azulbleu

On a besoin de tous les couleurs pour faire un monde

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Mon, 02 Jun 2014 22:36:00 +0000

Es un refrán francés que explica con claridad lo que toda persona debe saber: Para crear el mundo hacen falta todos los colores.
Al pintar seleccionamos colores entre todos los posibles. Cada pintor suele trabajar con unos colores determinados. Es lo que se llama la paleta del pintor, es su gama cromática. Son muy conocidas la época azul y la época rosa de Picasso. En cada una de esas etapas Picasso creó sus obras con una paleta en la que predominaban los azules o bien los rosas.

Como se ve en estos ejemplos, pintar un cuadro es crear un mundo. En los límites de la tela, seleccionamos unos colores. Con ellos explicamos un mundo, y decidimos armonizarlos o bien contrastarlos. Una paleta de colores limitados es fácil de armonizar, es decir, nos resultará agradable a la vista, como puede resultar agradable al oído la melodía de una canción.
El mundo que está fuera de la tela está construido con todos los colores posibles. Y eso nos permite ver montañas nevadas blancas y noches estrelladas negras; mares azules o verdes y prados rojos, amarillos o violetas, y vestidos dorados o coches grises. Toda esa belleza posible está delante de nuestra vista solo con mirar. Aunque a veces nos resulta abrumador y por eso hacemos lo mismo que hizo Picasso, cuando queremos que nuestro mundo sea sobre todo azul o sobre todo rosa.

Para hacer el mundo, hacen falta todos los colores:

Topografía de las lágrimas. Rose-Lynn Fisher

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sat, 03 May 2014 00:41:00 +0000

Fotografía de una lágrima, producida en un momento de euforia, tomada en un microscopio.

Fotografía de una lágrima que surgió al rememorar.

Tal como vemos en estas fotografías, los dibujos que forman estas dos lágrimas son muy diferentes.

Rose-Lynn Fisher ha realizado el estudio "Topografía de las lágrimas", para el que ha fotografiado 100 lágrimas en un microscopio óptico. Inició el proyecto en un período de cambios personales, de pérdidas y muchas lágrimas. Un día se preguntó si sus lágrimas de duelo se diferenciarían de sus lágrimas de felicidad, y empezó a explorarlas de cerca. Años después, esta serie se compone de una gran variedad de lágrimas propias y de otros, que se originan desde la euforia a las cebollas, la tristeza, la frustración, el rechazo, la resolución, la risa, y muchas más, en las que cada una de ellas contiene una pequeña historia.

Lágrima surgida por un cambio.

Lágrima de duelo.

Lágrima producida por cortar cebolla.

Lágrima de alivio.

Rose-Lynn Fisher explica así su proyecto:

"Las formas aleatorias que veo en las lágrimas aumentadas, a menudo parecen evocar un lugar, como si fueran vistas aéreas de un territorio emocional. Aunque la naturaleza física de las lágrimas es una combinación química de agua, proteínas, minerales, hormonas, anticuerpos y enzimas, la topografía de las lágrimas es un paisaje momentáneo, efímero como la huella dactilar de alguien en un sueño. Esta serie es como un atlas efímero."

"Revisando las vistas microscópicas, me maravillo por las similitudes entre los ámbitos micro y macro, por cómo los patrones de la naturaleza parecen tan constantes, a cualquier escala. Las marcas de erosión grabadas en el suelo a lo largo de millones de años pueden ser muy similares a los diseños ramificados cristalinos de una lágrima que tardó menos de un minuto en evaporarse."

"Las lágrimas son la expresión de nuestro lenguaje más primario en momentos tan implacables como la muerte, tan básicos como el hambre, y tan complejos como un rito de iniciación. Son la evidencia de nuestra vida interior cuando traspasa los límites desbordando hacia la consciencia. Sin necesidad de palabras y espontáneas, nos ofrecen la posibilidad de recuperarnos, de reencontrarnos, de alcanzar una catarsis: derramar lágrimas, mudar de piel. Es como si cada una de nuestras lágrimas llevase en sí un microcosmos de la experiencia colectiva humana, como una gota de un océano."

Nuestro cuerpo está formado en un alto porcentaje por agua. Nuestro planeta está formado también en un alto porcentaje por agua, hasta el punto de que hay quien se sorprende de que se le llame Tierra. Rose-Lynn Fisher ha observado las lágrimas, donde ha encontrado cómo relacionar nuestro cuerpo con nuestro planeta, a través de la similitud en los dibujos que genera el agua, cuando nos fijamos en las figuras y formas creadas con líneas.

Fotografías: Rose-Lynn Fisher

Web de Rose-Lynn Fisher

Mi viaje hacia un mundo recién visible, por John Berger

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Tue, 16 Apr 2013 14:22:00 +0000

Diario posterior a una operación de cataratas

Catarata, del griego "kataraktes", significa cascada grande de agua o compuerta, rastrillo de puerta de muralla, una obstrucción que cae desde arriba. Compuerta extirpada delante del ojo izquierdo. En el derecho, la catarata sigue.

Juego, mirando un objeto y cerrando después, primero el ojo izquierdo, luego el derecho. Las dos visiones son nítidamente distintas. Definir la(s) diferencia(s).

Con el ojo derecho solo, todo parece gastado, con el ojo izquierdo solo, todo parece nuevo. No me refiero a que el objeto mirado cambia su vejez evidente; sus signos de vejez o juventud relativa siguen siendo los mismos. Lo que cambia es la luz que cae sobre el objeto y que éste refleja. Es la luz lo que se renueva o –al disminuir – envejece.

La luz que hace posible la vida y lo visible. Tal vez aquí toquemos la metafísica de la luz (Viajar a la velocidad de la luz significa dejar atrás la dimensión temporal). Al caer, no importa sobre qué, la luz otorga una cualidad de "primeridad" que lo vuelve prístino aunque en realidad puede ser una montaña o un mar de equis millones de años. La luz existe como un continuo comienzo interminable. La oscuridad, en cambio, no es, como suele suponerse, una finalidad sino un preludio. Es lo que me dice mi ojo izquierdo que apenas puede distinguir los contornos todavía.

El color que volvió en un grado imprevisto es el azul. (El azul y el violeta con sus ondas cortas son desviados por la opacidad de la catarata.) No sólo los azules puros, también los azules que intervienen en otros colores. Los azules en ciertos verdes, en ciertos morados y magentas y en ciertos grises. Como si el cielo recordara su cita con los otros colores de la tierra.

Todos estos azules jugando con la luz crean el resplandor de la plata o el estaño. Un resplandor que no tiene nada que ver con el brillo sedado del oro o el cobre.

La plata es rápida –basta ver el mercurio. El resplandor plateado de los peces, del chorro de agua, de la luz del sol en las hojas. Para mi ojo izquierdo, las noches son ahora más oscuras debido al contraste más intenso con el resplandor de los días. El azul es también el color de la profundidad y la distancia.

Otra diferencia entre la visión de uno y otro ojo tiene que ver con la distancia. La compuerta se cierra. Con mi ojo izquierdo puedo salir y la distancia aumenta de dos maneras. Veo más lejos y, simultáneamente, toda medida de distancia se alarga: un kilómetro se vuelve más largo, como lo hace un centímetro. Me vuelvo más consciente del aire, del espacio, entre las cosas, porque ese espacio está lleno de luz como un vaso puede estar lleno de agua. Con cataratas, esté uno donde esté, siempre está, en cierto sentido, ¡adentro! Debido a mi mayor percepción del espacio, mi sentido de lo lateral –de lo que está pasando de izquierda a derecha, de lo que es paralelo al horizonte– es mayor. Soy más consciente de lo que está pasando frente a mí, distinto de lo que está dirigido a mí. Si la distancia se alarga, la anchura, a su vez, se ensancha.

Cada par de ojos inevitablemente debe cargar con su propio horizonte. Pero este sentido ampliado de anchura y de lo lateral lo estimula a uno a imaginar (como ocurre en la infancia) una multitud de horizontes alternativos. La compuerta cayó desde arriba. Los horizontes se extienden en todas direcciones. Detrás de mi ojo derecho cuelga una arpillera; detrás de mi ojo izquierdo hay un espejo. Por supuesto no veo ni la arpillera ni el espejo. Sin embargo, lo que miro refleja ostentosamente su diferencia. Ante la arpillera, lo invisible permanece indiferente; ante el espejo comienza a jugar.

30 de mayo.

Bajo todos los criterios posibles, un cielo excepcionalmente azul en París. Alzo los ojos hacia un abeto y tengo la impresión de que los pequeños fragmentos fractales del cielo, que veo entre las masas de agujas de pino, son las flores azules de los árboles del color de las espuelas de caballero. El mercurio de la luz ahora se vuelve opalescente y perlado. Pero no disminuye para nada la cualidad de "primeridad" que otorga la luz. Como si la luz y lo iluminado llegaran al mismísimo instante. (¿No es ése acaso el secreto de la visibilidad?)

Mañana se cumplirán tres semanas de la operación. Si trato de resumir la experiencia transformada de mirar, diría que es como encontrarse de golpe en una escena pintada por Vermeer. Por ejemplo: Doncella vertiendo leche (Rijksmuseum, Amsterdam). Miramos esos objetos y el pan en la mesa donde está el recipiente en el cual la doncella vuelca la leche de un jarro, y la superficie de todo lo que miramos está cubierta por un velo de luz, gotas de luz de la primera mañana.

Más apuntes después de la operación de mi ojo derecho (26 de marzo de 2010), cuya catarata era más rígida y opaca.

Esta vez, la creciente (sensación) de luz es menos específica y más generalizada. No es tanto que las cosas parezcan mejor iluminadas, sino más bien que soy agudamente consciente de que todo está rodeado de luz. El elemento de aire devino elemento de luz. Como los peces viven y nadan en agua: nosotros vivimos y nos movemos a través de la luz.

La luz ubicua recién descubierta es serena y silenciosa; las sombras y la oscuridad son ruidosas. La luz apoya su mano en mi espalda. No me giro porque desde hace mucho, mucho tiempo, reconozco su tacto. Es lo que primero vimos y nunca nombramos.
La eliminación de las cataratas es comparable a la eliminación de una forma particular de olvido. Los ojos comienzan a re-memorar primeros momentos. Y en ese sentido, lo que experimentan después de la intervención es una suerte de renacimiento visual. El papel blanco en el que estoy escribiendo hoy (2 días después de la operación) es más blanco que todo lo que me había acostumbrado a ver. Vuelvo a la cocina de mi madre en mi infancia: había blancos comparables sobre la mesa, en la pileta o en las estanterías. Y aquellos blancos del papel y la porcelana y el esmalte contenían una promesa que este papel blanco hoy rememora.

Aclaremos las implicaciones de lo que digo. Obviamente, a lo largo de muchas décadas después de mi infancia he visto hojas de papel blanco tan blancas como ésta. Pero poco a poco la blancura se atenuó sin que yo lo notara. Por consiguiente, lo que yo llamaba papel blanco, cambió, se volvió más tenue. Y lo que está ocurriendo esta tarde es que no me doy cuenta de esto con mi inteligencia, sino que la blancura del papel se precipita a mis ojos y mis ojos abrazan la blancura como un viejo amigo perdido.

Escribo sobre el papel con tinta negra. Y los negros (diferentes de los grises oscuros, los azules oscuros o los verdes o las sombras) han adquirido más peso, son más pesados. Otros colores destellan o se retraen o penetran pero los negros parece que hubieran sido depositados. Colocados encima. Y esto se relaciona con su peso. El negro de una sustancia natural –como el ébano, la obsidiana o la cromita– nunca es negro puro; otros colores se ocultan en su interior. Los negros aplicados son todos hechos por el hombre.

Antes de la operación, hice un dibujo en colores de una flor –un pensamiento azul. Lo hice de ese modo con la idea de hacer otro dibujo de la misma flor después de la operación.

Ninguno de los dibujos es una copia. Ambos son, por supuesto, interpretaciones de lo que veo. No surgieron directos de las retinas de mis ojos. De todos modos constato que la diferencia entre ellos es similar a la diferencia entre lo que percibía antes y después de la extirpación de la catarata.

Cuando los comparo ahora es como si en el primer dibujo yo hubiera registrado fielmente una secuencia de notas musicales sin ser capaz de oír las vibraciones de sus sonidos físicos. En el segundo dibujo, las vibraciones de esas notas estaban ante mis ojos.

La estructura y la forma de la flor no cambiaron, como tampoco la lógica botánica de su colorido. Lo que cambió es la intimidad de su colorido. Sus colores se desnudaron ante mis ojos.

Después de esta operación, a diferencia de la primera, el ojo curado, una o dos horas después de la intervención, empezó a dolerme y el dolor continuó aproximadamente un día. Con calmantes suaves era muy tolerable. El paso por ese pequeño dolor fue inseparable de mi viaje hacia un mundo recién visible. Salí del dolor al umbral de una nueva visibilidad.

Una intervención quirúrgica para extirpar las cataratas devuelve a los ojos buena parte de su talento perdido. Talento, no obstante, implica invariablemente cierta cantidad de esfuerzo y resistencia como también gracia y beneficio. Y por esa razón la nueva visibilidad representó para mí no sólo un don sino un logro. Principalmente, el logro de los médicos y las enfermeras que realizaron la intervención y también, en grado un poco menor, el logro de mi cuerpo.
El dolor me hizo tomar conciencia de eso.

Al abrir un diccionario y consultarlo, volvemos a descubrir o descubrimos por primera vez, la precisión de una palabra. La precisión de lo que denota, pero también el lugar preciso de la palabra en la diversidad del lenguaje.

Con las dos cataratas eliminadas, lo que veo con mis ojos es ahora como un diccionario que puedo consultar sobre la precisión de las cosas. La cosa en sí, y también su lugar entre otras cosas.

Soy mucho más consciente de la escala comparativa: lo pequeño se vuelve más pequeño, lo grande más grande, lo inmenso más inmenso. Y lo mismo sucede, no sólo con las cosas, sino con los espacios. Lo pequeño se vuelve más íntimo, lo grande más amplio. Y es porque los detalles –el gris exacto del cielo en determinada dirección, la forma en que un nudillo se arruga cuando una mano está relajada, la ladera de un campo verde a un lado distante de una casa– esos detalles reasumen una significación olvidada.

Regresó, maravillosamente, la heterogeneidad ordinaria de lo existente. Y los dos ojos, eliminadas las compuertas, una y otra vez, registran sorpresa.

Traducción de Cristina Sardoy.
© John Berger y Clarín, 2010.

web de Ñ: Texto publicado en Ñ
John Berger, el prestigioso novelista, crítico y artista plástico inglés, autor de "Mirar" y "Modos de ver", entre otros, ofrece en exclusiva para Ñ el diario posterior a una operación de cataratas en el ojo izquierdo que le otorgó, en la madurez, un nuevo sentido de las distancias, los tamaños, las formas y los colores.

John Berger

Rijksmuseum

Caligrafía, belleza a brochazos

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 09 Dec 2012 22:19:00 +0000

Niels Shoe Meulman

http://www.nielsshoemeulman.com/

Expo "Barcelona, silencio y arrebato"

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Wed, 31 Oct 2012 22:55:00 +0000

web de Gonzalo Goytisolo

web de Nuria Armengol

Durante la exposición, se proyectaron videos seleccionados de Jesús Olmo
web de Jesús Olmo

Se programó un recital de música clásica, para piano y violín, con la joven violinista Andrea Santiago y pianista.

2600 cuadros... en 1

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Tue, 19 Jun 2012 04:17:00 +0000

El pintor Jason Mitcham centra su visión en todos esos no-lugares que están en todas partes. No-lugares que se urbanizan, se habitan y se degradan, en un ciclo vital sin pasado ni futuro.
Para realizar esta animación de la canción "Head full of doubt/Road full of promise" de los Avett brothers, fotografió cada pequeño cambio que realizaba en el cuadro: 2.600 cuadros en 1.

En este video explica cómo se hizo:

web de Jason Mitcham

Dibujo mural

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Thu, 14 Jun 2012 16:15:00 +0000

Durante la semana entre Navidad 2011 y Fin de Año, el artista Todd Fuller estuvo de 11 a 17 h dibujando en una pared de la Galeria Back to Back, en Newcastle, Australia. Fotografió cada dibujo conforme los iba haciendo para obtener una animación, como vemos en este video del proceso.

El video para "One and Only", canción de Abby Smith, es la animación obtenida a partir de los dibujos murales:

Todd Fuller es escultor y sus obras pueden verse en la web de la Galeria Brenda May:

Joie: Pina Bausch, Klimt.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 12 Feb 2012 21:15:00 +0000

Der Fensterputzer, Foto: Detlef Erler para Tanztheater Wuppertal

Nelken, Foto: Ulli Weiss para Tanztheater Wuppertal

Des amis, un flacon de vin, du loisir,
un livre, un coin parmi les fleurs...
Je n'échangerai pas cette joie pour un monde,
présent ou à venir.
Chams al-Dîn Muhammad Hâfiz

Campo de amapolas (1907) - Gustav Klimt (1862/1918)

Jardín. Gustav Klimt (1862/1918)

web Pina Bausch, bailarina y coreógrafa.

web Gustav Klimt, pintor.

Plato del Día es Arte a la carta en la Galeria ARTlinavalero: Jesús Olmo, video.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Fri, 03 Feb 2012 22:37:00 +0000

La Galería ARTlinavalero de Barcelona, ofrece el Plato del día. Hasta el 21 de marzo, cada día puede verse en loop un video diferente de Jesús Olmo.
El día que fui, después de ver la pieza 3929 me quedé con ganas de ver más belleza, así que Lina me ofreció un segundo Plato del Día suculento, la pieza titulada 0124.

El excelente video de Jesús Olmo tiene sorpresa que no voy a desvelar. Aunque nada de lo que explique puede equivaler a contemplar esos cinco minutos de imágenes metafísicas en el recogimiento de esta sala pequeña, blanca y desnuda como una capilla privada, con la música de la pieza.

Con este encuadre donde una masa esponjosa de agua, con forma de nube pintada por Tiépolo, ocupa el cielo y con esa luz del crepúsculo que lleva a la noche, me parece estar frente a un cuadro de Caspar David Friedrich que ha dejado la pintura al óleo. Ha cogido la cámara de video para volver a ponernos frente a una Naturaleza que al tiempo nos acoge y nos sobrepasa, como en su cuadro "Der Monk am Meer". Pero Jesús Olmo no es un pintor romántico del XIX, sino un video artista del XXI, y muestra una Naturaleza donde la Física ya no es solo newtoniana, sino cuántica.

Sobre la lámina de agua del horizonte, lisa como un espejo, los seres humanos pescan, caminan, contemplan, corren, se reúnen o se alejan, siempre unidos a su reflejo.

web Jesús Olmo
Plato del día: Del 19 de enero al 21 de marzo 2012
martes a sábado, de 18 a 21 h.
web Galeria ARTlinavalero

Pintar la vida cotidiana de un super héroe envejecido.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Thu, 02 Feb 2012 14:26:00 +0000

El pintor Andreas Englund dice que el humor puede ser el vehículo para transmitir ideas que de otro modo sería difícil transmitir. El humor libera sus pensamientos y sus ideas de ser pretenciosas, al tiempo que le abre puertas a caminos y ángulos nuevos.

Andreas Englund nació en Falun, Suecia, en 1974. Ahora vive y trabaja en Estocolmo.

Tal vez sea mi manera de verlo, pero el suyo me parece un humor melancólico. Sus escenas son de un realismo que no deja espacio a ninguna vana esperanza, son descorazonadoras, aunque su super héroe vuele por los aires como es debido, o reúna a un grupo de gente en una celebración. Los puntos de vista son contemporáneos, los hemos visto en las películas, los comic, la televisión, y tienen ángulos propios de una cámara de fotos o de cine, más que de una persona. Su pintura, basada en el dibujo, con trabajo preciso de pincel y escasa materia, me recuerda a la pintura de Mark Tansey, otro pintor que introduce el humor en sus cuadros de factura realista y decimonónica, creando un contraste muy atractivo entre lo que dice y cómo lo dice.
Este super héroe envejecido es tan humano como cualquiera de nosotros, podríamos encontrarlo en la cola del supermercado o en la sala de espera del dentista y eso nos hace vernos a nosotros mismos con una objetividad y una compasión muy instructivas.

web de Andreas Englund

Pintura con P de Proust

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 22 Jan 2012 11:09:00 +0000

El diminuto libro "Petit pan de mur jaune" recoge un fragmento de À la recherche du temps perdu de Marcel Proust. Le bastan esas pocas páginas para hacer una profunda reflexión sobre la pintura de Vermeer y lo que puede dar sentido a una vida.

El libro es diminuto en tamaño y en número de páginas: sólo 57, incluyendo un extenso prólogo, por lo que el texto en sí solo son unas 15 páginas, pero a Proust le caben en ellas los últimos años de vida de Bergotte. Un personaje en el que se ven rasgos autobiográficos ya que es un escritor con una delicada salud y una aguda capacidad de observación, que nos describe su proceso de creación literaria, así como su enfermedad y a los médicos que le tratan.

Finalmente, Bergotte agoniza en una sala de exposición donde ha acudido para ver el cuadro "Vista de Delft" de Vermeer, que creía conocer muy bien. Sin embargo, descubre al mirar en el cuadro un pequeño trozo de muro amarillo, que quizá ha malgastado sus últimos años porque no ha escrito con la misma laboriosidad que ha utilizado el pintor para la elaboración de las sucesivas capas de pintura. Porque no ha dedicado a su escritura la misma profunda atención con la que el pintor hace brillar la materia, en ese fragmento del cuadro, mediante una luz preciosa.

"Petit pan de mur jaune"
Marcel Proust
Ed. La Différence.

Essential Vermeer

Bach, puntos, círculos y rayas.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Thu, 19 Jan 2012 23:16:00 +0000

Suite para violonchelo nº 1 de Bach. Preludio.

Baroque.me: J.S. Bach - Cello Suite No. 1 - Prelude from Alexander Chen on Vimeo.

Alexander Chen, programador informático, ha desarrollado una nueva manera de visualización musical.

"La anotación musical clásica es conveniente y concisa pero, visualmente, no tiene ninguna relación con las características físicas del sonido. Por el contrario, la longitud de las cuerdas son una representación visual de las frecuencias que producen los sonidos.

Un arpa está construida a partir de la longitud de sus cuerdas, que se reducen cuanto más ascienden de tono. Esta pieza se comporta como un arpa imposible, ya que las cuerdas se transforman solas en las longitudes necesarias para cada sonido.

Calculé la longitud de las cuerdas usando afinación Pitagórica. Son matemáticas basadas en la fracción 2/3. Empecé con la cuerda más larga, dándole una longitud simbólica en pixels. Cuando se corta a 2/3 de su longitud, da una quinta parte. Si la cortas por 1/2, da un octavo. 3/4 de longitud, una cuarta parte. A partir de estos sencillos números, calculé las longitudes relativas de todas las notas de la pieza musical."

Web de Alexander Chen

Ramón Gaya en Pestum

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 01 Jan 2012 22:41:00 +0000

Ramón Gaya en el Palatino, 1958

Ramón Gaya (1910 - 2005) Pintor

PESTUM

Pobreza Divina

"En pocos lugares he sentido como aquí, en este mendrugo de lo griego, una emoción tan difícil, tan compleja, de solemnidad y mendicidad mezcladas. Aquellos templos me parecieron tres mendigos majestuosos, sabios (están construidos, como se sabe, con una piedra caliza llena de agujeros como una esponja endurecida o un rostro marcado por la viruela), y llegando a ellos desde Roma y lo romano –mi recorrido era ese-, me pareció que le pertenecían por completo a la cristiandad; comprendí entonces algo que ya sentía desde antes: que en lo griego hay mucho más cristianismo que en lo egipcio y lo romano, posiblemente por su absoluta falta de soberbia, de enemistad, de terquedad materialista; lo egipcio y lo romano son dos energías voluntariosas, empeñosas, hábiles, es decir, privadas de la Gracia, y por eso las veremos actuar siempre como si fueran dos ingenieros concienzudos, desconfiados. En lo griego hay una limpieza que vale lo que la pobreza en lo cristiano, que son, quizá, una misma cosa, una misma purificación. Lo egipcio y lo romano se producen, viven como enfrentándose a lo que pueda venir, imponiéndose a la Historia misma, mientras que lo griego no parece sospechar competencia alguna, y, salvo su incurable ideal de perfección, todo en lo griego nos resulta natural, sencillísimo. Lo chino, lo griego y lo cristiano parecen fragmentos de una misma línea central, recta infinita, una línea que no es otra cosa que espíritu, más aún, alma sola, el Alma. Lo griego –como lo chino y lo cristiano- está siempre lleno de creencia, de trascendencia, de fatalidad –sí, de fatalidad, y por lo tanto, claro es, de salvación-; lo griego quiere perdurar y no, como Egipto y Roma, durar simplemente. Lo chino, lo griego y lo cristiano quieren perdurar porque perdurar es un sentimiento, mientras que durar no es más que un propósito. Ante aquellos templos de color pan, oro pan, caí en la cuenta de que todo cuanto los historiadores de arte han creído ver en lo griego de perfección estética, de perfección estilística, no es más, en realidad, que ascetismo, pobreza divina."

Ramón Gaya. Italia 1953.

El Coliseo, Roma, 1956.
Pintura de Ramón Gaya.

web de Ramón Gaya
blog sobre Ramón Gaya
Ramon Gaya en wikipedia

Ramón Gaya en Firenze, 1959

Gracias a Ulises Cortés, por el texto de Ramón Gaya.
web de Ulises Cortés

fotografias de Pestum: Rolf Gross

Antonio López, conferencia en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Mon, 12 Dec 2011 21:28:00 +0000

Antonio López, pintor.

Fotografía: UNAV

''No me interesa la pintura técnicamente excelente pero sin contenido.
Crecí en Tomelloso, un pequeño pueblo de la Mancha. Yo iba a ser oficinista o algún trabajo así, no estaba previsto que fuera a la Universidad y que fuera médico o arquitecto, mi familia era muy humilde. Nada en mi ambiente anunciaba que me dedicaría a esto. Tenía un tío pintor que venía a visitarnos de vez en cuando, Antonio López Torres, un pintor que ahora considero excelente. Cuando yo tenía doce años, durante el verano, de pronto, me fascinó verle pintar las notas que hacía del natural y dejé de jugar a fútbol con mis amigos, para ir con él y copiar los cuadros que él hacía. También empecé a copiar unas láminas de unas revistas de mi abuelo, unos grabados de los que yo copiaba las líneas con lápiz y conseguía una copia fiel. Se vió que tenía una facilidad para el dibujo, y llegó un momento que mi tío me cogió de la mano y dijo que tenía que seguir el aprendizaje. Por eso fui a Bellas Artes, a San Fernando, en Madrid.

Yo sabía copiar muy bien y creía que lo tenía muy fácil. A los tres años de Bellas Artes, con el trato con chicos mayores que yo, tuve la certeza de que pintar era algo más que eso. A los 15, 16 años, no sabía qué hacer con la técnica que yo tenía. Recuerdo que el verano del 52 dibujé y pinté mucho, pero fue realmente angustioso, porque creía que no tenia nada que decir. Pero entonces descubrí que había unos elementos que me interesaban. De la inmensidad que es el mundo real, hice una selección porque noté que me identificaba con ellos y ahí estuvo mi salvación. Noté algo decisivo, que es tener algo que decir.

La pérdida que se produce de ciertos lenguajes de la figuración, yo no le doy importancia a eso. Lo importante es transmitir algo con la pintura, decir algo que sea inteligible, estar en el medio donde lo que dices pueda ser entendido. Desde mi etapa de formación tuve el instinto de rodearme de unas personas que te acompañan en un camino tan largo, que te ayudan, te acompañan, te enseñan. Más que en el Museo del Prado, o con los libros de Picasso, de Matisse o de Henry Moore, porque entonces no había las exposiciones que hay ahora, yo me hice con esas personas. Personas que me han acompañado muchos años, algunas hasta hoy, otras ya han muerto.

Lo que hagas tiene que estar habitado por algo emocional fuerte. Los artistas estamos en manos de las personas que nos apoyan. A veces lo hemos estado demasiado, hemos pactado con los gustos de la época, por agradar. Hay mucha trampa en relación con la habilidad técnica y también en simular emoción. Es necesario saber si la obra tiene peso y es verdadero. Cuando se consigue, ofreces a los demás y a ti mismo.

La escultura para mi es menos dificultosa que la pintura, que es sumamente laberíntica.Yo aprendí poco de la escultura que vi en el Prado, pero en el Casón del Buen Retiro había reproducciones en yeso de toda la historia de la escultura. Ahí es donde voy a serenarme, cuando necesito encontrar calma. Hay un libro muy bueno, "El retrato de Giacometti", que escribió el modelo al que Giacometti hacia el retrato y que recoge las sesiones, los comentarios que hacia, las situaciones que ocurrían. Estoy muy cercano a Giacometti. No puede trabajar sin el modelo. No hacia nada si el modelo no estaba delante, en cuanto se iba dejaba de trabajar hasta que volvía. Limitación, dificultad y riqueza que te da el mundo real.

Hay momentos de la historia en que surge una pintura que gusta más que la verdad. En esos momentos tal vez había demasiadas batallas, demasiadas enfermedades y desgracias. Querían unas señoras desnudas que bailan, rodeadas de amorcillos, es el arte escapista. Hay un bodegón de Zurbarán, que no se puede decir más con menos: una jarra con agua y un platito en el que hay una rosa. Ahí está el mundo. Y eso no lo hacía Poussin, que no trabajaba de la realidad.

PREGUNTAS DEL PÚBLICO, ALUMNOS Y PROFESORES DE LA FACULTAD.

Alumno:
_. En esta Facultad no se pueden usar los talleres fuera de las horas de clase. ¿Qué opina de esto?
_. En mi época no se hacía otra cosa más que pintar. Pintamos muchas caras y pies y culos. Eso no salvó al que no se tenía que salvar.

(...) Es la mafia de la mediocridad, que se cuela por todas partes. Hay que volar por encima de eso y salvarse. Tú sálvate. De todos modos, si hoy tuviera un nieto que quisiera aprender le diría: ve a Bellas Artes, estate entre los demás, haciendo el recorrido de los primeros años. Nosotros no les hacíamos caso a nuestros profesores. Y eran muy buenos pintores y escultores, de los que hubiéramos podido aprender mucho. Pero estaban resentidos, y una persona amargada no puede llevarte de la mano a enseñarte.
La técnica necesaria, en un año la adquieres. Lo difícil es formarte, iniciarte en un recorrido, que esté en armonía con lo que eres, que llene tu vida.

(...) Dices que la figuración (la pintura figurativa en relación a otros estilos artísticos considerados más contemporáneos: abstracción, video, instalación, etc) no tiene el apoyo que se merece. La figuración, como la Derecha, está pagando siglos de abuso. Creo que artistas como Hopper, como Henry Moore,... aportan algo imprescindible a la totalidad del arte contemporáneo.

(...) El quid está en saber lo que tienes que hacer. Muchos jóvenes me preguntan, ¿qué hago ahora?
El vínculo con el mundo real te va generando un camino. La fotografía (pintar a partir de fotografías) rompe el vínculo con el mundo real.

(...) A mí pintar me mejora la vida. Cuando pinto estoy mejor de la espalda, mejor de la cabeza... Yo quiero pintar.

(...) Hay dos realidades, la realidad objetiva y la realidad subjetiva. Las cuevas de Altamira es pintura realista, pero no está hecho de la realidad: el pintor no tenía un bisonte dentro de la cueva posando para él mientras lo pintaba. Un cuadro de El Bosco no está hecho de la realidad. Recuerdo haber visto la exposición "El retrato y la máscara", y recuerdo los cuadros de Stanley Spencer. Unos copiados de la realidad, como un retrato de una mujer con una falda de tablas, que es un tema bastante banal, pero él lo había hecho de tal modo que sólo podía ser así. Otros cuadros son místicos, pinta experiencias, que eso no lo puedes tener delante para pintarlos. Son dos formas de trabajo en el mundo real: proporcionar una historia o dar una forma literal.

_. (...) Soy una alumna que para aprender estoy copiando cuadros, pero eso no está bien visto porque no es original.
_. Yo hablaría de autenticidad más que de originalidad. (...) El crear de modo que sea una ayuda para los demás. Creo en el contenido secreto de las cosas. No siempre aparece lo mejor de una manera inmediata. (...) Lo primero es hacer algo que tenga veracidad y autenticidad. Después surgen personas que ayudan.

_. ¿Cómo debe utilizar el pintor las nuevas tecnologías?
_. Son una herramienta más. No ha cambiado nada, está nuestro cerebro, nuestra mirada y un impulso que nos lleva a hacer algo. El pintor siempre se ha sabido adaptar. Los nuevos procedimientos han creado nuevos lenguajes. (...) Para mí la dificultad es encontrar modelos y encontrar fuerza para realizar una obra que va a necesitar toda mi energía.

(...) He tenido un problema en un ojo y no se acoplaban. Lo maravilloso es que se acople lo que vemos y lo que somos.

(...) Yo no hablaría de las dificultades, sino de los logros.

(...) Todo se hace para que digas algo que sólo puedes decir tú.

(...) Los niños que he hecho (en pintura o escultura) los he tenido cerca: primero mis hermanas, después mis hijas, ahora mis nietos. Yo trabajo con cosas que amo. No puedo trabajar con cosas que no me importan, eso me destruiría.

_. ¿Cómo se enfrenta al lienzo en blanco?
_. Llevo varios cuadros en marcha a la vez. No conozco la angustia del lienzo en blanco. Eso es una etapa, el cuadro es como un iceberg, hay mucho trabajo preparatorio que no se ve. Cuando llego al lienzo en blanco tengo ganas de pintarlo.

_. Como docente ¿qué les diría a sus discípulos?
_. Cada cual ha de contar sus propias historias. ¿Qué es lo que más amas? ¿Qué es lo que más odias? Ten más respeto a lo que tú sientes y confía. Sin violentar nada. Yo he copiado también a Picasso y he aprendido de otros. Si lees libros, si ves películas, te van haciendo luz. (...) En los talleres que hago, los alumnos trabajan con la realidad y ahí sale su verdad, aunque muchas veces no se den cuenta. Después, vuelven a su estudio, y a su cárcel.

(...) De la realidad a mí me interesa pintar lo que permanece, lo que mañana cuando vuelva seguirá estando ahí."

Cuaderno de Apuntes, El Taller / Dibujando del natural en Barcelona

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Mon, 24 Oct 2011 18:15:00 +0000

´Cuaderno de Apuntes, El Taller´ de Nuria Armengol
Dibujando del Natural en Barcelona

Noviembre 2011:
miércoles por la tarde, o sábados por la mañana.

No es necesario conocimiento previo de dibujo

El notebook es el lugar más íntimo y privado donde registrar observaciones personales. ¿Sabemos utilizarlo? Con este taller fijarás el hábito de guardar y retener tus ideas y percepciones útiles mientras contemplas o te mueves en la ciudad. No es un taller de dibujo, es la adquisición de un gadget, de papel, insustituible para profesionales y amateurs contemporáneos.

Este Taller práctico está dirigido a fotógrafos, escritores, estudiantes, científicos, músicos, diseñadores, artesanos, ingenieros, arquitectos, biólogos, artistas, etc. Utilizando la Observación y la Reflexión previas a la Acción, probaremos distintas técnicas de dibujo del natural en distintos espacios de Barcelona, y adquiriremos el hábito de utilizar el cuaderno con las técnicas de registro que nos sean más útiles según nuestras necesidades profesionales.

Al final del taller tendremos las herramientas y los hábitos necesarios para registrar nuestras ideas siempre que lo necesitemos.

Lugar de inicio:

Taller Carmen Balada.

c.Freixures, 29 (frente Mercado Santa Catalina)

08003 Barcelona

Fechas:

2, 9, 16 y 23 Noviembre 2011

5, 12, 19 y 26 Noviembre 2011

Horarios:

miércoles tarde: de 18,30 a 20,30 h

sábados mañana: de 11,30 a 13,30 h

Precio:

80 €

Contactar:

nuriaarmengol@gmail.com

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Flora Goldberg, dibuja, pinta y esculpe "a golpe de corazón".

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Thu, 20 Oct 2011 22:22:00 +0000

Cientos de dibujos de dinosaurios a todo color. Las viñetas ordenadas en las páginas como en los álbumes de cromos que rellenábamos de niños, y escrito al pie, el nombre en latín de cada uno, desde el Brontosaurus al Thyrannosaurus Rex. Los dibujos de los dinosaurios son realistas, con un perfil grueso de rotulador negro, coloreados a lápiz y situados en un paisaje. Me impresiona ver cómo van saliendo páginas y páginas que completan un atlas exhaustivo de dinosaurios, de la carpeta que nos enseña esta mujer de pelo cano y expresión dulce y firme:

_Los he dibujado para mi nieto. Es autista. Tiene siete años y lo sabe todo todo todo sobre los dinosaurios. A veces me corrige, y me dice:
"_No, abuela, no se escribe así, lo has hecho mal. Pero no te preocupes, me gustan igual."
Y sonríe recordando a su nieto.

Acabo de conocer a Flora Goldberg, pintora, grabadora y escultora mejicana, en casa de Ulises Cortés y Helena Martínez. Levanto la vista de los dinosaurios, porque me dice señalando la pared que tengo a un lado:

_Esos dos grabados son míos.

Son dos figuras a tamaño natural, de trazo firme y expresión serena.

Flora Goldberg me explica que nació en París, y a los siete años tuvo que huir a México con su madre cuando los nazis invadieron Francia. Muy joven, con diecinueve años, su padre le enseñó unas de sus acuarelas a su amigo Diego Rivera, el gran pintor muralista mejicano, que al verlas la invitó a acudir a su casa como discípula. Yendo a su casa coincidió con Frida Kahlo, a la que recuerda pintando siempre doliente:

_"Al entrar por primera vez en la casa de Altavista me sentí cautivada por la magia que se respiraba y por la deslumbrante personalidad del maestro Diego Rivera, que pintaba con pasión al tiempo que explicaba historias fantásticas. Decidí ser pintora y dejé la carrera de Química."
Rivera le habló de la libertad en el arte y la constancia en el oficio:
_"El pintar no es solo inspiración, sino diligencia."

En 1957 Flora se casó con Pablo Rudomín, eminente científico que ha recibido el Premio Principe de Asturias por sus trabajos de biología, con quien ha tenido dos hijos.

_"La maternidad fue un período muy importante para mi. El ver día a día cómo mis hijos crecían, fue un período mágico, milagroso. La maternidad es un tema constante en mi obra.
Mi experiencia en lo que concierne a seguir trabajando en el arte teniendo una familia, es que todo el tiempo desde que mis hijos eran bebés, siempre encontré la forma y el tiempo para trabajar en el arte, fué a base de organizarme y sacrificar sueño y vida social. (Y claro también porque no tenía que trabajar para la manutención de la familia, de eso se encargaba y sigue encargándose mi marido). Lo que yo siento es que la labor creativa se vuelve un vicio para ciertas personas, por lo que si no lo hacía sentía que me faltaba algo y me sentía vacía y hacía hasta lo imposible para trabajar. Hace algunos años pasé mucho tiempo enferma, pero inclusive entonces seguí trabajando."

La crítica Marta Traba ha dicho que Flora Goldberg "dibuja a golpe de corazón, con líneas profundamente humanas y reales". Creo que ese golpe de corazón se ha hecho más evidente si cabe desde hace unos años, al iniciarse en la escultura.

Flora nos dice que:
_"El cuerpo es nuestra posesión más preciada y solo se nos presta temporalmente. Quizá por eso queremos plasmarlo y darle eternidad a través del arte".
La suya es una pintura costumbrista que ha leído del realismo mágico. Mientras hojeo las páginas del libro monográfico que muestra su obra pictórica, me llaman la atención el cuadro de unas figuras con coronas de flores en la cabeza.

_Son gente de Chalma, un pueblo cerca de Toluca. Es tradición que en Cuaresma, todo el pueblo, niños, hombres, mujeres y ancianos, salgan a la calle adornados con coronas de flores en la cabeza, para ofrecerlas después a San Nicolás.

En el libro se suceden los cuadros de hombres, de mujeres y niños, de flores y de aves, mostrando que esta artista no ha dejado de trabajar incansablemente todos estos años. Inspiración y diligencia.

Su dibujo es estilizado, de texturas trabajadas y líneas airosas, sus temas son en muchos casos alegorías, como en "Susana y los viejos" o "Caligrafía".

Tiene series dedicadas a frutas o a flores, encarnadas en una figura femenina.

En 1972 decidió aprender grabado y se dirigió a un renombrado Centro de arte que lamentablemente ya no existe, donde se formaron importantes grabadores mejicanos en un ambiente artístico y creativo muy fructífero:
_"Cuando llegué al Molino de Santo Domingo creí llegar al mundo de Alicia en el País de las Maravillas. Un lugar de silencio y sosiego."

Hace algunos años empezó de una manera autodidacta a trabajar la escultura en madera, un material que selecciona no solo por su textura sino también por el carácter simbólico de su color.
Utiliza madera de caoba:

madera de ceiba:

o madera de cedro blanco:

Sin boceto previo, esculpe para sacar a la superficie la escena que ella ve en el trozo de madera que ha elegido para trabajar. Sigue centrada en la figura como ocurre en su pintura, aunque con formas más sintetizadas, por lo que a veces las cabezas pierden el rostro, tal como puede verse en las esculturas de Henry Moore, que creo es uno de sus referentes. La expresión del movimiento, que se hace tridimensional y palpable, es por lo tanto más sensual que en su pintura. Los tamaños varían mucho, algunas son piezas pequeñas, otras son grandes, o enormes, como el torero y el toro bravo que han surgido con ímpetu del enorme tronco de nogal en el que trabajó durante meses.

Flora Goldberg es una mujer hermosa, con una espléndida
vitalidad, que ha puesto su corazón en una vida dedicada al arte.

Abans que el temps ho esborri

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sat, 10 Sep 2011 17:08:00 +0000

Retrato de Teresa Mestre de Baladía (1869-1949), pintado por Ramón Casas (1866-1932). En la película documental "Abans que el temps ho esborri" (Antes de que el tiempo lo borre) se cuenta la historia de este cuadro y cómo influyó decisiva y trágicamente en la vida de la retratada.

Cartel de la película.

El libro que escribió su bisnieto Javier Baladía, se ha convertido en una película cuyo guión han escrito Victoria Bermejo y él, y ha dirigido Mireia Ros. Una película hecha con fotografías en blanco y negro y filmaciones de época, alternadas con imágenes del mismo Javier Baladía como narrador moviéndose en la Barcelona actual. Se utilizan con mucha agilidad recursos visuales de postproducción con humor, que ayudan a sobrellevar las a veces desmesuradas biografías de los Baladía, y nos descubre personajes que crearon una Barcelona cosmopolita y culta, que atrajo entre otros a Diaghilev y Nijinski, a Einstein, a Richard Strauss o a Carlos Gardel. Entre las dos Exposiciones Universales de 1881 y 1929, los Baladía fueron parte de la alta burguesía industrial que amasó grandes fortunas. Tuvieron tiempo de divertirse en París, apoyar a Pompeu Fabra, crear el Conferentia Club, encargarle casas a Puig i Cadafalch y pusieron en el mapa de los veranos de miles de turistas posteriores lo que entonces eran remotos pueblos de pescadores como Cadaqués o Palamós.

Teresa Mestre era una belleza, además de una mujer inteligente e independiente, que se casó con Jaume Baladía i Soler, con quien tuvo tres hijos. La madre de su marido murió en el parto y fué su tía Ramona Soler quien lo crió. Esta temible mujer era una fuerza de la naturaleza, capaz de dirigir una empresa textil con miles de obreros que le llamaban "el amo" y acudir al despacho de la fábrica con un revólver en la liga y tener un rifle Winchester encima de la mesa para cuando tenía que enfrentarse a las reclamaciones obreras. Era viuda, sin hijos, dominante, y muy fea, lo que con los años había empeorado un carácter ya de por sí poco afable.

Ramón Casas realizó este retrato de Teresa y dicen que cuando Eugeni d'Ors lo vió en su estudio, reconoció en ella a "La ben plantada", la protagonista de las glosas que publicó el verano de 1911 y en las que quisieron reflejarse todas las mujeres de su época, ya que personificó las virtudes de belleza e independencia de la ética noucentista. Sin embargo, el retrato no había sido un encargo. Se supone que lo hizo a partir de dibujos que hizo a escondidas, cuando pintó a sus tres hijos por encargo de la matriarca Baladía. La temible tia Ramona tuvo siempre celos de Teresa y descubrir el retrato le dió la oportunidad de perjudicarla. Ante las sospechas que generó el retrato, y el escándalo consiguiente, le retiró la custodia de sus tres hijos y la recluyó en la casa de Argentona, fuera de Barcelona. Su marido se encontró entre dos fuegos, entre el amor por su mujer y la ira de tía Ramona. Teresa resistió algún tiempo y al cabo de unos meses tomó la única vía posible para una mujer en aquella época: huir. Huyó a Suíza con Josep Pijoan, un intelectual más joven que ella, que le había mostrado su apoyo durante el doloroso proceso de separación de sus hijos. La película incluye la grabación sonora de Teresa en su lecho de muerte en 1949, pidiendo perdón a sus hijos y mostrándoles todo su amor, a pesar de no haber podido volver a verlos en todos esos años, aislada como quedó por tía Ramona.

Una historia trágica, desencadenada a raíz del retrato de una mujer muy hermosa, pintada por un excelente retratista.

Existe otro cuadro de Ramón Casas en que pintó a Teresa Mestre de Baladía. Es un cuadro de cuerpo entero que se conserva en el MNAC, Museu Nacional d'Art de Catalunya, en Barcelona.

Respecto a ambos cuadros, Javier Baladía me explica que:

_ El de la túnica es más formal, pero es curioso que este cuadro, pintado por el retratista del Modernismo por excelencia, sea la obra fundacional del Noucentisme, su movimiento opuesto. Es un cuadro excepcional en el conjunto de la obra de Ramón Casas, porque a una persona real y conocida, la descontextualiza y la disfraza y peina de diosa griega. Realmente curioso. Es la única vez que lo hizo.

_ ¿Este cuadro lo pintó por encargo?

_ Ninguno de los dos cuadros fue por encargo. Los pintó en secreto mientras retrataba a tía Ramona, Gip y Niní (niños, dos de los hijos de Teresa). Como Ramón Casas era amigo de la familia, hubo lio por este tema. Antes de venderlo al Museu d'Art Modern -luego MNAC- , pidió permiso a mi bisabuelo. Guardamos la carta original de Ramón Casas en la que se lo pide. Por eso Casas lo vendió al MNAC con la condición expresa de que nunca figure en una galería de retratos.

El retrato en que está sentada, creo que se lo vendió Casas poco antes de morir a mi abuelo. El poder que tenía ese cuadro presidiendo el salón de casa de mis abuelos era tremendo. Nadie podía apartarle la mirada solo entrar. Lo llenaba todo con una vibración de belleza, serenidad y elegancia. Cuando te acercabas te miraba con una sonrisa muy amable pero con un punto de tristeza.

El retrato de la túnica es también muy potente, pero personalmente para mi no tiene tantos matices. És más mitológico y épico, pero menos humano.

Fotografías: Archivo / Fons Baladía - Llorach

Links:
Trailer de "Abans que el temps ho esborri"
Ramón Casas
Eugeni d'Ors
Novecentismo
Noucentisme
Javier Baladía

Taller de pintura con Antonio López

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Tue, 16 Aug 2011 22:38:00 +0000

Durante una semana he asistido al Taller de pintura que dirige Antonio López, acompañado por su mujer la pintora Mari Moreno, y los pintores José Maria Mezquita y Juan José Aquerreta, en la Universidad de Navarra, en Pamplona.

Del 8 al 12 de agosto, en un aula de la Facultad de Arquitectura temporalmente cubierta de caballetes de pintor, nos reuníamos unos 30 pintores y pintoras, donde estaban dispuestos dos bodegones de alimentos sobre mesas, dos bodegones volumétricos con cajas de cartón apiladas y para los que preferían trabajar figura del natural, posaban una modelo por la mañana y un modelo por la tarde.

apuntes del natural:óleo sobre papel

Para los pintores que solemos trabajar solos en el estudio, es fantástico tener un lugar en el que compartir tiempo y trabajo con otros pintores. Las conversaciones que tenemos sobre pintura, el olor de la esencia de trementina, la organización tan personal de los colores que puede verse en la paleta de cada uno, los comentarios de los profesores a cada cuadro o a cada etapa de cada cuadro, animándonos y corrigiéndonos, orientándonos y apoyándonos, son auténtico alimento del bueno.
Vernos trabajar de maneras tan diversas, incluso partiendo de una premisa realista como es la pintura de Antonio López y los temas de bodegón y figura del natural, es una lección de pintura non stop. Convivir nos permite conocernos, explicar nuestros problemas, consultar dudas técnicas, escuchar y ser escuchados, superar los bajones de ánimo y compartir las alegrías.

Apuntes rápidos a lápiz que hice durante el curso:

En una pausa del montaje de dos bodegones sobre mesas que se utilizarán como temas para pintar, Gonzalo Goytisolo le comenta a Antonio López que la gente de nuestra profesión se está quejando mucho, a lo que éste le responde:
_ En el mundo del arte no hay que estar con gente estropeada. La gente se queja mucho, llora mucho, y la gente estropeada hace más mal que bien..."

El pintor José Mº Mezquita, el primer día del Taller, nos explica en una pizarra:
_"En la realidad, ya sea el mundo vegetal o animal, se da un orden. Si entendemos ese orden y somos capaces de trasladarlo al lienzo, podemos transmitir la sensación que produce."

_"¡La herramienta para representar la realidad es el rigor!". Nos recomienda el uso de herramientas: la regla y el metro para medir las cosas en la realidad y trasladar esas medidas al cuadro, la plomada para comprobar las verticales y horizontales en la realidad y trasladarlas al dibujo, la calculadora para calcular la escala a la que hemos de traducir las medidas que tomamos.

Se realizó una mesa redonda abierta al público en el Museo de Navarra, que pudieron hacer todo tipo de preguntas a Antonio López, José Maria Mezquita y Juan José Aquerreta, mientras Maria Moreno escuchaba desde la primera fila.
La respuesta de Juan José Aquerreta a una de las preguntas del público:

_"(...) Como ahora no hay curas y los políticos han perdido todo el prestigio, la gente busca a los más raros para que les explique algo de sus propias vidas."

En una de las tertulias espontáneas que se organizaban en el taller cuando se juntaba un corro de gente, una alumna comentó el bajo nivel de exigencia que veía en las clases de la facultad de Bellas Artes, a lo que Antonio López comentó:
_ El método es que no haya método. Eso es más cómodo y más divertido. Hay que educar a la gente a la libertad, si no, es una irresponsabilidad. Eso es muy cómodo, para los profesores y para los alumnos. Mucha gente que enseñan allí no se ganan el pan bien y mucha gente que estudia allí le está quitando el sitio a niños que se diviertan y a viejos. Un rato les puedes decir: _haced lo que os dé la gana._ , pero incluso eso lo tienes que hacer con atención, porque esas personas están ahí para aprender, si no, es una irresponsabilidad."

Creo que lo que he vivido esta semana va a resonar durante meses de trabajo en el estudio. Eso es lo que me han comentado varios veteranos de asistencia a estos Talleres que cada verano, desde hace seis años, da Antonio López en la Universidad de Navarra. Pintores como Gonzalo Goytisolo, Elena Goñi, Maite Piñero, o Juan Sorroche, han asistido varios años porque la experiencia es muy positiva. Otros novatos, como Gemma Pichot, Aina Sánchez, Emilio Vidal, Pablo Giménez o yo misma, nos vamos con la intención de volver el año que viene. Aunque hay una selección de los participantes que hace Antonio López a partir de un cv y dos fotos de cuadros, por lo que ya veremos si tengo esa suerte otra vez.

Enlaces:
Taller de pintura en la Universidad de Navarra
Antonio López
Jose Maria Mezquita
Juan José Aquerreta
Elena Goñi
Gonzalo Goytisolo
Maite Piñero
Emilio Vidal
Gemma Pichot
Pablo Giménez Olavarria
Juan Sorroche

Fotografías y dibujos: Nuria Armengol

Vivian Maier, fotógrafa.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 09 Jan 2011 22:20:00 +0000

Vivian Maier trabajó como niñera para varias familias durante cuarenta años en la ciudad de Chicago. En sus días libres salía siempre a la calle con una cámara de fotos, pero nunca enseñó sus fotos a nadie.

Los niños a los que cuidó en los años 50 la describen como una Mary Poppins, siempre sorprendente e interesante. Otros empleadores la describen como una mujer de carácter fuerte, que hablaba con acento francés, con opiniones firmes en política y un marcado anti-catolicismo.

Este video de un reportaje de tv, entrevista a John Maloof, un vendedor inmobiliario de Chicago que en 2007 preparaba un libro sobre un barrio de su ciudad y encontró en un mercadillo una caja con negativos que incluía alguna vista de Chicago que podía serle útil. Al mirar los negativos con calma se quedó cada vez más admirado. De hecho, como él mismo explica, ver sus fotos le inspiró para hacerse fotógrafo también él y, conforme hacía progresos, cada vez "veía" más en las fotos de Vivian Maier. Compró una cámara como la suya y fué a las calles que Maier había fotografiado, con lo que comprobó lo difícil que era obtener una foto de ese calibre.

Blog de John Maloof sobre Vivian Maier: fotografías, Biografía, calendario de documental, libro, etc:
http://vivianmaier.blogspot.com/
El artículo de wikipedia es muy completo y bien documentado:
http://en.wikipedia.org/wiki/Vivian_Maier
Exposicion en Chicago, del 8 de enero al 3 de abril de 2011:
http://www.explorechicago.org/city/en/things_see_do/event_landing/events/dca_tourism/FindingVivianMaier_ChicagoStreetPhotographer.html

Couleur 2011. Color 2011

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Fri, 31 Dec 2010 09:22:00 +0000

photo: David Ranc

Le réel c'est une apparence infinie, une constante et inépuisable possibilité d'apparaître.

Antonio Machado

L'image du début 2011 c'est un chemin peint en bleu qui dessine un horizon rond, avec des lumières et des ombres, vraies comme les joies et les tristesses que nous pouvons trouver dans la vie, et que dans cette image rappellent des voiles hissées au vent. Il y a aussi le rouge, le couleur de la terre, pour nous maintenir liés au sol.

Je voudrais partager ce chemin avec tous ceux qui ont été importants pour Azulbleu en 2010: Cristina Chi, Cristina Ballesteros, Elena Vecino, Victoria Morera, Mercedes Unzeta, Peter Nesbett et Shelly Bancroft, Andy Goldsworthy, Anne Murat, Ramón Sangüesa, Jesús Olmo, et tous les lecteurs qui ont passé par ici en laissant une trace bleue.

Pendant l'année 2011 Azulbleu va grandir, peut-être même fleurir, parce que l' ambition d'aller plus loin fera qu'il aie des collaborateurs et une orientation plus professionnelle. Je vais demander du conseil à ceux qui savent plus que moi, qui sont légion, et d'aide à des collaborateurs qui veulent parler de peinture en quelconque façon.
Parce que la Unión hace la Fuerza.

La photo de David Ranc, à été prise au Museu Nacional da República, à Brasilia, oeuvre de l'architecte Oscar Niemeyer.
Vous pouvez visiter sa web: www.davidranc.com et son blog: davidikus.blogspot.com

Oscar Niemeyer est dans wikipédia.
Sa web: www.niemeyer.org.br
Centre Culturel Oscar Niemeyer à Asturias, Espagne: www.niemeyercenter.org/

Lo real es una apariencia infinita, una constante e inagotable posibilidad de aparecer.

Antonio Machado

fotografía: David Ranc

La imagen que inicia 2011 es la de un camino pintado en azul que dibuja un horizonte curvo. Con luces y sombras, reales como las alegrías y tristezas que podemos encontrar en la vida, y que en esta imagen parecen las velas de un barco izadas al viento. Hay también algo de color rojo, el color de la tierra, para mantenernos con los pies en el suelo.

Me gustaría compartir este camino con todos aquellos que han sido importantes para Azulbleu durante 2010: Cristina Chi, Cristina Ballesteros, Elena Vecino, Victoria Morera, Mercedes Unzeta, Peter Nesbett y Shelly Bancroft, Andy Goldsworthy, Anne Murat, Ramón Sangüesa, Jesús Olmo, y todos los lectores que han pasado por aquí dejando un rastro azul.

Durante este año 2011 Azulbleu va a crecer, quizá incluso florecer, porque la ambición de hacerlo llegar más allá hará que tenga colaboradores y una orientación más profesional de la que ha tenido hasta ahora. Pediré consejo a quienes saben más que yo, que son legión, y ayuda a colaboradores que quieran hablar de pintura en cualquiera de sus formas.

Parce que la Unión hace la Fuerza.

La fotografía de David Ranc, fué tomada en el Museu Nacional da República, en Brasilia, obra del arquitecto Oscar Niemeyer.

Pueden visitar su web: www.davidranc.com y su blog: davidikus.blogspot.com

Oscar Niemeyer está en wikipedia.

Su web: www.niemeyer.org.br

Centro Cultural Oscar Niemeyer en Asturias: www.niemeyercenter.org/

Exposiciones en París. Calendario / Calendrier par Anne Murat

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Wed, 22 Dec 2010 21:30:00 +0000

Fotografías: Exposición Moebius en la Fondation Cartier, Paris.

Anne Murat nos envía desde París un calendario de exposiciones seleccionadas para visitar durante los próximos seis meses:
Anne Murat nous envoie dés Paris, un calendrier d'expos selectionnées, à visiter pendant les prochains six mois:

Musée du Moyen Age de Cluny

Hasta el 10 de enero 2011: Arte Eslovaco de finales de la Edad Media.

Jusqu'au 1O janvier 2011: Art Slovaquie à la fin du Moyen Age

web

Grand Palais

Hasta el 10 de enero 2011: Francia 1500: entre la Edad Media y el Renacimiento.

Jusqu'au 10 janvier 2011: France 1500 : entre Moyen Age et Renaissance

Hasta el 24 de enero 2011: Monet

Jusqu'au 24 janvier 2011 : Monet

web

Petit Palais

Hasta el 16 de enero 2011: Giuseppe de Nittis

Jusqu'au 16 jan 2011: Giuseppe de Nittis

web

Orsay

Del 8 de marzo hasta el 29 de mayo 2011: fotografía Prerafaelita.

8 mars-29 mai 2011: photographie Préraphaélite

Del 5 de abril hasta el 3 de julio 2011: Manet.

5 avril-3 juillet 2011: Manet

web

Louvre

Hasta el 3 de enero 2011: Museos de papel. La Antigüedad en los libros, 1600-1800

Jusqu'au 3 janvier 2011: Musées de papier. L'antiquité en livres, 1600-1800

Abril - Julio 2011: Claude Lorrain

Avril - juillet 2011 : Lorrain

web

Jacquemart André

Hasta el 24 de enero 2011: Rubens, Poussin.

Jusqu'au 24 Janvier 2011: Rubens, Poussin

web

Fondation Cartier

Hasta el 13 de marzo 2011: Moebius.

Jusqu' au 13 mars 2011: Moebius

web

BNF Mitterrand

Hasta el 9 de enero 2011: Depardon.

Jusqu' au 9 janvier 2011: Depardon
web

Pintura, ja, ja, ja!

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 05 Dec 2010 21:55:00 +0000

Las Grandes Obras de la Pintura occidental revisitadas con mucho humor en el video clip del grupo Hold your horses!

Los que quieran jugar a adivinar todas las obras que parodian estos chicos, pueden darle al play cuantas veces quieran.

Y después pueden visitar el blog de rtfm, que ha elaborado la lista completa de las obras originales, con la imagen y el enlace a wikipedia, para seguir el tema por vías más históricas.
rtfm.es

Gracias a Anne Murat por el video de la canción 70 million de Hold your horses

Birmania, el arte e internet, por Anne Murat

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Fri, 03 Dec 2010 01:08:00 +0000

Birmania evoca más a menudo la imagen de militares que la imagen de pintores. Y sin embargo, a pesar de la dictadura, la sociedad birmana es una sociedad creativa, bulliciosa, en movimiento, En su proyecto Rangoon Cocoon, la realizadora Anne Murat y el fotógrafo Brice Richard han recogido numerosos testimonios de artistas birmanos, de los que aquí explican un extracto.
Vous pouvez lire l'article original en français aprés la traduction en espagnol.

Mapa de Birmani a

La censura, la carencia de medios y la mediocridad de la educación afectan a todos los sectores de actividad en Birmania, sobre todo las artes. Mientras que el arte contemporáneo a nivel internacional ha invertido en el campo de las nuevas tecnologías desde hace tiempo, los pintores birmanos han de pelearse todavía para acceder a las escasas impresoras, programas de tratamiento de imágenes y publicaciones anglófonas disponibles en la capital, sin hablar de los libros de arte, inencontrables o inalcanzables.

D.A. Es un caricaturista comprometido y nos comenta: “Para conocer el nivel de desarrollo de un país hay que tener en cuenta su nivel de creación. En un país subdesarrollado los artistas deben emplear todo su tiempo en trabajos alimenticios, en vez de emplear el tiempo en encontrar inspiración. La situación política, económica y artística están relacionadas. Hoy día, en Birmania, la mayoría de los artistas no pueden vivir de la actividad artística.”.

Maung Maung Thein, pintor tradicional, es propietario de una pequeña galería en Yangon y confirma: “El público no responde. Y no sólo por cuestiones financieras. Hay que formar a la gente en el arte, enseñarles a apreciarlo y comprenderlo”. Maung Maung Thein nos confiesa que su galería no le da suficiente para vivir: desde hace años da clases de pintura para subsistir.

La galería de Maung Maung Thein en Yangon.

Si la minúscula clase media no está preparada para invertir en arte contemporáneo, la mayoría de las obras son adquiridas por los expatriados y los turistas, una clientela volátil, que desaparece en las épocas de disturbios o de huracanes. Los años buenos, Birmania tan solo acoge a unos 300.000 visitantes, cuarenta veces menos de los que visitan Tailandia. Y sin embargo, la calidad de las obras creadas en Birmania ha mejorado considerablemente estos últimos años, gracias a una comunidad de pintores en pleno desarrollo. Las exposiciones dedicadas al arte birmano se han multiplicado en Asia, lanzando la carrera de estrellas en alza tales como Zaw Win Pe, Kin Zaw Latt, Thank Kiaw Thay, Nann Nann, U Soe Moe, Aye Ko, Chaw Ei Thein... Un puñado de artistas que hoy forman parte del circuito artístico internacional y pueden esperar vivir decentemente de su arte.

El artista Zaw Win Pe

Susan Anderson, propietaria de una lujosa galería de arte en Rangoon, ha sido la testigo más entusiasta de esta evolución reciente:

“En 2002, tan solo había un puñado de artistas que se ganaban correctamente la vida y exponían en el extranjero. Hoy día se han convertido en dos o tres puñados. Los coleccionistas empiezan a interesarse en el arte birmano y los artistas locales han aprendido a entrar en contacto con los promotores y a situarse en los simposios de arte asiáticos. Los pintores encuentran cada vez más la manera de ir a trabajar al extranjero. Myanmar ha pasado de ser una isla que lo ignoraba todo del mundo exterior a convertirse en una península.. El relativo aislamiento de Myanmar es una ventaja y un inconveniente. Es cierto que los artistas están raramente al corriente de las últimas tendencias del mercado del arte, pero en este sentido se mantienen muy puros. Encuentran su inspiración en lo que les rodea, en esta herencia cultural, esta tradición, esta religión budista de la que están tan orgullosos. Para muchos artistas crear es un auténtico acto de devoción”.

La galerista Susan Anderson

Paralelamente, una nueva generación de artistas parece haberse dado cuenta de que, en un país donde el acto de creación es como mínimo difícil y en el peor de los casos peligroso, la unión hace la fuerza. Las asociaciones se multiplican, algunas son muy ambiciosas, como el proyecto New One, una galería creada y gestionada por un colectivo de 30 artistas, y otras son más espontáneas. Cada domingo, en casa de la fotógrafa Kyiasng Pyo y el escultor Ko Hla, se reúnen una decena de artistas alrededor de una vela para intercambiar ideas y cantar canciones:

“La generación anterior tenía tendencia a permanecer aislada, explica Kyiang Pyo. Pero nosotros, la joven generación, aprendemos idiomas extranjeros y vemos la televisión, que es una ventana abierta al exterior, al mundo. Nosotros nos acercamos los unos a los otros, tenemos un espíritu más abierto, nos gusta compartir, crear redes. Todo el mundo tiene conocimientos diferentes. Hablando nos enriquecemos mutuamente. Al reunirnos, nos ayudamos entre nosostros”.

Ko Hla

Esta joven generación es mucho más consciente de las posibilidades que abre internet en materia de inspiración y de promoción artística. Según Aung Aung, un joven prodigio de 24 años que ya vende sus telas por más de 4000 euros cada una, la web está a punto de cambiar Birmania:

“En la escuela de arte solo copiábamos las telas de los maestros. Después llegó internet... En la web he podido descubrir y analizar el trabajo de artistas extranjeros contemporáneos y darme cuenta de que existían muchos estilos diferentes. Me inspiré en ellos para desarrollar mi propio estilo. Internet también ha cambiado la manera en que la gente percibe el arte en Birmania. Antes, la gente solo admiraba pasivamente la pintura. Ahora hacen preguntas, comparan, buscan qué novedades hay. Es muy positivo. Cada vez se ve menos arte realista y más arte conceptual”.

Aung Aung

El fenómeno internet está todavía en sus inicios pero poco a poco las ciudades se conectan. Los cibercafés se encuentran con bastante facilidad en Rangoon y Mandalay. Aunque el coste de la conexión, 0,50 euros es elevado, la conexión es poco fiable y la web está estrechamente vigilada por la Junta militar, Birmania cuenta hoy en día con 50.000 usuarios regulares: se acaba de abrir una pequeña ventana al exterior. El acceso a los nuevos medios de comunicación transforma la manera en que la nueva generación se informa, consume y aprende.

Para la joven artista y madre de familia Na Wuh: “Todavía hoy se percibe a los artistas de manera negativa: ¡ser artista equivale a no trabajar y ser pobre! Mi madre quería que fuera una mujer de negocios por el dinero y el prestigio. Para mí, la manera de cambiar estas percepciones se consigue vendiendo mis obras en el extranjero, porque hay museos que organizan grandes exposiciones, hay colecciones privadas... Aquí en Birmania, es más difícil, pero internet contribuye a transformar esta percepción.”

Na Wuh

Texto: Anne Murat www.annemurat.net

Fotografías: Brice Richard www.bricerichard.com/

Traducción del francés: Nuria Armengol
Mapa de Birmania: BBC

Más información en la web: www. rangooncocoon.com

La Birmanie, l’art et Internet

La Birmanie évoque plus souvent l’image de militaires que celle de peintres. Et pourtant, malgré la dictature, la société birmane est une société créative, bouillonnante, en mouvement.

Dans leur projet Rangoon Cocoon, la réalisatrice Anne Murat et le photographe Brice Richard ont ramené de nombreux témoignages d’artistes birmans, en voici quelques extraits.

La censure, le manque de moyens et la médiocrité de l’éducation touchent tous les secteurs d’activité en Birmanie, notamment les arts. Alors que l’art contemporain international a investi le champ des nouvelles technologies depuis longtemps, les peintres birmans se battent encore pour avoir accès aux rares imprimantes, logiciels de traitement d’images et publications anglophones disponibles dans la capitale, sans parler des livres d’art, introuvables ou inabordables.

D.A. caricaturiste engagé commente : « Pour connaître le niveau de développement d’un pays, il faut considérer son niveau de création. Dans un pays sous développé, les artistes doivent consacrer tout leur temps à des boulots alimentaires plutôt que prendre du temps pour trouver leur inspiration. Situation politique, économique et artistique sont liées. Aujourd’hui en Birmanie, la majeure partie des artistes ne peut vivre de son activité artistique. »

Maung Maung Thein, peintre traditionnel, est propriétaire d’une petite galerie à Yangon confirme : « Le public ne suit pas. Et pas simplement pour des raisons financières. Il faut former les gens à l’art, à l’apprécier, à le comprendre. » Maung Maung Thein confie que sa galerie ne lui permet pas de vivre : depuis de nombreuses années, il dispense des cours de peinture pour subsister.

La galerie de Maung Maung Thein, Yangon

Si la minuscule classe moyenne n’est pas prête à investir dans l’art moderne, la plupart des œuvres sont raflées par les expatriés et les touristes, une clientèle versatile, qui disparaît en période d’émeute ou d’ouragan. Les bonnes années, la Birmanie n’accueille qu’environ 300 000 visiteurs, soit quarante fois moins qu’en Thaïlande.

Et pourtant, la qualité des œuvres produites en Birmanie s’est considérablement améliorée ces dernières années, portée par une communauté de peintres en plein essor. Les expositions dédiées à l’art birman se sont multipliées en Asie, lançant les carrières d’étoiles montantes telles que Zaw Win Pe, Kin Zaw Latt, Thank Kiaw Thay, Nann Nann, U Soe Moe, Aye Ko, Chaw Ei Thein…… une poignée d’artistes qui, aujourd’hui, font partie du circuit artistique international et peuvent espérer vivre décemment de leur art.

L’Artiste Zaw Win Pe

Susan Anderson, propriétaire d’une luxueuse galerie d’art à Rangoun, a été le témoin enthousiaste de cette évolution récente :

« En 2002, il n’y avait qu’une poignée d’artistes qui gagnaient correctement leur vie et exposaient à l’étranger. Aujourd’hui, il y en a plutôt deux ou trois poignées. Les collectionneurs commencent à s’intéresser à l’art birman et les artistes locaux ont appris à rentrer en contact avec les promoteurs et à se faufiler dans les symposiums d’art asiatique. De plus en plus de peintres trouvent le moyen de partir travailler à l’étranger. D’une île ignorant tout du monde extérieur, le Myanmar est devenu une péninsule.

L’isolement relatif du Myanmar est un avantage et un inconvénient. Certes les artistes sont rarement au courant des dernières tendances du marché, mais en ce sens ils restent très purs. Ils trouvent leur inspiration dans ce qui les entoure, dans cet héritage, cette tradition, cette religion Bouddhiste dont ils sont si fiers. Pour beaucoup d’artistes, créer est un véritable acte de dévotion. »

la galeriste : Susan Anderson

En parallèle, une nouvelle génération de jeunes artistes semble avoir réalisé que, dans un pays où l’acte de création est au mieux difficile et au pire dangereux, l’union fait la force. Les associations se multiplient, certaines très ambitieuses, comme le projet New One, une galerie créée et gérée par un collectif de 30 artistes, d’autres plus spontanées. Chaque dimanche, chez Kyiang Pyo la photographe et Ko Hla le sculpteur, ils sont une dizaine à se rassembler autour d’une bougie pour échanger des idées et chanter des chansons :

« La génération précédente avait tendance à rester isolée, explique Kyiang Pyo. Mais nous (la jeune génération), nous apprenons les langues étrangères, la TV est une fenêtre sur le monde, sur l’extérieur. Nous nous rapprochons les uns des autres : nous sommes plus ouverts d’esprit, nous aimons partager, créer des réseaux. Tout le monde a un savoir différent. En discutant, on s’enrichit mutuellement. En se réunissant, on s’entraide. »

Ko Hla

Cette jeune génération est bien plus consciente des possibilités qu’ouvre Internet en matière d’inspiration et de promotion artistique. Selon Aung Aung, un jeune prodige de 24 ans qui vend déjà ses toiles pour plus de 4 000 euros pièce, le web est en train de changer la Birmanie :

« En école d’art, nous ne faisions que copier les toiles de maîtres. Puis Internet est arrivé... Sur le web, j’ai pu découvrir et analyser le travail d’artistes étrangers contemporains, et j’ai réalisé qu’il existait beaucoup de styles différents. Je m’en suis inspiré pour développer mon propre style. Internet a aussi changé la manière dont les gens perçoivent l’art en Birmanie. Avant, les gens ne faisaient qu’admirer passivement la peinture. Maintenant, ils posent des questions, comparent, demandent ce qu’il y a de nouveau. C’est très positif. On voit moins d’art réaliste et de plus en plus d’art conceptuel. »

Aung Aung

Le phénomène Internet est encore à ses débuts, mais peu à peu les villes se connectent. Les cybercafés se trouvent assez aisément à Rangoun et Mandalay. Le coût de la connexion (0.5 euro) a beau être élevé, la connexion peu fiable et le web étroitement surveillé par la junte, la Birmanie compte aujourd’hui près de 50 000 utilisateurs réguliers : une petite fenêtre vers l’extérieur vient de s’ouvrir. L’accès aux nouveaux médias transforme la façon dont la nouvelle génération s’informe, consomme et apprend.

Pour la jeune artiste et mère de famille Na Wuh : « Aujourd’hui encore, les artistes sont perçus de manière négative : être artiste, c’est ne pas travailler et être pauvre ! Ma mère voulait que je sois une femme d’affaire pour l’argent et le prestige. Pour moi, la manière de changer ces perceptions, c’est de réussir à vendre mes œuvres à l’étranger, parce qu’il y a des musées qui organisent de grandes expositions, des collections privées… Ici, en Birmanie, c’est plus difficile, mais Internet contribue à transformer les perceptions. »

Artiste : Na Wuh

Texto: Anne Murat http://www.annemurat.net

Crédits photographiques : Brice Richard www.bricerichard.com

Plus d’informations sur le site : www.rangooncocoon.com

MOMA. Exposición Abstract Expressionist New York vista por Ramón Sangüesa.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Thu, 11 Nov 2010 23:17:00 +0000

Me ha gustado ver la evolución de Rothko. De la primera sala a la tercera ni te puedes imaginar que sea el mismo autor.

Me ha sorprendido también Philip Guston de la época que lo tenía conceptuado de otra manera.

Y la pequeña salita de fotografia me ha permitido volver a ver trabajos de Minor White:

y descubrir a Harry Callahan que ha sido una sorpresa:

También ver que Ashile Gorky "se inspiró" en algunas formas de Miró más de la cuenta.

Y claro, Jackson Pollock como siempre. Aunque redescubrí que su mujer, Lee Krasner, era una colaboradora-inspiradora de primer orden. No sé quién va primero, la verdad.

Puedo añadir alguna cosa del MOMA con la pieza participativa de Yoko Ono. Es toda una experiencia estar en el quinto piso y escuchar los alaridos que suben desde el primero:

Aquí el website
http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1098

Ramón Sangüesa, informático especializado en Inteligencia Artificial, profesor en la Universitat Politècnica de Catalunya y derivando en los últimos tiempos hacia diseñador de patrones culturales para la innovación social. Con Ramón es un placer hablar de todo, menos de física cuántica, de la que dice que hay una parte que no entiende: "la que viene en el libro de física cuántica inmediatamente después de abrir la portada con el título". Ha aceptado enviar crónicas pictóricas durante su estancia en Nueva York los próximos meses. Así que ahora azulbleu tiene un corresponsal excelente, alguien que por fin va a decir algo inteligente en este blog. ¡Bienvenido a azulbleu, Ramón!
www.ramonsanguesa.com

Aunque parezca Chinatown, la foto está tomada en Akihabara, el barrio "geek" de Tokyo donde puedes econtrarte a Super Mario Bros del brazo de un guerrero imperial reclamando respeto para los "otakus" ("frikis") en los medios de comunicación: http://www.kirainet.com/manifestacion-otaku/

La foto me la hizo el autor del blog "Kirai: un geek en Japón". Héctor lleva un montón de años en Japón... y eso que no supera los treinta y algo. Buen fotógrafo es, y no por mi retrato sino como dejan claro sus propios libros de fotografía:
http://www.kirainet.com/exposicion-de-mis-fotos-de-momentos-en-la-fnac-de-triangle/

http://www.kirainet.com/un-geek-en-japon-momentos/

La pátina de la vida. Escultura submarina de Jason de Caires.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 31 Oct 2010 21:28:00 +0000

Reproduzco la newsletter del escultor Jason de Caires tal como me ha llegado porque las imágenes y el texto son todo lo elocuentes que el tema requiere. Dan noticias de su trabajo en Cancún, Méjico, llevando a cabo el mayor proyecto hasta el momento de esculturas figurativas sumergidas, llamado Silent Evolution. La Evolución Silenciosa se refiere al proceso por el que el mar se apropiará de estas esculturas, que serán desgastadas por la acción del agua y habitadas por corales, pólipos y todo tipo de fauna y vegetación marinas, como puede verse en las imágenes que envía de su anterior instalación Vicissitudes en la isla de Granada.
Jason de Caires agradece a los modelos que posaron pacientemente untados de vaselina y en ropa interior, cubiertos de yeso durante una hora, para realizar las esculturas. Y como en toda ceremonia de inauguración que se precie, la lista de agradecimientos es larga, desde los colaboradores más cercanos a los más esporádicos y también los padres.
El proyecto no está finalizado porque ahora empieza el trabajo de escultor del mar, cubriendo las esculturas con la pátina de la vida.
The latest Jason deCaires Taylor News
So here we finally have it… The world’s largest underwater collection of contemporary sculpture in history; The Silent Evolution.
400 permanent life-size sculptures forming a monumental artificial reef in Cancun/ Isla Mujeres, Mexico. (click here)

The Journey

The road has been long, taken 18months, required 120 tons of cement, sand and gravel, 3800m of fiber-glass, 400kg of silicone, 8,000miles of red tape,120hrs working underwater and $250,000. Sculpting close to the mangroves in Puerto Morelos the team received over 2500 mosquito bites, tabano bites, fire ant stings and more than 20 nips from Damsel fish during installations in the sea.

Of course on a journey of this scale I have many people to thank along the way and without their help, dedication and faith none of this would have been possible.

Firstly I would like to thank all the models who patiently stood in their underwear covered in vaseline and plaster for over an hour, thus requiring trust and bravery. We are pleased to have immortalized (and removed a few hairs) of the following people: Roy, Vanessa, Joaquin, Marcelo, Tania, Karen, Fernando, Mangala, Froylan, Paz, Charlie Brown, Paulina, Rosario, Angelica, Brian, Jim, Carlito, Karen S, Grace, Amandeep, Valaria, Blanca, Kelly, Lily, Henri, Lucky, Angel, Veronica, Aida, Sarah, Cecil and little Santiago (only 3 years old).

Most importantly a special thanks to the artist assistants: Rodrigo, Jorge, Lucio, James and Karen, who have worked though very tough conditions and have been incredibly loyal and hardworking. In particular Karen, who has been there from the start and a key element of this project. I feel very fortunate to have worked alongside each one of them.

During the development and installation we encountered many logistical and engineering challenges and a heart-felt thanks goes out to Mario from Marenter, his family and all the crew on BD1.

Additional thanks to: The National Marine Park of Cancun, with valuable help from Juan Carlos, Roberto, Henri, Tonio, Joel and Patricia Santos.
Todd Barber from Reefball, Alfredo, Ruben, Luis, Mario, Luzma, Franciso from PESCA, Raul, Donna, Pedro Frentes and of course Rita the cat.

This project was realized almost 2 years ago when I sat down with Jaime Gonzalez Cano, Director of the Marine Park and Roberto Diaz President of the Nautical Association, from this initial meeting we laid down the blueprints of the underwater museum. Their enthusiasm, faith and support have been the driving force of this projects success.

Finally I would like to dedicate this work to my parents Christine and Roy who have been the bow that fired this arrow, providing both foundations and support, regardless of all circumstances. You really have been the cornerstone and catalyst to change ideas into reality, and for this I will be eternally grateful.

I would also like to point out that this installation is by no means over and the second phase is dependant on nature’s artists of the sea, to nurture, evolve and apply the patina of life.

New Silent Evolution Film

Grenada News

After a recent trip to Grenada in September the coral and marine life growing on Vicissitudes has beyond all expectations.

And finally

For further details or press information on any of the above please contact:

Jason deCaires Taylor
divetaylor@yahoo.com
www.underwatersculpture.com
Tel: +52 1 9981921189