Basura and TV

Todd and the Book of Pure Evil

2012-05-21T20:14:00.000+02:00

En ocasiones ciertas series transcienden de su propia condición y empiezan a considerarse como productos "de culto". Es verdad, además, que las circunstancias para que esto ocurra suelen ser diversas pero también es cierto que suelen existir unos ciertos factores comunes que, unidos, le conceden a la serie en cuestión la famosa etiqueta. Y en el caso que nos ocupa hoy, esta Todd & the Book of Pure Evil reúne muchos de esos factores y circunstancias de lo que les hablo y que, para no dejarles con la miel en los labios, paso ahora mismo a desglosarles.

Para empezar se podría decir que TBPE es un producto exótico, o todo lo exótico que podamos considerar a la lejana y fría Canadá. En un mercado, el de la ficción televisiva internacional, en el que todas las miradas y ojos apuntan siempre a Reino Unido y Estados Unidos es valioso que esta pequeña producción del canal Space Channel [1] haya conseguido un reconocimiento internacional bastante importante fuera de sus fronteras. Además juega claramente con unos referentes reconocibles que la definen. Su argumento, adolescentes luchando contra las fuerzas del mal a la vez que con sus hormonas, nos transporta inmediatamente al recuerdo de Buffy, the Vampire Slayer (Joss Whedon 1997-2003), mientras que su estilo y humor recuerda al terror del Sam Raimi más gamberro y sus diálogos a un primigenio Kevin Smith [2]. Tres nombres a los que se la unen que a estas alturas no necesitan presentación y que la refuerzan, más aún, como serie a seguir. Pero no queda aquí la cosa, no. Su gusto por los litros de de sangre falsa, las muertes ridículas y los monstruos de gomaespuma, todo ello debido a su condición de serie pequeña con mínimo presupuesto, la otorgan un aire kitsch a esta historia de un satánico libro que aprovecha las debilidades y deseos de los estudiantes para traer la destrucción y la muerte al instituto.

Y como punto final, como tantas otras detrás de ella, el recorrido de la serie ha sido fugaz. Dos temporadas y veintiséis episodios que, a pesar de contar con una estructura más procedimental que serializada, saben a poco pero que han dejado mucho. Entre ello dos episodios musicales, siendo el segundo de ellos, del que podréis disfrutar todas sus canciones en esta lista de YouTube, una mezcla de épica, bajona y hevy metal que desde el mismo momento de su existencia debería coronar toda lista de episodios musicales de la historia de la televisión.

[1] Canal especializado en ciencia ficción, terror y fantasía más enfocado como reponedor de todo tipo de series ajenas que en la producción propia.

[2] Y es que no es casualidad la participación en la serie de Jason Mewes, el inseparable compañero de Smith desde sus comienzos.

La burbuja Abrams

2012-05-15T01:50:00.001+02:00

La NBC, esa cadena que anda por la vida como pollo sin cabeza, ha anunciado sus renovaciones y cancelaciones de este año y, además, ha presentado los nuevos proyectos para la próxima temporada. Y de entre todos estos proyectos el que más eco está generando es Revolution, drama post-apocalíptico creado por Eric Kripke (creador de Supernatural y showrunner de la misma durante cinco temporadas) cuyo primer episodio estará dirigido por Jon Favreau y que está producida, entre otros, por J.J. Abrams. Y, como cualquier otro producto al que el neoyorquino pone su nombre, la conversación en torno a Revolution ya ha sido fagotizada por el eterno debate de las capacidades de Abrams y su hiperactividad como artista. Así que este es un buen momento como otro cualquiera para hacer un repaso específico a la carrera de J.J. en televisión e intentar dejar claro su peso e influencia dentro de las series con las que se le identifica.

Como creador o co-creador Abrams tiene en su haber cinco series. En orden cronológico estas son Felicity (junto a Matt Reeves), Alias, Lost (junto a Damon Lindelof y Jeffrey Lieber), Fringe (junto a Alex Kurtzman y Roberto Orci) y Undercovers (junto a Josh Reims). De estas cinco series Abrams solo fue show runner de las dos primeras siendo Felicity, además, la serie en la que más guiones ha firmado. Así que se puede decir que en el mundo de la televisión los únicos proyectos que son, en un gran porcentaje, responsabilidad capital de J.J. Abrams son Felicity y Alias. En el resto de los otros tres proyectos la participación del Rey Midas de la pequeña pantalla se reduce a su labor como productor de la serie y director y escritor de cuatro episodios de Lost (incluyendo el piloto doble), escritor de seis episodios de Fringe y director del piloto de Undercovers, junto a la escritura de este y otros dos episodio más.

Es por ello que tanto del éxito de Lost y Fringe como del fracaso de Undercovers J.J. Abrams no tiene mucha responsabilidad. Lost es la serie de Lindelof desde el tercer episodio (y más tarde, también, de Carlton Cuse) y parte de lo mismo ocurre con Orci, Kurtzman primero, y J.H. Wyman y Jeff Pinkner después, en Fringe. Y en el caso contrario, el del fracaso de Undercovers, es de justicia apuntar que el peso de la cancelación cae mínimamente en sus hombros.

Ya lejos de la creación y escritura J.J. ha ido acercando su nombre, y dinero, a varias series más como productor o productor ejecutivo. De un tiempo a esta parte, What About Brian, Six Degrees y, sobre todo, Person of Interest y Alcatraz. Series que, sobre todo las dos últimas por ser posteriores a Lost, se beneficiaron de ver su nombre al lado del de Abrams aunque la influencia de este en ellas fuera casi anecdótica. Aunque eso sí, para terminar y poniéndonos completistas, hay que destacar la labor del hombre-para-todo como músico porque suyos son los créditos iniciales de Felicity, Alias, Lost, Fringe y Alcatraz.

Los tops de Basura and TV: Cinco locuelos Tumblrs sobre series (II)

2012-04-28T14:03:00.004+02:00

Otro fin de semana más, y aprovechando que es puente, les traemos una recopilación de Tumblrs sobre series de televisión para que podáis vaguear y perder el tiempo como se merece. Así que a partir de ahora sigan leyendo bajo su responsabilidad, ya que no nos hacemos responsables de que se olviden de comer y mueran de inanición. Avisados quedan.

Hipster Game of Thrones/Style of Westeros:

Juego de Tronos es la serie de moda, es indudable, y los Tumblrs temáticos sobre ella no paran de aflorar. Hipster Game of Thrones traslada el meme Hipster al universo y personajes creados por Martin mientras que Style of Westeros, propone que tipo de ropa actual vestirían las mujeres (y John Snow) de la serie.

What Would Cordelia Wear?:

Más de series y moda. Este What Would Cordelia Wear? repasa el estilismo de Cordelia Chase, el personaje interpretado por Charisma Carpenter en Buffy y Angel, y da todas las pistas para poder vestir como ella. Ideal para la chica moderna que piensa que la moda de los noventa debería volver.

Breaking Bad Comics:

Tiras cómicas de Breaking Bad hechas en Paint. Nada más. Hilarantes todas ellas.

The Same Picture of Dave Coulier:

Un Tumblr que da lo que promete en su título. Cada día la misma foto de Dave Coulier, el insoportable Tío Joey de Padres Forzosos. ¡Corta-el-rollo!

Adventure Time Art:

Y para terminar un Tumblr serio y útil de verdad. En Adventure Time Art, Tumblr oficial de la serie, podéis encontrar bocetos, merchandasing y fan art relacionados con Adventure Time. Una autentica pasada que podéis disfrutar a la vez que Pancake, Pancake, Pancake, el Tumblr personal de Natasha Allegri, animadora de la serie.

[+] Cinco locuelos Tumblrs sobre series (I).

The Thick of Veep

2012-04-25T11:24:00.000+02:00

Cuando se anunció que Armando Iannucci estaba preparando una comedia política para HBO indudablemente todas las sospechas indicaban la posibilidad de que exportara el formato de uno de sus más laureados trabajos, The Thick of It [1], hacia tierras y gustos americanos. Con el estreno de Veep tales sospechas se han confirmado ya que la nueva serie protagonizada por Julia Dey Dreifuss es, en efecto, un remake enmascarado de la serie inglesa que este año estrenará su cuarta temporada [2].

Es por ello que en el fondo esta Veep no se diferencia mucho en intenciones y estructura a su hermanastra británica. Como ya decíamos al hablar de The Thick of It, Veep satiriza la clase política y la muestra tal como el observador neutral la supone, llena de víboras, trepas, lameculos y desinteresados que están más preocupados en deshacerse de sus problemas que en solucionar los de los votantes. Una política ficticia de pasillo que se antoja muy real y se aleja del entusiasmo y utopismo político de su referente más claro, The West Wing. Y es que las dos series de Iannucci son la respuesta airada a la ficción de Sorkin. Donde en una había buenos e inteligentes personajes, casi sin fisuras morales y entregados siempre a la más buenas de las causas en la otra hay seres imperfectos, egoístas y manipuladores. En definitiva, si The West Wing ofrecía una visión de la política deseable podríamos decir que The Thick of It/Veep muestran una visión de la política esperable.

Así pues, particularmente, Veep se centra en el día día de la oficina de la vicepresidenta de los Estados Unidos (Julia Dey Dreifuss), una política de la que desconocemos su afiliación [3] a las ordenes de un presidente invisible. Porque Iannucci no está tan interesado en apuntar hacia las ideologías partidistas si no hacia las miserias de las personas que pueblan los despachos, cosa rara de ver a la hora de la sátira política que muchas veces acaba cayendo en la ridiculización o exaltación de unos u otros valores partidistas. Pero si Veep hace alguna agua es siempre en la inevitable, aunque innecesaria, comparación con el anterior trabajo de su creador. Y es que por mucha HBO que se trate, la retranca inglesa no es accesible para el espectador americano y eso se nota en el tono de la serie, más centrado en incomodar buscando la vergüenza ajena que en hacerlo de forma frontal y sin reparos. Y es que como su propio creador comentaba al respecto, es imposible que a un personaje como Malcolm Tucker le dejaran rondar por los pasillos de la Casa Blanca.

Y eso, eso sí que es una pena.

[1] Porque Iannucci, además, es uno de los responsables, junto a Steven Coogan, de otra dupla de oro de la comedia británica, Knowing Me, Knowing You with Alan Partridge y su spinoff I'm Alan Partridge.

[2] Para los impacientes o, peor aún, despistados que no sepan nada de The Thick of It, esta lista de reporducción de YouTube con la serie al completo.

[3] Si bien en ningún momento se especifica, si se puede suponer que se trata de una administración demócrata por el hecho de que pongan tanto empeño en mantener un plan para políticas medioambientales.

Inside Men

2012-04-02T19:42:00.001+02:00

En este blog jamás nos cansaremos de recomendar prestarle más atención a la televisión británica. No solo porque, como dice Alex, suelen estrenar una media de 3 series de notable calidad por año, sino también porque el ejercicio de descubrir dichas joyas antes de que todo el mundo hable de ellas es, por lo menos para mi, tremendamente satisfactorio.

Inside Men, escrita por Tony Basgallop, es una miniserie de 4 episodios de la BBC centrada en el robo a una empresa encargada de contar y almacenar grandes sumas de dinero en efectivo. En los primeros minutos se nos muestra como un grupo de ladrones entra y sortea todos los elementos de seguridad con una facilidad fruto de una cuidadosa planificación, lo cual establece desde el principio (y como indica el título) una clara ayuda desde dentro. A partir de aquí, con una planificación minuciosa y un manejo de los tiempos magistral, la serie narra los motivos y las consecuencias del robo a través de 3 empleados de la empresa.

La calidad de producción, dirección e interpretaciones es la estandar de la BBC, es decir, de altísima calidad. Pero cabe destacar por encima de los demas el trabajo de Steven Mackintosh (si eres una persona de bien lo recordarás de la 1ra temporada de Luther), que en tan solo 4 horas es capaz de dejarte con la boca abierta ante la evolución de su personaje, el jefe de seguridad de la empresa. No quiero desvelar demasiado, pero para rematar la recomendación voy a decir, sin miedo a exagerar y como admirador absoluto de la serie de Vince Gilligan, que Inside Men es Breaking Bad condensada a la inglesa, una película de 4 horas trepidante sobre las causas y los efectos de la corrupción en el ser humano. Imperdible.

Un tipo normal

2012-03-19T17:15:00.000+01:00

Cuando hace un año escribí por primera vez sobre Bob's Burgers después de ver sus primeros episodios ya apuntaba que lo más remarcable de la serie era como parecía no pretender posicionarse como otra serie de animación clónica que siguiera las pautas de las reinas de la cadena FOX -The Simpsons y las series de la factoria MacFarlane-. Por aquel entonces mi argumento era que, al contrario que estas, Bob's Burgers apostaba por explotar un humor más de andar por casa, más basado en el enredo y los diálogos que en la parodia o la referencia pop de consumo rápido. Y con el paso de los episodios, además, se fue limando la que es posiblemente otro de los puntos fuertes que posee la serie y que la sigue diferenciando de sus "competidoras", el personaje de Bob.

Bob, al contrario de la tónica general en cuanto a padres de familias disfuncionales en lo que series de animación actuales se trata, es una persona normal. Es la antítesis de un Homer Simpson, un Peter Griffin o un Stan Smith, personajes paródicos, casi payasos. Bob, como decía, es un hombre normal al que todo le sale mal. Es un buen cocinero, pero un pésimo administrador. Intenta ser un buen padre y marido, pero su familia es de todo menos equilibrada. Es la representación del hombre de a pie que se ve constantemente abrumado por las circunstancias, lo que convierte su aparentemente tranquila vida en un constante caos.

Un caos que es es la principal fuente de humor de la serie y que tan bien representa el hasta ahora último episodio de la serie, Bob Day Afternoon (2.2), en el que el intento de Bob por conseguir otro préstamo para mantener su negocio es el punto de partida para comenzar a relatar un alocado y frustrado robo a un banco. De la cotidianidad al enredo, eso es lo que mejor hace Bob´s Burgers. Y puede que parte del acierto a la hora de relatar este caos sean esos diálogos que se entrecruzan entre sí, que alborotan las discusiones y que se consiguen gracias a que la serie, a contrario que muchas otras de animación, se dobla con todos sus actores en la sala y no con cada uno de ellos haciendo su parte por separado [1].

Desde luego que, en definitiva, si la serie continúa por este camino y explotando estas virtudes puede convertirse, para el que escribe ya lo ha hecho, en una indispensable dentro del olimpo de la comedia animada de los próximos años. Humor cotidiano para un público amplio, eso es Bob's Burgers.

[1] La serie es, desde luego, bastante poco ortodoxa en lo que se refiera a su trabajo de doblaje. A parte de la circunstancia de contar con todos los actores haciendo su trabajo a la vez, se dan otras que también son la mar de curiosas. Bob, por ejemplo, está doblado por H. Jon Benjamin, que a la vez es la voz de Archer, y la mayoría de mujeres de la serie son interpretadas por hombres a excepción de la pequeña Louise a la que le presta su voz, y su talento, la hilarante Kristen Schaal. Por no olvidar la participación de las hermanas Silverman, Sarah y Laura, como los gemelos Andie y Ollie.

Volviendo a ver: Buffy the Vampire Slayer (II)

2012-03-12T19:56:00.001+01:00

Decíamos en la entrega anterior de este repaso a Buffy The Vampire Slayer que la serie en su primera temporada, como si de un prólogo se tratara, estaba más centrada en dejar bien claro cuales eran sus referentes y como iba a tratarlos antes que desarrollarlos demasiado pronto, posiblemente por la duración que iba a tener como repuesto de última hora de la mid-season de la cadena, The WB . Pues bien, todo esto se confirma cuando desde el inicio comienza a recoger todos los frutos plantados en los trece episodios anteriores y a recorrer el camino hacia la explotación de estos, sin importar en muchos casos la gravedad o consecuencias que acarreen.

Se acerca el final del verano de Sunnydale y la Cazadora de vampiros aún no ha vuelto de sus vacaciones. En este contexto, en la primera escena de esta temporada [1] vemos como la no influencia de Buffy entre los que la rodean hace que Xander y Willow estén más unidos que nunca dejando entrever que, sin la aparición de la heroína en sus vidas, las cosas entre ellos podrían haber sido muy diferentes. En una sola escena introductoria ya se nos pone en aviso de que la nueva intención de la serie es ahondar en las relaciones entre el resto de personajes y la influencia que Buffy, directa e indirectamente, ejerce sobre ellos. Pero eso no quita que, por otra parte, BTVS siga con su labor de exploración del comportamiento adolescente y las analogías de este con los elementos definitorios del genero del terror y que, posiblement,e lo haga con mayor acierto, puesto que el trabajo anterior y la experiencia de los guionistas de la serie consigue que todas esas metáforas y literalidad a la hora de aplicarlas sean introducidas cada vez más con mayor naturalidad y menos brusquedad.

Así pues, a lo que eso se refiere, la serie continúa con su labor de desmitificación de los tópicos del genero teen. El breve desorden de personalidad de Buffy tras la experiencia traumática de morir durante unos segundos en su lucha contra El Maestro (2.1), estudiantes de intercambio que resultan ser atractivas momias (2.4), universitarios que cortejan adolescentes... para ofrecerlas en sacrificio (2.5) o las reservas ante la sustitución de la figura paterna que resultan ser ciertas cuando descubres que un robot asesino está intentando seducir a tu madre (2.11) son solo unos de los muchos ejemplos con los que BTVS continúa con esta labor de relatar las fases de la adolescencia y la maduración de la persona, seña de identidad de la serie, que posiblemente alcanza su plenitud en esta temporada en dos episodios concretos. El primero Halloween (2.6), que no solo retrata la posibilidad de que los anhelos personales se conviertan en realidad, aunque sea por culpa de un hechizo, si no que se trata de la primera incursión al pasado rebelde de Giles como joven oscurantista y la aparición del personaje de Ethan, capital para entender la personalidad del vigilante y el porque de muchos de sus actos. Y el segundo, Bewitched, Bothered and Bewildered (2.16) que trae de vuelta a Amy y comienza la tradición de explorar el mundo de la magia y sus consecuencias con este especial de San Valentín en los que el deseo de ser querido y popular llevará a Xander a ser perseguido por todas y cada una de las mujeres de Sunnydale, estén vivas o muertas.

Y antes de pasar a comentar el gran arco principal de la temporada, hay que hacer hincapié en el interés que la serie comienza a tener en perfilar y evolucionar a los personajes que no son Buffy. Y es que es a partir de esta segunda temporada cuando se puede empezar a decir que la coralidad de BTVS empieza a ser una realidad. A la vez que la inseguridad de Xander ante la vida y las mujeres va desapareciendo gracias a su relación con Cordelia - y los eventos ocurridos en el episodio de Haloween, que consiguen que Xander posea conocimientos amplios de formación militar, lo que le convierte en un experto luchador cuerpo a cuerpo -, Willow comienza a dejar atrás su cascarón para, poco a poco, ir asumiendo un rol mucho más importante dentro del liderazgo del grupo, gracias también a la confianza que le ofrece comenzar a salir con Oz, el hombre lobo por accidente, y sus primeros escarceos con el mundo de la magia. Por otra parte, no solo empezamos a conocer el oscuro pasado de Giles como Reaper, si no que su posición como mentor del grupo se afianza a la vez que lo hace su relación con Jenny Calendar.

Como se habrán dado cuenta, las relaciones amorosas de los personajes son capitales para la evolución de estos, y eso no cambia en comparación con la pareja principal, Buffy y Angel. En la que puede ser la mayor y principal metáfora de esta temporada, la casi ilegal relación sexual entre Angel y Buffy, un acto de amor absoluto pero inmoral según muchos estándares [2], es la responsable de remover de nuevo el alma del vampiro maldito. Así pues, el precio a pagar por esos minutos de felicidad plena es, por una parte, el fin de la relación entre ambos y el comienzo de un reinado de terror por parte de Angel/Angelius que no podrá disfrutar de momento de redención ninguno. Solo su muerte, y la aceptación del sacrificio que Buffy tiene que hacer, podrá evitar que la Tierra sea engullida por la dimensión demoníaca. Posiblemente sean estos episodios en los que se trata a profundidad primero la relación platónica de Buffy y Angel y después la rivalidad que, desgraciadamente, va a llevar a que ambos luchen para matar al otro, en los que seamos testigos de las cotas más altas de calidad de la temporada.

Y entre medias de todo se encuentra la llegada de una nueva Cazadora y dos vampiros a la ciudad, Spike y Drusilla. Ambos antiguos pupilos y compañeros de matanza de Angel [3], su llegada ejemplifica una vez más lo que ya hemos comentado con anterioridad. La ruptura de lo clásico a favor de lo moderno. La amenaza vampira anterior, representada por la tradición, ritualidad y jerarquía desaparece a favor de este par de excéntricos monstruos que además de servir en muchas ocasiones para desarrollar el humor más tenebroso de la serie, siempre están movidos por una relación de vicioso, dependiente y estrafalario amor, en oposición al resto de relaciones de la serie. Y aunque en un principio iban a tener una importancia mucho menor, episodio a episodio acabaron ganando el cariño y reconocimiento de la audiencia convirtiéndose, sobre todo Spike, en piezas fundamentales y recurrentes dentro del Buffyverso. Por su parte la aparición de Kendra como susituta de Buffy - al estar muerta durante unos segundos mientras luchaba con El Maestro -, funciona como contraste. Kendra, como Cazadora, es eficiente, centrada, trabajadora y sin vínculos familiares o amistosos que la debiliten pero con una obediencia ciega a la autoridad, que es la principal razón por la que cae fácilmente ante los poderes hipnotizadores de Drusilla, lo que le lleva a la muerte.

En definitiva, esta segunda temporada se atreve a adentrarse dentro de la mayoría de los temas que la primera temporada no pudo meterse. Las relaciones entre los personajes se definen completamente aunque, como veremos el próximo día, no pararán de evolucionar. Como último apunte, y pie para el comienzo de la tercera temporada, es necesario hablar de la revelación de Buffy como La Cazadora a los ojos de su madre y lo que significa para ella como heroína. En un acto de incomprensión maternal total, al igual que unos padres podrían actuar ante la salida del armario de su hijo, Joyce Summers es incapaz de asumir la identidad de su hija, identificándolo más como un problema que como una cualidad inherente a su personalidad, lo que unido al sacrificio al que Buffy se somete al matar a Angel hace que ésta huya de casa y de sus responsabilidades como la elegida, dando la espalda a su destino. Pero eso, me temo, es ya cosa de la tercera temporada. Hasta la semana que viene.

[1] Situada en un cementerio, tradición que se mantendrá durante todos los comienzos de temporada de la serie.

[2] No se olviden que Buffy, además de ser menor de edad, tiene relaciones sexuales con un hombre que es mayor que ella. Doscientos años mayor para ser exactos.

[3] Drusilla es convertida y llevada a la locura por Angel, mientras que ella será la responsable de convertir a Spike en vampiro.

The Bleak Old Shop of Stuff

2012-03-07T13:45:00.001+01:00

Estando como estamos en pleno bicentenario del nacimiento de Charles Dickens, las celebraciones, homenajes y revisiones a la obra del escritor inglés se multiplican. La BBC, quien si no y mejor, ya estrenó a finales del año pasado su nueva versión de Grandes Esperanzas y en este contexto llegó también en los últimos días de 2011 esta The Bleak Old Shop of Stuff. Pero empecemos primero con los precedentes. Como muchas otra comedias que vienen de la isla [1], el embrión de TBOSS procede de un programa radiofónico previo. Bleak Expectations [2] es una serie de BBC Radio 4 escrita por Mark Evans y producida por Gareth Edwars, un pastiche de las obras de Dickens en clave de humor y que ha encontrado su continuación en esta serie de cuatro episodios.

En The Bleak Old Shop of Stuff, pues, se parodia todo lo parodiable del universo dickensiano. Los personajes, situaciones, arquetipos y lugares comunes de sus novelas se aglutinan en esta comedia absurda que, lejos de ridiculizar sus referentes, no tiene otra intención si no la de celebrarlos y agruparlos con los brazos abiertos. Tal es el compromiso de la serie con el despiporre y el homenaje que su primer episodio es, directamente, un especial de Navidad. Y no solo porque la Navidad sea uno de los lugares comunes dentro de la ficción de Dickens, claro, si no que estos especiales son dentro de la ficción televisiva del Reino Unido toda una tradición entre las series más veteranas y de éxito.

Un primer episodio éste que por su condición de especial se alarga hasta la hora de duración y cuenta con un reparto ampliado para la ocasión encabezado por Stephen Fry interpretando a Malifax Skulkingworm, una versión más cruel y maquinadora, si cabe, del abogado Tulkinghorn de Bleak House. Pero el núcleo de la serie en general se encuentra en la familia protagonista, epicentro donde se cruzan todas las historias y desavenencias, los Secrest - Past [3]. Como se habrán dado cuenta, ni la famosa composición de Dickens a la hora de elaborar los nombres de sus personajes según sus circunstancias queda libre de ser parodiada y explotada.

En definitiva, la serie basa mucho su humor en la complicidad del espectador y su conocimiento previo de las obras que parodia. Un arma de doble filo que es a la vez su mejor y peor presentación. Aunque muchos de los lugares comunes de Dickens son culturalmente universales y se han repetido, trasladado y homenajeado miles de veces en miles de productos dispares bien es cierto que la falta de un conocimiento previo de estos puede echar para atrás al más neófito. Pero aún así, se encontrará con una buena cantidad de gags y diálogos no tan centrados en el homenaje y la parodia que hacen que, siendo o no un conocedor de Charles Dickens y su obra, The Bleak Old Shop of Stuff sea una comedia digna de ver.

[1] Si no recuerden el caso de The League of Gentlemen del que hablamos no hace mucho.

[2] Ambos títulos son una mezcla de varias obras de Dickens tales como Bleak House, The Old Curiosity Shop o Great Expectations.

[3] Jedrington, Conceptiva (interpretada por Katherine Parkinson, la Jen de The I.T. Crowd) y sus hijos Victor y Victoria.

[+] Bleak Expectations completa para escuchar en YouTube.

Volviendo a ver: Buffy the Vampire Slayer (I)

2012-03-05T00:27:00.000+01:00

Cinco minutos es lo que tarda Buffy the Vampire Slayer (a partir de ahora BTVS para abreviar) en dejar claro que serie es, cuales son sus referentes y como va a explotarlos, o como al menos lo va hacer durante su primera temporada. Para empezar, durante este período de tiempo podemos ver el famoso prólogo que abriría cada episodio hasta la segunda temporada, que resume y recuerda la premisa inicial de la serie:

In every generation there is a chosen one. She alone will stand against the vampires the demons and the forces of darkness. She is the slayer.

Tras estos escasos segundos de orientación para el espectador viene la primera escena pre-créditos de la serie. Escena en la que aún no conoceremos a ninguno de los personajes protagonistas pero que sin embargo ya expone las bases de la serie en sus comienzos, el instituto y las vivencias que lo rodean como elemento aglutinador para subvertir el género del terror y los roles tradicionales en él. En esta primera escena somos testigos de como un par de adolescentes se cuelan en el instituto por la noche en busca de diversión. Él es un chico confiado de sí mismo que se muestra valiente para impresionar a ella, que se muestra indecisa y aterrorizada. Nada que no se haya visto un millón de veces. Pero en el momento de presentar la amenaza, el monstruo que nuestro conocimiento adquirido nos dice que va hacer aparición, vemos como la chica en apuros se convierte en vampiro y ataca al indefenso chaval. Desde el primer minuto se nos muestra el espíritu de ruptura con los elementos clásicos de las ficciones que la sirven de referente y que queda de nuevo expuesto en el momento en que aparece, por primera vez, los créditos de la serie:

Un órgano suena y un hombre lobo aúlla mientras que una luna llena, un crucifijo y un libro antiguo aparecen en pantalla. Un montaje que nos remonta a un terror más clásico formado por las únicas imágenes que aparecerán inamovibles en todas las variaciones que sufrirá la secuencia de créditos [1] durante las siete temporadas de la serie. Pero esta estética con reminiscencias góticas se ve bruscamente interrumpida por una melodía rock, juvenil, y la sucesión frenética de diferentes clips de vídeo que mezclan imágenes de los protagonistas entre situaciones cotidianas y su lucha contra los diferentes monstruos de la serie. Una muestra más del espíritu de ruptura, revolución y puesta al día del género.

Es pues esta dicotomía entre el terror y el drama adolescente la base de la primera etapa de la serie. Aunque desde luego muchos de los elementos que más tarde se desarrollarían ya están latentes o empezándose a dibujar, lo cierto es que en los primeros doce episodios la tónica es clara, y no es otra que hacer que la expresión "el instituto es el infierno" se convierta en realidad. Constituyéndose como un pastiche de mitologías y diversos géneros BTVS comienza retratando los miedos típicos de los adolescentes por medio de la metáfora y la literalidad. La necesidad de ser aceptado, cumplir las expectativas o encontrar el amor son los temas conductores para desarrollar paralelamente esas historias de terror, fantasía o ciencia ficción que son el centro de la serie.

Pero si hay un arco central en BTVS ese sería el del camino de la heroína. La figura de Buffy Summers como la cazadora, la elegida, y la lucha interna de ésta entre sus obligaciones y el deseo de una vida cotidiana. Una lucha que la va moldeando como una mujer fuerte, pilar principal del mundo que le rodea. No es de extrañar puesto que desde su concepción la serie huye de los tópicos más machistas presentando a las mujeres como los personajes claves y fuertes [2], relegando a los hombres a un papel no más secundario, pero sí más terrenal. Sobre el resto, se puede decir que los primeros pasos como heroína de Buffy son algo más canónicos. Se produce una ruptura de su mundo ordinario tras la llamada a la aventura con el posterior rechazo hasta la llegada de un maestro (Giles) que le servirá de guía a la vez de figura paterna (otro aspecto que seguirá desarrollándose durante toda la serie pero que ya es presentado y expuesto desde el principio).

En definitiva, estos primeros episodios poseen ya la esencia que más tarde explotaría pero se puede decir que ésta más preocupada en crear una mitología solida antes de empezar a desarrollarla. La evolución de los personajes, a parte de Buffy, está más dejado de lado a favor del desarrollo del concepto, algo de todas formas comprensible cuando atendemos al formato de la temporada, de doce episodios al tratarse de un refuerzo para la midseason de The WB. Así que desde una perspectiva general, se puede considerar esta primera tanda de episodios como un prólogo de la historia, una presentación general de personajes e intenciones que más adelante sería limada y perfeccionada.

[1] Créditos que aparte del normal baile de actores sufrirían dos variaciones específicas. La primera sería en la cuarta temporada de la serie, con el episodio Superstar (4.17), en el que el frenético montaje se vería alterado con la inclusión de escenas del personaje central del episodio, Jonathan. Dos temporadas después, se repetiría la anomalía en el episodio musical de la serie, Once More, With Feeling (6.07) en el que los créditos y la melodía serían totalmente remplazados a favor de unos creados para la ocasión y que recordaban a los de las comedias familiares de los cincuenta y sesenta.

[2] Circunstancia que se haría más perceptible con el pasar de los episodios y las temporadas sobre todo en la evolución del personaje de Willow.

Más allá de Doctor Who

2012-02-22T16:48:00.003+01:00

Con el estreno en 2005 de las nuevas temporadas de Doctor Who la serie y toda la parafernalia que la rodea vivió un renacimiento que no solo la devolvió la gloria de tiempos pasados si no que, con el éxito internacional, la aumento. Pero no todo fue de color de rosa para el mundo de Doctor Who, puesto que desde que la serie se cancelara en 1989 hasta su "regeneración" se vivieron dieciséis oscuros años [1] en los que mantener el recuerdo de la serie era de todo menos fácil.

Pero durante estos años, gracias al trabajo de unos cuantos fans incondicionales, la colaboración de pesos pesados del mundo de Doctor Who y la permisividad de la BBC para la explotación de sus derechos y patentes se produjeron una serie de spinoffs de la serie lanzados directamente a vídeo y que, en cierto modo, mantuvieron vivo el espíritu de la serie. Esta es su historia.

Los precedentes, Wartime:

Wartime, producida por Reeltime Pictures, es el primer spinoff de Doctor Who en realizarse. Con apenas treinta minutos de duración, la película se rodó en 1987, dos años antes de que la serie se parara, con el consentimiento de la BBC y el creador de U.N.I.T., Derrick Sherwin, con la única condición de que el personaje de El Doctor no fuera mencionado en ningún momento.

En ella se recupera el personaje de John Benton, interpretado por John Levene, el oficial de U.N.I.T. mano derecha del Brigadier que participó en Doctor Who entre 1968 y 1975. La historia cuenta como en una misión para U.N.I.T. Benton tiene que volver al lugar donde se crió, donde tendrá que enfrentarse a los fantasmas de su pasado. Un ejercicio de introspección que en 1997 fue revisado por sus creadores, añadiendo un audio cameo del Brigadier en persona, Nicholas Courtney.

[+] Wartime, integra en YouTube.

La BBV:

BBV (Bill and Ben Video), es una productora de vídeo y audio famosa por ser la compañía más prolífica a la hora de crear material apócrifo de Doctor Who. Con gente detrás de la cámara y a los guiones como
Nicholas Briggs (voz de los Daleks, entre otros), Mark Gatiss y con Peter Davison, Colin Baker, Jon Pertwee, Sylvester McCoy, Nicola Bryant o Caroline John entre otras muchas celebridades whovians repartiéndose los papeles principales. De toda la producción de la BBV tres son los proyectos a destacar, The Stranger, P.R.O.B.E. y The Airzone Solution.

The Stranger es, posiblemente, la serie de films que más se aproxima al estilo Doctor Who. Es una explotation de las aventuras del Sexto Doctor y su compañera Peri, con Colin Baker como un misterioso viajero en el tiempo y Nicola Briant como su asistente, la Señorita Brown. Un total de seis films se rodaron de las aventuras de The Stranger entre 1992 y 1995, todas ellas dirigidas por Bill Bags y escritas por Nicholas Briggs.

[+] The Stranger: Summoned by Shadows, More than a Messiah, In Memory Alone, The Terror Game, Breach of thr Peace y Eye of Beholder.

P.R.O.B.E. es un spinoff centrado en Elizabeth Shaw, primera compañera del Tercer Doctor interpretada por Caroline John. En este caso se trata de una serie de cuatro películas centradas en las investigaciones de Liz Shaw para Preternatural Research Bureau. Más centrado en lo paranormal, P.R.O.B.E. es un thriller muy influenciado por Expediente X escrito por Mark Gatiss con él mismo y su compañero de The League of Gentlemen, Reece Shearsmith, como personajes secundarios.

[+] P.R.O.B.E.: The Zero Imprerative, The Devil of Winterborne, Unnatural Selection y Ghosts of Winterborne.

Por su parte, The Airzone Solution es la única producción de BBV que no tiene relación argumental con Doctor Who, pero para su reparto se quiso contar con todos los actores vivos que habían interpretado al Doctor hasta entonces siendo Tom Baker el único que rehusó la oferta. Este thriller de ciencia ficción medioambiental sobre la contaminación y polución además contó con la participación del ahora famoso Alan Cumming y de Michael Wisher, el primer actor en ponerse en la piel de Davros.

[+] The Airzone Solution.

Reeltime Pictures:

Reeltime Pictures, que fueron los primeros en subirse al carro de los spinoff de Doctor Who con Wartime, siguieron la estela de BBV aunque no tan prolíficamente. Sin embargo sí que produjeron un puñado de películas a tener en cuenta, Downtime, Shakedown y la saga Mindgame.

Downtime es la continuación de las historias clásicas de Doctor Who protagonizadas por el Brigadier y el Yeti. Para ello Nicholas Courtney, Deborah Watling, Jack Watling y Elisabeth Sladen retomaron sus papeles como el Brigadier Lethbridge-Stewart, Victoria Waterfield, Professor Travers y Sarah Jane Smith, respectivamente. Toda la película rezuma nostalgia por el pasado además de mimetizar bastante bien el espíritu y formas de hacer de los seriales clásicos de la serie.

[+] Downtime.

Shakedown: Return of the Sontarans, anterior a Downtime, trae de vuelta a dos razas alienígenas del universo de Doctor Who, los Sontaran y sus archienemigos los Rutan. En esta historia que cuenta como los pasajeros de un barco tienen que resistir la invasión de estas dos razas contó con la participación de Carole Ann Ford (que interpretó a Susan, nieta y primera compañera del Doctor), Sophie Aldred (que curiosamente interpretó a ACE, última compañera de la serie por aquel entonces) y Michael Wisher.

[+] Shakedown: Return of the Sontarans.

Por último la saga Mindgame cuenta como un humano (Spohie Aldred de nuevo), un Sontaran (hay que aprovechar los trajes) y un Draconiano (otro de los monstruos clásicos de la serie) tienen que unir sus fuerzas y vencer sus prejuicios para poder escapar de la prisión en la que están recluidos.

[+] Mindgame y Mindgame Trilogy.

[1] Más oscuros si cabe si tenemos en cuenta que en ese tiempo se estrenó la TV Movie que pretendía revitalizar la franquicia y que casi consigue lo contrario.

Imprescindibles británicas: The League of Gentlemen

2012-02-19T22:58:00.000+01:00

The League of Gentlemen [1], antes que una serie de televisión, fue un programa radiofónico de BBC Radio 4 que debe su nombre al elegido por sus creadores y protagonistas para nombrarse como grupo cómico. Así pues, Jeremy Dyson, Mark Gatiss [2], Steve Pemberton y Reece Shearsmith llevan desde 1994 desarrollando una serie de rutinas cómicas que encontraron su cenit en la serie que nos ocupa a continuación, que contó con tres temporadas, un especial de Navidad y una película entre 1999 y 2005, y que entre otras muchas cosas de las que les hablaré a continuación significó la revitalización televisiva de los programas de sketches que años más tarde se pondría en boca de la mayoría gracias al éxito de Little Britain [3].

Así pues, The League of Gentlemen (a partir de ahora TLG para abreviar) no es una serie de sketches pura si no un híbrido entre este tipo de programas y las ficciones más comunes al basarse de una serie de situaciones y personajes regulares (la gran mayoría de ellos interpretados en su totalidad por Gatiss, Pemberton y Shearsmith) cada temporada [4]. Y si la serie ya se define como una anomalía según su formato más lo hace en la forma. TLG hace gala de un humor negro, negrísimo, de ese tan característico del que exportan los británicos, siempre influenciado estética y argumentalmente por los clásicos del terror. Una forma de hacer que más tarde el grupo refinaría y acentuaría con su siguiente proyecto para televisión, Psychoville.

En Psychoville, siendo breves, Pemberton y Shearsmith serializan los conceptos y el humor de TLG y crean una comedia a medio camino entre la sitcom y el thriller en el que el homenaje a los clásicos de terror se multiplican, al igual que la galería de personajes freaks. Y es en Psychoville donde, posiblemente, el grupo alcanza el tope de su creación con la realización del cuarto episodio de la primera temporada en la que, con Mark Gatiss de actor invitado, se consigue lo que parece un imposible. Un episodio de apenas treinta minutos grabados en un solo plano secuencia que con cuatro actores no solo homenajea a La Soga de Hitchcock si no a la forma de hacer del teatro cómico. Imprescindible.

Con el anuncio de que no habrá tercera temporada de Psychoville y con Mark Gatiss metido en mil y un proyectos no se deslumbran muchas novedades del grupo en un futuro próximo, lo que es una lástima porque, gustos a parte, el sello y maneras de este grupo es único e incopiable. Larga vida a la liga de los caballeros.

[1] El nombre del grupo es un homenaje a la película homónima de Basil Dearden.

[2] El omnipresente Mark Gatiss. Sin duda el más prolífico del grupo tanto en funciones de guionista como de actor tan de boca ahora por cumplir ambos trabajos muy satisfactoriamente en Sherlock.

[3] Fíjense hasta que punto está influida la serie de Walliams y Lucas por The League of Gentlemen que hasta comparten director, Steve Bendelack, y el propio Mark Gatiss figura como guionista editor de la misma.

[4] Hablando del formato. Durante las dos primeras temporadas, las risas que se escuchan durante la serie se enlataban en post-producción mientras que en el especial de Navidad y tercera temporada estas se eliminaron.

[+] Este artículo está incluido en la iniciativa #unaseriebritanciaporblog encargada de reivindicar la ficción británica de todos los tiempos. No duden en unirse con sus recomendaciones, y avisen para poder crear una lista que sirva de ayuda para todos los que quieran meterse en ellas.

Being Human

2012-02-15T18:20:00.000+01:00

Uno de los muchos inconvenientes con los que se encuentra el formato serializado es el tiempo, o más bien el paso de este. Es difícil plantear una historia a largo plazo cuando, contratos o infortunios a parte, no depende de uno mismo la durabilidad de un reparto fijo. Y en el caso que nos ocupa, el de Being Human, vemos como el comienzo de su cuarta temporada se ve afectada por la marcha definitiva en su primer episodio de uno de sus protagonistas, el cada vez más omnipresente Russell Tovey [1], que dice adiós a la serie tras la marcha la temporada anterior de dos de sus compañeros de reparto, Aidan Turner y Sinead Keenan. En tres temporadas Being Human ha perdido al setenta y cinco por ciento de su reparto protagonista original, un dato que parece más apabullador si tenemos en cuenta el formato corto que tienen las series británicas. En veintidós episodios, una temporada americana, Being Human se ha lavado la cara casi completamente. Pero por dentro, en el fondo, no ha cambiado apenas.

Las bases de la serie son claras desde el comienzo y, por muchas desavenencias que le echen encima, Toby Whithouse [2] parece mantenerse estoico ante ellas. En tiempos en el que el fantástico y el terror se volvió a poner de moda de aquella manera como quien dice con sagas como Crepúsculo o series como True Blood , Being Human no actualiza si no que reformula el género desde cero a la vez que se mueve entre la comedia más macabra y el drama más trágico haciendo uso de un presupuesto mínimo. Un presupuesto que condiciona su estilo y que junto a una escenografía feísta y un uso nada timorato de litros y litros de sangre artificial le da un aire de terror clásico que, desde luego, le alejan y diferencian de otras producciones.

Y aunque el reparto de la serie haya mutado casi en su totalidad, cuatro años después se puede seguir definiendo a Being Human con la misma frase con la que se definió en el momento de su estreno. "Un vampiro, un hombre lobo y un fantasma comparten casa y...". Y la siguen compartiendo y sigue siendo el centro de una serie que trata las relaciones humanas a través de las desavenencias de unos personajes nada humanos que, en muchas ocasiones, saben tan poco sobre su condición como el espectador. Así, además, la serie va construyendo una mitología desde su comienzo muy laxa y abierta que le permite dar giros y giros sobre sí misma. Pero siempre girando dentro de un eje fijo.

[1] A parte de en Being Human, en los últimos años hemos podido ver al bueno de Tovey en Sherlock, House, Doctor Who o protagonizando otra serie que ya tiene dos temporadas (y que desde aquí les recomendamos mucho) Him & Her.

[2] Apunten su nombre. Creador y guionista de la serie, así como de Torchwood y Doctor Who, es el mejor posicionado en la carrera para sustituir a Steven Moffat como productor ejecutivo de ésta. Suyos son los episodios School Reunion, The Vampires in Venice y The God Complex.

Ronda de Ilustraciones (Edición San Valentín)

2012-02-14T02:40:00.000+01:00

Para todos los whovians, que aman con dos corazones...

... para aquellos que un apocalipsis zombie es lo que menos le preocupa para mantener viva la chispa...

... e, incluso, para aquellos que pasen solos este día.

Y ya saben, para más pobres ilustraciones repletas de chistes de dudosa calidad, nuestro TUMBLR siempre on fire las veinticuatro horas al día, los siete días a la semana.

Luck

2012-02-10T09:00:00.000+01:00

Basta con ver el curriculum de su creador para tener claro que Luck, la nueva serie de HBO protagonizada por Dustin Hoffman, no va a ser de fácil digestión. Incluyendo los anteriores trabajos de David Milch, esa obra maestra llamada Deadwood y la bastante menos apreciada (por méritos propios) John From Cincinnati, se puede extraer como factor común una notable e intencional falta de consideración por la comprensión a corto plazo de sus espectadores. Si encima de ésto la historia se centra en un tema tan específico y poco popular como es el mundo de las carreras de caballos, te encuentras con una serie que difícilmente va a gustar al gran público. ¿Y a quién demonios le importa? HBO ya la renovó para una segunda temporada, David Milch duerme como un bebé y a mí me encanta.

Es cierto que el episodio piloto (escrito por Milch y dirigido con maestría por Michael Mann) es hermético y no se molesta demasiado en introducir personajes y explicar sucesos de forma directa, pero las críticas que fueron apareciendo por internet tachándola de incomprensible (y como consecuencia, aburrida o poco interesante) me parecen exageradas. Luck, como otras series de HBO, The Wire por ejemplo, es una serie planificada a largo plazo, pensada para ser entendida con el tiempo y en su conjunto, no por escenas o episodios en particular. Requiere paciencia, atención, reflexión al final de cada episodio e incluso un poco de documentación[1], pero desde luego no hace falta ser un genio para enterarse de lo que pasa. Centrada en el Hipódromo de Santa Anita, California, Luck muestra una visión realista y por capas del mundo de las apuestas y las carreras de caballos. Con una gran trama de crimen e intereses ecónomicos de fondo, la serie va introduciéndonos las funciones, el día a día y la interacción entre los distintos implicados: los jockeys, peones que pueden decidir determinadas jugadas; los entrenadores de caballos, los grandes estrategas; los propietarios, que por sus intereses tienden a ensuciar el deporte; y los handicappers (los que apuestan con conocimiento), que aparentan ser elementos externos pero en cualquier momento se pueden solapar con cualquiera de las otras tres clases. La esencia de Luck se encuentra en el subtítulo que se puede ver en el poster promocional: "Leave nothing to chance." Ese concepto es lo que hace a esta historia (potencialmente y por lo que ya deja ver) tan interesante, cómo un mundo que desde fuera parece estar controlado por el azar por detrás conlleva una compleja red de intereses, tradición, estrategia y, cómo no, miseria humana.

Por ambición por parte de sus responsables y confianza por parte de su cadena, Luck se ganó mi paciencia para escuchar todo lo que me tenga que contar. Una vez más, y pese a no siempre acertar con su jugada, HBO apuesta por ir en contra de la cultura del consumo rápido y a lo que mejor sabe hacer: reunir talento (añade Milch-Mann-Hoffman junto a Winter-Scorsese-Buscemi y Simon-Burns) e invertir dinero en contar grandes historias de la mejor forma posible.

¡Ah! Y que nadie me diga en los comentarios "es que a mi no me gustan las carreras de caballos" (leer con voz burlona) porque hace seis años a nadie le gustaba el football americano y mira como terminó Friday Night Lights.

[1] La página oficial de la serie ofrece muy buenos recursos para no perderse ni un detalle. Recomiendo leer las sinopsis de los episodios y las entrevistas a David Milch, en las que explica conceptos como por qué Jerry es un handicapper brillante o la mentalidad outsider de Turo Escalante. También en esta entrada de Vulture (y en los comentarios) se explican detalles importantes del piloto.

Y para terminar, un pequeño homenaje a El Diario de Mr. MacGuffin porque sí:

Musica de la semana: no suena en la serie, pero mi nuevo grupo favorito casualmente tiene una canción que viene a cuento: "Racehorse". WILD FLAG es un grupo de rock compuesto por 4 chicas y liderado por Carrie Brownstein (que ~~casi nadie~~ algunos conocerán como la mitad femenina de esa joyita que es Portlandia) del que Patti Smith estaría muy orgullosa de haber inspirado. No se pierdan su disco debut homónimo (pueden escucharlo en Spotify).

Ronda de ilustraciones

2012-02-07T02:20:00.000+01:00

In case of Daleks:

How I Met My Father (HIMMF / jimmf):

Hammer's Breaking Bad:

Los tops de Basura and TV: Cinco locuelos Tumblrs sobre series

2012-02-04T23:18:00.000+01:00

Tumblr es un servicio de microbloging que, básicamente, ~~no sirve para nada excepto procrastinar~~ sirve como contenedor de los más estúpidos memes copiados de 4chan, el más excesivo fandom inimaginable, gigas de capturas de pantalla y los más delirantes chistes que horas más tarde verán copiados en Twitter. Y tras esta descripción comprenderán que nos encanta y por ello vamos a recomendarle cinco de estás locuelas páginas que no debería seguir si lo que quieren es gastar su tiempo en algo provechoso.

Stupid Faces of Doctor Who:

Tal cual. Capturas de pantallas al azar de Doctor Who con el único propósito de hacer parecer estúpidos a sus retratados.

Wear Sherlock BBC:

¿Quieres vestirte como Sherlock o Watson? Fácil. Solo tienes que seguir estos dos sencillos pasos: primero, sigue este Tumblr que se dedica a listar toda la ropa y accesorios que aparecen en la serie y, segundo, gástate las miles de libras que cuesta cada prenda.

The Lamps of Downton Abbey:

Season two, episode two. I know that I already posted a picture of these lamps, but this is the first time we see Thomas not acting like a total asshole and these lamps bore witness to that.

El último descubrimiento de esta lista. Capturas de pantalla de todos los fotogramas de Downton Abbey en los que aparece alguna lampara siempre acompañadas de hilarantes comentarios sobre la serie. Ya les he avisado que se trataba de perder el tiempo.

Arrested Westeros:

Esta feo tener favoritos, pero esto es mi favorito. La temática es la siguiente, capturas de los momentos más importantes de Juego de Tronos subtitulados con diálogos de Arrested Development. La coincidencia de algunas escenas y situaciones es escalofriantemente divertida.

Dan Harmon Poops:

El Tumblr personal de Dan Harmon, creador de Community. Un montón de información y anécdotas de la serie y del propio Harmon. Mención especial a Sleepy Harmon, otro Tumblr que recopila fotos del bueno de Dan echándose unas merecidas siestas.

Hasta aquí todo. Y, oigan, si quieren seguir perdiendo el tiempo, también pueden echarle un ojo a nuestros Tumblrs, Basura and TV (mini-version), el de Mauro, Gallowspole, o el de nuestra página hermana Classic Doctor Who Files, Doctor Who Files.

This is England '88

2012-01-31T02:26:00.002+01:00

Con This is England '88 continúa el relato semi biográfico de Shane Meadows y su retrato de la clase obrera inglesa en tiempos del tatcherismo. Si This is England '86 supuso un giro y evolución respecto a la película original estos nuevos tres episodios emitidos en navidad se posicionan primero como cierre de los mayores conflictos de los cuatro anteriores y segundo como puente hacia el que se presupone el cierre de la saga y que nos transportará de nuevo a los West Midlands en el comienzo de la década de los noventa.

Y es que con la serialización se ha dado un paso adelante en objetivos y This is England '86 y '88 siguen ahondando en los cambios sociales de un país en transición en el que la moda skin, tema capital de la película, ya ha desaparecido y está solo presente en esos pequeños detalles imperecederos como los tatuajes de Woody, muestras de un pasado, de una infancia ya dejada atrás que ha dado paso a una madurez que conlleva nuevos problemas. Y es que, al final, este historia costumbrista, de toques dickensianos, nos transporta hasta una época concreta para contarnos la vida de un grupo de amigos, de una familia, que intentan sobrevivir como mejor pueden ante las circunstancias que les han tocado vivir.

Se acusa hasta nueva etapa televisiva de abandonar parte del realismo crudo en detrimento de un sensacionalismo o exhibicionismo de baratillo y, hasta cierto punto, es cierto. Pero es el peaje a pagar, un pago más caro o más barato según las sensibilidades de cada uno, por esa serialización que precisa de un acercamiento más especifico y duradero a las figuras de unos personajes que consiguen, en cambio, una mayor precisión en el dibujo de sus personalidades, motivaciones y miedos. Y en ello pivota esta última entrega, esta '88 que se centra de nuevo en la pareja Lol y Woody por un frente y en el joven Shaun [1] por el otro y que de por medio retrata el reflejo de unos tiempos duros pero esperanzadores con una puesta en escena que apuesta por un feísmo que no destapa ni la alta definición. Y es que en ese aspecto This is England '88 deja pocas dudas; como puesta en escena de la revisión nostálgica de la cultura, moda y ritmo de vida de la clase obrera de finales de los ochenta es modélica.

Dicho lo cual, hay que hacer una última parada en las interpretaciones de Joe Gilgun, ahora tan en boca por su participación en Misfits, y Vicky McClure, pilares de carga de la serie que aguantan perfectamente el peso de esta. El primero por la construcción de un Woody asolado por los recuerdos, melancólico y frustrado por su pasado reciente, capaz de pasar de la sonrisa al llanto en un abrir y cerrar de ojos y que tiene que elegir entre su antigua vida o una nueva que, aunque satisfactoria, no es la que quiere. Y la segunda por una Lol que vive a medio camino entre la culpa y el remordimiento que la arrastra hasta los infiernos. Pero, a su termino, This is England '88 propone un final más satisfactorio e ideal que el esperable tras los tortuosos caminos que nos han llevado hacia él. ¿Será la historia de Sean Meadows un cuento con final feliz a pesar de todo? El principio de los noventa nos lo dirá.

[1] El álter ego de Meadows, recuerden.

[+] Tres listas de Spotify con la música de la película y series. This is England, This is England '86 y This is England '88.

Suburgatory

2012-01-24T13:04:00.002+01:00

Parece haber un boom de sitcoms creadas por mujeres en los últimos meses. No hace ni dos semanas se estrenó en NBC Are you There, Chelsea? serie en la que Dottie Zicklin y Julie Ann Larson transportan a la pequeña pantalla el best seller Are You There, Vodka? It's Me, Chelsea de la cómica Chelsea Handler y desde el comienzo de esta temporada la misma NBC cuenta en pantalla con Whitney, creada y protagonizada por Whitney Cummings, la misma que junto a Michael Patrick King aparece en los créditos de otra de las nuevas de este año, 2 Broke Girls.

Déjenme que coja aire...

... porque la cosa no acaba ahí. En la Fox tienen New Girl, la serie hecha a medida para Zooey Deschanel y creada por Elizabeth Meriwether y la apuesta de comedia de la ABC es Suburgatory, salida de la mente de

Emily Kapnek, productora consultora [1] de Parks and Recreation, y en la que me gustaría pararme porque, de lejos, me parece la propuesta más interesante de todas las series nombradas.

El punto de partida de Suburgatory, como muchas otras comedias antes que ella, es simple. La inserción de un elemento exterior dentro de un contexto totalmente contrario. En el caso que nos ocupa un padre soltero se traslada desde la cosmopolita Nueva York hacia los clónicos suburbios para aislar a su hija adolescente de la mala influencia de la gran ciudad y proporcionarle un estilo de vida más comunitario y controlador. Así pues la primera gran baza de Suburgatory reside en esa mirada sucia y llena de mala leche que se hace al retrato estereotipado del suburbio americano, ese de casas con jardines idénticos, madres que lucen como sus hijas que conducen caros y grandes coches y en el que no hay espacio para lo diferente.

Y como además tenemos protagonista adolescente [2], todo este choque de culturas se traslada también al ambiente escolar siendo Suburgatory también, a la vez, la enésima mirada crítica a ese subgénero tan norteamericano como es la comedia de instituto. Pero que Suburgatory juegue con tantos elementos tan conocidos y utilizados no es sinónimo de hartazgo y mucho menos negativo de por sí porque, como una buena serie, a partir de estos elementos generales de partida va generando un mundo propio repleto de personajes secundarios y recurrentes [3] que constituyen el otro punto fuerte de Suburgatory, la recreación de un microcosmos específico, de una ciudad (suburbio, perdón), y no solo de unos cuantos personajes.

Suburgatory ya tiene asegurada una temporada completa y aunque no inventa nada ni está en la vanguardia de la comedia televisiva sabe perfectamente cuales son sus referentes y como explotarlos, cosa que en los tiempos que corren no es poco.

[1] ¿Y qué es una productora consultora? Pues suelen ser miembros no permanentes del equipo creativo de una serie que de vez en cuando ofrecen asistencia experta sobre temas específicos.

[2] Jane Levy, una versión reducida de Emma Stone.

[3] Y aquí hay que pararse en el matrimonio que forman Chris Parnell y Ana Gasteyer, dos tótems de la historia reciente de Saturday Night Live que roban la pantalla en cada aparición. Apariciones que van de menos a más con el paso de los episodios y que de seguir ese ritmo les convertirán en algo más que unos simples personajes secundarios.

El iPod de Jonathan Ames

2012-01-19T16:10:00.000+01:00

Ambientada en Brooklyn, epicentro de la cultura hipster de Nueva York (y de la gran mayoría de los espectadores de la serie por lo visto), es de esperarse que Bored to Death tenga una banda sonora por lo menos adecuada. Lamentablemente éste no es el caso, por que la música que suena durante las aventuras de Jonathan Ames no es que sea adecuada, sino que es excelente, un perfecto resumen de la esencia de la serie.

Por un lado tenemos las canciones que evocan la parte noir de la serie: grandes nombres del jazz como John Coltrane, dioses de la fusión como Tito Puente, colosos del soul como Isaac Hayes, melodías clásicas como “Dark Eyes” y artistas actuales con clarísima inspiración retro como The Bandana Splits o el disco swing de Sinnead O’Connor (Am I Not Your Girl?, 2003). Pero quizás el grupo más representativo de este sonido sean Big Lazy, un trio, cómo no, neoyorquino que toca un rock instrumental claramente inspirado en el cine noir y del que Quentin Tarantino seguro debe tener todos sus discos. Si crees que no identificas su sonido, piensa en las escenas de investigación de Jonathan y ahí lo tienes. Altamente recomendables.

La otra cara de la moneda es la gran cantidad y variedad de grupos underground que suenan a lo largo de las 3 temporadas, complementándose a la perfección con los sonidos más clásicos y haciendo las delicias de los fans de las camisas a cuadros y las gafas de pasta sin graduación. Jóvenes promesas indie como Lykke Li, grupos consolidados (y de Brooklyn) como TV On The Radio, rarezas de muy buen gusto como Dan Auerbach (cantante y guitarra de The Black Keys) en solitario o el supergrupo Monsters of Folk, veteranos de la escena como The Magntic Fields o Stephen Malkmus, el colectivo sueco I’m From Barcelona, los impronunciables !!!, el grupo fetiche de la serie Young Marble Giants... Todos juntos forman una moderna y equilibrada mezcla de sonidos pop, rock, eléctronica y todo lo que se te ocurra de por medio que para los que disfrutamos descubriendo grupos nuevos constantemente es una auténtica gozada.

No abundan las series con un estilo musical tan marcado y que represente tan bien su espíritu, que yo conozca solo Skins y Misfits están a este nivel (sus bandas sonoras están también entre nuestras listas de reproducción favoritas). Así que con esta playlist de Spotify hecha con mucho cariño (y que cada tanto sigo actualizando), les dejo un motivo más para echar de menos a Bored to Death.

[Spotify] Bored to Death Soundtrack + Extras

Ultimate Sherlock

2012-01-16T18:28:00.002+01:00

La revisión y puesta al día del más famoso personaje de Conan Doyle a cargo de Steven Moffat y Mark Gatiss [1] ha dado carpetazo a su segunda temporada con la reinterpretación de El Problema Final en The Reichenbach Fall. Y es que con el enfrentamiento final entre Sherlock y su némesis, James Moriarty, se cierra una temporada centrada en llevar al límite al personaje y en exponer sus más profundas convicciones a la vez que se han revisionado tres historias capitales del legado de Sherlock Holmes, la ya citada El Problema Final, Escándalo en Bohemia y El sabueso de los Baskerville.

Si durante la primera temporada se nos mostraba un Holmes con una sociopatía muy marcada y arraigada, en estos tres episodios hemos sido testigos del proceso, parcial, de humanización del personaje [2]. Así pues, en A Scandal in Belgravia, con la aparición de otro mito holmesiano como Irene Adler vemos como la marcada misoginia de Sherlock es capaz de romperse gracias a la empatía que es capaz de desarrollar hacía La Mujer hasta el punto de considerarla un igual. Por otro lado, en The Hounds of Baskerville, Moffat y Gattis apuntan a lo más básico de la existencia de Holmes, su capacidad de deducción y el miedo de este a no poder confiar en ella. Y como punto final, en The Reichenbach Fall, Moriarty destripa el alma del detective intentando despojarle de su identidad y credibilidad como genio y exponiendo su debilidad hacia sus seres cercanos. Corazón, cerebro y sentimientos.

Pero no solo se encuentra el acierto de la serie en esta autopsia del personaje, si no en la renovación de las historias y el mimo con el que Moffis [3] tratan al fan más conocedor [4]. En A Scandal in Belgravia se desprenden de la realeza centro europea para situar la historia en un contexto más local, sexual y poniendo la atención del escándalo en la figura de una princesa que curiosamente le acerca al primer episodio de la otra sensación que nos llega del Reino Unido, Black Mirror. Con The Hounds of Baskerville se pone al día la que posiblemente sea en tono y ambientación una de las historias más atípicas de Sherlock Holmes. Una historia más acercada al terror clásico que es reciclada para mostrar que el verdadero miedo actual sigue estando en lo desconocido, y que este reside en los límites a los que son capaces de llegar la ciencia y la tecnología. Y para finalizar, en The Reichenbach Fall las famosas cataratas pasan a ser una anécdota y la persecución de Moriarty consiste es destrozar la figura pública de Sherlock aprovechando la influencia de los medios y la opinión pública en la sociedad actual.

En definitiva, se podría decir que esta segunda temporada de la serie es una versión vitaminada de lo que fueron los tres primeros episodios. Con unas tramas más enrevesadas y con más curvas que Despeñaperros, unas infografías en pantalla que se multiplican, un Benedict Cumberbatch que es capaz de recitar diálogos a una velocidad endiablada y un Martin Freeman demostrando porque su BAFTA por interpretar al Doctor Watson es más que merecido, Shelock se despide hasta una ya confirmada tercera temporada que no podremos degustar, aparentemente, hasta 2013.

[1] Un Gatiss al que, a veces injustamente, se le relega a un segundo plano por detrás de la figura omnipresente de Moffat pero que tiene tanto mérito como el escocés en los aciertos de Sherlock. Y es que no olvidemos que además de crear y guionizar la serie junto a Moffat, construye e interpreta una excelente versión de Mycroft Holmes, un personaje que, muy acertadamente, consigue mucho más relevancia en está versión de la historia que en los relatos originales de Doyle.

[2] En la primera temporada no vemos a Sherlock apenas comer o beber, ni esforzarse en pedir disculpas o dar unas gracias (aunque no fueran sentidas). En la segunda temporada vemos todo eso y más, como a Sherlock dormir en la intimidad de su dormitorio, su complicidad con Watson... ¡hasta estar desnudo en el palacio real! Detalles que ponen en evidencia la influencia de Watson en la personalidad y actos de Holmes.

[3] Moffiss igual a Moffat más Gatiss.

[4] Los guiños son costantes. Desde alusiones a relatos menores de Holmes como The Geek Interpreter (The Greek Interpreter), a la aparición de iconos como el famoso sombrero del detective, el club Diogenes o el cameo de Douglas Wilmer, que ya interpretó a Sherlock en la adpatación de la BBC de 1965.

Los Tops de Basura and TV: Series que no has visto

2012-01-15T09:00:00.000+01:00

Porque en Basura and TV le tenemos cariño a los underdogs, he aquí el primer Top del año: una lista con las joyas ocultas del año 2011, diez series que probablemente no hayas visto, para todos los gustos y en orden alfabético. Si eres seguidor de más de la mitad de estas series significa que eres un verdadero fan de Basura and TV y deberías salir tomarte unas cervezas con nosotros. Me tomé la libertad de añadir imágenes representativas e información básica por si alguien quiere saber rápidamente a qué se enfrenta y cuánto le costaría ponerse al día. De nada.

Adventure Time: las aventuras de Jake el perro y Finn el humano son las actuales joyas de la corona de Cartoon Network, objeto de culto entre más adultos que niños. Con un apartado artístico colorido e infantil pero tremendamente carismático y unos guiones que desafían los límites de lo absurdo, hay que tener una piedra en lugar de corazón para no ver esta oda a la imaginación.

[Cartoon Network, Animación para adultos con mentalidad de niño, 3 temporadas completas, 81 episodios, renovada]

Archer: una serie de animación sobre una agencia de espionaje que se ganó por méritos propios ser un sólido miembro del bloque de comedias para adultos del canal Fx. Las misiones de los agentes de ISIS, con el hilarante y peterpanesco Archer a la cabeza, son cada vez más delirantes y políticamente incorrectas. Sin pelos en la lengua y con unos actores de doblaje excepcionales.

[FX, Animación para adultos, 2 temporadas completas, 26 episodios, regresa el Viernes 20 de Enero]

Fresh Meat: heredera natural de The Inbetweeners, la nueva serie del Channel 4 inglés retrata con claro conocimiento de causa, gran sentido del humor y un brillante grupo de jóvenes actores el día a día de seis estudiantes compartiendo una casa en su primer año en la universidad. Inevitable sentirse identificado si eras de los que preferían el bar a la biblioteca y entregaban los trabajos minutos antes de la fecha de límite.

[Channel 4, Comedia universitaria, 1 temporada completa, 8 episodios, renovada]

Men of a Certain Age: una de las cancelaciones menos merecidas de los últimos tiempos, contaba la historia de 3 amigos pasando por la crisis de los 50 con un perfecto equilibrio entre el drama y la comedia. Cálida, tierna, realista y con un protagonista inolvidable, Joe Tranelli es el mejor papel de la carrera de Ray Romano.

[TNT, Comedia familiar, 2 temporadas completas, cancelada]

Southland: no me cabe en la cabeza cómo puede ser que una serie policial del creador de E.R. tenga que luchar tanto con las audiencias. Hoy en día no existe otra serie del género con mejor desarrollo de personajes y que retrate con semejante realismo la labor de los policías de una ciudad (en este caso los barrios bajos de Los Angeles).

[TNT, Drama policial, 3 temporadas completas, 23 episodios, regresa el Miercoles 18 de Enero]

The Fades: en tan solo 6 episodios, esta serie de la BBC es capaz de plantear, complicar y concluir una interesante historia que mezcla drama adolescente, comedia, terror y fantasía. The Fades hace mucho con muy poco y lo hace todo bien. Una de esas joyitas a las que nos tienen acostumbrados los ingleses y una lección de síntesis para los americanos.

[BBC 3, Drama-terror-sobrenatural-adolescente, 1 temporada completa, 6 episodios, a la espera de renovación]

The League: centrada en un grupo de amigos treintañeros que comparten una liga de Fantasy Football (como el Comunio pero de futbol americano) y con un reparto de actores cómicos prácticamente desconocido es comprensible que no triunfe por estos lares. Pero sobre todo con sus dos últimas temporadas, The League se convirtió en una cita ineludible en la frecuencia más adulta del espectro de comedias. Experta en acuñar términos propios, con diálogos frescos y grandes personajes (Ruxin es el Rey), no hace falta saber cuántos puntos vale un touchdown para partirse de la risa.

[FX, Comedia adulta, 3 temporadas completas, 32 episodios, renovada]

The Ricky Gervais Show/An Idiot Abroad: los dos proyectos paralelos de Ricky Gervais y Stephen Merchant tienen como factor común a Karl Pilkington, un hombre ignorante, con una visión del mundo muy limitada, pero ante todo, un tipo normal. Una es una versión editada y animada del podcast homónimo en el que Ricky y Steve se dedican a tirarle de la lengua a Karl para que de sus hilarantes opiniones y puntos de vista. La otra es un documental de viajes cuyo único objetivo es, en palabras de Gervais, sacar a Karl de su “zona de comodidad” (el sofá de su casa) y ver como reacciona. Y por última vez: Karl Pilkinton NO es un personaje, es así de tonto de verdad.

[HBO, Podcast animado, 2 temporadas completas, 26 episodios, renovada]

[Sky 1, Documental de viajes, 2 temporadas completas, 16 episodios]

Workaholics: tres veinteañeros inmaduros, amigos de toda la vida, intentando combatir el aburrimiento de la vida adulta en una comedia que bebe directamente del estilo de It’s Always Sunny in Philadelphia. Nacida de una serie de sketches en internet, perfeccionó su estilo en su segunda temporada con planteamientos cada vez más absurdos e hilarantes. La química entre los tres protagonistas (creadores y guionistas de la serie) es inmejorable.

[Comedy Central, Comedia irresponsable, 2 temporadas completas, 20 episodios, renovada]

Basura and TV: 2011

2012-01-13T16:59:00.000+01:00

Que mejor que parafrasear la introducción que Mauro ha escrito, y que estarán a punto de leer, para presentarles el nuevo trabajo de este santo blog:

[...] La idea de Álex, como todo lo que hacemos en Basura and TV, era ofrecer algo distinto, especial, en lo que se note nuestra visión particular de las cosas y no un simple “esto me encanta/esto es una puta mierda”. Y además, qué mejor momento para encerrarnos a escribir y maquetar que las vacaciones de fin de año...

Así pues tanto Mauro como un servidor estamos orgullosos de presentarles el anuario 2011 de Basura and TV, una recopilación de todo lo que ha dado el año de sí en el blog en el que encontraran artículos viejos y nuevos de lo más destacado en este año de series además de unas cuantas colaboraciones de lujo para la ocasión. A estos dos juntaletras se nos suman para la ocasión Alberto Nahum de Diamantes en Serie, Marina Such de El Diario de Mr.MacGuffin, Dani López de Freak's City, Pere Solá de Crítico en Serie, Romina Cisneros (@Gromix) y Marga Avendaño (@Spidermarga). No nos merecemos a tanta gente buena.

Desafortunadamente no están todas las series que nos gustarían, así que nos sentimos en deuda con American Horror Story, nos avergüenza no mencionar a Juego de Tronos, se nos cae la cara al suelo de dejar fuera a Community o Parks and Recreation, lamentamos que Black Mirror o Life's Too Short nos deslumbraran tan tarde y lloramos desconsolados por no darle a It's Always Sunny in Philadelphia la importancia que se merece.

Esperemos que la próxima vez, si ustedes gustan, tal cosa no vuelva a ocurrir.

El Imperio de Nucky Thompson

2012-01-09T09:00:00.000+01:00

Un hombre impecablemente vestido a orillas del mar oteando el horizonte. Las olas rompen y traen miles de botellas de whiskey a la costa de Atlantic City. Nuestro hombre, tranquilo, sin un ápice de sorpresa ante semejante fenómeno, deja que el agua moje sus lustrosos zapatos dando a entender clara responsabilidad de lo que está sucediendo. Cuando emprede su camino hacia el paseo marítimo, sus zapatos y el fino pantalón de su traje parecen recién salidos de la tintorería. Al fondo, el imperio de Nucky Thompson en todo su esplendor.

Éste es el efecto que tiene Boardwalk Empire, como un barril de whisky reposando en una bodega irlandesa esperando para ser importado de contrabando, con el tiempo te hace valorar mucho más elementos que estaban presentes desde el principio. Con el ritmo narrativo y la planificación a largo plazo de la gran novela americana, Terence Winter introduce tramas y persojes que desarrolla con parsimonia y sutileza hasta que la serie adquiere un momento de inercia imparable, como el que pudimos disfrutar en los últimos episodios de su segunda temporada.

Este año, poner a Nucky contra las cuerdas y desplazarlo de su trono sirvió para entender cómo llegó a ser el dueño de la ciudad. Sin las restricciones del cargo público, Nucky (interpretado magistralmente por esa máquina perfecta que es Steve Buscemi) es un enemigo implacable, capaz de hacer y deshacer alianzas a discreción, siempre con un as bajo la manga y, lo más importante, no olvidando nunca. Pero aunque Nucky sigue siendo el eje central de la historia, se podría decir que ésta fue la temporada de Jimmy Darmody. El trabajo realizado para este personaje, ya sea de interpretación a cargo de un Michael Pitt en estado de gracia o de desarrollo por parte de los guionistas, fue sencillamente espectacular.

Lo más fascinante para mi de Boardwalk Empire es la convicción en sus ideas y la ambición de la historia que pretende contar. En el marco del origen del crimen organizado en los Estados Unidos durante los años 20, se permite ser mucho más que una serie “de gangsters”. Boardwalk Empire es una serie sobre padres e hijos, sobre madres solteras, sobre el racismo, la inmigración, el poder, la religión, las creencias personales... La serie abarca una gran variedad de temas importantes y siempre tiene algo interesante que decir al respecto, todo a través de unos personajes retratados y desarrollados de forma magistral. Nunca vi una serie con tantas opciones de spin offs: a quién no le encantaría ver la historia desde el punto de vista de Arnold Rothstein, conocer el pasado de Richard o directamente una serie centrada en Chalky White.

Sería fácil (y erróneo) desmerecer a esta serie por la cantidad de dinero invertido en ella. Boardwalk Empire no deja lugar a dudas del talento y la veteranía de sus productores. Yo destacaría decorados como la casa del Comodoro o el paseo marítimo, el espectacular uso de la pantalla verde, el vestuario y la banda sonora, compuesta casi exclusivamentente por piezas de la época.

Por su intencionado ritmo y discutible falta de espectacularidad (si la comparas con Game of Thrones o Breaking Bad...) a muchos les costaba creer que Boardwalk Empire fuese la nueva gran serie de HBO, pero esta segunda temporada dejó muy claro que el imperio de Nucky Thompson no tiene nada que envidiarle al de Tony Soprano. No sé qué nos espera en el horizonte de Atlantic City, pero al igual que los ejecutivos de HBO, me resulta muy fácil depositar mi confianza en nombres como Terence Winter, Tim Van Patten o Martin Scorsese.

In Memoriam

2011-12-21T14:58:00.000+01:00

Homeland

2011-12-17T09:00:00.000+01:00

En una época tan prolífica para la ficción televisiva, parece mentira que el suceso más importante de la última década, que marcó el comienzo del siglo XXI y cambió nuestra forma de ver el mundo para siempre, no esté tratado como se merece por una serie de televisión. Por supuesto estoy hablando de lo que podríamos catalogar como el género “post 11-S”, cómo el ataque a las Torres Gemelas puso en guerra al mundo Occidental contra el terrorismo islámico. El apartado bélico del conflicto está cubierto de sobra por series como Generation Kill (HBO), Over There (Fx) o constantes referencias y episodios dedicados al tema en diversas series (se me viene a la mente The Good Wife). Pero los exponentes centrados en la amenaza terrorista en suelo americano y el juego de espionaje se pueden contar con una mano[1]. Llegado a este punto no puedo dejar de mencionar 24, la pionera del género (tan pionera que se estrenó un mes después de que cayeran las Torres), un thriller de acción trepidante gracias a su formato de tiempo real y sus constantes giros argumentales para mantener la intriga. Pero más que una respuesta, las aventuras de Jack Bauer eran una muestra de por qué los terroristas odian a los Estados Unidos, de cómo el “vale todo porque amo a mi país” no solo no resuelve el problema sino que lo empeora. Eso sumado a un héroe inmortal mitad John McClane mitad Chuck Norris y una facilidad para la exageración y el cliffhanger “de mear y no echar gota”, te lo ponían muy difícil para tomártela en serio.

Y justo ahí es donde Homeland llega, ve y vence. Adaptada de una serie israelí por Alex Gansa y Howard Gordon (productores y guionistas de 24), se desmarca rápidamente de ser 24 protagonizada por una Chloe O’Brian [2] de buen ver, para parecerse más a una Rubicon [3] de sangre caliente. Homeland comienza con una agente de la CIA, Carrie Mathison (Claire Danes), recibiendo información de que un prisionero de guerra americano fue convertido por una organización terrorista que planea un ataque sobre suelo americano. Meses después, Nick Brody (Damian Lewis), un marine estadounidense que llevaba 8 años desaparecido es rescatado de una prisión en Iraq y llega a Estados Unidos como un héroe de guerra. A partir de ahí comienza un juego del gato y el ratón que no tarda en ponerse muy interesante gracias a un excelente y cuidadoso manejo de la ambigüedad de los protagonistas: ¿Es Brody un terrorista o simplemente está sufriendo las consecuencias de haber sido prisionero durante tanto tiempo? ¿Es Carrie una analista de inteligencia brillante o su bipolaridad la hace obsesionarse?

Además de contar una historia interesante y de tener un desarrollo perfectamente planificado, el gran acierto de Homeland es la gran profundidad y atractivo de sus protagonistas. De Damian Lewis sabes que puedes esperar una actuación sólida, pero si le das un papel hecho a medida (su personaje podría ser una mezcla del Winters de Band of Brothers y el Crews de Life), obtienes un Brody brillante, por momentos perturbado e impenetrable, por momentos cálido y amable, pero siempre con una mirada que no te dice nada pero te lo dice todo. Si el trabajo de Lewis ya es notable, lo de Claire Danes es directamente espectacular [4]. Su Carrie Mathison pasa de la genialidad incomprendida a la paranoia, pasando por la profunda soledad, con una facilidad impresionante (ver el episodio 11 para entender por qué se merece una estatua de oro en su honor). Si por separado funcionan de maravilla, cuando el guión cruza a ambos protagonistas saltan auténticas chispas (no me meto en este tema para evitar spoilers). Los personajes secundarios completan un reparto muy sólido: el mítico Mandy Patinkin sienta cátedra de sutileza, Morena Baccarin interpreta a una convincente esposa y la hija de Brody es mucho más que una adolescente problemática (me acuerdo de Kim Bauer y el puma y todavía me río).

Lo que para mí hace a Homeland una gran serie es el cuidadoso y bien documentado tratamiento de un tema tan delicado como el terrorismo islámico en Estados Unidos. Dejando pasar la “fantasía” del planteamiento inicial, Homeland se desarrolla de manera realista y rompiendo esquemas del género: no hay agentes de campo inmortales, los informáticos no hacen magia tecleando 10 comandos por segundo, se muestra como la compleja organización de las agencias de gobierno a veces es perjudicial para la investigación... También es importante mencionar el punto de vista neutral de la serie, ambos lados de la historia reciben la misma importancia y los guionistas superan la difícil prueba de justificar, aunque sea parcialmente, la posición de los terroristas. Se agradece que no haya rastro del patriotismo recalcitrante (me pareció un gran guiño que la primera bandera americana que se ve sea la que usan los terroristas para comunicarse en clave) ni del “vale todo porque estamos con prisas” (ver el episodio dedicado a Saul ganándose la confianza del sospechoso).

Para ir terminando, no me queda más que decir que, además de ser el mejor estreno de lo que llevamos de temporada, Homeland narra una historia que se hacía necesaria en los tiempos que corren, con una visión moderada, reflexiva y moderna. Poco se le puede reprochar, si acaso que sea un poco más uniforme con el punto de vista que se le muestra al espectador para evitar revelaciones “tramposas” [5] y puestos a pedir, que no se alargue eternamente. Pero faltando solo por ver el final de temporada, lo que me ha hecho disfrutar esta serie no tiene nombre y por ello la aplaudo. Imprescindible y un gran paso adelante para la cadena Showtime.

[1] Mención especial para Sleeper Cell, también de Showtime, que pasó bastante desapercibida pero narraba una historia entretenida sobre un agente de gobierno infiltrado en una organización terrorista. Nada del otro mundo, pero el más claro precedente en televisión.

[2] Chloe O’Brian es la analista interpretada por Mary Lynn Rajskub en 24, famosa por ser brillante y antisocial a partes iguales y la mejor ayudante de Jack Bauer.

[3] Rubicon, una de esas series cuya cancelación fue justa e injusta a la vez. Era muy buena pero no la veía ni el presidente de AMC. Los que la hayan visto encontrarán muchas similitudes en Homeland, como la línea de tiempo del episodio 11.

[4] Sus pucheritos son debilidad de Alex.

[5] Lo que también se conoce en ciertos círculos como “hacer un Veena Sud”.