Basura and TV

Doctor Who 7.5

2013-05-21T00:58:00.005+02:00

Steven Moffat y su equipo tienen unas formas adquiridas a la hora de escribir y abordar Doctor Who que, para bien o para mal, a estas alturas no van a cambiar. Preocupados más en presentar una buena cantidad de ambiciosos conceptos pero no a desarrollarlos adecuadamente, de alargar y repetir esquemas y de ensimismarse en llevar al espectador de un gran misterio sin resolver a otro mayor misterio no resuelto, esta segunda parte de la séptima temporada de Doctor Who sigue ofreciendo claroscuros evidentes, con momentos olvidables seguidos de situaciones memorables. Pero en The Name of The Doctor, el episodio que cierra temporada y da pie al especial cincuenta aniversario de la serie, Moffat vuelve a demostrar que le tiene bien cogido el pulso a la visión moderna del personaje y que es capaz de hilar muy fino a la hora de abordar la mitología moderna de la misma.

The Name of The Doctor, como episodio, cumple una doble misión. Primero, como ya hemos comentado, funciona como introducción a la verdadera bomba que nos espera en noviembre al mismo tiempo que explora y expande la concepción del personaje que Rusell T. Davies presentó allá por 2005. Y, segundo, el episodio significa el cierre a la trama principal de la temporada, la identidad de la nueva compañera de viajes del Doctor, Clara Oswald. Una trama que, al contrario que otros hilos argumentales de Moffat en pasadas temporadas, ha tenido menos peso en los episodios anteriores y a la que se le ha dado un final bastante menos enrevesado, y por ello mucho más efectivo, de lo que podría imaginarse.

Y es que el formato de la temporada ha recordado más a la etapa de Davies que a la de Moffat, con episodios mucho más independientes entre sí y menos preocupados en ensamblar cualquiera de esos grandes puzzles argumentales que el guionista escocés iba preparando para la serie. Solo la escasez de episodios ha impedido darle más importancia a desarrollar el misterio de Clara, que no al personaje, pero la interminable despedida de los Pond en la primera parte de la temporada y la decisión de cambiar el formato de emisión de la serie por diferentes motivos, temporales y económicos fundamentalmente, han motivado que el arco de la impossible girl no se haya presentado lo suficientemente bien como para conseguir un mayor impacto emocional en su cierre.

Irremediablemente nos encontramos con varios vicios, recibidos y propios, que empañan un poco la valoración general de la temporada. El excesivo apego que tiene Moffat con el personaje de River Song y su casi aparente obligación de traerlo cada vez que hay un evento mayor o esa necesidad imperiosa de convertir a cada nueva compañera en la más importante de todas, son tics redundantes y muchas veces molestos. Por el otro lado, el nivel de producción sigue creciendo y lleva a la serie a unos niveles visuales inimaginables hace un par de años que le quitan el San Benito de serie barata.

En general, esta media temporada ha contado con altos en episodios como The Bells of Saint John (de nuevo, y no es por dar la lata, un episodio muy de la era pasada), Hide o Journey to the Centre of The TARDIS (el mejor intento de actualizar un elemento clásico de la serie, tras la ejecución algo fallida de un buen concepto como fue Nightmare in Silver o el descalabro total, pese a ese intento de presentar un remake escondido de Alien, de Cold War). Mención especial para el trío Vastra, Jenny y Strax [1], recurrente desde el especial de Navidad y único punto salvable de The Crimson Horror, un episodio que parece hecho con plantilla sin nada nuevo que ofrecer.

Doctor Who acaba temporada con la aparente intención de remover los cimientos de la serie y presentar en su octava temporada un cambio de aires una vez dado por cerrado un nuevo ciclo con la emisión del especial de este año. O al menos eso es lo que da a entender los últimos minutos de su último episodio emitido. De todas formas habrá que esperar hasta noviembre para ver si Moffat de verdad propone un cambio subversivo en la serie o, por el contrario (y empieza a ser una molesta costumbre), nos vuelve a meter en el mismo juego de siempre, ese en el cual maneja las reglas a su antojo y en el que cuenta con las cartas marcadas.

[1] Sobre todo este último como alivio cómico de la serie.

El final de The Office llegó tarde, pero llegó bien

2013-05-18T18:01:00.002+02:00

Nueve años en televisión son muchos, puede que demasiados. Y más para una comedia que siempre tuvo problemas de equilibrio en su tono y que tardó una temporada entera en empezar a definirse. Cuando The Office se estrenó allá por 2005 se enfrentó a muchas dificultades, muchas de ellas provenientes de su condición de remake. La serie original creada por Ricky Gervais y Stephen Merchant aparte de ser pionera y poner de moda en televisión el estilo del falso documental presentaba como protagonista de una comedia a un personaje odiable y totalmente falto de empatía. El primer error de The Office (US) fue el de trasladar casi página por página el piloto de la versión británica y presentar las frases de David Brent en boca del Michael Scott de Steve Carell.

El propio Greg Daniels, el creador de esta The Office, acabaría reconociendo que ni él ni su equipo sabían como afrontan la escritura de Michael. Estaba claro que si la serie quería tener alguna posibilidad de crecer era separándose radicalmente del concepto de protagonista de la versión original. Y entonces dos cosas ocurrieron eses verano. Primero, Virgen a los 40 se estrenó y llevó a Steve Carell al estrellato mundial lo que ayudó a que, segundo, tras un estreno bastante discreto y unas generales malas críticas, las descargas en iTunes de la serie se dispararan.

Y fue la interpretación de Carell en Vírgen a los 40 en la que los guionistas de la serie se centraron para crear la concepción del personaje que ahora tenemos. O mejor dicho, las concepciones. Porque al igual de lo que pasaba con sus episodios, el personaje de Michael Scott tenía varias caras. Desde un bufón con la personalidad egoísta de un niño mimado a un sensible adulto que lo único que ansiaba era convertirse en un padre de familia. Durante muchos años su familia eran sus empleados, por los que se desvivía demasiado, anteponiendo su bienestar al de los demás. Es por ello que la despedida de Carell de la serie fuera tan satisfactoria. En Goodbye, Michael Daniels y los suyos se las apañaron para meter en un solo episodio todas las caras de Michael Scott y darle la oportunidad de conseguir sus metas. Aunque para ello tuviera que alejarse de su amada oficina, dándole la oportunidad de cerrar el círculo de su viaje existencial. Un círculo que le alejaba de Scranton. Algo en lo que vuelve a recurrir la serie en su final [1].

Porque la serie no se llama Michael Scott, si no The Office. Y aunque indudablemente Goobye, Michael podría haber funcionado perfectamente como series finale, que lo hace, y aunque la calidad de esta, que ya estaba en horas bajas por entonces, no haya dejado de caer, Finale representa un broche de oro como cierre a nueve años de emisión. En general, la vuelta de Greg Daniels para esta última etapa y la toma de un cierto tipo de decisiones le devolvió a la serie reminiscencias de su glorioso pasado. El deshechar la idea de Andy como jefe de la oficina, una decisión errónea desde el principio que se cargó al personaje de Ed Helms al intentar, sin éxito, traer de vuelta el espíritu de Michael, el abordar sin miedos la realidad del documental y llevarlo a sus últimas consecuencias y, sobre todo, el volver a cargar toda la responsabilidad dramática en la relación de Jim y Pam son tres excelentes ideas que han permitido a la serie desarrollar un último arco argumental que ha degenerado en el final más adecuado que se le podría dar a la serie.

La verdadera columna vertebral de la historia, donde siempre ha estado apoyada, es la relación romántica entre Jim y Pam. En menor medida la relación de Dwight tanto con Michael al principio como con los Halpert después también ha sido importante (más en su final), pero la historia de amor entre la recepcionista y el vendedor bromista siempre fue el motor emocional de The Office. Una relación con el público que tan bien ha sabido captar este final de la mano de un ejercicio de meta ficción ejemplar con la inclusión de una ronda de preguntas por parte de los fans del documental que durante todos estos años la PBS ha estado grabando en una pequeña oficina de una empresa de papel situada en una humilde ciudad.

Y al igual que con Michael Scott, el futuro de Pam y Jim se encuentra irremediablemente lejos de Scranton, alejados de la conformidad laboral del trabajo de oficina. Todo lo contrario que en el caso de Dwight, cuyo final feliz es justo ese, el de una vida tranquila fuera de sorpresas en la que poder compaginar el éxito familiar y laboral. Pero además este final de serie se encarga muy bien de ofrecernos un último vistazo al resto de personajes, esos que en el principio no eran más que figurantes y que al final se hicieron un hueco en cada episodio y funcionaban siempre como el complemento cómico perfecto. La estupidez y bonachonería de Kevin, la relación destructiva de Kelly y Ryan, la arrogancia de Angela, la adorabilidad de Erin, el patetismo de Andy o las excentricidades de Creed son otra parte de la serie que cada vez se volvió más esencial y que han tenido cabida en este equilibrado final.

El final de The Office cierra el círculo de esa pequeña serie que pasó muy inadvertida en 2005. Ofreciendo lo mejor que podía ofrecer y volviendo a manejar muy bien el pulso entre la comedia y el sentimentalismo, la serie se despide dando la sensación de que no había mejor final posible. Es cierto que no siempre ha manejado bien ese pulso, sobre todo en sus últimos años, pero la verdad es, sin embargo, que durante un tiempo The Office fue una de las medias horas más brillantes que ofrecía la televisión americana.

Y es que nos mostró una relación dulce, genuina y francamente hermosa con Jim y Pam. Nos dejó personajes complejos que a la vez eran graciosos. Muy graciosos. Nos regaló a Michael Scott y a un maravilloso reparto. Nos abrió una ventana a la monotonía y el absurdo de la vida de oficina, algo con lo que muchos de nosotros podría identificarse. Nos avergonzó con una gran cantidad de situaciones incómodas, muy incómodas. Nos presentó, entre muchos otros, a Dwight, Angela, Kelly, Ryan, Creed, Toby, Darryl, Phyllis, Kevin, Oscar, Andy, Erin, y Meredith. Y lo más importante es que se nos dio algunos de los episodios y momentos más hilarantes de la televisión de los últimos años. Sorprendentemente duró nueve temporadas y, sí, hubo altos y bajos increíbles y momentos desastrosos pero al final, en palabras de Michael Scott, lo único que puedo decir de esos momentos es que: "Todos ellos. Los quiero a todos. Todos y cada uno de ellos."

The Office partió de un concepto ordinario, lo convirtió en su insignia y creció alrededor de él. Y ese es su mayor mérito, porque hay mucha belleza en lo ordinario. ¿No es ese el punto?

[1] Lo que nos lleva a la no tan sorprendente aparición de Steve Carell en este último episodio. Un cameo excelentemente llevado por no quitar la atención al resto y regalarnos, en dos únicas frases, un emotivo epilogo del personaje.

Cuatro episodios que podríamos ver en Community

2013-05-13T00:44:00.000+02:00

Episodio embotellado, mundos paralelos, Dragones y Mazmorras, falsos flashbacks, paintball, anime, marionetas, videojuegos o stop motion. Ahora que se ha confirmado que Community tendrá quinta temporada y los rumores apuntan a que la vuelta de Dan Harmon se baraja como algo más que posible es un buen momento para darle al coco y especular con los posibles episodios temáticos que podrían aparecer en la siguiente temporada de la serie.

Estos son los cuatro episodios que Community podría hacer [1].

Cambio de actores, no de personajes

O el síndrome de la madre afroamericana cambiante, aunque fuera Dick York en Embrujada el que haría famoso esta práctica televisiva. Un episodio en el que todos los personajes fueran interpretados por actores diferentes y en el que solo Abed se diera cuenta de lo que está pasando. Sería la oportunidad ideal para traer de vuelta al personaje de Pierce que, para cerrar perfectamente el círculo meta-ficticio, sería interpretado por Bill Murray [2].

¿A qué actores elegiríais vosotros para sustituir al cast original durante un episodio?

Episodio en directo

Otras lo han hecho antes y lo han hecho bien. 30 Rock, The West Wing o Will and Grace son series que se atrevieron a emitir episodios en directo. Además, este tipo de evento televisivo se suele valer de los diferentes husos horarios en la emisión americana para ofrecer dos posibles versiones diferentes de una misma actuación, un juego de diferencias de esos con los que le gusta jugar a Community.

Plano secuencia

Ya lo hizo Psychoville homenajeando a La Soga de Hitchcock, por ejemplo. Un episodio de televisión entero grabado en una sola toma. Un experimento que necesita el grado de ambición en su producción que ya es marca de la serie y una oportunidad, además, de homenajear el genero de misterio clásico

Finales alternativos

Community es una serie que no tiene una gran audiencia, pero que si tiene un grupo de fans muy fieles activos y, sobre todo, receptivos. Así que que mejor que idear un episodio en el que durante su emisión se pudiera elegir uno de varios finales posibles a través de los votos de la audiencia. Una buena manera de promocionar la serie durante la semana y aumentar el eco de esta en las redes sociales.

Estas son cuatro posibilidades de muchas posibles, ¿cuáles se os ocurren a vosotros?

[1] Esta lista tiene el sello de calidad ficticia de Abed.
[2] Tal como ocurrió en la segunda temporada de Saturday Night Live.

Basura and TV 1x14: Hazte unos pilotos, Amazon

2013-04-26T01:38:00.001+02:00

¡Nuevo programa de Basura and TV Podcast! Esta semana volvemos a estar cargados. Aunque ~~el blogger del mes~~ Fer no nos acompaña esta vez su puesto lo ocupa Nacho, que nos cuenta todo sobre los pilotos que Amazon ha lanzado en su servicio de vídeo por demanda. Además, Mauro viene cargado con novedades seriéfilas (tranquilos, ahora pondremos el enlace) y entre los tres hablamos de la nueva apuesta de ciencia ficción de SyFy, Defiance.

Minuto y Resultado:

Intro

Pilotos Amazon 15:00

Defiance 33:00

La Gramola:

- Opening: Anamanaguchi - Airbrushed.

- Defiance: Bear McCreary - Theme for Defiance.
- Ending: Civil Twilight - Come as you are.

Los enlaces de Mauro:
- Pósters de Arrested Development.
- Archer Saurus, el piloto alternativo de Archer protagonizado por un velociraptor.

Cómo entrar en Doctor Who y no morir en el intento (III)

2013-04-25T20:42:00.003+02:00

La era de Tom Baker ha llegado a su fin y es turno de Peter Davison de recoger el testigo. Aunque esta última etapa no es la más recomendable para meterse de nuevas en la serie y, además, supone el comienzo de la decadencia de la misma sí tiene un par de seriales de alta calidad e importancia. Desde la gran etapa de Peter Davison a los intentos finales del Doctor de Sylvester McCoy de devolverle a la serie su grandeza perdida, esta es la última edición de "Cómo entrar en Doctor Who y no morir en el intento".

Earthshock (1982)

El trabajo de Peter Davison a lomos de Doctor Who era complicado. Tenía que sustituir a Tom Baker, el más querido y reconocible Doctor, y continuar extendiendo en el tiempo la edad dorada de la serie. Y su Doctor, más afligido, mucho más "anciano" en personalidad lo consiguió (no es ningún casual que el camino a seguir por Matt Smith fuera el mismo). En esta Earthsock se enfrenta de nuevo a los Cybermen e intenta pararlos de su desesperado intento de volar la Tierra. Un gran serial que en sus último minutos contiene posiblemente uno de los más tristes y desesperanzadores momentos de toda la serie.

The Caves of Androzani (1984)

Esta historia es clave para comprender la concepción del Doctor de David Tennant. Un serial con toques de thriller en el que el Doctor es capaz de hacer cualquier cosa para evitar la muerte de su compañera. Muy en la línea de la era Davison en la que, en contraposición al Doctor de Baker, nuestro viajero en el tiempo no siempre tenía la situación bajo control y era más vulnerable. El Doctor y su nueva compañera, Peri, son infectados con una gran enfermedad al mismo tiempo que se ven atrapados en el medio de una guerra por el control de la más valiosa carga del universo. La última aparición de Davison en el papel, la primera de Baker, Colin, y el principio de la decadencia de la serie.

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The Trial of a Time Lord (1986)

A estas alturas no les voy a engañar. La etapa de Colin Baker en Doctor Who no es fácil de digerir ni para los más entusiastas fans de la serie. Tras la primera temporada del Sexto Doctor la BBC puso a la serie en espera durante dieciocho meses buscando, por decirlo de alguna forma, reestructurarla. ¿El motivo? Muchas críticas se levantaron en contra de la serie al considerar que había perdido su tono para toda la familia por uno más violento. El resultado fue una nueva temporada más corta formada por cuatro seriales que, a su vez, constituían una historia completa. Así pues, en este The Trial of a Time Lord vemos como los Time Lords juzgan al Doctor por todas las reglas que ha ido rompiendo a lo largo de su existencia con el Valeyard (la encarnación maligna del Doctor que aparecerá entre sus dos últimas encarnaciones) como fiscal y el Maestro de por medio. Catorce episodios cuyo interés está en la indagación de la naturaleza del personaje del Doctor y la mitología de los Señores del Tiempo.

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The Curse of Fenric (1989)

La etapa de Colin Baker dejó tocada a la serie y aunque la llegada de McCoy logró remontar algo lo cierto es que Doctor Who pedía a gritos la cancelación. Pero con el cuchillo acechando la serie dio un arreón final, casi a la desesperada, y encadenó una recta final en la que volvió a encontrarse con su identidad (aunque no con sus audiencias). Dentro de este sprint final The Curse of Fenric es la joya de la corona, con una compañera, Ace, que rompía todos los tópicos de mujer en peligro (estamos hablando de una badass que llevaba consigo armas y se enfrentaba a los Daleks a batazos) en un serial que por una parte construye una fantástica aventura con vampiros en la Segunda Guerra Mundial y, por la otra, una adulta visión de la serie y su legado. Doctor Who acabaría esta primera etapa de su existencia en el siguiente serial, Survival, dejando en el aire la duda de si, visto lo visto en sus últimos días, podría haber remontado. Pero tuvieron que pasar dieciséis años para ello [1]. Pero esa, esa es otra historia.

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[1] Vamos a intentar olvidar esa fallida resurrección a modo de película para televisión de 1996 con Paul McGann que podría ser tema para un artículo llamado "Cómo entrar en Doctor Who y morir en el intento".
[+] Cómo entrar en Doctor Who y no morir en el intento.

[+] Cómo entrar en Doctor Who y no morir en el intento (II).

Rectify, la calma del canal Sundance

2013-04-24T01:44:00.000+02:00

Cuando el canal Sundance tiene todavía a gran parte de la crítica dirimiendo sobre Top of the Lake [1], nos llega la segunda apuesta de producción propia del canal dedicado a la ficción independiente. Al igual que su hermana de canal, Rectify se nos presenta como una serie de producción pretenciosa, de ritmo pausado y que se encuadra perfectamente dentro de la imagen de marca de la cadena fundada por Robert Redford. Creada por Ray McKinnon [2] y con la vitola de estar producida por Mark Johnson y Melissa Bernstein (Breaking Bad) Rectify compone una historia de perdón, culpa y suspicacias que pone el foco en las vidas de un personajes corrientes del sur de los Estados Unidos.

La premisa es la siguiente. Tras pasar los últimos diecinueve años en aislamiento y espera en el corredor de la muerte por la violación y asesinato de su novia de instituto, Daniel Holden se libra de su condena gracias a nuevas pruebas de ADN y regresa al pequeño pueblo sureño que una vez fue su casa. En primera instancia nos encontramos ante una historia de renacimiento, el de una persona que tras veinte años regresa a un hogar que ha avanzado veinte años y que para él le es totalmente desconocido. Veinte años son muchos, y más estos veinte últimos. Daniel se encuentra de repente un extraño en un mundo que ha evolucionado alrededor de su encierro pero que, a nivel local, todavía le sigue juzgando por su pasado.

Con un ritmo que hace parecer a Mad Men una frenética serie de aventuras, Rectify hace un repaso pausado de la condición humana. El perdón, castigo o la culpa son varios de los conceptos que la serie intenta retratar con la ayuda de las posiciones y sentimientos del propio Daniel y de, sobre todo, la gente que le rodea. Una hermana devota de su inocencia, una madre resignada a la perdida de su hijo o un hermanastro desconocido aportan la cara más amable y redentora de la serie mientras que la sombra de la sospecha todavía se cierne en los actos de nuestro protagonista.

Esa sospecha es el centro del misterio de la serie. Un misterio que está ahí pero que no se explota. Rectify no es una serie de grandes giros argumentales como pudieran serlo Homeland o The Killing. Es un drama mucho más preocupado por la naturaleza de los actos de unas personas reconocibles por el espectador por su comportamiento cotidanio. Su encanto se encuentra en una producción cuidada, con una banda sonora que hace suyo el folk, y unas interpretaciones contenidas. Aden Young, por su condición de protagonista, se lleva aquí todos los focos, interpretando un personaje que se mueve entre lo horripilante y lo vulnerable.

En definitiva, la serie construye con calma una tensa trama de segundas oportunidades y presión social mientras que se centra en las vicisitudes de una pequeña comunidad sureña con sus propios problemas. Una historia de enfrentamientos propios, el de Daniel frente a la culpa y el perdón, y de enfrentamientos ajenos, los de una población que se vuelve a encontrar con un ciudadano al que hace tiempo que enjuició y condenó. No es una serie para todos los paladares. Precisa de unos niveles de atención altos y se encuentra demasiado ensimismada. Pero si se entra en su ambiciosa propuesta construye una interesante radiografía introspectiva del comportamiento y sentimiento humano. Seis episodios a seguir que seguro que marcaran el devenir futuro de la producción propia y de la imagen de marca del canal Sundance.

[1] Les recomiendo este artículo de Alberto Nahum sobre ella.
[2] Más conocido por su papel de actor en series como Deadwood o Sons Of Anarchy.
[+] Rectify se estrena en España el 2 de mayo en el Canal Sundance.

Cómo entrar en Doctor Who y no morir en el intento (II)

2013-04-22T00:57:00.001+02:00

Como deberían saber, estamos haciendo una serie de breves y concisas recomendaciones sobre la serie clásica de Doctor Who en pos de crear una guía de visionado básica para todos aquellos que quieran adentrarse dentro del visionado de la serie. Para ello les estamos ofreciendo un puñado de episodios que por distintas razones son imprescindibles o sirven para hacerse una idea rápida de como era la serie en cada una de sus muchas y diferentes etapas. En el primero de estos artículos empezamos este repaso con los tres primeros Doctores y en este que nos ocupa vamos a hacer lo propio con la era Baker, la más longeva y prolífica de los primeros veintiséis años de historia de la serie.

The Ark in the Space (1975)

Esta segunda historia de Tom Baker comparte muchas similitudes con la premisa de Alien. Futuro lejano, Tierra inhabitada, nave llena de pasajeros en hibernación y una raza de alienigenas que depositan sus huevos dentro de los humanos. ¿Una burda explotación del éxito de Ridley Scott? Podría serlo si no fuera porque esta The Ark in The Space se estrenó cuatro años antes. Pero si todavía no les he convencido les diré que es la historia de Doctor Who favorita de Russell T. Davies y Steven Moffat. Y aunque Tom Baker era, como quien dice, un recién llegado, ya tenía cogido el tono al personaje perfectamente. Y si no, miren.

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Genesis of the Daleks (1975)

La gran historia Dalek. Terry Nation, padre de las criaturas, indaga desde los orígenes su mitología introduciendo a otro de los grandes villanos de la serie, Davros. Todo ello con la II Guerra Mundial y el nazismo como punto de mira y un duelo dialéctico entre Tom Baker y Michael Wisher (Davros) que parece sacado de una obra de Shakespeare y que ellos mismos reescribieron e improvisaron sobre la marcha para conseguir tal efecto.

Pyramids of Mars (1975)

No solo un gran serial de aventuras si no que, además, la mejor historia con la que poder disfrutar de la Sarah Jane de Elisabeth Sladen. Mansión victoriana, momias, dioses que en realidad son aliens y un Doctor superado por las circunstancias (algo no muy frecuente de ver). Además contaba con una producción alta según los estándares de la época, algo que empezaría a notarse más a menudo en otros seriales posteriores de la serie.

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The Deadly Assassin (1976)

Uno de los episodios mitológicos más importantes y una de las pocas historias de la serie en las que El Doctor actúa sin la compañía de ningún asistente. The Deadly Assasin no solo supone la vuelta del personaje de The Master a escena tras un largo período de tiempo desde su última aparición si no que además este es el serial que lleva de nuevo al Doctor a su planeta natal, Gallifrey, cuyas costumbres y sociedad son expuestas y desarrolladas por primera vez. Todo ello rebozado en una historia de conspiración política que incluía el concepto de una mundo virtual indistinguible de la realidad llamada "The Matrix" (¡hola hermanos Wachowski!).

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City of Death (1979)

La sola mención a que Duglas Adams (La Guía del Autoestopista Galáctico) escribió este serial debería bastarles para que inmediatamente se pusieran a verlo. Pero sí esto no les sirve les contaré que es una ingeniosa, inteligente y estilosa historia y que fue la primera que se grabó fuera del Reino Unido, más concretamente en Paris. Un must see de la serie sobre distorsiones temporales y robos de arte que, como curiosidad, contó con un divertido cameo del mismísimo Jhon Cleese.

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[+] Cómo entrar en Doctor Who y no morir en el intento (primera parte).
[+] Cómo entrar en Doctor Who y no morir en el intento (III).

La inconsistencia de Suburgatory

2013-04-18T17:40:00.003+02:00

Suburgatory es el típico hijo que sabes que es muy inteligente pero que, también, es algo vago, por lo que solo se esfuerza cuando en realidad le interesa. Para exponerlo de otra manera, si existiera algo así como "series procrastinadoras" Suburgatory sería una de ellas. Posee los elementos, el contexto, los personajes y la historia perfecta para ser una gran comedia pero no siempre lo es. Es inconsistente, incapaz de mantener una regularidad que no saque de quicio a los que la siguen. Pero cuando se pone exquisita, cuando da con el botón, ay, ahí es cuando muestra que es una de las mejores comedias de la actualidad.

Parte de esa inconsistencia viene de la dispersión de sus tramas y personajes. La serie no termina de conseguir unir todos sus frentes en una sólida unidad. Muchos personajes aparecen y desaparecen de la continuidad casi por arte de magia durante demasiados episodios y pasan de ser parte importante de las tramas a parecer que ni existan, siendo los casos de Dalya y Ryan los más reconocibles (dos de los mejores, si no los mejores, personajes de la serie). No ayuda a ello que la mayoría de las tramas adultas tiendan al ridículo, y eso que estamos hablando de una comedia cuyo fuerte es la parodia y la exageración.

Pero, y afortunadamente hay peros, existen dos factores que hacen que en otras ocasiones Suburgatory funcione maravillosamente. Uno de ellos es la familia Shay, los responsables de elevar el pulso cómico del relato. El talento de Ana Gasteyer o Chris Parnell nunca puede estar bajo sospecha pero hay que alagar también a los jóvenes Allie Grant y Parker Young [1] por ser la guinda que corona una familia que no solo debería ser el centro de la serie si no que, en un mundo ideal, deberían tener un spinoff para ellos solos. Pero Shays aparte, el mayor fuerte de la serie siempre ha sido su retrato de las relaciones paterno filiales. Su retrato de la vida en los suburbios y sus reminiscencias a la comedia adolescente característica de Chicas Malas es un gran escenario de fondo para desarrollar una historia de padres, hijos, maridos, esposas y criadas que cuando da en el clavo deja grandes momentos, como en su doble final de temporada.

Todas las tensiones acumuladas durante la temporada explotan en esta season finale que equilibra comedia y drama a partes iguales y que deja a la mayoría de sus personajes establecidos en lugares y situaciones casi imposibles de adivinar en un principio y que, sobre todo, augura un cambio dentro del status quo de la serie. Ni Suburgatory ni sus personajes se mueven del ficticio universo ultra colorido e impoluto de Chatswin pero todos ellos se encuentran en situaciones nuevas que ya veremos si son el comienzo de una vuelta de tuerca en la concepción de la serie o, por lo contrario, simples cliffhangers que se resolverán el año que viene sin mayor importancia [2]. Pero cualquiera que sea lo que sus responsables decidan hacer siempre estará supeditado al principal problema de la serie. Si no quiere que sus tercer año pueda ser el último, Suburgatory necesita más estabilidad, más regularidad y mostrar semana a semana, como lo ha hecho en esta, que es capaz de ser una comedia de calidad.

[1] Que lamentablemente deja la serie por un nuevo proyecto de la cadena FOX, Enlisted.

[2] Aunque la serie no está renovada aún, nada hace indicar que ABC decida cancelarla.

Cómo entrar en Doctor Who y no morir en el intento

2013-04-17T02:07:00.000+02:00

Estamos en plenas celebraciones por el cada vez más cercano cincuenta aniversario de Doctor Who y los artículos y especiales sobre la serie se multiplican, así como la gente que por primera vez se ve atraída hacia la serie gracias a todo ese eco generado. En su diario, MissMacGuffin, se pregunta si no es mejor para el neófito ofrecerle un punto de entrada a la mitología de la serie basado más en episodios concretos que engloben "la magia" de la serie en vez de largas guías de visionado que pueden sonar a chino al que llega virgen a la nueva serie.

Y en cierto modo creo que lo mismo se podría aplicar para recomendar la serie clásica. Cincuenta años son muchos y ciertamente es bastante más recomendable intentar recopilar una cierta cantidad de episodios que sean característicos de las virtudes que la serie ha poseído desde sus inicios [1]. Y es que a pesar de los primarios efectos especiales y su producción "barata" en los veintiséis primeros años de la serie se esconden ciertas propuestas que no han envejecido tan mal y que aseguran bastantes horas de diversión.

Al tratarse de una lista algo extensa vamos a dividirla en tres diferentes posts. En este primero seleccionaremos un par de episodios correspondientes a los tres primeros Doctores. El segundo estará dedicado en exclusiva a la etapa de Tom Baker, las más longeva y prolífica, y el tercero y último para el resto de Doctores, desde Peter Davison hasta Sylvester McCoy.

An Unearthly Child (1964)

Para empezar tienen que saber que la serie clásica de Doctor Who se divide por temporadas, seriales y episodios. Dentro de una temporada hay varios seriales que están compuestos por un puñado de episodios. An Unearthly Child , también conocido como 100,000 BC, es el primer serial y está dividido en cuatro episodios de los que, siendo sinceros, solo el primero merece al pena para el propósito que nos tiene ahora ocupados. An Unearthly Child es la piedra de toque de la serie y la presentación de los conceptos básicos que aún hoy en día son definitorios de la mitología whovian. Conocemos al Doctor y a su compañera, su nieta Susan, cuya extremada inteligencia llama la atención de dos de sus profesores, Ian y Barbara, que pronto descubrirán que estos dos misteriosos personajes son en realidad viajeros del tiempo que utilizan una vieja cabina de policía como transporte.

Les recordará a: todos aquellos episodios que marcan nuevas épocas en la nueva serie como Rose o The Eleventh Hour.

The Edge of Destruction (1964)

The Edge of Destruction es el tercer serial de la primera temporada y, posiblemente, la mejor toma de contacto con el Primer Doctor debido a su duración, dos episodios, y su premisa. La TARDIS se encuentra en mal funcionamiento y lleva a sus tripulantes a ir perdiendo poco a poco la cabeza hasta el punto de intentar matarse uno al otro. Esta es la primera historia, además, en la que se da a conocer que la TARDIS no es meramente una máquina si no un ente vivo y telepático.

Les recordará a: The Doctor's Wife.

The Dalek Invasion to Earth (1965)

El éxito de Doctor Who no se entiende sin los Daleks. Estos alienígenas con forma de salero que ahora poco respeto infunden se convirtieron en un fenómeno de masas instantáneo cuando en el segundo serial de la primera temporada Terry Nation los presentó. Y aunque ese The Daleks no es mal serial y tiene cierto encanto, es cierto que The Daleks Invasion to Earth le supera en resultados. Más completo y elaborado, en este serial de seis episodios vemos como el Doctor y sus acompañantes llegan a una Londres contemporánea destrozada por la invasión de los Daleks. Este es el episodio que comienza la tradición de historias de aliens intentando tomar la Tierra (y su obsesión de hacerlo vía Londres) así como el último en el que el personaje de Susan (Carole Ann Ford) apareció.

Les recordará a: Aliens in London, Doomsday, Journey´s End... Además de que aparecen los Robomen, sirvientes humanos controlados por los Daleks, muy al estilo de lo visto en Asylum of the Daleks.

Tomb of the Cybermen (1967)

Es una verdadera lástima que la etapa de Patrick Troughton como Doctor sea justamente la que más sufrió la perdida de material original porque Troughton fue el que dotó al personaje del aura que en la actualidad le define. Y si los Daleks fueron los enemigos fetiche de la anterior etapa, los Cybermen fueron los que reinaron en los tiempos del Segundo Doctor. Aunque su primera aparición data del último serial de Hartnell, The Tenth Planet, quizás el gran serial de estos cyborgs sea Tomb of the Cyberman. En una historia que bebe mucho del estilo de terror de la Hammer vemos como una expedición arqueológica viaja al planeta natal de los Cybermen para intentar descubrir cómo y por qué murieron. Evidentemente, la expedición no tardará mucho en darse cuenta que de muertos nada y que todo el mundo está en peligro.

Les recordará a: Rise of Cybermen / Age of Steel, Closing Time.

[+] Tomb of the Cybermen online.

The Mind Rober (1968)

Si solo pudieran ver un serial de la era Troughton, que sea este The Mind Rober. Doctor Who siempre ha tenido dos tendencias, la ciencia ficción y la fantasía, y este serial lleva de la mano ambas premisas. Es un ensayo sobre la ficción, la creatividad y la naturaleza de la realidad que funciona excelentemente en todas sus capas. No me gustaría entrar en más detalles porque es uno de esos episodios a los que es mejor llegar virgen. Una delicia, clásico instantáneo.

Les recordará a: a los "puzzles" de Moffat, Amy's Choice.

[+] The Mind Rober online.

The War Games (1969)

En el último serial de Segundo Doctor somos testigos de un elaborado plan de dominación basado en la abducción de soldados humanos de diferentes épocas engañados para luchar en guerras ficticias creadas en ambientes idénticos a los de sus correspondientes tiempos. Aparte de ser un serial bastante entretenido es especial por varias razones. Fue el último grabado en blanco y negro y, además, el primero en el que los Time Lord y su civilización hacían aparición.

[+] The War Games online.

Doctor Who and the Silurians (1970)

Con Jon Pertwee llega el color y con él la decisión de, siguiendo los acontecimientos del final de The War Games, exiliar al Doctor en la Tierra. Es la época de UNIT, del Doctor como asesor científico y del Brigadier. Por su larga duración, siete episodios, este Doctor Who and the Silurians sea posiblemente el serial que más elementos de esa época aglutina además de ser el primero en el que aparecen los Silurians, otro de los enemigos clásicos de la serie. Es también la primera aparición de Betsy, el descapotable amarillo que, a falta de TARDIS, utilizaba el Doctor para desplazarse.

Les recordará a: Hungry Earth, Cold Blood.

[+] Doctor Who and the Silurians.

Terror of the Autons (1971)

La consciencia Nestene y los Autos, los famosos maniquís, ya hicieron su primera aparición en el primer serial de Pertwee, Spearhead from Space, pero es en este Terror of the Autons donde más terroríficos lucen. Y posiblemente sea por el debut de Roger Delgado como The Master. Aparte de los duelos dialécticos entre el Doctor y su archienemigo este serial contiene ciertas escenas "violentas" responsables de comenzar la tradición de considerar a la serie como algo más que un show para niños. Es además la primera vez que vemos a Jo Grant como compañera del Doctor.

Les recordará a: Rose, The Sound of Drums...

[+] Terror of the Autons online.

The Time Warrior (1974)

Tras el final del exilio del Doctor en el siglo XX volvieron los viajes por el tiempo y el espacio. Este The Time Warriors supuso la primera aparición de los Sontarans y, bastante más importante, de la aguerrida, moderna y feminista Sarah Jane como compañera. Ambientado en la Edad Media, y con una gran cantidad de momentos cómicos, es la típica trama de "no interferir con la historia" y de choque entre costumbres nuevas y antiguas. ¿El argumento? Un soldado Sontaran recae en la Inglaterra medieval y pretende tomar la Tierra para su imperio gracias a su superioridad tecnológica. Pero para ello necesita reparar su nave así que aprovecha que puede viajar en el tiempo para raptar a científicos de la era moderna. Puede que la premisa no sea muy atrayente, pero es realmente divertido. En uno de episodios, además, se revela por primera vez el nombre del planeta natal del Doctor, Gallifrey.

Les recordará a: The Shakespeare Code, The Sontaran Stratagem.

[+] The Time Warrior online.

[1] Aunque sí de verdad desean una inmersión total en la serie clásica les recomiendo encarecidamente que se pasen por las lecturas que Jónatan Sark está escribiendo en El Receptor de Libro de Notas.

[+] Cómo entrar en Doctor Who y no morir en el intento (II).
[+] Cómo entrar en Doctor Who y no morir en el intento (III).

Basura and TV Podcast 1x13: El podcast social

2013-04-16T02:53:00.000+02:00

Otra semana más vuelve el podcast de Basura and TV y, por primera vez en unas cuantas semana, con todo el equipo titular. En un podcast muy cargadito hablamos de como fue el Birra Series Valencia gracias a los audios que nos ha traído el reportero más dicharachero de Barrio Sésamo, ~~la rana gustavo~~, Fer que, además, nos habla de Tockit, una nueva aplicación para móviles que te permite comentar en directo toda la programación de la televisión española. Álex, por su parte, se sube al carro de las recomendaciones y os cuenta como ver prácticamente toda la programación inglesa de forma sencilla y rápida.

Pero ya metido en turrón hablamos largo y tendido de Hannibal, la nueva serie de NBC que en España emite AXN y hablamos de un par de web series creadas para ser vistas por YouTube, The Beauty Inside, Squaresville, Bravest Warriors y SuperF*ckers.

Minuto y Resultado:

Intro

BirraSeries Valencia/Tockit/vídeo por demanda canales británicos 2:30

Late Nights NBC 15:00

In the Flesh 27:00

La Gramola:

- Opening: Anamanaguchi - Airbrushed.

- Hannibal: The Silence of the Lambs Theme - Howard Shore.
- Series YouTube: Who Framed Roger Rabbit end titles - Alan Silvestri.

- Ending: The Bear and the Maiden fair -The Hold Steady.

La programación británica a un par de clicks

2013-04-15T19:33:00.000+02:00

Se podría decir que el "boom" de las series extranjeras hace tiempo que explotó en España y que ciertamente su onda expansiva sigue cazando adeptos día tras día. Pero también es cierto que este florecimiento televisivo siempre estuvo más relacionado con la ficción americana y que encontrar cierto tipo de información (ya no hablemos de descargas o subtítulos) sobre programación británica siempre ha sido algo más laborioso.

Pero eso no tiene porque ser así, ya que las cadenas de televisión de la pérfida Albión poseen todas ellas sistemas de video por demanda en sus páginas webs que facilitan el proceso del visionado de sus programaciones, todo ello de forma legal. O casi legal, porque sus contenidos están vetados para cualquiera que acceda a ellos desde un país extranjero. Una prohibición que siempre ha sido posible evitar y que ahora, gracias a Media Hint, una extensión para Chrome y Firefox, es mucho más fácil de saltar.

Así que como hemos estado utilizando las últimas semanas estos servicios, por motivos estrictamente profesionales, nada de placer, y a continuación les ofrecemos una comparación entre los tres servicios más importantes, el BBC iPlayer, 4oD e ITV Player.

¡Qué disfruten de todo el contenido que se abre ante sus ojos!

BBC iPlayer:

BBC iPlayer es es el más famoso, pero como veremos más adelante no el más completo. En el aire desde 2007 y de contenido gratuito su archivo se reduce a las novedades en emisión de cualquiera de los canales del emporio BBC, radio incluida. Así pues puedes ver los últimos episodios de Doctor Who o The Village, por ejemplo, pero nada que haya terminado su emisión. Aunque las continuas reposiciones de programas y series consiguen que cada cierto tiempo varios episodios vuelvan a estar online.

En el aire desde: 2007.
Necesita registro: sí.
Cantidad de contenido: medio.
Contenido: gratuito.
Publicidad durante visionado: no
Subtítulos: sí.
HD: sí, pero no en todos los contenidos.
Sistema de favoritos: sí.
Sistema de listas: no.

4oD:

4oD es el primero de estos servicios en estar online, desde 2006. Es el más vasto en cuanto contenidos, incluyendo series, programas y películas de todos los canales pertenecientes a la marca Channel 4 (E4, Film 4...). Se pueden encontrar desde novedades hasta programación más antigua, todas completas y gratuitas. Eso sí, todas sus reproducciones vienen acompañadas por la inclusión de publicidad que aumenta o disminuye según la duración del programa en cuestión (desde una pausa para las comedias hasta tres o cuatro para los dramas). Cada "pausa" publicitaria suele contar con dos o seis spots, algo que también varía según de la duración de la reproducción.

En el aire desde: 2006.
Necesita registro: sí.
Cantidad de contenido: muy alto.
Contenido: gratuito.
Publicidad durante visionado: sí
Subtítulos: sí, pero no en todos los contenidos (mayoritariamente en los más antiguos).
HD: no.
Sistema de favoritos: sí.
Sistema de listas: sí.
Otros: Cuenta con la opción "Audio Description" para sordos.

ITV Player:

ITV Player es el más moderno, se encuentra online desde finales de 2008, pero posiblemente el menos atractivo para el usuario. Su contenido se encuentra colgado hasta un mes después de su emisión en televisión, gratuitamente, pero otros contenidos anteriores solo se pueden ver bajo previo pago. En muchas ocasiones este sistema se mezcla, ofreciendo una serie de episodios gratuitos y el resto de pago.

En el aire desde: 2008.

Necesita registro: sí.
Cantidad de contenido: medio.
Contenido: mixto (gratuito y de pago).
Publicidad durante visionado: sí
Subtítulos: sí.
HD: no.
Sistema de favoritos: no.
Sistema de listas: no.

Defiance, la apuesta de Syfy

2013-04-12T12:57:00.002+02:00

Desde su cambio de nomenclatura, Syfy quiso alejarse un poco de su imagen asociada a un público exclusivo de la ciencia ficción. Aprovechando el final de series y franquicias tan importantes para el canal como Stargate y, sobre todo, la reimaginación de Battlestar Galactica, la cadena perteneciente a NBC Universal se arriesgó a ampliar sus miras buscando un público algo más generalista, a la estela de otros canales de cable básico como USA o TNT. En la práctica esto supuso una apuesta mayor por la fantasía y los realities, así como un contrato con la World Wrestling Entertainment para hacerse con los derechos de emisión de uno de los programas insignia de la lucha libre americana, SmackDown. Pero echando un ojo a los últimos upfronts que presentó la cadena se avista una querencia por querer volver a otros tiempos pasados con la inclusión de varios proyectos que abrazan la ciencia ficción más clásica [1], esa que hacía reconocible al canal.

La joya de la corona y principal apuesta de la cadena para comenzar esta vuelta a los orígenes es Defiance, que nace como un proyecto transmedia muy ambicioso entre la televisión y la industria del entretenimiento doméstico. La experiencia Defiance se ha diseñado como un todo entre serie y videojuego que se retroalimentarán entre sí ofreciendo una experiencia inmersiva total en el contexto de la historia a los usuarios. El problema, claro está, será ver como funcionará en la práctica este intercambio entre iguales y, sobre todo, comprobar hasta que punto es una decisión acertada a la hora de desarrollar el devenir de la serie.

Por lo visto en su extenso piloto, Defiance es una amalgama de lugares comunes del género que apuesta por alejarse un poco de la solemnidad en la que parecía encontrarse últimamente la ciencia ficción televisiva más reconocible (las series conocidas desde hace tiempo como "las nuevas Lost") y parece tener la intención de volver a las formas e intenciones pasadas, los tiempos de los spin offs de Star Trek, Stargate o, por aquello de que comparten creador, Rockne S. O'Bannon, SeaQuest o Farscape. La premisa de la serie nos coloca en un futuro en el que la Tierra ha sido colonizada y devastada por una serie de aliens de distintas razas y en la que tanto nativos como visitantes conviven en una constante calma tensa entre ellos.

Así pues la serie recoge el espíritu fronterizo y de reconstrucción del western más clásico [2] y lo sitúa en un mundo fantástico de post guerra en el que los habitantes de Defiance, la antigua St. Louis, forman una comunidad heterogénea de diversas razas con intereses políticos y económicos propios. Todo ello revestido con una la lograda ambientación, que se aprovecha de una producción mixta entre un maquillaje más clásico y unos efectos digitales bastante resultones, no nos olvidemos que esto sigue siendo televisión, a cargo del mismo equipo que ya sorprendió con Galactica [3]. En definitiva, Defiance es una serie que bebe mucho de sus referentes y que por ello cae constantemente en tics y tópicos del género. Pero por encima de ello hay un interés por el entretenimiento más puro unido a una producción por encima de la media que la convierten en un producto interesante que se aleja lo suficiente de las propuestas que le rodean, llenando así un hueco que parecía vacío hasta ahora.

[1] Entre estos proyectos se puede destacar el remake del clásico de Terry Nation (creador de los Daleks de Doctor Who) Blake's 7, la adaptación de la saga literaria del Mundo Anillo o Helix, el nuevo proyecto de Ron "Galactica" Moore.

[2] Aquí los referentes son, salvando las distancias, Deadwood y Firefly.

[3] No es el único aspecto que comparten Defiance y Galactica. Ambas series tienen como compositor al gran Bear McCreary. En Spotify ya pueden escuchar la banda sonora del videojuego, que comparte muchos temas, si no todos, con la serie.

Basura and TV Podcast 1x12: Anarquía

2013-04-12T03:30:00.002+02:00

¡Volvemos con un nuevo programa de Basura and TV! Bueno, lo de volver es un decir porque otra semana más no tenemos alineación completa, ya que Álex falta a la cita. Pero no pasa nada porque Mauro y el bloguero del mes Fer suplen su falta con un programa lleno de información, series y mucho, mucho descontrol aprovechando que no está el jefe.

Fer nos habla de la edición del BirraSeries de Valencia que se celebrará el sábado 13 en, claro está, Valencia, Mauro resume los últimos movimientos de los late night de la casa de los líos (a.k.a. NBC) y ambos acaban divagando sobre lo zombie y lo humano mientras comentan la nueva miniserie de la BBC, In the Flesh.

Minuto y Resultado:

Intro

BirraSeries Valencia 4:30

Late Nights NBC 15:00

In the Flesh 27:00

La Gramola:

- Opening: Anamanaguchi - Airbrushed.

- Intro/Programa: Michael Haggins - Daybreak.
- In the Flesh: John Murphy - 28 Days Later OST.

- Ending: Alaska y Dinarama - Mi novio es un zombie.

Los Enlaces de Mauro:
- Minecraft Reality.
- History of Rap.

[+] Lista de Soptify con la música del podcast.

In The Flesh y lo zombie

2013-04-10T00:42:00.005+02:00

¿Está lo zombie de moda? Indudablemente el género lleva un par de años acaparando un mercado generalista con éxitos en papel, televisión y gran pantalla. Los The Walking Dead, Guerra Mundial Z y derivados, por no meternos en terrenos ajenos como los videojuegos y sagas como Resident Evil, son franquicias de primer orden que enganchan a millones de personas en todo el mundo y hacen millonarios a sus autores. Pero lejos de este boom moderno que aparece al amparo del éxito de la explotación de otros monstruos del imaginario colectivo como son los vampiros, el género zombie, por su relación con la condición humana, siempre ha estado en boga. Como contexto, lo zombie siempre se ha utilizado como reflejo de los tiempos en los que le ha tocado vivir, constituyendo grandes manifiestos sobre la naturaleza humana. Por ello, se podría decir que es un género que está continuamente en reinvención y que siempre encuentra nuevas formas de expandir sus límites.

Siguiendo esta estela que series como Dead Seat o The Fades ya tomaron antes y con cierto aire reformista y casero que recuerda a la vuelta que le dio Toby Whithouse a los canones del terror con Being Human, nace esta In The Flesh, miniserie de la BBC de tres episodios creada por Dominic Mitchell cuyo punto de partida es toda una declaración de intenciones arriesgada. ¿Qué pasaría sí pudiéramos devolver la conciencia y la civilización mediante medicamentos a los muertos vivientes? La historia se centra en un joven, Kieren, que tras su "recuperación" vuelve a su pequeño pueblo y debe enfrentarse a la incomprensión y rabia de unos vecinos a los que no caía bien cuando estaba vivo y mucho menos ahora que es un ex devorador de personas.

De producción humilde pero de aspiraciones altas, In The Flesh es una historia de redención que explora los caminos de la culpa, la incomprensión y la intolerancia. Es ante todo un drama familiar que se centra en la figura rota de un adolescente inseguro y su búsqueda por lograr la estabilidad emocional que estando vivo nunca consiguió. Durante los cincuenta minutos que dura cada episodio no predomina la acción ni el gore, aunque están ahí, pero sí el dialogo y la pausa. Su relato es violento y desgarrador pero no de forma literal y no se toma molestia alguna, a estas alturas algo siempre positivo, en dar muchas explicaciones a su parte más mitológica [1].

Lamentablemente abre demasiadas vías que por su duración y condición de miniserie no explora demasiado y deja abiertas. Aunque el futuro de la serie no está cerrado, nunca se sabe, se torna bastante difícil que haya más In the Flesh en un futuro. Es una lástima, porque se esfuerza en crear un universo que posibilita una gran oportunidad para desarrollar una historia más longeva y, sobre todo, inexplorada por ahora. Pero nos queda el consuelo de saber que lo zombie siempre podrá "alimentarse" de lo humano y que más productos como In The Flesh llegarán para ocupar su hueco.

[1] No sabemos porque se alzan los muertos vivientes y poco se conocemos de ellos excepto que, al contrario que en la mayoría de revisiones del mito, sus mordeduras no causan contagio.

El menú de Hannibal

2013-04-03T02:02:00.001+02:00

Entrantes

Hannibal es el nuevo proyecto de Brian Fuller para televisión tras el fallido, no por calidad, piloto de la reimaginación de la familia Munster, Mockingbird Lane. Se trata de un acercamiento a la figura de Hannibal Lecter que toma como punto de partida los pasajes de Red Dragon de Thomas Harris en los que se presenta los inicios del investigador Will Graham, némesis del Doctor Lecter y verdadero protagonista de la historia. Con un formato de trece episodios, más cercano a lo acostumbrado a ver en las cadenas de cable, la serie apuesta por un relato policial equilibrado entre lo serial y lo autoconclusivo que bebe mucho de series como The Good Wife o Justified, mientras que sube el listón de lo que se puede mostrar o no en una network americana gracias a un gusto muy marcado por lo sangriento. Hannibal se estrena este jueves 4 de abril en la cadena NBC mientras que a España llegará a AXN una semana después, algo siempre de agradecer, el 11 del mismo mes.

Primero, Sesos de Creador

Hannibal es hija de Brian Fuller, aunque sea la creación que a primera vista más se aleja de su producción anterior. El creador de las coloridas Pushing Daisies o Wonderfalls siempre ha tenido debilidad por desarrollar argumentos fuera de lo común y bastante vinculados con la muerte, pese a ser productos eminentemente para todos los públicos. El pastelero Ned de Pushing Dasies, capaz de resucitar a los muertos con un solo toque, los caza almas de Dead Like Me o el carismático pero letal asesino abuelo Munster son claros ejemplos de la habilidad de Fuller para equilibrar conceptos dispares entre sí, siempre aderezados con un humor negro y punzante único y reconocible. Con Hannibal llega la sobriedad, permitiéndole desarrollar un drama más al uso pero en el que todavía hay rastros de la firma del autor, con diálogos repletos de dobles sentidos macabros y la inclusión de los más desequilibrados y originales psicópatas que la mente pueda imaginar.

Segundo, Entrañas de Actor

La serie es, por una parte, un policíaco de la vieja escuela que se cuece lento pero seguro y, por el otro, un duelo interpretativo entre Hugh Dancy y Mads Mikkelsen. El primero interpreta a un atormentado ex detective experto en perfiles psicológicos que posee unos niveles de empatización tan altos que le alteran la conducta y le permite conectar más con los asesinos que persigue. Es un personaje inestable al que su habilidad le llega a disgustar y perturbar, un protagonista con fisuras y astillas, el héroe imperfecto que es símbolo de nuestro tiempo. El segundo es una eminencia en el campo de la psicología, un doctor de refinados gustos y modales que se aprovecha de su conexión con el FBI como consultor para dar rienda a su más querida pasión, el canibalismo modalidad cinco tenedores. Ambos forman la espina dorsal de la serie y sus interacciones dialécticas conforman un aperitivo del duelo de mentes maestras que está por llegar entre los dos. Pero sin duda la atrayente figura de Mikkelsen le convierte en un joven Hannibal convincente y seductor desde el minuto uno sin la necesidad, como es costumbre con el personaje, de ser el acaparador de todo el metraje.

Postre

No solo estamos ante una serie interesante en lo argumental si no también en lo estílistico. Hannibal posee una atmósfera inquietante debido a la mezcla de sobriedad de escenarios por una parte y la inclusión de elementos tétricos y siniestros por otro. A ello hay que sumarle el uso de ensoñaciones y recursos oníricos para retratar los miedos y habilidades del detective Graham que aportan a la ecuación leves toques de surrealismo. Nos encontramos con una serie arriesgada en su planteamiento y ejecución pero muy interesante en sus intenciones. Además, puede que el formato acortado de trece episodios le venga muy bien para no regodearse en sí misma e ir episodio a episodio contando la historia que quiere contar sin demasiadas interrupciones. En definitiva, una deliciosa apuesta gourmet para todo tipo de paladares dispuesta a ser degustada lentamente pero sin pausa.

Juego de Tramas

2013-04-02T01:06:00.000+02:00

La reina de las series ya ha vuelto con su tercera temporada y medio mundo ya habrá podido ver su vuelta, que por algo es la serie más descargada [1]. A estas alturas, enumerar las cualidades de Juego de Tronos está un poco de más, así que podemos hacerlo deprisa, corriendo y de carrerilla. La adaptación televisiva de Canción de Hielo y Fuego es un relato épico, sucio, ambicioso y todo lo fidedigno que el trasvase de formato le permite. Es la reina de la corona de HBO y, según avanzan los años, se va encontrando con un grave problema. El universo y personajes que ha ido desarrollando es tan vasto que la calidad de la serie corre el peligro de resentirse por no poder contar con el tiempo adecuado para hilar tan fino como ha venido demostrando.

Ya se vio en la parte final de la segunda temporada y se ha seguido viendo en esta premiere. Hay una narrativa apresurada que genera una sensación de alejamiento entre todos los focos de acción de la serie, que no son pocos. Ya desde sus elaborados créditos se nos avisa de todas las localizaciones que vamos a visitar que, además, nunca son suficientes. Incluso en un primer episodio de temporada ejemplar en el sentido de unir los nexos con el episodio anterior [2] y asentar las nuevas bases la serie no se puede permitir hacer un repaso a todos su frentes abiertos, obviando tramas como las de los pequeños Stark o esa extraña pareja que forman Jamie Lannister y Brienne.

¿Pero existe alternativa? Yo creo que no. Juego de Tronos es, por concepto, una serie con una jerarquía muy poco ajustada. Es la más coral de todas las series corales y ese es su talón de Aquiles. No posee un arco argumental principal que sirva de pegamento para todas sus historias. Y es que un buen castillo necesita de un buen cemento entre sus piedras para poder aguantar lo que le echen. Su relato es en ocasiones ansioso, deseoso de saltar de escena en escena por la necesidad de contar todo lo Benioff y Weiss quieren contar. Esto le otorga muchas veces un ritmo que otras series querrían, sí, pero a costa a veces de simplificar a sus personajes, de no encontrarle minutos para su definición. Y esta falta de conexión entre sus partes es la que evita que la serie pudiera tener otro formato episódico, porque de lo contrario una narración como la de Lost, otra serie con la coralidad por bandera, le vendría que ni pintada.

En definitiva, Juego de Tronos es una serie que, por concepto, se enfrenta a una dificultad base que bastante bien suele torear. Por muy bien que se ajuste en ciertos sentidos el texto original a las formas televisivas es evidente que a veces tiene que hacer malabarismos para encajar libros de casi mil páginas en diez horas de televisión. Unas veces lo consigue satisfactoriamente, como cuando aglutina diferentes personajes e historias en una sola o como cuando se toma las licencias de aportar nuevas escenas al relato. Pero otras no. Es el precio que tiene que pagar por mantener su fidelidad hacia el texto original. Un handicap impuesto por su condición de adaptación.

[1] Algo que en HBO no parece preocupar mucho.
[2] Buen detalle para los amantes de la saga. El último episodio de la segunda temporada se llamó Valar Morghulis, expresión que en el contexto de la serie significa "todos los hombres deben morir" y que siempre va acompañada como respuesta por Valar Dohaeris, el título de este primer episodio, "todos los hombres deben servir".

Basura and TV Podcast 1x11: 30 Rock

2013-03-22T03:10:00.004+01:00

Tras muchos problemas, técnicos y humanos, que esperemos que hayan merecido la pena, volvemos una semana más antes del parón de Semana Santa para traeros un especial 30 Rock, nuestro pequeño homenaje a la comedia de Tina Fey que hace unos meses terminó con su séptima temporada. No está Fer, que como no tiene ni idea de nada odia la serie, pero unos renovados, acústicamente hablando, Álex y Mauro se ponen el traje de gala para homenajear a tan magna comedia.

Bates Motel y la empatía

2013-03-20T21:00:00.002+01:00

A la hora de analizar la figura del protagonista o héroe de una serie de televisión es muy importante tener en cuenta el contexto histórico y como la televisión es un claro reflejo de los tiempos que recrea. Así pues no se entendería M.A.S.H., por ejemplo, sin las consecuencias de la guerra de Vietnam así como la afluencia de antihéroes llenos de grises está claramente relacionado al impacto generado a partir de los atentados del 11 de septiembre. Jack Bauer, Gregory House o Dexter Morgan nacen al amparo de un gran cambio social, de desasosiego y de perdida de la inocencia. Es el tiempo televisivo del fin justifica los medios, del hombre destrozado, del protagonista que intenta luchar contra sus fantasmas, en definitiva, de la imperfección y amoralidad como reflejo del hombre moderno. Pero cabe preguntarse hasta que punto se puede estirar este concepto en televisión, cuando el espectador, tan animoso de encontrar historias y personajes con los que empatizar, va a decir basta.

En Dexter nos encontramos con un autentico serial killer, un psicópata de libro moralmente despreciable, sí, al que se le aplica una fórmula edulcorada para ponerlo del lado de la audiencia. El dotarle de un código de conducta y enfrentarle a asesinos que son aún peor amenaza que él le separa de ser considerado el villano que en realidad es a representar más el papel de enfant terrible. En Luther, con la posibilidad que brinda la televisión británica de ser menos complaciente, tenemos el ejemplo de Alice Morgan, una sociópata narcisista y extremadamente inteligente que se vanagloria de sus actos homicidas como actos de prestigio y poder. De nuevo un ser a todos los niveles despreciable que, sin embargo, está dotado con un aura de misterio y falsa fragilidad que en seguida atrae la atención del espectador.

Estos son solo dos ejemplos, de muchos más, de como van evolucionando los límites ficticios con los que nos podemos encontrar en televisión. Como, poco a poco, hemos ido aceptando como normales, como partes del entretenimiento, situaciones y actos que por muy ficticios que sean son totalemente reprochables. Y toda esta parrafada no es más que una introducción para hablar sobre Bates Motel, la precuela-reimaginación (aún no está muy claro) [1] por parte de Carlton Cuse, Kerry Ehrin y Anthony Cipriano para el canal A&E de la figura de Norman Bates.

El problema con el que se encuentra toda precuela es que tiene que luchar contra el conocimiento previo. Todo espectador que se acerca a Bates Motel conoce la existencia de Psicosis y, desde luego, conoce el destino de Norman Bates. Así que el reto que tiene como serie es el de equilibrar un drama que, por una parte, es una interesante y perturbadora historia sobre la insana relación entre una madre y un hijo que se se mudan a una casa parada en el tiempo para poder regentar un motel en medio de una nada misteriosa y, por la otra, tiene la necesidad de funcionar como un origen y desarrollo de un mito que tampoco necesitaba tal explicación [2], siendo en lo primero cuando Bates Motel, por ahora, da lo mejor de sí.

Pero siguiendo con la tesis inicial es interesante como la serie, ya en su primer episodio, da una muestra de las intenciones que tiene por seguir explorando hasta que punto se puede habituar el espectador a ver en un producto de ficción televisivo. Hay poco de edulcorable en las actitudes y en las acciones de Norma y Norman Bates, tanto en las que vemos como en las que intuimos. A eso hay que sumarle una recreación dentro de la serie por la explotación hacia la violencia sexualizada contra la mujer, todo un cliché dentro del género, que por su explicitud y repetición contrasta con el tono del resto del relato, más preocupado en la sutilidad.

Es interesante, pues, comprobar como va a evolucionar esta Bates Motel. También lo será ver que acercamiento se hace a la figura de Hannibal Lecter en la precuela que la NBC está también apunto de estrenar y que también representa un reto en el retrato de este tipo de personajes más negros que grises, teniendo en cuenta además que a diferencia de Bates Motel, Hannibal se emitirá en una network alejada de la complacencia del cable americano.

[1] Aunque la serie esté ambientada en la actualidad, tiene un regusto en la producción, ambientación y vestuario muy clásico.

[2] Algo que la secuelas de Psicosis, por cierto, ya se encargaron de hacer.

Basura and TV Podcast 1x10: Esto debería ser un reality

2013-03-15T20:23:00.002+01:00

Llegamos a las dos cifras! Décimo programa del podcast en el que comentamos en fenómeno KickStarter que Rob Thomas ha comenzado con el proyecto de la película de Veronica Mars y analizamos, es un decir, la segunda temporada de Black Mirror y el estreno de Vikings.

Minuto y Resultado:

Intro

Película Veronica Mars 4:00

Black Mirror 16:00

Vikings 45:00

La Gramola:

- Opening: Anamanaguchi - Airbrushed.

- Intro/Programa: Michael Haggins - Daybreak.

- Ending: 2 Mello - Public Chrono Announcement.

[+] Lista de Soptify con la música del podcast.

SNL: No hay quinto malo

2013-03-12T14:35:00.001+01:00

No hace falta ser un fan completista de Saturday Night Live para saber que, a día de hoy, no hay mejor host para el show que Justin Timberlake. El chico para todo [1] demuestra en cada aparición por qué representa la figura del presentador perfecto. Su dominio de todas las artes escénicas, sus tablas y su predisposición para hacer el ridículo convierten cada aparición suya en un must see. Evidentemente tanta loa representa un arma de doble filo ya que las altas expectativas suelen jugar siempre en contra. Y más cuando entras en el honorable club de los cinco. The Five Timers Club es como se conoce al grupo de gente que ha presentado o aparecido como invitado musical en SNL al menos cinco veces. Una ilustre lista de artistas fetiche del programa que debe su creación y nombre al sketch que abrió el programa en el que Tom Hanks fue el presentador por, venga esta es fácil, quinta vez.

Era diciembre de 1990 y un jovencísimo Conan O'Brien, que por aquel entonces era guionista del programa, le daba la bienvenida a Hanks al club de los cinco. Dentro le esperaban Steve Martin (15), Elliott Gould (6) y Paul Simon (12) [2], ilustres miembros del club, y no faltaron otras apariciones como la de Jon Lovitz o Ralph Nader. Como se habrán dado cuenta, el monologo inicial de Timberlake el pasado sábado no es más que un homenaje a este mítico sketch, que no solo repetía estructura si no invitados especiales. Repiten Martin, Simon y Hanks (8) y les acompañan otros miembros del club como Chevy Chase (8) [3], Candice Bergen (5) o Alec Baldwin (16) [4]. Se hace referencia a otros miembros como Drew Barrymore (6) [5] o John Goodman (12) [6] y hacen aparición especial otros dos sospechosos habituales como Dan Aykroyd y Martin Short, propiciando este último una reunión de ¡Three Amigos! con Chase y Martin.

Era evidente, tras esta muestra de nostalgia, que no nos encontrábamos ante una edición normal del programa y que Lorne Michaels había quemado todas las naves para hacer de la quinta aparición de Justin Timberlake no solo un gran programa, si no una recopilación de sketches y personajes recurrentes y clásicos potenciados por la temprana vuelta de Andy Samberg, figura principal dentro del éxito de Timberlake en SNL. Así pues, comenzamos con un sketch génerico de programa de citas en el donde un cada vez más sensacional Bobby Moynihan se enfrentaba por un lado al duo "Dick in a Box" formado por Samberg y Timberlake y, por el otro, a los míticos hermanos Festrunk de Martin y Aykroyd, los two wild and crazy guys.

Le siguió otro clásico de Timberlake, el "bring it on down to somethingville", esta vez vestido de tofu y versionando canciones sobre el vegetarianismo con mención forzada, ¡hola internet!, al Harlem Shake y ante un Moyniham de nuevo que clava como nadie el papel de hombre humillado. Y tras el típico anuncio falso, esta vez sobre anillos anticonceptivos de pedrería, llegaba con el Weekend Update otro esperadísimo regreso, el de Stefon, el corresponsal en Nueva York de excéntricos gustos interpretado magistralmente por Bill Hader y del que cuesta creer, viendo los referentes, que dentro de poco no vaya a protagonizar algún que otro spin-off en forma de película. Después del Update, llegó la hora para el único sketch original del programa, y posiblemente el más fallido, The Tales of Sober Caligula, y la vuelta de otros dos hits, Main Justice y las chicas de Swarovski, con unas emormes Vanessa Bayer y Cecily Strong. Entre medias, doble actuación musical por todo lo alto de Justin, con aparición sorpresa de un Jay Z rendido a la causa y falso trailer de comedia romántica, esa en la que se está especializado Timberlake, en el que se señala con mucho tino todos los tics del género.

Saturday Night Live no entra en esta vorágine todos los días pero sin duda, cuando lo hace, suele elegir bien el momento y los protagonistas. Y hoy en día no hay mejor protagonista que un Justin Timberlake al que si las cosas le van bien no será la última vez que veamos por SNL. Ni la penúltima. Que tiemblen Steve Martin y Alec Baldwin.

[1] O para casi todo, ya que no sabe tocar el banjo
[2] Tres como host, una como host e invitado musical en el mismo programa, y ocho como invitado musical.
[3] Que no solo es el primer alumno de SNL en volver a presentar un programa, si no que es el ex que más veces lo ha hecho. El cómo ha llegado a tal cifra si es de dominio público que nadie le soporta es algo que solo tiene sentido teniendo en cuenta la enormidad e importancia de la figura de Chase.
[4] Alec Baldwin tiene el record de de aparecer como presentador del programa. En el sktech que continua con la tradición de este Five Timers Club, Platinum Lounge, le vemos a él y Steve Martin en una sala en la que solo pueden entrar aquellos que hayan llegado a la cifra de doce apariciones.
[5] La presentadora más joven en aparecer en SNL, con solo siete años.
[6] Que presento al menos un programa durante once temporadas consecutivas.

Bassura and TV Podcast 1x09: Hilando ese episodio de Los Simpson

2013-03-09T13:51:00.000+01:00

¡No estábamos muertos, estábamos de parranda! Basura and TV, el podcast que suena como el culo pero que sí le coges carió no está tan mal vuelve tras unas semanas de hiato y un episodio fantasma para hablar un poco sobre tres comedias de la noche de los jueves de NBC.

Así que con nuestros fallidos argumentos de siempre intentamos saber qué le pasa a Community, nos adentramos en la genialidad de Parks and Recreation y decimos sí a las decisiones tomadas por Greg Daniels para el más que próximo final de The Office.

Minuto y Resultado:
Intro
Community 10:00
The Office 27:00
Parks and Recreation 41:00

La Gramola:
- Opening: Anamanaguchi - Airbrushed.
- Intro/Community/The Office/Parks and Recreation: Michael Haggins - Daybreak.
- Ending: MouseRat - 5000 Candles in the Wind.

Los enlaces de Mauro:
- Discurso de Dan Harmon.
- Smell yo Dick (original).
- Smell yo Dick (Nick Offerman y Nanci and Beth).

[+] Lista de Soptify con la música del podcast.

Vikings

2013-03-05T02:29:00.004+01:00

Después del éxito de Hatfields & McCoys (que entre premios técnicos y de relumbrón se llevó cinco Emmys en su edición de 2012) History Channel vuelve a la ficción con Vikings, abandonando el formato mini serie y optando por una seralización clásica. Y otra cosa no, pero para empezar se puede decir que la serie creada por Michael Hirst (The Tudors) no se anda por las ramas y ofrece lo que promete desde la brevedad de su título. Todo aquello que el imaginario colectivo, ese que no siempre va de la mano de la rigurosidad histórica, identifica con la figura del vikingo. Guerreros sangrientos temerosos de los dioses, expertos en incursiones y pillajes y rudos conquistadores. Y desde la primera escena ante créditos de la serie en la que vemos a Ragnar (Travis Fimmel, un australiano [1] que perfectamente podría pasar por doble de Charlie Hunman) y su hermano Rollo (Clive Standen) en pleno frente de batalla esa intención de la serie queda más que demostrada.

Es pues, alejándose de cierta profundidad que inunda muchas de las series actuales, una serie bastante más preocupada en el entretenimiento inmediato que de la ambición a gran escala de una Game of Thrones, por ejemplo. Recordando más el legado de las series de aventuras noventeras que otra cosa y tomando ciertas licencias en pos de buscar ser más agradable para los estándares del espectador de cable básico (todo hace indicar que el grado de violencia física o sexualidad no va a ser nunca elevado), Vikings consigue ser una agradable sorpresa y empieza a desarrollar desde el comienzo, o eso parece indicar, su propia leyenda sobre Ragnar Lodbrok, uno de los más famosos monarcas vikingos.

Como su planteamiento, su producción no llega a ser muy ambiciosa pero es lo suficientemente cumplidora como para no sacarte de la historia [2]. Y es que lo mejor que se puede decir de Vikings es que se sabe la hija fea y con menos recursos y acepta su condición de serie menor con dignidad. Como primer serie al uso de la cadena su mayor reclamo publicitario se encuentra en Gabriel Byrne, que interpreta al Earl Haraldson, un antagonista un poco de opereta de larga peluca gris que no le hace exprimir mucho su talento actoral precisamente. Completan el relato Katherine Winnick como Lagertha, mujer de Ragnar y arquetipo de mujer guerrera y Jessalyn Gislig como Siggy, mujer trofeo del Earl y personaje florero por ahora, el menos desarrollado.

En definitiva, Vikings es una agradable sorpresa dentro de un panorama algo desolador. No es una serie que requiera de una atención especial o de una profunda revisión crítica semanal pero es, entrando en su propuesta, entretenimiento de primer orden de la vieja escuela. Un buen tanto para el Canal Historia [3], sin duda.

[1] Dato: entre los actores principales solo encontramos a un escandinavo, el sueco Gustaf Skarsgård (Floki). Ya saben, los más famosos con caché televisivo están ocupados siendo Jamie Lannister (Nikolaj Coster-Waldau) o Hannibla Lecter (Mads Mikklesen).

[2] A excepción, claro, del mayor problema de inmersión que suelen tener estas series que recrean tiempos higiénicos pasados. Todo el mundo parece mucho más aseado de lo que el sentido común nos dicta, por no hablar de esas dentaduras blancas y perfectas que todo hijo de Odín luce.

[3] Y aunque esto sea History Channel no se preocupen. No hay nazis o marcianos en Vikings. Por ahora.

El final de Parks and Recreation

2013-03-04T02:07:00.002+01:00

Si ustedes andan con pies de acero por Internet y son capaces de esquivar todo tipo de tweets, noticias, entrevistas, notas de prensa, trailers y fotos promocionales es posible que a continuación se encuentre con algún que otro mínimo spoiler. Que ya sería mala suerte que después de tanto trabajo llegarán aquí y, ¡bam!, a tomar por saco tanta precaución. Así que ya saben, si son spoilersfóbicos deberían dejar de leer ahora. Aunque como un sabio dijo un día, "no es tan importante el qué si no el cómo".

No se asusten por el título, que Parks and Recreation no ha acabado aún. Pero ha podido hacerlo ya en numerosas ocasiones, tantas como temporadas lleva en antena. Y es que no es ningún secreto que la audiencia de la serie es inversamente proporcional a su calidad y que cada final de temporada se enfrenta a la incertidumbre de la cancelación. Es por ello que cuando en cada final de temporada vemos como se cierran a lo grande las tramas de cualquiera de los personajes no solo se hace por un tema de estructura o de estilo si no que también se debe a razones de práctica y poca fe, puesto que cada final de Parks and Recreation ha sido diseñado pensando en la posibilidad de que fuera el último.

Eso nos lleva a Leslie y Ben, el decimocuarto episodio de la quinta temporada de la serie, el decimotercero [1] en el calendario de producción oficial y el último de la primera tanda de episodios que NBC ordenó antes de, gracias, decidir darle temporada completa al uso a la serie. Un episodio que fue escrito, producido y previsto como más que posible final de la serie y que desborda por los cuatro costados esa sensación. Sumamente divertido a la vez que dulce y nunca empalagoso, como solo Parks and Recreation es ahora mismo capaz de hacer, el capitulo acaba reuniendo alrededor de Leslie Knope (la siempre inconmensurable Amy Pohler) a toda una serie de personajes que están ahí por la influencia que ella ha supuesto para todos ellos. Una influencia que ha sido contada desde el primer episodio de la serie y cuya concordancia final es esa boda. Un cierre grandioso, cíclico y coherente. Un ensayo de veintidós minutos sobre la personalidad y comportamiento de los diferentes caracteres de la serie. Pero, claro, no es el final.

Porque como ya les he dicho la serie consiguió una temporada completa y podrá seguir indagando en las vidas de estos trabajadores del departamento de parques de Pawnee. Una oportunidad para ser testigos del cumplimiento de otra etapa vital en las relaciones de estos personajes. Además, gracias a la inteligente decisión de emitir en la misma noche el siguiente episodio se consigue no dar la sensación anti climática de continuación no esperada que se podría haber notado, más si tenemos en cuenta el parón de dos semanas que va a sufrir la emisión de la temporada. Así, "Correspondents’ Lunch” continúa con la dinámica de la serie acertando en pasar la página de la boda rápidamente y devolviendo a la serie a su camino habitual, directa hacia el siguiente gran evento que, como cada año, no sabremos si es el final o no.

[1] Women in Garbage es el episodio de la segunda parte de la producción que se "coló" entre estos primeros trece.

Feminismo, ¿diversidad?, Bunheads

2013-02-27T18:06:00.002+01:00

Glosar las virtudes de Bunheads (ABC Family, 2012-...) no es una tarea harto complicada. Tras el fracaso que supuso The Return of Jezebel James Amy Sherman-Palladino decidió volver a la fórmula que le dio el éxito y para ello creó un contexto argumental para el lucimiento artístico de la talentísima Sutton Foster. Es por ello que Bunheads posee, indudablemente, "la marca Gilmore" y se podría englobar perfectamente en el mismo universo ficticio en el que se encontraba Gilmore Girls como si de un spin off de la misma se tratara. Y es que no son pocos son los momento en los que Bunheads lleva al espectador al recuerdo de la vida en Stars Hollow. Y no solo en lo formal, con esos inteligentísimos y referenciales diálogos que se escapan de las bocas de sus personajes de manera frenética, o en el empeño de poco a poco reciclar a todo actor icónico que paso por Gilmore Girls, si no en la vuelta a muchos de los temas capitales de la obra de Sherman-Palladino.

Bunheads, pues, es de nuevo un relato femenino y feminista en el que se exploran las relaciones personales entre un grupo de mujeres de tres generaciones diferentes. Mientras que en Gilmore Girls estas relaciones se construían al rededor de los lazos familiares (abuela/hija/nieta) en Bunheads se eliminan esos lazos pero se mantienen los roles. Madame Fanny se convierte en la figura materna que Michelle nunca tuvo mientras que esta se convierte en el modelo a seguir de las jóvenes bailarinas, especialmente para una Sasha que la ve como la figura materna que no reconoce en su propia progenitora. La catártica llegada de Michelle a Paradise es el punto de partida de una serie que durante la primera parte de la temporada muestra como la influencia de la vida en el micro universo que representa ese "paraíso" cambia la visión de la vida que Michelle tiene ofreciéndole una estabilidad personal y emocional que nunca creería que encontraría ahí y que tras su vuelta en invierno revierte el relato para enseñar como precisamente su estancia en el pueblo ha servido también para cambiar la vida de los que le rodean.

Pero como decía, Bunheads es una serie sobre mujeres, pero no solo para mujeres. La serie trata desde una perspectiva femenina (algo que no ocurre mucho en televisión) sobre temas universales y lo hace con una naturalidad tremenda. Los papeles masculinos están siempre relegados a un segundo plano, pero nunca caricaturizados (o más caricaturizados de lo que los personajes secundarios de Sherman-Palladino suelen ser), aunque es cierto que se echa de menos una figura principal masculina de importancia por aquello del equilibrio y la replica como lo era Luke en las Gilmore, por ejemplo. Pero hablando de equilibrios hay que hablar de la falta de diversidad racial evidente en la serie que Shonda Rhimes ya puso en boca de todo Interntet y que obligó a la autora de la serie a responder embarrando más la situación al darle la vuelta a la discusión argumentando que las mujeres deberían apoyarse más entre ellas en un mundo tan masculino como el de la televisión. Una respuesta que no solo no respondía a la crítica original si no que abría un tema de discusión más escabroso. ¿Si es lícito apoyar la presencia de la mujer en televisión no sería igual de lícito apoyar la diversidad racial? Y aunque es cierto que desde un punto de vista cómico podría resumirse el universo de Bunheads como "Super White Girls Problems", no es menos cierto que la falta de diversidad, en este caso, no tiene que implicar nada negativo. La serie pierde la oportunidad de desarrollar sus temas desde diferentes puntos de vista, desde luego, pero no olvidemos que la omisión de un tema no significa la negación del mismo, que es imposible, y desvirtuoso, escribir una historia con la idea de agradar a todo grupo social y que, como autora, Amy Sherman-Palladino tiene todo el derecho de contar lo que quiera (o pueda), como quiera (o le dejen) y en boca de quien quiera sin ser por ello sospechosa de nada.

Pero dejando al lado polémicas y paralelismos hablemos para finalizar de la voz propia de Bunheads, la voz artística. La serie demuestra que su argumento no es solo circunstancial y cada episodio saca provecho de los diversos talentos de sus actrices. Ya sea con elaboradas coreografías de danza o íntimos solos no hay episodio de la serie que no nos regale un número musical de categoría o integre las rutinas de las bailarinas en la historia, llegando a momentos casi perfectos de dirección como esta escena en la que las bunheads discuten durante las prácticas. Pero para quien escribe, el summun de estas dinámicas llega con el final de The Astronaut and the Ballerina (1.14) donde los hermanos (en la ficción y en la realidad) se marcan este cover de la famosísima Tonight You Belong to Me que, aunque haya sido mil veces interpretada, te lleva directamente a esta escena de The Jerk entre Steve Martin y Bernadette Peters.

Cartoon Hangover

2013-02-24T23:45:00.000+01:00

Antes de que Adventure Time se convirtiera en un fenómeno de masas televisivo en Cartoon Network, la serie de Pendleton Ward ya era un fenómeno de masas de Internet de millones de visitas gracias a YouTube. Ese fue el inicio del idilio creativo de Ward con Frederator Studios, la productora de animación independiente fundada en 1997 por Freid Sebert. Idilio que desde noviembre del año pasado, a razón de episodio por semana, se ve aumentando con el lanzamiento de Bravest Warriors, una adorable locura espacial marca de la factoría que, gracias a la libertad creativa que ofrece no estar ligado a una cadena televisiva, llega a niveles de texto y situaciones que en Adventure Time se pueden intuir pero nunca mostrar.

Cada jueves, en el canal de YouTube Cartoon Hangover, un nuevo episodio de Bravest Warriors puede ser visto en gloriosa alta definición. Creada inicialmente para el contenedor Random! Cartoons [1] de Nickelodeon, el mismo programa donde originalmente se emitió ese primer corto de Adventure Time al que hacía alusión al principio del artículo, la serie es una colección de pequeñas capsulas en las que todo el imaginario de la ciencia ficción y aventura se ve distorsionado por ese filtro psycheteen marca de la casa que Breehn Burns (Dr. Tan), Will McRobb y Chris Viscardi (The Adventures of Pete & Pete) recrean casi a la perfección. Porque si hay que achacarle algo a esta Bravest Warriors es que al no contar con las restricciones que su hermana mayor sí tiene se pierde mucho en la auto complacencia de poder hacer todo lo que quiera. Y es que muchas veces, y como constante en el mundo del arte, las restricciones son el caldo de cultivo que hace crecer la imaginación y la calidad. A su favor, eso sí, una duración que raramente excede de los cinco minutos y que le aporta un ritmo frenético de chistes y situaciones.

Y desde prácticamente la misma fecha que Bravest Warriors, por el canal sin censura de Cartoon Hangover, se puede ver también SuperF*ckers, adaptación del cómic del mismo nombre de James Kochalka que no abandona el estilo independiente de un material original que aborda el género super heroico desde la colorista perspectiva de un grupo de adolescentes aspirantes a vigilantes de rudos modales e insanas costumbres que entre sus voces cuenta con David Faustino (Matrimonio con Hijos) y Jaleel White (y si os tengo que poner entre paréntesis quien es Jaleel White y porque serie es famoso es que posiblemente no deberían estar leyendo este blog).

[1] Y ahora, un poquito de historia. Random! Cartoons es un spin off de Oh Yeah! Cartoons, ambas producciones de Freid Sebert, que a parte de ser el fundador de Frederator Studios, como ya hemos dicho, ha sido jefazo de MTV Networks (dueña de Nickelodeon) y Hanna-Barbera.

[+] Para seguir todas las novedades de estas dos series les recomiendo seguir con afán sus estupendos Tumblrs (Bravest Warriors, SuperF*uckers) alojados, posiblemente, en el servicio web que más se ajusta al estilo y público de la serie.