloß auf Nachahmung reduzieren kann: Er erhob die Klaviermusik Russlands allgemein auf eine vollkommen neue Ebene.

Der zweite Teil des Konzertes ist ausschließlich der Musik Moskauer Komponisten der Nachkriegsgeneration gewidmet. Einige dieser Namen sind auch international bekannt.

Da der Solist des heutigen Abends selber den Wunsch geäußert hat, der Interpretation dieser Werke seine Kommentare vorauszuschicken, bleibt uns nichts anderes übrig, als ihm herzlich dafür zu danken.

Ivan Sokolov (*1960) studierte von 1978 bis 1893 am Moskauer Tschaikowsky-Konservatorium Klavier und Komposition u.a. bei Lev Naumov und Nikolaj Sidelnikov. Während sein Konzertrepertoire in der ehemaligen Sowjetunion insbesondere moderne Musik von „erlaubten“ Komponisten wie Prokofjew, Schönberg, Schostakowitsch, Hindemith, Bartók, Strawinsky u.a. umfasste, spielte Sokolov mit der Öffnung des Ostens zunehmend Musik von Stockhausen, Kagel, Crumb, Feldman, Cage und Boulez, der bei der Aufführung seiner 2. Sonate zu den Zuhörern zählte. Insbesondere aber setzt er sich für zeitgenössische russische Komponisten ein. So war er z.B. Mitbegründer des renommierten Moskauer Musik-Festivals ALTERNATIVA und spielte das gesamte Klavierwerk von Galina Ustwolskaja auf CD (Megadisc) ein. Er arbeitete mit so bedeutenden Musikern wie M. Agerich, N. Gutman, T. Gridenko, A. Boreyko, A. Lazarev, A. Lubimov und M. Pekarski zusammen. Als Komponist schuf Sokolov bereits ein umfassendes Œuvre bestehend aus Klavier- und Kammermusik, Vokalzyklen, Orchesterwerken und einer Kammeroper. Seit 1988 unterrichtet er am Moskauer Konservatorium und seit 2006 auch an der Russischen Gnessin-Musikakademie.

Das Programm:

Valentin Silvestrov (*1937)
28. Juli 1750 … in memoriam J. S. B. (2004)

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Suite Nr. 1 G-Dur BWV 1007
- Prelude – Allemande – Courante – Sarabande – Menuet I/II – Gigue

Suite Nr. 2 d-Moll BWV 1008
- Prelude – Allemande – Courante – Sarabande – Menuet I/II – Gigue

PAUSE

Valentin Silvestrov (* 1937)
Walzer der Alpenglöckchen (2004)

Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Suite Nr. 6 D-Dur BWV 1012
- Prelude – Allemande – Courante – Sarabande – Gavotte I/II – Gigue

Valentin Silvestrov (*1937)
28. Juli 1750 … in memoriam J. S. B. (2004)

Im Mittelpunkt des heutigen Abends steht Johann Sebastian Bach.
Seine Suiten für Violoncello solo gelten sowohl als „Quintessenz“ des Repertoires für Cellisten als auch der Musik Bachs überhaupt. Hier finden wir fast alle wichtigsten Elemente seiner Musiksprache und Rhetorik, die nicht nur in den Instrumentalsuiten, Sonaten und Partiten vorkommen, sondern auch in seinen Konzerten und Kantaten.
Die Entstehungsgeschichte dieses Zyklus’ ist wenig bekannt. Man geht davon aus, dass Bach die Suiten in seiner Köthener Zeit um 1720 komponiert hat. Das Autograph ist verschollen. Moderne Notenausgaben basieren auf verschiedenen frühen Abschriften.
Außerdem haben das heutige Cello und sein Bogen kaum etwas gemein mit den Instrumenten des 18. Jahrhunderts. So ist die Suite Nr. 6 gar nicht für Violoncello geschrieben, sondern für ein anderes Instrument mit fünf Saiten und einer zusätzlichen hohen e-Saite. Bis heute streiten sich die Fachleute darüber, um welches Instrument es sich dabei handeln könnte. Heutzutage wird diese – im übrigen technisch anspruchsvollste – Suite zumeist auf modernen Instrumenten gespielt, wobei jedoch einige Akkorde, die auf einem „normalen“ Cello unspielbar sind, diesem angepasst werden müssen. Im Aufbau ähneln sich die Suiten: Prelude –Allemande – Courante – Sarabande – Menuett I/ II (bzw. Gavotte I/II) – Gigue.

Doch hinter dieser „Uniform“ verbirgt sich ein so großer Kosmos musikalischer Gestalten, Rhythmen, melodischer Figuren und harmonischer Offenbarungen, dass es sinnlos ist, darüber zu schreiben: Man muss ihn hören.

Wichtig ist zu begreifen, welche Rolle Bach in der UdSSR spielte, in einem Land, in dem die Heilige Schrift jahrzehntelang verboten war, wo jedoch die Kommunisten nicht als Barbaren und Obskuranten gelten wollten und deshalb nicht wagten, auch die Musik Bachs zu verbieten.
So wurde diese – volens nolens – zu einem Eckstein im Fundament der musikalischen Ausbildung. Auf diese Weise wurde die Musik Bachs für viele Menschen zu einer Art „klingender Evangelium“ (was sie ja im Grunde auch ist).

Das Konzert wird umrahmt von einem Stück von Valentin Silvestrov – „28. Juli 1750 … in memoriam J.S.B.“, was etwas mehr ist als nur ein Gelegenheitswerk (noch zwei weitere Werke Silvestrovs sind Bach gewidmet: „21. März 1685… zum Geburtstag von J. S. B.“ für 2 Violoncelli, 2004, und „Widmung an J. S. B.“ für Violine und Klavier, 2009).
Da der 28. Juli 1750 das Todesdatum Bachs ist, ist diese Meditation über Leben und Tod in seiner schlichten Ernsthaftigkeit natürlicherweise mit einigen Momenten der Suite Nr. 2 verknüpft.
Das zweite Werk von Silvestrov – „Walzer der Alpenglöckchen“ – ist ein zartes, frisches, von Licht und Luft durchdrungenes Stück, das ausschließlich auf den kristallinen Klängen von Naturflageoletts und leeren Saiten aufgebaut ist.